El cantautor NOREH lanzó su esperado segundo álbum NOREH | A film by la vida real a través de 5020 Records. Conceptual en esencia y profundamente personal en su ejecución, este álbum de 15 canciones retrata el viaje cinematográfico de un joven que atraviesa el amor, el desamor y la transformación, fusionando influencias de pop, balada, rock, bolero y más géneros con una sensibilidad emocional y una ambición creativa claras.
Junto con el lanzamiento del álbum, NOREH presentó el tema principal “Porsi” junto a Sin Bandera, una balada emotiva que captura la urgencia de amar en el presente. En lugar de lamentar lo que se ha perdido, “Porsi” reflexiona sobre lo que podría cambiar o desvanecerse, una declaración hecha mientras el amor aún está vivo y ardiendo. Con una vulnerabilidad poética, la canción imagina un futuro donde las cosas ya no sean iguales y transforma ese temor en un homenaje apasionado a lo que hoy existe. Para NOREH, “Porsi” representa un sueño cumplido: colaborar con uno de los dúos que marcaron su adolescencia e influyeron en su camino como compositor.
“Solía cantar sus canciones miles de veces, pensando que podía sonar como ellos”, dijo NOREH sobre Sin Bandera. “Pero la verdad es que son únicos. Eso fue lo que me impulsó a empezar a escribir mis propias canciones. Y ahora, 13 años después de haber escrito la primera, estoy cantando una mía junto a ellos. Es surreal”.
Además del tema, NOREH presentó una serie de piezas visuales inspiradas en cada canción del álbum, una colección de viñetas cinematográficas que dan vida a la historia completa de A film by la vida real a través de imágenes inspiradas en el cine y momentos cargados de emoción.
“Todos tenemos la oportunidad de escribir el guión de nuestra vida, y de reescribirlo en el camino”, compartió NOREH. “Esa idea se refleja mucho en varias de estas canciones. Nunca había sido tan intencional al conectar lo que vivo y observo con lo que también viven los demás. Este puede que sea mi proyecto más personal hasta ahora, pero también es el más inspirado por las historias que escuché de mis fans durante mi primera gira internacional”.
Inspirado por su amor al cine y la narrativa, NOREH construye cada canción del álbum como una escena dentro de una historia más grande, invitando al oyente a sentarse y ver cómo se despliega su evolución emocional. Con letras meticulosamente cuidadas y arreglos dinámicos, el proyecto refleja a un artista más maduro, más intencional y completamente conectado con su identidad.
El álbum también cuenta con colaboraciones especiales junto a artistas que han marcado e inspirado el recorrido de NOREH, incluyendo a Sin Bandera, Jay Wheeler, Corina Smith y Lagos. Como personajes clave en una película, cada colaboración aporta emoción, profundidad y giros importantes a la historia que NOREH quiere contar.
Antes del lanzamiento del álbum, NOREH presentó tres sencillos que ofrecían un vistazo al universo cinematográfico que estaba construyendo. “Tráiler” planteaba la idea de ver un adelanto de la vida de alguien antes de enamorarse, como si fuera el tráiler de una película. “Dieta” exploraba la tensión entre el deseo y la contención a través de una balada sensual con toques de bolero. Y en “Rey” junto a Lagos, reimaginó el clásico de Vicente Fernández para confrontar el arrepentimiento y el exilio emocional desde una perspectiva pop-rock cargada de drama.
Con NOREH | A film by la vida real, NOREH abre un nuevo capítulo que fusiona música y narrativa, consolidándolo como una de las voces más prometedoras y visionarias de la música latina actual. NOREH | A film by la vida real ya está disponible en todas las plataformas digitales.
La escena latina recibe una nueva propuesta musical de la mano de Juanjo Cortés y Miguel Melfi, quienes unen sus voces en El Tequila Me Hace Bien, un tema que ya está disponible en todas las plataformas digitales. La canción mezcla ritmos frescos y pegadizos con una letra que habla de las despedidas sentimentales y ese consuelo que, en ocasiones, se busca en una copa de tequila.
Juanjo Cortés, artista que viene abriéndose camino en la música latina, apuesta por este sencillo como una carta de presentación a lo grande. Su estilo combina lo urbano y lo romántico con un toque fiestero que conecta con quienes han vivido una ruptura y saben lo que significa salir a olvidarlo todo. Por su parte, Miguel Melfi, conocido por su versatilidad y presencia en la música centroamericana, suma su carisma y energía a este proyecto, aportando un matiz personal que eleva la canción a un himno de desahogo y celebración.
El Tequila Me Hace Bien fue lanzada oficialmente el 15 de mayo de 2025 y, desde entonces, ha generado una notable respuesta en redes sociales, donde ambos artistas han impulsado un challenge relacionado con el tema. La canción también se presentó en vivo en Plaza MX Cantina, un espacio de referencia para la música latina en directo, consolidando su acogida entre los seguidores de ambos artistas.
Con este lanzamiento, Juanjo Cortés da un paso firme en su carrera musical y Miguel Melfi confirma su capacidad para adaptarse a nuevos sonidos y colaboraciones. El Tequila Me Hace Bien no solo es una canción para las listas de reproducción de fiesta, sino también un relato musical para quienes han pasado por una historia que, entre amigos y copas, se vuelve un recuerdo menos amargo.
El dúo murciano Simétrica, formado por las hermanas Ángela y Johanna Murcia, lanza su nuevo single "Punto y Aparte", un tema que mezcla el pop electrónico más actual con la esencia emocional de una balada. Esta nueva combinación marca un paso más en su evolución artística y conecta de lleno con su público.
"Punto y Aparte" habla de cerrar ciclos, de curar heridas y de aprender a seguir adelante tras una ruptura. A través de una letra honesta y poderosa, Simétrica quiere reflejar ese momento en el que, después del dolor, se recupera la fuerza para escribir una nueva historia. "Aunque lloré, ya desperté, punto y aparte", repiten en un estribillo que suena a liberación, a empoderamiento real y, sobre todo, a celebración de la vida. Un estribillo que nos recuerda que, a veces, decir adiós es el primer paso para volver a brillar.
Musicalmente, la canción mantiene el sonido pop con toques electrónicos que caracteriza a Simétrica, pero con una sensibilidad especial que esconde una balada dentro de una producción moderna, pegadiza y perfecta tanto para bailar como para cantarla a pleno pulmón. “Punto y Aparte” vuelve a estar compuesto por ellas y producido en Odisey Ibiza con el cantante Pepe Bernabé y Karvel.
Tras éxitos como "Cora en Off" y "Ya no lloro" —que formaron parte de la banda sonora de la última edición de “La Isla de las Tentaciones” y el programa “First Dates”—, Simétrica continúa consolidando su lugar en la escena musical nacional.
"Punto y Aparte" formará parte del EP que el dúo prepara para 2025, un proyecto que recogerá toda la esencia de su sonido y con el que pondrán el broche final a un año lleno de nuevos retos, nuevos himnos y mucha energía positiva.
Ángela y Johanna Murcia, nacidas en Murcia en 1996, comenzaron su carrera musical a los 9 años, participando en concursos como “Ven a Cantar” y “Veo Veo”, donde su talento y carisma empezaron a brillar. A los 15 años fueron semifinalistas en “Tú Sí Que Vales”, un punto clave en su carrera que las llevó a crear el proyecto Simétrica y debutar con su primer single, “Ayer”, en 2016.
Desde entonces, el dúo ha evolucionado hacia un estilo enérgico y fresco, combinando pop y sonidos electrónicos que conectan con su audiencia. Simétrica ha llevado su música a escenarios de toda España, consolidándose en los ritmos fiesteros y contagiosos. También fueron elegidas por Pablo Motos para aparecer en “El Hormiguero” junto a Gloria Gaynor y su música ha formado parte de la banda sonora de los programas “La Isla de las Tentaciones” o “First Dates”.
Con una trayectoria marcada por la autenticidad y el espectáculo, las hermanas siguen conquistando al público, quien las vitorea como “Las reinas del baile”.
El productor y artista ATK Epop se une a la cantante malagueña Mara Vélez para presentar Amor a Destiempo, un álbum que respira libertad, alegría y emoción, donde el amor se manifiesta en su forma más pura y sin condicionantes. Como carta de presentación de este proyecto, llega Días Claros, Ojos Negros, un sencillo que captura el espíritu del disco y propone una mirada luminosa y valiente sobre las relaciones humanas.
Con una base rítmica alegre y juguetona, y una producción que fusiona sonidos urbanos con toques orgánicos, ATK Epop mantiene su sello distintivo: una mezcla de electrónica y sensibilidad popular que invita tanto a bailar como a sentir. En esta colaboración, Mara Vélez aporta una interpretación vocal cargada de matices, dulzura y carácter, dando vida a una letra que habla de deseo, complicidad y de esos días que se iluminan con una simple mirada.
La canción, que repite en su estribillo “Días claros, ojos negros. Días claros, ojos negros. Necesito tus besos”, se convierte en un canto de amor libre, donde raza, género u origen pierden importancia ante lo único que verdaderamente importa: la verdad de los sentimientos. Es una invitación a dejarse llevar y amar sin miedo, sin etiquetas, sin explicaciones.
El álbum Amor a Destiempo refleja este mismo concepto a lo largo de sus canciones, combinando producciones que oscilan entre lo urbano, el pop alternativo y pinceladas folclóricas, con letras honestas que retratan historias de deseo, libertad y amor real. Días Claros, Ojos Negros destaca como una de las piezas más luminosas del disco, con versos que conectan con las raíces andaluzas de Mara Vélez y una instrumentación que abraza la cultura popular desde una perspectiva contemporánea.
Ya disponible en plataformas digitales, este trabajo posiciona a ATK Epop como uno de los productores más versátiles y sensibles de la escena independiente, y a Mara Vélez como una voz con alma, capaz de emocionar y contagiar con su forma de contar historias. Para conocer más detalles sobre este lanzamiento y los próximos proyectos de ambos artistas, se puede seguir su actividad a través de sus redes sociales.
VITO publica el álbum “Mutatio”. Recientemente lanzaba el single que da nombre a este primer largo, una de las canciones más significativas de su repertorio; su título proviene del latín y significa cambio o transformación, una idea que ha sido clave en la creación del primer trabajo discográfico del solista granadino.
“Mutatio", la primera entrega discográfica de VITO, comienza a gestarse varios años atrás, estudiando armonía, buscando la complicidad con los instrumentos, aprendiendo de otras referencias musicales y, en definitiva, profesionalizando el proceso creativo para trazar la argumentación de este magnífico disco.
"Mutatio" refleja precisamente ese proceso: una alteración constante en la búsqueda de una mejor versión de uno mismo, un camino que, paradójicamente, nunca termina. Siempre aparecen nuevas metas e inquietudes. Es esa evolución que nos impulsa hacia dónde queremos estar: "cambiaré de forma para irme volando". "Ojalá que estas canciones, en las que he puesto todo mi cariño, esfuerzo y una parte muy personal de mí, logren llegar al corazón de alguien y despertar alguna emoción, por pequeña que sea. Ese es, al final, el propósito más bonito que puede tener alguien que escribe canciones: conectar con los demás a través de la música. Mientras haya personas dispuestas a escuchar, yo seguiré trabajando con ilusión para seguir creando, aprendiendo y trayendo nuevas canciones en el futuro. Esto apenas comienza". VITO
Musicalmente, el single también refleja esa renovación. Comienza con un piano y una voz, a las que de manera gradual se suman la percusión y diversas capas de sintetizadores. Antes del estribillo, la atmósfera va creciendo hasta alcanzar su punto álgido con una cadencia enérgica y una sobresaliente rítmica. La propuesta del granadino estriba entre el Pop melódico, el Bedroom Pop con resortes del sonido británico.
"Mutatio" ha sido grabado en los estudios Coolmood de Madrid bajo la producción de Pablo Díez y David García, productores que han trabajado con artistas de tanto peso como Los Morochos, Agoney y Marlon, entre otros.
Madrid recibe sus fiestas de San Isidro con una sacudida musical que pone a prueba la memoria popular. La banda CHULA acaba de lanzar Pichi, una oscura y contundente reinterpretación del mítico chotis madrileño popularizado por Celia Gámez en 1931. Lejos de replicar el tono festivo y despreocupado del original, el grupo ofrece una versión cargada de guitarras pesadas, atmósferas densas y un mensaje directo que cuestiona los arquetipos tradicionales y los relatos heredados sin revisión.
El nuevo single, disponible desde el 14 de mayo en plataformas digitales, toma el icónico tema de la revista Las Leandras y lo convierte en una reflexión contemporánea. CHULA mantiene la esencia castiza, pero actualiza su sonoridad con elementos de stoner rock y sintetizadores oscuros, marcando una distancia consciente respecto al musical original. La banda aprovecha esta revisión para desnudar la figura del “chulo que castiga” y evidenciar la violencia machista que ese personaje representa. “Es importante visibilizar que ese arquetipo no es simpático ni entrañable, sino la representación de un proxeneta y un maltratador”, ha declarado la banda en el comunicado que acompaña al lanzamiento.
Como parte de su ejercicio de memoria crítica, CHULA recupera además un verso censurado durante el franquismo, que hacía referencia a Victoria Kent, figura clave del feminismo republicano y directora general de Prisiones en la Segunda República. Un gesto que no solo dignifica la memoria histórica, sino que denuncia los silencios y omisiones del relato oficial en torno a la cultura popular.
Formada durante la pandemia, la banda madrileña ha construido una identidad sonora que mezcla boleros, sones y jotas con guitarras del averno y una clara actitud de ruptura. Juanjo Ozzio (voz y guitarra), Iñaki Cheerleader (guitarra principal), Sebass (bajo) e Iván “Santo” Santana (batería) integran CHULA, una formación que se mueve entre el stoner rock, el rock alternativo y el folclore iberoamericano. Su sonido se nutre de influencias que van desde Queens of the Stone Age hasta los ritmos tradicionales hispanos, con un marcado acento castizo.
En Pichi, el grupo no solo renueva el sonido de un clásico, sino que lo somete a una lectura actual, fiel a su apuesta de reinterpretar la tradición desde una perspectiva crítica. Preguntándose abiertamente “¿somos conscientes de lo que bailamos en las verbenas?”, CHULA propone una revisión cultural que invita a cuestionar las costumbres asumidas y los símbolos festivos heredados sin reflexión.
La producción del single ha corrido a cargo de los propios miembros de la banda, reafirmando su compromiso con la independencia creativa y el control de su discurso artístico. La canción ya está disponible en plataformas digitales, y para conocer más sobre CHULA y sus próximos lanzamientos, se puede seguir su actividad en sus redes sociales.
La multifacética artista Athina Klioumi de Marturet celebra el éxito de su más reciente interpretación musical: una versión bilingüe (inglés-español) del icónico tema griego Never on Sunday, ya disponible en Spotify. La canción, reconocida mundialmente por la inolvidable interpretación de Melina Mercouri en la película homónima de los años 60 dirigida por Jules Dassin, renace con elegancia y profundidad en la voz de Athina, bajo una propuesta artística cargada de historia, emoción y evolución personal.
El tema original, compuesto por el legendario Manos Hadjidakis, obtuvo el Premio Óscar a la Mejor Canción Original, y fue un hito tanto para el cine como para la cultura musical griega. Hoy, en 2025, Athina le rinde tributo con una propuesta renovada y conmovedora que une lo clásico y lo contemporáneo.
“Cantar es un acto de amor y una conexión hermosa con nuestros centros de energía. Es algo que me libera y me eleva”, afirma Athina sobre esta nueva faceta artística que ha conquistado a su público.
La producción de este tema fue posible gracias al talento del reconocido músico y arreglista Rodner Padilla, junto a Gaby Landaeta, con la dirección artística del maestro Eduardo Marturet, esposo de Athina y director de la Miami Symphony Orchestra. La canción fue interpretada por primera vez con la Orquesta Nacional de Grecia (ERT) en Atenas, en el mismo estudio donde alguna vez grabó Melina Mercouri. Posteriormente, fue presentada con gran éxito en el Miami Design District junto a la Miami Symphony.
El 15 de mayo, Athina volvió a encontrarse con su audiencia en un espectáculo único que combinará moda, arte y música. Será parte de un mega desfile con la Escuela Italiana de Diseño Marangoni, 60 modelos, 30 diseñadores y la interpretación de una canción italiana en vivo. El evento contará también con la presencia de la supermodelo Karolina Kurkova. Será un mágico desfile de moda con la Miami Symphony y el maestro Eduardo Marturet dirigiendo. Athina Kliomi desfilará y cantará una canción italiana reconocida de sorpresa.
Este proyecto musical marca un nuevo capítulo en la carrera artística de Athina Klioumi, quien continúa explorando con pasión distintas formas de expresión desde la actuación, la música y el arte escénico.
Dos de los nombres más comentados de la escena latina actual, Belinda y Xavi, sorprenden con Mírame Feliz, un álbum que no solo fusiona géneros y épocas, sino que demuestra la capacidad de ambos artistas para conectar con distintas generaciones a través de la música. Disponible ya en plataformas digitales, este proyecto marca una nueva etapa en las carreras de ambos intérpretes, apostando por una propuesta fresca, emotiva y con sabor mexicano contemporáneo.
Belinda, una artista que ha crecido bajo los reflectores desde su infancia, ha demostrado en múltiples ocasiones su talento para reinventarse. Desde su debut en 2003 con su álbum homónimo, que alcanzó doble platino en México y España, hasta éxitos posteriores como Utopía, Carpe Diem y Catarsis, la cantante ha explorado pop, baladas, dance, reggaetón, trap y regional mexicano, manteniéndose siempre vigente en una industria en constante cambio. En 2024, temas como Cactus, 300 Noches junto a Natanael Cano y La Mala volvieron a colocarla en los primeros lugares de popularidad.
Por su parte, Xavi, una de las voces más jóvenes y prometedoras del regional mexicano, aporta a Mírame Feliz esa fusión que caracteriza su carrera: una mezcla de R&B, pop, urbano y sonidos tradicionales mexicanos, moldeados por su infancia entre la cultura mexicana y estadounidense. A sus 20 años, el artista ha logrado lo que muchos sueñan: pasar de publicar música independiente a firmar con uno de los sellos más importantes del mundo, Interscope, tras ser descubierto en redes sociales. Xavi representa a una nueva generación que entiende la música sin etiquetas, conectando con los públicos desde lo auténtico y lo emocional.
El álbum Mírame Feliz está compuesto por una serie de canciones que viajan entre el amor y el desamor, la nostalgia y la celebración, con letras cercanas y melodías que combinan guitarras regionales, bases urbanas y arreglos pop. La colaboración entre Belinda y Xavi no solo sorprende por la química vocal que logran, sino por la honestidad de las historias que cuentan, reflejando las distintas etapas emocionales que atraviesa cualquier persona.
Este trabajo confirma la versatilidad de Belinda y la capacidad de Xavi para integrarse en proyectos de gran escala, convirtiéndose en una de las colaboraciones más comentadas del año dentro de la música latina. Ambos artistas han anunciado que próximamente presentarán material visual para acompañar algunas de las canciones de este álbum, y ya adelantan que podría haber más colaboraciones juntos en el futuro.
Mírame Feliz está ya disponible para escuchar en plataformas digitales. Para no perderte ninguna novedad sobre Belinda, Xavi y sus futuros proyectos, puedes seguirlos en sus redes sociales, donde comparten contenido exclusivo, adelantos y detalles de este álbum que promete seguir dando de qué hablar en los próximos meses.
Joana Santos vuelve a encender las plataformas con el lanzamiento de No Me Conviene, una canción que refleja a la perfección su estilo inconfundible: una mezcla entre raíces flamencas, copla y el sonido urbano actual. La artista sevillana, que se ha consolidado como una de las figuras más virales y queridas del panorama musical español, presenta este nuevo tema como adelanto de lo que será su primer álbum de estudio, La Dueña, previsto para este 2025.
Desde que apareció por primera vez en televisión con solo 6 años en los premios Veo Veo, Joana Santos ha construido una carrera marcada por la autenticidad y el respeto a sus raíces. Ha participado en populares programas como Menuda Noche, El Musical de Canal Sur, Punto y Música y Se Llama Copla, demostrando desde niña una personalidad arrolladora sobre el escenario. Sin embargo, su salto definitivo llegó en 2023, cuando sus lanzamientos acumularon 2 Discos de Oro y 1 Disco de Platino, logrando posicionarse en los primeros puestos de tendencias de YouTube España con cada nuevo estreno.
En No Me Conviene, Joana habla de una relación tóxica imposible de resistir, donde el deseo y la razón entran en constante conflicto. “No me conviene, aunque sabe cómo soy / si tú me llamas, yo voy / y conmigo tú te vienes”, repite con ese deje flamenco inconfundible, sobre una base de ritmo urbano que convierte la canción en un himno perfecto para quienes viven historias de amor complicadas. La letra, directa y emocional, conecta con ese público joven que ha encontrado en la artista una voz honesta y cercana.
El éxito viral de Joana en TikTok ha sido clave en su ascenso. Con casi un millón de seguidores en la plataforma, sus canciones no dejan de generar tendencias y challenges, como ocurrió en septiembre de 2024 con su versión femenina del reparto cubano La Rizos, que superó los 936 mil videos con su sonido en solo tres meses y acumuló más de 10 millones de streams.
Tras una intensa gira en 2024 que la llevó por todo el país, Joana Santos se prepara para el lanzamiento de La Dueña, su primer álbum de estudio, donde promete reafirmar su identidad y seguir sorprendiendo con colaboraciones y una propuesta musical fresca y poderosa. La artista ha dejado claro que su música es un puente entre la tradición y lo moderno, y que ha llegado para quedarse.
No Me Conviene ya está disponible en plataformas digitales. Para más información sobre Joana Santos y todas las novedades de su próximo álbum, puedes seguirla en sus redes sociales, donde comparte adelantos exclusivos, momentos de gira y contenido que ya conquista a miles de seguidores cada día.
La artista Catalina Zaya continúa conquistando corazones con su cuarto single, Mi Alma Canta, una canción que mezcla a la perfección los ritmos románticos latinos con un estribillo pegadizo y luminoso. Este tema, ya disponible en plataformas digitales, refleja la esencia vibrante y sentimental que caracteriza a la artista, transportando al oyente a esos momentos inolvidables de amor, atardeceres junto al mar y bailes bajo las estrellas.
Con una personalidad musical que abraza los sonidos tropicales, las vibras veraniegas y las emociones profundas, Catalina Zaya ha sabido construir un espacio propio dentro de la escena latina actual. Mi Alma Canta es un ejemplo claro de ello: una canción que invita a dejarse llevar, a sonreír y a conectar con esos sentimientos que todos llevamos dentro. Su letra, sencilla pero cargada de emoción, y su melodía, cálida y envolvente, la convierten en una pieza imprescindible en playlists de Latin Pop, Bachata, Chill Romance y Summer Vibes.
El videoclip, rodado en la espectacular Cartagena de Indias, Colombia, añade un valor especial a este lanzamiento. Colores vivos, paisajes de ensueño y la energía de la cultura caribeña se combinan en una producción que celebra la alegría de vivir y el amor en todas sus formas. Este vídeo, disponible en su canal de YouTube —que ya supera los 60.000 suscriptores—, será una de las piezas clave en la promoción de la canción, junto con contenido exclusivo en TikTok e Instagram, donde la artista mantiene una comunidad activa y entusiasta.
Mi Alma Canta no es solo una canción, sino una invitación a ser parte del universo que Catalina Zaya ha construido: un espacio donde la música es sinónimo de alegría, calidez y conexión humana. Cada tema que lanza está pensado para acompañar momentos especiales, para convertirse en banda sonora de recuerdos felices y para recordarnos que siempre hay razones para sonreír, bailar y seguir creyendo en el amor.
Con este nuevo single, Catalina Zaya reafirma su compromiso con esa mezcla de romance y energía tropical que la define, y promete seguir sorprendiendo con próximos lanzamientos. Para quienes deseen disfrutar de su música y estar al día de todas las novedades, Mi Alma Canta ya está disponible en plataformas digitales, y pueden seguir a la artista en sus redes sociales, donde comparte no solo su música, sino también parte de su vida y la calidez que la caracteriza.
Una propuesta fresca, sincera y luminosa que seguirá haciendo vibrar los corazones este 2025.
La cantautora panameña Adri Paiz sigue conquistando espacios con su estilo inconfundible y su voz cargada de misticismo tropical. Este año, la artista presenta Moreno, una bachata que invita a cerrar los ojos y dejarse llevar hasta la orilla del mar, entre palmeras, sonrisas y brisas cálidas. El sencillo forma parte de su próximo álbum, un trabajo muy personal y vibrante que verá la luz en mayo y que promete ser una celebración sonora de libertad, autenticidad y amor propio.
Moreno es mucho más que una canción romántica. Es un homenaje a la gente guapa, a la belleza natural de los cuerpos morenos al sol y a la conexión sincera con las pequeñas alegrías de la vida. Con una producción fresca y playera, Adri Paiz logra captar esa esencia caribeña que tanto la caracteriza, fusionando su raíz latina con la calidez de la bachata y un toque poético que envuelve cada una de sus letras.
Adri Paiz, conocida por crear auténticos sancochos musicales, mezcla con naturalidad géneros como flamenco, R&B, bachata, salsa y reggae, ofreciendo siempre una propuesta original y con identidad propia. Desde que en 2023 presentó Telenovela, una canción que tuvo excelente repercusión en su país y más allá, la artista ha estado construyendo un proyecto musical más maduro, sensible y comprometido con el renacimiento femenino y la celebración de la belleza simple de la vida.
Tras un periodo de exploración y reconexión consigo misma, Adri decidió volcar todo ese proceso de transformación en un álbum compuesto por once canciones originales. Este material no solo mostrará su versatilidad musical, sino también su capacidad para emocionar y acompañar al oyente en distintas etapas personales, desde el baile hasta la introspección.
Moreno ya está disponible en plataformas digitales, y es un adelanto perfecto de lo que será este esperado trabajo discográfico. Adri ha compartido su entusiasmo por este lanzamiento en sus redes sociales, invitando a su público a compartir la canción y formar parte de este viaje musical que celebra el amor, la alegría y la libertad de ser uno mismo.
Con una identidad sonora que abraza lo tropical, lo espiritual y lo contemporáneo, Adri Paiz se consolida como una de las voces emergentes más originales de la escena latina. Su nuevo álbum promete ser un canto a la vida, al renacer y a la belleza de lo simple, con el mar como testigo y la música como lenguaje universal.
El talento de Valladolid vuelve a hacerse notar con el lanzamiento de Lencería Fina, el nuevo álbum de Sara La Fuente y Markox, dos nombres imprescindibles de la escena musical de la ciudad que, tras meses de trabajo, dedicación y una enorme ilusión, vieron materializado este proyecto hace tan solo unas semanas. Este álbum no solo representa una nueva página en sus trayectorias, sino que también sirve como homenaje al colectivo homónimo que ambos fundaron años atrás, y que les ha acompañado en su crecimiento artístico y personal.
Lencería Fina destaca por su variedad sonora. Ambos artistas han demostrado a lo largo de sus carreras que la versatilidad es una de sus mejores armas, y en este trabajo lo confirman con una fusión de géneros que va desde sonidos urbanos hasta toques más melódicos, mostrando que cualquier estilo que tocan, lo hacen suyo. La química entre Sara La Fuente y Markox se percibe en cada canción, con una complicidad que traspasa los altavoces y mantiene a sus seguidores enganchados desde el primer tema hasta el último.
Este proyecto no llega solo. A principios de 2025, ambos artistas dieron un paso más allá y, junto a Fukka, Siwba y Marce, formaron SWEET 47, un colectivo musical que está revolucionando Valladolid con su propuesta fresca y una energía que no pasa desapercibida. Desde su creación, este grupo no ha parado de trabajar, ofreciendo shows únicos y aportando a la ciudad un nuevo movimiento donde la música nunca falta. La conexión entre sus miembros, cada uno con su estilo y personalidad bien definida, ha dado como resultado una de las formaciones más especiales y prometedoras de la escena actual.
El objetivo es claro: hacer temblar no solo Valladolid, sino todo el panorama nacional. La ambición y el talento de SWEET 47 apuntan alto, y este álbum de Sara La Fuente y Markox es una prueba más de que lo que está naciendo en esta ciudad tiene potencial de sobra para dejar huella.
Lencería Fina ya se encuentra disponible en plataformas digitales, y promete seguir sumando oyentes que se dejen atrapar por la autenticidad de su propuesta. Para no perderse nada de lo que viene, se puede seguir a los artistas a través de sus redes sociales, donde comparten novedades, fechas de próximos conciertos y todo lo que está por llegar con este nuevo movimiento.
Una Lengua Infinita presenta su nueva canción "Ninguna vez es tarde", una obra que invita a la reflexión sobre el amor, la vida y la muerte en el contexto de un mundo en constante cambio y desafíos sociales.
La letra de la canción, con versos como "Mañana diré adiós, tal vez mañana moriré, tal vez mañana hoy", refleja la incertidumbre y la fragilidad de la existencia humana. En un momento en que el mundo enfrenta el auge de los estados totalitarios, el renacimiento de los extremismos, la dominación de las multinacionales y el poder de las oligarquías, la canción se convierte en un llamado a valorar cada instante y a encontrar esperanza en medio de la adversidad.
El estribillo "déjame sonreír al viento, compartir el árbol, desplegar el fuego, sentir la vida como un comienzo" es una alegoría para tomar actitudes activas, levantarse y no resignarse. En un contexto donde las tensiones globales marcan la agenda, la canción ofrece un mensaje de amor y resistencia, sugiriendo que hay un remedio para los males del mundo: el amor.
Camila y Nafise han grabado un video que ilustra el ambiente y la emoción que quiere transmitir la canción. Entre el persian ney y la voz, se simboliza un diálogo entre la vida y la humanidad.
Una Lengua Infinita, conocida por su capacidad de fusionar poesía y música, nos recuerda que "ninguna vez es tarde" para amar y vivir plenamente. La canción es un homenaje a la resiliencia humana y a la capacidad de encontrar belleza y significado en cada momento, incluso en tiempos de incertidumbre.
La banda invita a todos a escuchar "Ninguna vez es tarde" y a unirse a ellos en esta celebración de la vida y el amor. La canción estará disponible en todas las plataformas digitales a partir del 16 de mayo.
El artista hispano-holandés Javi Montes ha dado un paso decisivo en su carrera musical con el lanzamiento de El Poder, un single que no solo destaca por su sonido urbano y actual, sino por la carga emocional y la historia real que lo respalda. Esta canción, ya disponible en plataformas digitales, es una declaración de principios que habla de amor, dependencia emocional y valentía personal.
Inspirado en una experiencia propia, Javi Montes narra en El Poder la historia de una relación intensa pero tóxica, donde el cariño se convierte en una trampa emocional. Es ese tipo de vínculo en el que, pese a saber que te arrastra hacia un lugar donde no deberías estar, sigues a la persona que amas. Sin embargo, en un momento decisivo, aparece la fuerza interior para romper ese ciclo y elegir un camino propio. Años después, como suele ocurrir, esa persona intenta volver, pero para entonces ya es tarde.
El relato cobra aún más fuerza en su videoclip, una pieza visual que acompaña a la canción y que refuerza su mensaje. En él, una niña y un niño —que simbolizan a los protagonistas de esta historia en su versión más inocente— pintan un graffiti en un barrio al anochecer. Él intenta detenerla con suavidad, mientras ella insiste en dejar su huella. Ese gesto sencillo encierra toda la esencia de la canción: el momento en el que uno decide si dejarse arrastrar o levantar la cabeza y cambiar de dirección.
Javi Montes nació en Eindhoven, Países Bajos, y desde los cuatro años creció en Trillo, un pequeño pueblo de Guadalajara. Su vida siempre ha estado ligada a la música, que utiliza como un diario personal donde vuelca emociones, vivencias y aprendizajes. A los 19 años regresó a los Países Bajos, donde compagina estudios, trabajo y su desarrollo artístico, forjando una carrera que destaca por la autenticidad y la capacidad de contar historias con las que cualquiera puede sentirse identificado.
El Poder representa su trabajo más maduro hasta la fecha. En él, Javi Montes fusiona sonidos urbanos, reggaetón y melodías emotivas para construir una canción que no solo se escucha, sino que se siente. Es el reflejo de una generación que busca su voz, que aprende a soltar y que entiende que el verdadero poder está en atreverse a elegir el camino correcto, aunque todo lo demás empuje en dirección contraria.
El single ya está disponible en plataformas digitales y promete ser uno de los temas que más conecte con el público en los próximos meses. Para estar al tanto de sus próximos lanzamientos, colaboraciones y conciertos, se puede seguir al artista a través de sus redes sociales, donde continúa compartiendo su viaje personal y musical.
Greeicy, inicia un nuevo capítulo musical con “Limonar”, su nuevo sencillo que refleja la dulzura y autenticidad que le caracteriza en la interpretación. La artista se muestra reflexiva y enfocada en la gratitud, combinando la sutileza e intimidad en una creación a guitarra y voz.
“Limonar”, compuesta por Greeicy junto a Rios, Speadlof y Mike Bahía, es una ventana al mundo interior de la artista. En ella, la cantante caleña contempla cómo el éxito profesional puede desconectarte de las pequeñas cosas de la vida. A través de íntimos versos, que por momentos parecen una hoja de su diario personal, revelando desde la vulnerabilidad cómo las pérdidas y despedidas se transformaron en lecciones profundas sobre su propia fortaleza.
“La canción habla de todas esas cosas que uno empieza a cumplir en la vida, en la que vas con el afán de cumplir objetivos y en el camino vas encontrando nuevos sueños y en un momento miras para atrás y dices ‘‘¿por qué empecé yo a hacer esto? ¿cuál era el objetivo?’’ Comenta Greeicy.
En el sencillo, Greeicy resalta el valor de la maternidad y cómo, a través de los ojos de su hijo Kai, inició un viaje transformador que la ha llevado a ver su propia vida desde la pausa, permitiéndole reorganizar sus prioridades, disfrutar cada momento y redescubrir experiencias cotidianas desde una nueva perspectiva.
Este tema es su primer lanzamiento del año, luego de una serie de colaboraciones exitosas con la estrella panameña Boza en “Todavía” y el cantante español nominado al Latin GRAMMY®, Borja, en “Macarrones Con Queso”.
“Limonar” representa la evolución artística de Greeicy, ofreciendo una ventana a su crecimiento no solo como intérprete sino como compositora y, sobre todo, como persona. Este sencillo llega tras el éxito de su gira “Greeicy-Yeliana World Tour” con la que regresó a los escenarios, reencontrándose con sus fieles seguidores en países como Colombia, Estados Unidos, Puerto Rico, México, Bolivia, Argentina, Venezuela, Chile, Guatemala, El Salvador, y España.
Actualmente, Greeicy está trabajando en sus próximos proyectos musicales y espera seguir cautivando a su público con su música.
La escena pop española tiene una nueva joya sonora y lleva el nombre de Iris Penche. La cantante y compositora vuelve a emocionar a su público con el lanzamiento de “No Eres Tú”, un tema íntimo y profundamente honesto que se perfila como un himno para todos aquellos que han sentido la incertidumbre y el desamor en una relación. La canción, disponible desde hoy en plataformas digitales, llega con la fuerza emocional que caracteriza a la artista y confirma su capacidad para convertir sentimientos universales en melodías inolvidables.
“No Eres Tú” destaca por una melodía envolvente y una letra que toca las fibras más sensibles. Iris logra capturar con palabras y música la esencia de esos momentos de vulnerabilidad en los que el amor se vuelve confuso y doloroso. Con una producción cuidada que fusiona pop con sutiles matices urbanos y latinos, el tema se convierte en una caricia sonora que invita tanto a la introspección como a sanar heridas. Es de esas canciones que se quedan contigo y que, sin proponérselo, terminan formando parte de la banda sonora personal de quien la escucha.
Desde su debut en 2021 con “Jugar con Fuego”, Iris Penche no ha dejado de sorprender. Aquel primer single consiguió más de 100.000 reproducciones en menos de un mes, abriéndole las puertas a una carrera que desde entonces no ha hecho más que consolidarse. En 2022 recorrió España con la gira de MegaStar FM y, al año siguiente, llevó su música aún más lejos con su propia gira nacional, demostrando que es una artista capaz de llenar escenarios y conectar con el público de una manera genuina y cercana.
El impacto de Iris no se ha limitado a los escenarios, pues también ha sido protagonista en la radio y las redes sociales. Ha sonado en repetidas ocasiones en Los 40 Principales, una de las emisoras más importantes de España, y en 2023 su creciente comunidad de seguidores la llevó a ser segunda finalista favorita del público para participar en el Benidorm Fest, la plataforma que ha impulsado a varios de los nuevos nombres del pop nacional. Este logro confirmó el apoyo incondicional de sus fans y su potencial como representante de una nueva generación de artistas.
Detrás de la voz de Iris Penche hay una historia de superación y pasión. Desde bebé, la música ha sido su refugio y su motor. Enfrentando una vida difícil, Iris ha sabido transformar sus vivencias en arte, convirtiéndose en una mujer luchadora y especial, capaz de remover entrañas pero también de acariciar el corazón con sus canciones. Actualmente se encuentra trabajando en la creación de su primer EP, un proyecto muy esperado por sus seguidores y que promete consolidar aún más su lugar en la industria musical.
“No Eres Tú” no es solo un single más en su carrera; es una declaración de intenciones y una muestra de la madurez artística de Iris Penche. La canción ya está disponible en streaming en plataformas digitales y quienes deseen conocer más sobre sus próximos lanzamientos y novedades, pueden seguirla en sus redes sociales, donde mantiene una relación cercana y sincera con su comunidad. Sin duda, una artista que ha llegado para quedarse y que seguirá dejando huella en cada nota.
La música independiente sigue demostrando su poder y esta vez es Germaine Valentina quien confirma que no se necesitan grandes disqueras para conectar profundamente con el público. Su más reciente sencillo, “Que vivan los novios”, se ha convertido en todo un fenómeno digital, acumulando más de 3 millones de reproducciones en YouTube y alcanzando el puesto #65 en el Top 100 de videos musicales más populares en México, codeándose con nombres respaldados por importantes sellos discográficos.
La canción, una balada de despecho vestida con los sonidos tradicionales del regional mexicano y una interpretación cargada de autenticidad, ha logrado algo más que cifras. Ha tocado fibras emocionales y ha puesto a Germaine Valentina en la mira de la escena latinoamericana. “Que vivan los novios” también cruzó fronteras y se posicionó en el lugar #90 del Top 100 de las canciones más escuchadas en YouTube Music de Ecuador, demostrando que su propuesta no entiende de límites geográficos.
Germaine Valentina, nacida en Mérida, Venezuela, pero con el alma profundamente mexicana, lleva en los escenarios desde los siete años, donde el público la bautizó como “La Voz de Diamante”. Su historia con la música regional está marcada por momentos inolvidables, como cuando, siendo niña, cantó junto a Vicente Fernández en su ciudad natal, una experiencia que ella considera su bendición artística.
Desde entonces, ha construido una carrera independiente que la ha llevado a romper esquemas dentro del género. En 2023, sorprendió al grabar su primer videoclip de mariachi en París, bajo la Torre Eiffel, y desde ahí no ha parado de generar impacto. Su estilo irreverente, con una imagen audaz y tintes rockeros, se ha ganado el cariño de millones en redes sociales y le ha valido el título de “La Nueva Princesa del Regional Mexicano”, aunque ella prefiere ser recordada por su honestidad artística más que por etiquetas.
“Que vivan los novios” es, además, un retrato descarnado de una despedida que duele, de esos amores que no terminan de irse y que se quedan rondando la memoria. Su letra, directa y sin adornos, expresa el dolor de ver a quien amaste formar una vida con otra persona, mientras quedan fantasmas y recuerdos que se niegan a desaparecer. La canción ha sabido conectar por su franqueza emocional y su impecable interpretación vocal, que combina vulnerabilidad y fuerza.
Actualmente, Germaine acumula más de 9 millones de seguidores y su impacto se refleja tanto en las cifras como en la respuesta genuina de un público que ha hecho virales varias de sus interpretaciones, como su versión de Insensible de Juan Gabriel o La Llorona. Además, en 2024 fue reconocida como “Artista Revelación del Año” en los Socialiteen Awards, reafirmando su lugar como una de las voces emergentes más queridas y prometedoras de la música regional.
El músico y productor barcelonés Vicen Martínez, conocido artísticamente como Tripulante, vuelve a emocionar con el lanzamiento de su nuevo single “Un acto de fe”. Esta canción, que da título a su próximo álbum, se convierte en una declaración de intenciones, un himno personal que refleja las batallas internas que todos libramos a diario y la importancia de abrazar la incertidumbre en nuestro propio viaje vital.
Con una propuesta sonora que fusiona indie pop rock con pinceladas de electrónica, Tripulante consigue plasmar en este tema una filosofía de vida que va más allá de la música. “Un acto de fe” nos invita a aceptar el riesgo y a avanzar, incluso cuando el camino es incierto. Una pieza íntima y directa, producida por el propio artista en GuitarRec Estudio (Barcelona), que marca el pulso de lo que será su segundo trabajo discográfico.
Este single forma parte de un álbum compuesto por diez canciones grabadas y producidas de manera artesanal, con el mastering a cargo de Tomi Pérez, reconocido por su trabajo junto a Carlos Sadness o Blaumut. La obra llega tras una serie de adelantos que han cosechado una excelente acogida en los últimos meses. Temas como “Decírtelo”, “Una señal” y “Actuar” lograron posicionarse en playlists editoriales tan relevantes como Fresh Finds España y Spotify Novedades Indie, consolidando a Tripulante como una de las voces más personales de la escena independiente.
Vicen Martínez, guitarrista habitual en las bandas de artistas como Maldita Nerea, Sidonie, Pablo López y Nena Daconte, inició su proyecto en solitario en 2013 con el EP El brillo de la ciudad. Desde entonces, ha forjado una trayectoria marcada por la honestidad y la sensibilidad musical, que tuvo su primer álbum de larga duración en 2015, titulado simplemente Tripulante, y un segundo EP, Buscando el límite. Ahora, cierra ese ciclo y abre una nueva etapa con Un acto de fe, que estará disponible el próximo 23 de mayo.
El single ya se puede escuchar en plataformas digitales, mientras que el álbum completo estará disponible a partir de su fecha de lanzamiento. Para quienes deseen seguir de cerca todas las novedades y próximos proyectos de Tripulante, pueden hacerlo a través de sus redes sociales.
El bachatero mexicano-americano J Salez continúa consolidando su ascenso dentro del género con un nuevo hito en su carrera. Su videoclip "Si te vas" ha alcanzado un millón de reproducciones en su canal oficial de YouTube, marcando un momento decisivo para el artista.
Esta canción, que ha resonado fuertemente no sólo en Latinoamérica, sino también en distintas partes de Europa, ha sido calificada como una bachata revolucionaria. Con un sonido profundo, romántico y un matiz sensual característico de su estilo, J Salez ha logrado capturar la atención de un público cada vez más diverso.
El respaldo de su casa discográfica EQS Música, así como su reciente gira de medios en la ciudad de Nueva York, han sido claves para el impacto que ha tenido esta nueva etapa musical. Gracias a este impulso, J Salez se prepara para embarcarse en una gira por varias ciudades de Estados Unidos, llevando su música en formato presidencial a nuevos escenarios.
Junto a su manager y productor DerekVinci, J Salez ha logrado conectar con el público bachatero incorporando sonidos fugaces y matices mexicanas, demostrando que el sabor mexicano puede interpretar la bachata con la misma fuerza y autenticidad que el son dominicano.
Con este éxito, J Salez reafirma su lugar como una de las nuevas voces más prometedoras del género, llevando la bachata a nuevas fronteras y rompiendo esquemas dentro de la música latina.
La banda peruana Donguille.pe vuelve a sorprender con el lanzamiento de su nuevo single “A través del Cristal”, una canción que reafirma su particular manera de entender la música como un puente entre épocas, memorias y emociones. La agrupación, integrada por Sebastián Donayre, Guillermo Castañeda, Rodrigo Vargas y Walter Flores, ofrece en esta pieza una muestra fiel de su propuesta sonora: rescatar la crudeza y honestidad del rock clásico para reinterpretarlo desde una sensibilidad moderna y sin concesiones.
“A través del Cristal” es una canción que evoca nostalgia, pero sin quedarse anclada en ella. Con líneas de guitarra que remiten a esos momentos en que la música se tocaba desde el corazón y una estructura que fluye con naturalidad, el single permite al oyente sumergirse en un ambiente donde la música habla por sí sola, sin adornos ni fórmulas prefabricadas. La banda ha conseguido capturar ese espíritu antiguo y darle un giro actual, demostrando que se puede mirar al pasado sin renunciar a la frescura creativa.
La producción del tema destaca por su calidez y por la forma en que preserva la esencia emocional de Donguille.pe. Cada instrumento está colocado con cuidado para mantener esa sensación orgánica y visceral que caracteriza a la agrupación, convirtiendo cada acorde y cada letra en una experiencia cercana, casi íntima, para quien la escucha.
Donguille.pe ha logrado posicionarse como un proyecto musical que trasciende las etiquetas. No se trata de una banda que imita estilos clásicos, sino de un laboratorio sonoro donde confluyen influencias de diferentes épocas para crear algo nuevo y auténtico. “A través del Cristal” es una prueba más de ello, una canción que respeta sus raíces sin dejar de evolucionar.
El single ya se encuentra disponible en plataformas digitales, y forma parte de un recorrido musical que la banda continuará explorando con próximos lanzamientos. Para seguir de cerca todas las novedades de Donguille.pe y conocer más sobre sus futuros proyectos, puedes encontrarlos en sus redes sociales.
El incansable músico y productor Bart PJ, conocido por su pasión por fusionar estilos y firmar proyectos bajo distintos alias, presenta una nueva faceta sonora con “Bang Bang”, el más reciente single de su proyecto Electric Joker. Una propuesta donde el electro-rock, los sonidos sintéticos de inspiración retro y las baterías de corte clásico se funden en un tema vibrante, nostálgico y desenfadado.
Para Bart PJ, Electric Joker es una de esas ramas creativas donde puede dejarse llevar por su amor de toda la vida por el rock y los matices electrónicos. “Bang Bang” surge precisamente de esa necesidad de experimentar con sintetizadores, samples y una batería de rock contundente, dando forma a una pieza que evoca los años dorados de los grandes almacenes y sus bandas sonoras pegajosas, pero reimaginadas bajo un prisma moderno y personal.
Con más de 40 años de dedicación a la música, Bart ha transitado por infinidad de géneros: reggae, dub, funk, soukous, música africana, house, cumbia, surf, samba, bossa nova y latin, siempre con una sensibilidad especial por las músicas del mundo. Su historia comenzó a los 14 años, cuando descubrió su pasión por el bajo y la guitarra, lo que lo llevó a formar sus primeras bandas de rock. Desde entonces, su trayectoria ha sido un viaje sonoro que lo ha convertido en un auténtico multiinstrumentista, productor casero y coleccionista de influencias.
“Bang Bang” es, según el propio artista, un desafío personal en el que ha trabajado con instrumentos clásicos sampleados, estructuras de rock y texturas electrónicas. Un tema que invita a desconectar, subir el volumen y dejarse llevar por sus colores retro y su ritmo contagioso.
Este single se suma al variado catálogo de Bart PJ, quien ha lanzado 12 proyectos distintos bajo diferentes nombres, entre los que también se encuentran propuestas como Loco in the Coco. Siempre fiel a su espíritu independiente, Bart continúa grabando y dando forma a su música desde su propio estudio, colaborando ocasionalmente con músicos de todo el mundo a través de plataformas online.
“Bang Bang” ya está disponible en plataformas digitales y marca el inicio de una nueva etapa para Electric Joker, con más material en camino. Para no perderse ninguna novedad de este inquieto creador y conocer sus próximos lanzamientos, puedes seguirlo en sus redes sociales.
La artista Malu Salgado estrena su nuevo videoclip “Mi Lugar”, una canción que busca celebrar el amor universal. Malu elige en este video un enfoque honesto, cercano y profundamente emotivo, que llega al corazón.
Con este tema, Malu quiere transmitir que el amor verdadero puede encontrarse en muchos lugares: en una pareja, en un amigo, en una mascota, en una abuela… Es una canción libre de etiquetas, perfecta para dedicar a cualquier persona que represente “tu lugar en el mundo”. Es un tema alegre y positivo donde Malu apuesta por la calidez, por la cercanía emocional y por un mensaje que todos podemos hacer nuestro. La artista nos invita a conectar con nuestras emociones más sinceras, a través de imágenes caseras y recuerdos familiares.
El videoclip de “Mi Lugar” ha sido codirigido por la propia Malu Salgado junto a Jose Luis Hernando, apostando por una perspectiva íntima y genuina. La idea se construye a partir de una recopilación de recuerdos personales: fragmentos de su infancia, momentos familiares y escenas cotidianas llenas de amor. La inspiración para este enfoque tan íntimo y real proviene de una mezcla de influencias musicales inspiradas en diferentes videoclips como Stuck with U de Ariana Grande y Justin Bieber, First Man de Camila Cabello o Besos de Rosalía y Rauw Alejandro, todos cargados de sensibilidad y verdad.
Con este videoclip, la artista busca transmitir un mensaje claro y profundamente emotivo, reflejando que el amor verdadero está en los detalles más simples y en las personas que nos acompañan.
Malu Salgado, la joven artista emergente que llega decidida a revolucionar la industria musical. Nacida en España y educada en un entorno multicultural, habiendo vivido en ciudades como Mánchester y Dubái, Malu refleja esta diversidad en su música, fusionando estilos que van desde influencias árabes y flamenco, hasta pop y bachata, dando vida a un sonido único. Sus principales referentes incluyen a grandes iconos como Beyoncé, The Weeknd, Rosalía, Michael Jackson y Tina Turner.
La música siempre ha sido una parte fundamental de su vida, gracias a la pasión que sus padres le transmitieron desde pequeña introduciéndole a una amplia variedad de estilos. Desde temprana edad, Malu supo que su camino estaba en la música. En los últimos años, ha estado construyendo un equipo de confianza mientras trabajaba en Miami en la creación de su primer EP. Este proyecto, cuenta con la producción de renombrados profesionales como Carlos Santos, Rodrigo Crespo, Domino Saints y Nápoles, quienes han colaborado con artistas de la talla de Shakira y Karol G.
La cantautora Sofía Ellar regresa con fuerza y sensibilidad con su nuevo single “Cosiendo y Cantando”, primer adelanto de su próximo disco. Una canción que no solo suena como un regalo a sus seguidores, sino también como una conversación íntima consigo misma, cargada de valentía, desengaño y reconciliación. Disponible desde hoy en plataformas digitales, esta pieza reafirma una vez más la capacidad de Sofía para convertir las emociones cotidianas en poesía musical.
“Cosiendo y Cantando” es una declaración de principios disfrazada de balada pop-folk con tintes nostálgicos y luminosos. La artista madrileña vuelve a jugar con sus letras llenas de imágenes personales y giros que hablan del amor propio, de dejar ir, de cerrar heridas y de encontrar fuerza en medio de las dudas. Sofía se dirige a ese niño interior, al amor del pasado y a su propio reflejo en un viaje emocional donde —como bien reza el refrán que inspira el título— no todo es coser y cantar.
En su letra, se suceden frases directas y punzantes como “Puse la mano en el fuego y me acabé quemando” o “No puedo ser quien cure tu herida en el barro”, dejando claro que hay batallas emocionales que se ganan aprendiendo a soltar. Pero lejos de sonar derrotista, Sofía reivindica su sitio con versos como “Porque no olvides que reina yo soy mi palco” o “Yo mi herida cerré cosiendo y cantando”, convirtiendo la canción en un himno de resiliencia y empoderamiento.
Este single llega como una puntada de ilusión para su público, que esperaba novedades sobre su próximo álbum. Sofía Ellar ha querido lanzar este adelanto como un abrazo musical, asegurando que detrás de cada verso hay mimo, paciencia y mucho corazón.
“Cosiendo y Cantando” ya está disponible en plataformas digitales y cuenta con un videoclip que acompaña el espíritu de la canción, transmitiendo esa mezcla de melancolía y liberación. Para no perderse nada de sus próximos lanzamientos y conciertos, se puede seguir a la artista a través de sus redes sociales, donde comparte a diario su proceso creativo, reflexiones y momentos de su vida personal y artística.
La cantante, compositora y letrista Aina Coll presenta su nuevo single “Mejor así”, una canción cargada de sinceridad emocional que habla de los altibajos que provoca reencontrarse con un amor del pasado, y de la fuerza que se descubre al aprender a estar bien en soledad. El tema ya está disponible en plataformas digitales, acompañado por un videoclip dirigido por Andreas Marí.
“Mejor así” es una balada pop melancólica y luminosa a la vez, producida por Toni Morales, quien también se ha encargado de la mezcla y el máster. La canción refleja esa sensación universal de creerse superado un amor, hasta que un reencuentro inesperado remueve recuerdos y emociones. Aina lo canta con una voz delicada y honesta, que atraviesa versos como “pensaba que yo ya estaba bien, hasta que te volví a ver”, mostrando con naturalidad las contradicciones emocionales tras una ruptura.
En palabras de la artista, la canción surge de una etapa de reflexión personal: “Quería contar cómo a veces crees que ya has pasado página, que estás bien, que te has reconstruido… y de repente, aparece esa persona y todo se tambalea. Pero también habla de elegirte a ti, de apostar por vivir, bailar y disfrutar, porque hay momentos en los que mejor así”.
El videoclip, dirigido por Andreas Marí y producido con el apoyo técnico de Oasïs Visual Rental, acompaña perfectamente el tono nostálgico y esperanzador del tema, mostrando a Aina en entornos naturales y urbanos, simbolizando esa búsqueda de equilibrio entre los recuerdos y el presente.
Con este nuevo lanzamiento, Aina Coll sigue afianzando su propuesta musical, caracterizada por letras personales, sonoridades pop suaves y una sensibilidad cercana que conecta con una generación acostumbrada a navegar entre emociones contradictorias.
“Mejor así” ya se encuentra disponible en plataformas digitales y Aina invita a sus seguidores a escucharla y compartirla. Además, quienes deseen estar al tanto de sus próximos lanzamientos y proyectos pueden seguirla a través de sus redes sociales, donde la artista comparte adelantos, reflexiones y detalles de su día a día creativo.
La joven cantante y compositora búlgara Teodora Veleva, conocida artísticamente como TEDDY VL, presenta su nuevo single “Playing By The Rules”, una intensa canción pop que expone la cara más oscura del amor y las lecciones que nacen del desengaño. Disponible ya en plataformas digitales, este tema consolida el estilo directo, emocional y auténtico de una artista que, a su corta edad, no teme hablar de los momentos en los que la vida parece controlada por reglas ajenas.
Ganadora de la primera edición del certamen “Burgas and the Sea for Young Performers”, TEDDY VL ha sabido aprovechar ese reconocimiento para dar forma a una canción que conecta con cualquiera que haya sentido que su valor personal se diluía en relaciones tóxicas o situaciones injustas. “Playing By The Rules” es mucho más que una historia de desamor: es una declaración de fuerza, una reflexión sobre esos instantes en los que uno se da cuenta de que ha estado jugando un juego perdido desde el principio, y sobre la valentía de romper las reglas para escribir las suyas propias.
La letra y música de este single han sido escritas por la propia Teodora Veleva, demostrando su sensibilidad y capacidad para transformar experiencias reales en canciones con las que muchos se sienten identificados. El arreglo ha estado a cargo del talentoso guitarrista Stoycho Stoyanov, aportando una atmósfera sonora que envuelve el mensaje con elegancia y personalidad.
El videoclip, producido por el equipo de Whiteshadows Pictures —Petar Simeonov, Dimitar Rozov y Pavel Pavlov—, refleja visualmente esa pasión desbordante y destructiva que consume a sus protagonistas. Como un detalle especial, el vídeo cuenta con la participación de dos de los bailarines de salsa más reconocidos de Bulgaria, Maria Stoyanova y Valentin Hristov, quienes dan vida a la intensidad de un amor que atrapa y duele.
Para TEDDY VL, esta canción no es solo su historia, sino un reflejo de lo que observa a su alrededor: amigos, conocidos, y personas que atraviesan momentos en los que se sienten atrapados en reglas impuestas. “Playing By The Rules” es un canto de autoafirmación y una invitación a recuperar el control sobre la propia vida.
El tema ya se encuentra disponible en plataformas digitales, y quienes quieran seguir de cerca la evolución de esta artista, descubrir sus próximos lanzamientos y conocer más sobre su universo musical, pueden hacerlo a través de sus redes sociales, donde TEDDY VL comparte contenidos, adelantos y todo lo relacionado con su apasionante carrera.
La joven cantante y compositora barcelonesa Aterual vuelve a emocionar con “No me olvido de ti”, su nuevo single, una balada íntima y nostálgica que ya está disponible en plataformas digitales. La canción, escrita a partir de una experiencia personal, habla de ese amor profundo, sincero y casi obsesivo que, aunque se aleje, permanece vivo en la memoria y el corazón.
“No me olvido de ti” captura con honestidad los sentimientos que surgen cuando un vínculo verdadero se rompe, pero sus recuerdos siguen invadiendo cada pensamiento. “Es una canción muy sentimental que refleja lo que viví y que me gustaría que todo el mundo pudiera disfrutar y sentir. Porque todos, en algún momento, hemos tenido a alguien que no conseguimos olvidar”, confiesa Aterual, que ha encontrado en la música su refugio y medio de expresión más auténtico.
Nacida el 13 de abril de 2002 en Barcelona, Aterual descubrió desde pequeña su pasión por el canto, participando en coros, musicales escolares y festivales locales. Además de aprender a tocar la guitarra, se formó en canto en una escuela de barrio, lo que le permitió subir por primera vez a un escenario con solo 16 años. Un año después, su talento la llevó a participar en la final nacional del prestigioso concurso Tour Music Fest, celebrada en Madrid.
Durante el confinamiento por la pandemia, aprovechó su tiempo para crear su canal de YouTube Aterual Music, donde comenzó a compartir covers y composiciones propias. Desde entonces, ha seguido compaginando su carrera musical con sus estudios universitarios en Bioinformática en la Universitat Pompeu Fabra, demostrando que la ciencia y el arte pueden convivir en una misma vocación.
En marzo de 2023 realizó su última actuación en directo en la Festa de Aniversari de la Ràdio en Santa Perpètua de la Moguda, y desde entonces ha estado centrada en la creación de nuevos temas originales que verán la luz próximamente.
“No me olvido de ti” consolida a Aterual como una de las voces emergentes más prometedoras de la escena pop sentimental en España, con letras sinceras y melodías que conectan con las emociones más profundas.
La canción ya puede escucharse en plataformas digitales y quienes quieran conocer más sobre su música, próximos proyectos y actuaciones pueden seguirla a través de sus redes sociales, donde comparte su día a día, adelantos de sus canciones y reflexiones personales.
El cantante, actor y poeta brasileño Dude São Thiago presenta “Cabaré”, su nuevo single, una conmovedora reinterpretación de la emblemática canción de João Bosco y Aldir Blanc, que forma parte de su esperado álbum debut “O Sexo do Vento”. Disponible ya en plataformas digitales, este lanzamiento reafirma el compromiso de Dude por combinar música, palabra y sensibilidad artística en una obra que desafía las prisas de los tiempos modernos.
Concebido como un verdadero libro de canciones, “O Sexo do Vento” es un álbum doble que reúne releituras de grandes clásicos de la música popular brasileña junto a textos poéticos inéditos escritos por el propio Dude. El proyecto propone al oyente una experiencia inmersiva, donde la música y la poesía se entrelazan en una narrativa que abraza tanto la denuncia y la reflexión como la ternura y la creatividad.
El single “Cabaré” llega acompañado de un videoclip dirigido por Emerson Brandt, con dirección de fotografía de Rinaldo Martinucci. La pieza audiovisual cuenta además con la participación del artista del cuerpo no binario y bailaor flamenco Carlinhos Rowlands, quien aporta con su interpretación una dimensión visual cargada de pasión y provocación, que dialoga con la fuerza lírica de la canción.
La dirección musical y los arreglos del álbum estuvieron a cargo de Iuri Salvagnini, mientras que la producción musical corrió por cuenta de Paulo Assis y del propio Dude São Thiago. Entre las colaboraciones especiales se encuentran las voces de las cantantes Ana Luiza y Patricia Kurah, que enriquecen con su talento esta obra plural y sensible.
Dividido en dos partes, el disco propone un recorrido emocional: el primer volumen se mueve entre denuncias, desahogos y luchas, con una energía que Dude asocia al principio masculino; mientras que el segundo actúa como una brisa delicada, evocando la potencia transformadora del principio femenino que habita en todos. En conjunto, “O Sexo do Vento” se alza como una celebración de la palabra libre y la música como herramientas de cuidado, resistencia y poesía.
Dude São Thiago, con una trayectoria que abarca la actuación, la dirección, la medicina, la docencia y la psicoanálisis, retorna a la escena en 2023 tras una década de ausencia, reencontrándose con la música como intérprete y compositor. En 2024 debutó en las plataformas con los singles “Magrelinha” y “Mitiê”, y ahora continúa su recorrido con este álbum que rinde homenaje a nombres fundamentales de la MPB, como Chico Buarque, Marina Lima, Marisa Monte, Vinicius Calderoni y Vitor Ramil.
“Cabaré” ya se encuentra disponible para escuchar en plataformas digitales, y quienes deseen seguir de cerca la trayectoria de Dude São Thiago, sus próximos lanzamientos y proyectos, pueden hacerlo a través de sus redes sociales, donde el artista comparte fragmentos poéticos, reflexiones y adelantos de su fascinante universo creativo.
El artista urbano Rico acaba de estrenar “Mejor”, su más reciente single, disponible ya en plataformas digitales y YouTube. Este nuevo tema llega con una propuesta egocéntrica y dinámica, en la que el intérprete demuestra su versatilidad y autenticidad sobre bases que fusionan ritmos urbanos con un elegante toque de jersey.
“Mejor” refleja la esencia de Rico: un artista apasionado, con amor por lo que hace y con una personalidad artística inconfundible. El tema apuesta por un sonido enérgico y moderno, ideal para quienes buscan música con actitud, cargada de flow y una producción fresca que se siente tan original como su intérprete.
Con cada lanzamiento, Rico sigue consolidando su nombre en la escena de la música urbana, caracterizándose por un estilo propio que evita fórmulas repetidas. Su capacidad para combinar tendencias actuales con su sello personal ha convertido a este artista en una de las voces emergentes más interesantes del momento.
“Mejor” ya puede disfrutarse en plataformas digitales, donde promete colarse en playlists y ponerle ritmo a cualquier momento del día. Para quienes quieran seguir de cerca su trayectoria y conocer sus próximos proyectos, pueden hacerlo a través de sus redes sociales, donde Rico comparte adelantos, contenido exclusivo y más detalles sobre su mundo musical.
Hoy tenemos el placer de charlar con Thalía Garrido, una artista completa: cantante, compositora, actriz y soprano ligera, que se dio a conocer en Operación Triunfo 2017 y desde entonces ha construido una carrera fiel a sí misma. Thalía, con una formación musical impecable y un rango vocal de vértigo, ha pisado escenarios como el Estadio Santiago Bernabéu, Palau Sant Jordi, Teatro de la Zarzuela o el Auditorio Nacional. Ahora, tras una etapa centrada en su crecimiento artístico y personal, regresa con "Amor Veneno", su nuevo single. Hablamos con ella sobre esta nueva etapa, su música, sus fans y su visión de la industria.
Thalía, arrancamos con tu nuevo single "Amor Veneno". ¿Cómo nace esta canción y qué te inspiró para escribirla?
Esta canción nace de un mes muy intenso de composición continua para encontrar mi estilo en un género un poco más comercial. Quise jugar con un sonido más fresco. Recuerdo estar en mi cuarto pensando: ¿Por dónde tiro? Y uno de esos días junto a mi piano nació Amor Veneno.
El título es muy potente, suena a amor tóxico y a emociones intensas. ¿De qué habla exactamente "Amor Veneno"? ¿Es una historia personal, una ficción o mezcla de ambas?
Amor Veneno habla de una relación tóxica, una relación que solamente perdura por pura atracción física. La protagonista de esta historia intenta muchas veces dejarlo, pero es un bucle del que no puede salir, siente que no puede escapar de ese juego y una parte de ella piensa que las cosas pueden cambiar y que quizás algún día puedan tener una relación sana.
Esta historia es una ficción, compongo muchas canciones y claramente no todas pueden salir de vivencias propias. Pero tengo la gran suerte de ser actriz y de poder vivir la vida de otras personas. De cada trabajo que hago me llevo conmigo esa vivencia de esa persona y a veces me gusta contarla. No he vivido de primera mano una relación tóxica, pero sí he interpretado a una mujer que estaba en esta misma situación y he podido vivir perfectamente cómo se siente.
¿Cómo fue el proceso de composición? ¿Partiste de una idea concreta, de una melodía, de un texto...?
Cuando me pongo a componer unas veces empiezo por crear la música y luego la letra y otras veces al revés. En este caso fue así, primero la historia y después la música. La idea la tenía bastante clara, lo que más tuve que buscar fue el estilo de cómo quería que fuera musicalmente.
En cuanto al sonido, ¿qué estilo predomina en "Amor Veneno"? ¿Cómo definirías su atmósfera musical y qué buscabas transmitir con la producción?
Amor Veneno es un "afrobeat", aunque originalmente era a piano como todo lo que compongo porque es la manera más personal que tengo para componer, estar en mi cuarto con mi piano.
He querido jugar en esta canción con el contraste. Una historia intensa no tiene por qué siempre llevar una armonía intensa. Ese contraste para mí era muy importante para romper un poco con lo que se esperaba de una historia así.
¿Con quién has trabajado en la producción y arreglos de "Amor Veneno"? ¿Cómo ha sido colaborar con ese equipo?
La producción de Amor Veneno la ha hecho Marco Dettoni y el arreglista ha sido Pablo Manresa. Tengo mucha suerte de trabajar con ellos, hacen magia cada vez que les mando una nueva canción a piano. Se suman a todo y me proponen cosas para ayudarme a mejorar y a conseguir mis objetivos. Tengo mucha suerte, los tres somos un gran equipo.
El single muestra una faceta tuya muy emocional, casi visceral. ¿Qué momento vital atraviesas ahora que te ha llevado a sacar una canción así?
Pues esta canción sale en un momento en el cual me encuentro terminando el superior de canto, con un montón de exámenes y mucho trabajo. Muy feliz de estar terminando la carrera después de 14 años dedicados completamente mi formación musical.
Justo el viernes 10 que iba a salir la canción a las doce de la noche estábamos mis amigos y yo por la mañana entre examen y examen diciendo: "que esta noche sale amor veneno!!!!".
Me siento muy privilegiada de haber podido estudiar lo que más amo y Amor Veneno acompaña este cierre de ciclo en mi vida.
¿Hay alguna frase o verso de la letra que para ti sea especialmente importante o con la que te sientas más identificada?
"En este laberinto yo perdí mi corazón" creo que define muy bien ese bucle del que te hablaba antes.
¿Qué esperas que el público sienta o entienda al escuchar "Amor Veneno"? ¿Qué mensaje te gustaría que se llevasen?
Creo que en esta canción no hay una conclusión como tal, siento que se cuenta la relación tóxica desde el punto de vista de la protagonista de la historia. Quizás haya personas que estén pasando por una situación parecida y que se sientan identificadas con esta canción u otras a las que les dé buena vibra la música y les apetezca bailarla. Quiero que mi público disfrute de este tema y que se lo pasen bien escuchándola.
¿Este single es un tema suelto o forma parte de un proyecto más amplio, como un EP o álbum en camino?
Me encantaría poder sacar mi primer álbum y estoy trabajando al máximo para ello, pero antes del disco quedan muchos singles por lanzar.
A nivel vocal, "Amor Veneno" tiene una interpretación muy intensa. ¿Ha supuesto algún reto técnico para ti?
La verdad es que estoy muy cómoda en este género. Como muchos sabéis soy una baladista nata pero también me encanta bailar y encontrar el equilibrio en mi música era muy importante para mí. Darle al público todo lo que yo soy es lo que quiero conseguir y siento que voy por buen camino. Quiero sorprenderles porque hay mucha Thalía que descubrir todavía.
En redes sociales se nota que mantienes un contacto cercano y agradecido con tu público. ¿Cómo valoras ese cariño constante a lo largo de los años?
Lo digo siempre en las entrevistas, es un regalo enorme que mis fans sigan conmigo después de tantos años. Les estoy inmensamente agradecida y siempre estoy en contacto con ellos porque me parece muy importante.
La cantante y compositora asturiana Eva Hevia vuelve a sorprender con el lanzamiento de “Congelao”, una canción que consolida la evolución de su propuesta musical y que ya está disponible en plataformas digitales. Este nuevo sencillo refleja una vez más la capacidad de la artista para combinar letras emocionales con una producción moderna y contundente, reafirmando su lugar como una de las voces emergentes más prometedoras del panorama musical español.
Nacida en Oviedo, Asturias, Eva Hevia inició su carrera en 2015 tras ganar el concurso regional "Orquesta Principado Siglo XXI", lo que le abrió las puertas en su comunidad. Dos años más tarde, alcanzó reconocimiento nacional al hacerse con el primer puesto en el certamen "Gana con tu Voz", vinculado al popular programa "La Voz". Desde entonces, no ha dejado de crecer profesionalmente, alternando su faceta de cantante con su labor como copresentadora en un programa musical de la televisión del Principado de Asturias.
“Congelao” cuenta con la producción de Armyh y fue compuesto por la propia Eva Hevia, quien sigue apostando por escribir temas que conecten de forma honesta con su público. La canción explora las emociones que deja una relación que se enfría, en la que el silencio y la indiferencia pesan más que las palabras. La fuerza de la interpretación y la sensibilidad de la letra convierten a este tema en una pieza que no dejará indiferente a nadie.
El videoclip que acompaña al sencillo ha sido realizado por Lauda, con la asistencia de dirección de Keko. En él, Eva muestra una versión más intensa y madura de su identidad artística, combinando imágenes potentes con una estética cuidada que refuerza el mensaje de la canción.
Este nuevo lanzamiento se suma a una serie de sencillos publicados por la artista en los últimos meses, como “Cuatro Primaveras”, “Lágrimas”, “LONELY” y “Mambo Violento”, con los que Eva Hevia ha ido construyendo una discografía personal donde el desamor, la superación y el empoderamiento femenino son protagonistas. Su estilo, que mezcla balada pop con toques acústicos y matices contemporáneos, le ha valido el reconocimiento de un público que crece día a día.
Con una voz cálida y letras que hablan desde la experiencia y la emoción, Eva Hevia continúa afianzando su carrera musical. “Congelao” ya está disponible en plataformas digitales, y quienes deseen seguir de cerca sus próximos pasos pueden hacerlo a través de sus redes sociales, donde la cantante comparte novedades, adelantos y momentos de su día a día.
Eva Hevia sigue demostrando que el talento asturiano tiene mucho que decir y que su nombre merece un espacio propio en la escena musical nacional.
María Carrasco, una de las voces más queridas y reconocibles del pop nacional, está de vuelta con “Llévame al mar”, su nuevo single, ya disponible en plataformas digitales. Una canción que no solo devuelve a la artista andaluza a los sonidos que marcaron sus inicios, sino que la reafirma como una compositora capaz de emocionar y conectar con su público a través de historias sencillas, cercanas y profundamente humanas.
Con más de 20 años de trayectoria, María Carrasco ha demostrado ser mucho más que aquella niña prodigio que conquistó a toda España desde el plató de Menuda Noche. Desde clásicos como “Abuelo” hasta éxitos recientes como “Agüita del Río” o “Mil Motivos”, la artista ha sabido evolucionar, sin perder la esencia andaluza que sigue latiendo en su voz, ahora perfectamente fusionada con un pop fresco y contemporáneo. Su último álbum, “Inmune al dolor”, dejó claro el salto maduro que ha dado en su carrera, y “Llévame al mar” se suma a este recorrido con un mensaje de nostalgia, libertad y reencuentro con lo que realmente importa.
Producida por David Parejo y bajo el sello de WaxTower, “Llévame al mar” es una declaración de intenciones disfrazada de canción veraniega, que habla de esos recuerdos de infancia, de la fuerza sanadora del mar y de las personas con las que siempre queremos volver a encontrarnos. Con una letra que evoca paisajes de Tarifa, tardes de verano y la magia de lo sencillo, Carrasco nos invita a descalzarnos, vestirnos “color de sal” y dejarnos llevar por las olas y los recuerdos.
La canción se apoya en una instrumentación luminosa y un estribillo pegadizo que juega con los na, na, na, tan característicos de sus composiciones más alegres. Sin embargo, tras su aparente ligereza, “Llévame al mar” esconde un relato de identidad, de volver a las raíces y de encontrar refugio en lo eterno: la familia, los amigos y ese lugar junto al mar donde todo vuelve a empezar.
El videoclip, dirigido por Lauda y con Keko como asistente de dirección, acompaña a la perfección esta narrativa emocional, regalando imágenes de atardeceres, playas infinitas y momentos compartidos que elevan aún más la carga emocional del tema.
“Llévame al mar” ya suena en todas las plataformas digitales y promete convertirse en uno de los himnos de este verano para quienes encuentran en la música de María Carrasco una banda sonora para los recuerdos y los días felices. Para estar al tanto de todas sus novedades, próximos conciertos y lanzamientos, puedes seguirla en sus redes sociales, donde la artista mantiene un contacto cercano y constante con su comunidad de seguidores.
Un nuevo capítulo en la carrera de una artista que, sin perder su esencia, sigue demostrando que sabe escribir canciones que se quedan para siempre.
La cantante, compositora y actriz colombiana Olga Lucía Vives, conocida por haber sido parte del grupo femenino más influyente de América Latina, Ventino, da un paso firme en su carrera en solitario con el lanzamiento de su nuevo sencillo “Veneno”. Una canción que, lejos de disimular heridas, las muestra, las canta y las supera con una mezcla de pop tradicional y sonidos latinos que ya caracterizan su propuesta artística.
Tras haber interpretado a Mirabel en la versión en español de Encanto, la aclamada producción de Walt Disney Animation Studios, Olga Lucía Vives se ha enfocado en contar sus propias historias. Y “Veneno” es precisamente eso: un relato personal, visceral y liberador sobre una relación tóxica que deja cicatrices pero también aprendizajes.
Con una letra directa y sin contemplaciones, la canción expone la intoxicación emocional de una relación que, como dice Olga, “me enfermaste y no me di ni cuenta / el sufrimiento fue en cámara lenta”. El tema recoge ese dolor que se arrastra durante años, hasta que llega el momento de abrir los ojos y cerrar definitivamente la puerta a quien no merece regresar.
Musicalmente, “Veneno” combina una producción moderna con guiños latinos y una interpretación cargada de fuerza. El estribillo, contundente y pegajoso, repite con ironía y determinación: “Llévate tu veneno a otra parte / llévate tu ego lejos de aquí / llévate mis ganas de tocarte antes que diga que sí”. Una frase que resume ese momento de vulnerabilidad que cualquiera ha sentido al reencontrarse con un amor nocivo… y que esta vez se convierte en himno de resistencia.
Olga Lucía demuestra con este lanzamiento que está dispuesta a ocupar un lugar propio en la escena musical latina, con un discurso honesto y una identidad artística que trasciende su pasado grupal. “Veneno” ya está disponible en plataformas digitales y se perfila como un tema imprescindible para quienes buscan canciones que hablen sin miedo de sanar y de decir adiós a lo que lastima.
Para más detalles sobre Olga Lucía Vives, su música y próximos proyectos, puedes seguirla a través de sus redes sociales. Porque esta nueva etapa, llena de canciones sinceras y empoderadas, apenas comienza.
Desde Jacksonville y con raíces en Sierra Leona, el artista y compositor Alpha Menjoh irrumpe en la escena musical con su primer lanzamiento oficial, “Why Would I Go Home”, un tema crudo, honesto y emocional que marca el inicio de una trayectoria que promete dejar huella. La canción, disponible ya en plataformas digitales, es mucho más que un debut: es una declaración de intenciones y una ventana abierta a las realidades internas de un joven que creció entre dos mundos.
Con una mezcla de narración callejera y melodías envolventes, “Why Would I Go Home” refleja la lucha emocional de quien se siente atrapado entre el lugar que le vio nacer y la vida que sueña construir. Alpha Menjoh plasma en sus letras el dolor, la lealtad, la ambición y la contradicción de alguien que, aunque anhela avanzar, sigue atado a sus raíces de una forma que resulta imposible de cortar. “Esta canción es mi realidad”, explica el artista. “Habla de sentir que ya no perteneces al sitio del que vienes, pero seguir conectado a él de una manera que no se puede romper. Sé que mucha gente va a sentir esta canción muy dentro”.
La producción apuesta por una atmósfera densa y nostálgica, con una melodía que envuelve y potencia el mensaje directo de unas letras que no esquivan la crudeza de las vivencias personales. Es un tema que explora sin miedo los conflictos de lealtad, supervivencia y búsqueda de identidad, posicionando a Alpha Menjoh como una de las voces más sinceras y con mayor carga emocional que emergen desde Florida.
Para Alpha, que lleva escribiendo música desde los 12 años, este lanzamiento tiene un valor especial. “Es mi primer single oficial y significa el mundo para mí. Es el inicio de mi viaje como artista”, confiesa. Un viaje que comienza con una carta de presentación potente y necesaria en el panorama actual.
“Why Would I Go Home” ya se encuentra disponible en plataformas digitales. Porque esta es solo la primera página de una historia que promete ser contada con verdad, corazón y sin concesiones.
Desde la costa más vibrante del sur, World Collage irrumpe de nuevo en la escena musical nacional con una propuesta descarada, elegante y llena de ritmo. El grupo malagueño, conocido por su capacidad de fusionar estilos y convertir cualquier emoción en un himno pop, lanza su nuevo sencillo autoproducido: “Excusa Perfecta”.
Lejos de ser una balada para llorar en silencio, esta canción es una celebración del desamor con copa en mano y pista de baile encendida. “Excusa Perfecta” llega como la banda sonora perfecta para esas rupturas que se celebran bailando, con una producción minuciosa, una base electrónica contagiosa y letras afiladas que invitan a mandar indirectas… o no tan indirectas. Su estribillo pegadizo —“He encontrado la excusa perfecta / esta vez no es una indirecta…”— se instala en la memoria desde la primera escucha y promete convertirse en imprescindible para las listas de pop actual, dance y radio fórmula.
Lo que para otros artistas podría ser un lamento, World Collage lo transforma en una descarga liberadora, divertida y empoderada. Esta ruptura entre chicas no es amarga: es luminosa, sarcástica y celebra la libertad de pasar página sin dramas y con actitud.
Detrás de este proyecto se encuentran Miguel Paredes, con una reconocida trayectoria como músico y productor, y José María Paredes, alias Pepepar, un creador multidisciplinar que aporta letras e ideas originales a esta mezcla sonora única. Como Yin y Yang, ambos dan forma a este collage musical que, sin etiquetas ni perfiles definidos, mezcla estilos, ritmos, idiomas y emociones en una propuesta fresca y sin complejos.
“Excusa Perfecta” ya está disponible en plataformas digitales, preparada para sonar en todas las emisoras y espacios que apuesten por nuevas voces con talento y mensaje propio. Para más información sobre World Collage y sus próximos lanzamientos, puedes seguirles en sus redes sociales. Porque lo suyo no es un espejismo: es una realidad musical que no ha hecho más que empezar.
Con apenas 20 años, Clara Lema se está abriendo camino en la escena emergente nacional con una propuesta honesta y directa. Desde Madrid, esta joven artista ha pasado de tocar el violín con 5 años a publicar sus primeros singles en menos de un año. Tras SATURNO y Mírame, su nuevo tema Me confunde(s) la consolida como una de las voces más prometedoras del pop emocional de nueva generación. Hablamos con Clara sobre su recorrido, su proceso creativo y lo que está por venir.
Clara, gracias por acompañarnos. Vamos con las preguntas:
Desde los cinco años has estado en contacto con la música, pero ¿en qué momento decides que quieres convertirla en tu profesión?
Desde pequeña he estado súper conectada con la música. Siempre me ha encantado cantar, bailar, subirme a un escenario… nunca me ha dado vergüenza, era como mi forma de expresarme. Pero el momento en el que de verdad decidí que quería dedicarme a esto fue el año pasado.
Llevo años componiendo, pero todo lo tenía guardado para mí. Me daba cosa enseñarlo, supongo que, por inseguridades, por el miedo al “qué dirán”, al “¿y si no gusta?”. Me frenaba mucho eso, aunque por dentro sabía que era lo que más quería hacer.
Lo que me hizo espabilar fue que, con unas amigas, el verano pasado, hicimos un trend en TikTok para intentar conocer a una artista que llevaba años siguiendo y para mí fue, y es hoy en día, alguien a quien admiro y quiero mucho, y conseguimos conocerla. Justo ella también acababa de empezar en la música, y para mí fue como ver una versión un pelín más mayor de mí misma. Me vi super reflejada, de hecho, me sorprendió lo mucho que nos podíamos llegar a parecer sin realmente habernos conocido antes, ella siendo tan conocida en redes y todo, y yo siendo nadie realmente. Pensé: “Si ella lo está haciendo, ¿por qué yo no?”. No la veía como alguien lejanísimo o inalcanzable, y siento que también es algo que me ha ayudado y motivado mucho.
Ahí fue cuando me dije: “Venga tía, deja de comerte la cabeza y hazlo ya”. Y desde entonces empecé a moverme, a compartir mis cosas y a tomármelo en serio de verdad.
Has pasado del violín y el piano al pop más actual, ¿cómo ha sido esa transición a nivel personal y artístico?
Pues… una movida, la verdad, jajaja. Para empezar, no sé tocar la guitarra, y claro, ahora que estoy haciendo pop y componiendo mis propios temas, me está tocando aprender poquito a poco. Pero está siendo muy guay, me lo estoy tomando como parte del proceso, y me lo estoy pasando muy bien.
Yo vengo de una formación más clásica, entonces meterme en el pop ha sido un cambio bastante heavy, pero también súper natural, porque al final es la música que más escucho desde siempre. Me sale sola, no tengo que forzar nada, simplemente me siento, empiezo a escribir y fluye.
Y aunque parezcan mundos diferentes, tener esa base más clásica me ayuda muchísimo. Hay muchas canciones de pop que tienen piano o incluso violín, y cuando se trata de sacar melodías, armonías o estructurar ideas, me viene genial. Me da herramientas que ahora valoro muchísimo más.
Pero lo más fuerte de todo es que meterme en un género que es tan distinto y parecido a la vez, me está enseñando cosas que, a pesar de llevar años en la música y haber hecho teoría, lenguaje, todo eso… no sabía. Como cuadrar una batería, entender bien la estructura de un beat, aprender a medio producir mis maquetas… Son cosas que no se aprenden en clase y que ahora estoy pillando sobre la marcha. Y me flipa, porque estoy creciendo un montón como artista y también como persona.
Defiendes que te sientes novata en lo profesional, pero con muchas ganas de aprender, ¿qué ha sido lo más desafiante de este primer año de carrera?
Sí, totalmente. Me siento novata todavía en lo profesional, pero con muchas ganas de aprender y de seguir creciendo. Este primer año ha sido un reto constante. Uno de los mayores desafíos ha sido hacerme ver como artista emergente, destacar entre tanta gente que también está intentando lo mismo.
Hoy en día cualquiera puede hacer música desde su habitación, subirla y empezar un proyecto, lo cual está genial, pero también significa que hay muchísima oferta, y diferenciarse cuesta. No basta con que la música sea buena: también tienes que saber promocionarte, moverte, hacer contactos, y sobre todo tener contenido constante para redes. Al final, ahora un artista emergente también tiene que ser un poco influencer, entender cómo funcionan TikTok, Instagram… y casi que ganarle al algoritmo. Todo eso es parte del trabajo, aunque muchas veces no se vea.
Al principio pensaba que era cuestión de esperar a que alguien te descubriera o te diera una oportunidad. Pero este año he aprendido que sí, a veces las puertas se abren... pero si no, yo las veo y las abro de una patada, jajajajaj. Hay que ir a por ello sin miedo, porque nadie va a apostar por ti más que tú misma.
Tu nuevo single Me confunde(s) ha sido, según tú, el que más has disfrutado creando. ¿Qué tiene de especial este tema para ti?
Me confunde(s) ha sido, sin duda, la canción que más he disfrutado haciendo hasta ahora. No solo porque me representa mucho, sino porque siento que marca un cambio real en mi forma de hacer música. Desde cómo la compuse hasta cómo sonó al final, todo tuvo más intención, más claridad. Ya no era “a ver qué sale”, sino “esto quiero decir y así quiero que suene”. Y la verdad, acabé muy contenta con el resultado.
Con Saturno, que hice junto a ARENAS, fue otra historia. Más que una canción, fue un momento. Nos sirvió para conectar de verdad como amigos y darnos cuenta de lo fuerte que era nuestra amistad, que a veces podíamos llegar a dar por sentada. Muy especial, pero compartido. Luego vino Mírame, que fue mi primer tema sola-sola… y bueno, fue un experimento total, jajajaja. Estaba probando, aprendiendo sobre la marcha, en plan: “esto es lo que hay, espero que os guste”. Y oye, no salió del todo mal.
Pero Me confunde(s) ya es otra cosa. Es el primer tema donde sentí que estaba tomando decisiones más seguras, más pensadas. Desde la letra hasta el sonido, todo tiene más sentido. Y también lo he notado en cómo lo ha recibido la gente. Es como si ahora sí empezara a encontrar mi voz, y eso me motiva muchísimo. Estoy en esa etapa de ir aprendiendo, creciendo… pero ya sin tanto miedo a equivocarme.
¿De qué habla exactamente Me confunde(s) y qué esperas que la gente sienta al escucharlo?
Me confunde(s) habla de los “casi algo” … jajajajaj. De esa situación en la que no sois nada, pero sois todo. Hay tensión, hay conexión, hay historia, pero nunca pasa nada claro. Va, vuelve, aparece, desaparece, y tú ahí, intentando entender algo que no tiene sentido. No te coge, pero tampoco te suelta. Y mientras tanto tú, pilladísima.
Es esa relación que no es relación, donde todo es ambiguo. Y aunque sabes que no va a ningún sitio, sigues ahí porque algo te engancha. Cuando desaparece dices “ya está, se acabó”, pero en cuanto aparece otra vez con un “¿qué tal?” a las 2AM… pues vuelves.
Y lo que espero con la canción es justo eso: que alguien la escuche y diga “uff, me está pasando lo mismo” y que se rían un poco de su propio drama o, al menos, lo canten bien fuerte y se quiten un peso de encima.
Eso sí, aviso: Me confunde(s) no es para volver a caer, ¿eh? Es para desahogarse, cantar con rabia si hace falta, pero no para volver al ciclo. Que nos conocemos, jajaja.
Tus letras son muy de tú a tú, directas, sin disfraz. ¿Por qué has elegido esa forma de escribir y qué crees que aporta a tu música?
Sí, la verdad es que escribo tal cual hablo —sin muchas vueltas—. No me sale eso de adornarlo todo con mil metáforas, aunque me encanta cuando otras personas lo hacen y me flipa analizarlas. Pero a mí me sale ser directa, como si estuviera mandando una nota de voz a una amiga. Creo que esa forma de escribir conecta más, sobre todo con la gente joven, que al final es la que más me escucha (y que ojalá se convierta poco a poco en una comunidad más grande). Para mí, son como colegas.
No intento sonar más profunda de lo que soy, simplemente escribo desde lo que siento, y me gusta que eso se note. Prefiero que alguien escuche una letra mía y diga “buah, esto me ha pasado” antes que se queden pensando qué quise decir con una frase que ni yo misma entiendo. Al final, la música para mí es eso: una forma de desahogarme, pero también de crear vínculos reales con quien me escucha. Y si consigo que alguien se sienta acompañadx o se ría un poco con algo que pensaba que solo le pasaba a ella o él… ya con eso, yo estoy feliz.
¿Cómo te enfrentas a la parte de producción y montaje de tus temas? ¿Te involucras en todo o prefieres delegar algunas cosas?
Me involucro bastante. Lo que más me engancha de hacer música es justamente la producción, porque al final es realmente el montaje entero del tema. Me gusta escribir y cantar, sí, pero donde más disfruto es en todo el trabajo que hay detrás: probar sonidos, montar estructuras, decidir cómo debe sonar cada parte. Me interesa entender cómo se construye una canción desde dentro, no simplemente grabar y ya.
Producir no es fácil. No es solo elegir un beat, hay decisiones todo el rato: cómo entra una voz, si dejar un silencio, si meter un efecto, el reverb… Todo influye. A veces no está claro qué funciona y qué no. Hay que probar, equivocarse, frustrarse un poco, volver a intentar. Estoy aprendiendo a escuchar con más detalle y a entender por qué algo suena bien o por qué no termina de encajar. Es un proceso constante (y sí, a veces una pelea con el programa también, jajaja).
Trabajo con Viko, mi productor, y muchas veces siento que hace magia. Le suelto ideas súper abstractas —tipo “quiero que suene como si viniera de un teléfono, pero más como radio antigua”— y él las entiende y las convierte en algo real. Al principio me costaba explicarme (llegué a decir cosas como “esto tiene que sonar ñiñiñi”), pero con el tiempo he aprendido a comunicarme mejor, incluso con términos más técnicos. Me gusta entender lo que está pasando en cada parte del proceso, además que como artista me parece esencial tener una base de producción.
Últimamente también estoy trabajando con más productores, y eso me está ayudando mucho. Cada persona tiene su forma de construir y su manera de escuchar. Me obliga a adaptarme y a salir de mi zona de confort y me está ayudando a ver y componer mis temas desde perspectivas que jamás me hubiese imaginado, la verdad. Así que sí, todavía tengo mucho que aprender, pero intento estar en todo lo que pueda y absorber lo máximo.
Dices que te sientes más cómoda en el pop, pero que estás abierta a otros estilos. ¿Qué géneros te gustaría explorar en un futuro cercano?
Sí, estoy bastante abierta a probar estilos nuevos como el reggaetón o el rap, porque son géneros que me llaman mucho la atención y que, poco a poco, estoy empezando a explorar. Me gusta la idea de no cerrarme a nada. Al final, creo que cada estilo tiene algo que enseñarte, y si te limitas a uno solo, te pierdes un montón de oportunidades para crecer, además, nunca sabes dónde puede salir una idea buena, a veces escucho algo totalmente distinto a lo que suelo hacer y me digo: ‘buah, esto me encantaría probarlo’.
El reggaetón tropical, por ejemplo, me parece que tiene una energía super especial. Es alegre, tiene ritmo, pero sin llegar a ser demasiado, y las vibras caribeñas son lo más, como si te transportara a otro sitio. Me flipa ese tipo de sonido, que te hace moverte sin ser demasiado agresivo. Y el rap melódico me atrapa por otro lado: letras que dicen cosas, que te hacen pensar o sentir, pero con una base muy simple, a veces nada más que un piano y algo de beat. Artistas como Kadec o Decomdz hacen cosas muy interesantes en ese sentido.
Aun así, por mucho que me guste experimentar, siento que el pop es donde realmente encajo. Es el estilo que más me representa, donde más cómoda me siento componiendo y cantando. Me da libertad para probar sonidos nuevos sin dejar de sonar a mí. Así que, aunque me apetece seguir jugando con otros géneros, creo que el pop va a seguir siendo mi punto de partida. Es donde más natural me sale todo y donde quiero seguir creciendo como artista.
Has mencionado que tienes temas de reggaetón y trap guardados bajo la manga. ¿Te ves publicándolos pronto o prefieres esperar?
Sí, tengo varios temas de reggaetón y trap listos, o casi listos, y la mayoría son colaboraciones. Eso hace que todo dependa de más cosas que solo mis ganas de sacarlos jajaja. Hay que cuadrar agendas, grabar videoclips, alinear los planes de cada artista... y a veces eso lleva más tiempo que hacer la canción. Pero ya está todo bastante encaminado y van a salir este año, eso seguro.
La idea es que empiecen a salir en verano, porque los temas tienen esa vibra perfecta para la temporada: son intensos, bailables, callejeros. Hay uno de trap en particular que me tiene loquísima. Es de esos que entran con fuerza, una energía muy cruda, muy real… digamos que intenso jajaja.
Todavía no me he atrevido a sacar uno de trap o reggaetón completamente sola, y es algo que tengo ahí, dándome vueltas. Me da un poco de vértigo, la verdad, porque es un terreno con mucha personalidad, y quiero hacerlo bien, no por impulso. Pero está en mis planes, y cada vez lo veo más cerca.
Lo importante es que estoy súper emocionada con lo que viene. Son temas que me representan, que tienen mucha energía, y que espero que la gente los disfrute tanto como yo disfruté haciéndolos.
La joven artista Nerea Benito vuelve a dejar su huella en el panorama musical nacional con el lanzamiento de “Ya No Quiero”, su nuevo single, ya disponible en plataformas digitales. La canción, que refleja la versión más flamenca y desgarrada de la cantante, reafirma el carácter único de una voz que no deja de crecer y sorprender.
Con apenas 22 años, Nerea Benito ha sabido ganarse un espacio en las playlists y en los corazones de miles de oyentes gracias a su capacidad para fusionar el flamenco con los sonidos urbanos y latinos más actuales. Desde que llamara la atención de Rapport Digital Music, la carrera de la artista ha ido en ascenso, protagonizando éxitos como “Vente”, “Dale”, “Sigo Sin Saber” o “Yo Contigo Escribiría”, que han sonado con fuerza en playlists tan importantes como “Novedades Viernes España”, “Flamenco Pop” o “Bachata y Flamenco” de Spotify.
En esta ocasión, “Ya No Quiero” apuesta por una letra íntima y decidida, escrita por la propia Nerea Benito, que habla de liberarse de relaciones tóxicas y romper con lo que ya no suma. Una declaración de intenciones que conecta con la energía y la personalidad que la artista imprime en cada uno de sus temas. La producción musical corre a cargo de TTM Prod, quienes aportan una base actual con tintes flamencos que acompaña a la perfección el carácter rasgado y delicado de la voz de Nerea.
El lanzamiento se completa con un videoclip realizado por Konerapkourfilms, que ofrece una propuesta visual intensa, elegante y emocional, en la que la artista vuelve a demostrar su capacidad para emocionar desde la sencillez y la autenticidad. Imágenes que refuerzan el mensaje de fuerza y autonomía de la canción, enmarcando a Nerea Benito en una estética cuidada y contemporánea.
Este nuevo single confirma el excelente momento que vive la artista madrileña, quien no ha dejado de sumar éxitos y reconocimiento desde sus primeras publicaciones. Con un crecimiento constante en plataformas digitales y miles de visualizaciones en sus redes sociales, Nerea Benito se perfila como una de las voces jóvenes con mayor proyección dentro del flamenco pop y la música urbana española.
“Ya No Quiero” es solo un nuevo capítulo en una trayectoria que no deja de consolidarse. Para no perderse ninguna de sus novedades, próximos videoclips o lanzamientos, puedes seguirla en sus redes sociales, donde la artista mantiene un contacto cercano y constante con su comunidad de seguidores.
Con temple, juventud, criterio propio y una voz inconfundible, Nerea Benito sigue escribiendo su nombre entre las artistas emergentes que están marcando tendencia en la nueva escena nacional.
El cantante y compositor madrileño Rober Marccu acaba de estrenar “2 Minutos”, su nuevo single, disponible ya en plataformas digitales. Se trata de una canción honesta y directa, que conecta con esa generación que creció escuchando pop español de los 2000, pero que busca nuevos sonidos con los que identificarse hoy. Con este tema, el artista confirma su intención de seguir construyendo un universo propio donde las emociones cotidianas y las historias personales son las grandes protagonistas.
La historia de Rober Marccu es la de muchos jóvenes que, en medio del encierro provocado por la pandemia, se reencontraron con viejas pasiones. Cansado de la rutina de oficina y del peso de los días en cuarentena, Rober desempolvó una guitarra que guardaba en casa y comenzó a volcar en canciones todo lo que no podía decir en voz alta. Lo que en un principio fue un desahogo personal, pronto se convirtió en un proyecto musical con el que otras personas empezaron a identificarse.
Ese vínculo con su público le llevó a publicar sus primeras canciones, y más tarde un EP con el que marcó su carta de presentación. Desde entonces, Rober no ha dejado de escribir y grabar nuevos temas, siempre con esa esencia pop que bebe de referentes como Dani Martín, El Canto del Loco o Pereza, pero adaptada al lenguaje y las producciones actuales.
“2 Minutos” habla de esos instantes previos a una despedida, de lo que uno querría decir y no se atreve, de cómo a veces dos minutos pueden cambiarlo todo o dejarlo en nada. Con una letra cargada de sinceridad y una melodía que se queda en la cabeza desde la primera escucha, la canción refleja a la perfección el estilo directo y emocional que caracteriza a Rober Marccu.
El artista, además, se encuentra preparando su primer show de presentación en Madrid, donde llevará en directo no solo este nuevo single, sino también los temas que ha lanzado en los últimos meses. Será una oportunidad única para conocer de cerca a uno de los nombres emergentes que mejor está sabiendo reinterpretar el pop español desde la mirada de su generación.
“2 Minutos” ya está disponible en todas las plataformas digitales, y para no perderte nada sobre Rober Marccu, sus próximos estrenos y fechas en directo, puedes seguirlo en sus redes sociales. Un artista que, sin prisa pero sin pausa, va ganando terreno en la escena independiente con historias que suenan a todos y pertenecen a cualquiera.
Samantha Gilabert sigue consolidando su carrera como una de las voces más auténticas y queridas de la nueva generación del pop español. La artista alicantina, que se dio a conocer en Operación Triunfo 2020, presenta ahora “Vuelvo a caer”, un tema que muestra su faceta más vulnerable y madura, y que ya se encuentra disponible en plataformas digitales.
Con este nuevo sencillo, Samantha vuelve a conectar con esa sinceridad emocional que siempre ha caracterizado sus letras. “Vuelvo a caer” es una canción que habla del amor cíclico, de esos sentimientos que uno intenta dejar atrás pero que acaban regresando, a veces disfrazados, otras veces con la misma intensidad de siempre. La artista interpreta esta historia desde la aceptación y el reconocimiento de los errores, con una letra cargada de honestidad y nostalgia que inevitablemente resonará en cualquiera que haya intentado cerrar un capítulo sin éxito.
Musicalmente, el tema navega entre el pop melódico y ligeros toques electrónicos, manteniendo esa esencia pop-rock que Samantha ha sabido defender desde sus inicios como solista. La producción, elegante y minimalista, da protagonismo a su voz cálida y cercana, capaz de transmitir con naturalidad tanto la ternura como el desgarro emocional que esconde cada palabra de la canción.
“Vuelvo a caer” forma parte de Antídoto, el más reciente álbum de la artista, un trabajo compuesto por once canciones que reflejan la evolución de Samantha no solo como cantante y compositora, sino también como mujer y creadora. En este disco, la intérprete de “Sin Más” y “Nada” se permite explorar nuevas sonoridades, fusionando el pop clásico con pinceladas urbanas, matices electrónicos y baladas íntimas que desnudan su verdad emocional.
Desde su salida de Operación Triunfo, Samantha no ha dejado de trabajar y de forjar una carrera fiel a sí misma. Tras su aplaudido debut con el EP Nada, que se colocó en el número 2 de las listas de ventas en España, la cantante ha sabido ganarse un lugar sólido en la escena musical actual, participando en festivales, giras y colaboraciones con otros artistas.
Con “Vuelvo a caer”, Samantha reafirma su talento para escribir canciones que conectan con el corazón del público, relatando historias cotidianas y sentimientos universales desde una perspectiva muy personal. El tema ha sido recibido con entusiasmo por sus seguidores, que han celebrado en sus redes sociales el regreso de esta versión más íntima y desgarradora de la artista.
Disponible ya en plataformas digitales, “Vuelvo a caer” es una muestra más del momento creativo que atraviesa Samantha Gilabert, una artista que no teme mostrar su lado más humano y que sigue creciendo a base de verdad, emoción y talento.
La cantante y compositora Ziberia vuelve a marcar territorio en la escena alternativa con el lanzamiento de “Mata”, su nuevo single, ya disponible en plataformas digitales. Nacida en Madrid y criada en Bariloche, Argentina, la artista propone una fusión de pop, R&B y electrónica que abraza la estética íntima, potente y contemporánea que la define, consolidando una identidad sonora propia y reconocible.
“Mata” es una canción oscura, sensual y honesta, que habla de ese momento en el que dejar ir ya no duele, porque en realidad nunca hubo nada sólido que sostener. La propia Ziberia describe el tema como lo que podría sonar si Ariana Grande y Flume decidieran colaborar: una pieza que mezcla delicadeza vocal y producción electrónica envolvente con un marcado carácter emocional.
El single fue compuesto por Ziberia junto a RÁU, productor, intérprete y compositor con quien mantiene una estrecha colaboración artística, y que también firma la producción del tema. La mezcla estuvo a cargo de Ferla, referente de la escena alternativa argentina y conocido por su trabajo con proyectos como Silvestre y La Naranja, mientras que el mastering lo realizó Da Goose Mastering, estudio de prestigio internacional con más de dos décadas de trayectoria en pop, electrónica y música alternativa.
El lanzamiento de “Mata” se acompaña de un video oficial con lyrics ya disponible en YouTube, dirigido, editado y colorizado por Matías Franco. La dirección de fotografía y arte de tapa corrió por cuenta de Germán Goya, mientras que el estilismo, maquillaje y peinado estuvieron a cargo de Agustina Bustos. El diseño gráfico fue obra de Pablo Sordetti, aportando una estética visual que complementa a la perfección la atmósfera oscura y seductora de la canción.
Con más de 3,5 millones de streams en plataformas digitales, Ziberia continúa avanzando de forma independiente, abriéndose camino en la industria y consolidándose como una de las voces emergentes más interesantes de la escena alternativa hispanoamericana. Su propuesta artística, que combina delicadeza vocal, una producción cuidada y letras sinceras, sigue sumando oyentes que conectan con su universo sonoro.
“Mata” es un nuevo paso en su consolidación como artista polifacética, siempre dispuesta a experimentar y explorar nuevas texturas sonoras. Para no perder detalle de sus próximos lanzamientos y proyectos en camino, se puede seguir a Ziberia a través de sus redes sociales, donde comparte adelantos, contenido exclusivo y reflexiones sobre su proceso creativo.
Ya disponible para escuchar en plataformas digitales, “Mata” confirma que Ziberia no teme transitar los espacios más profundos y emocionales del pop alternativo, proponiendo un viaje sonoro que conquista por su honestidad y su sofisticada producción.
El cantante, compositor y productor emergente Gianni Capri da un paso importante en su carrera musical con el lanzamiento de “Unpredictable”, un single fresco, contagioso y cargado de buen humor que ya está disponible en plataformas digitales. Con este tema, el artista originario de Australia Occidental inaugura una nueva etapa en su trayectoria y anuncia, además, su primer show en vivo para celebrar este lanzamiento.
“Unpredictable” es una pista de pop ligero con un ritmo irresistible y bailable, que se adentra en ese viaje impredecible que pueden ser las relaciones humanas. Bajo un tono despreocupado y optimista, Capri transforma los altibajos emocionales en una canción divertida y melódicamente pegadiza. “Es una forma ligera de contar lo intenso que puede ser el sube y baja emocional en una relación”, explica el artista. “Me gusta que, a pesar de hablar de cosas fuertes, se presenta de forma positiva, un poco burlona incluso, y eso le da personalidad”.
Gianni destaca especialmente la fuerza melódica de este nuevo tema. “Creo que es una de mis canciones más sólidas en cuanto a melodías. Está repleta de pequeños ganchos que aparecen y desaparecen, y eso es algo que me encanta hacer: crear canciones simples pero muy pegadizas”.
Acompañando el lanzamiento, “Unpredictable” cuenta con un videoclip oficial dirigido por Joel Baker, de la productora Better Bread, con sede en Perth. El video, que refleja el carácter desenfadado del tema, muestra a Gianni enfundado en traje y corbata en medio de una jornada laboral poco convencional. El artista, rodeado de compañeros de oficina y bajo la mirada implacable de su jefa, interpretada por Charlize Dior Rebelo, vive un día lleno de situaciones surrealistas que reflejan, de forma simpática, los altibajos de las relaciones.
“Fue la primera vez que trabajaba con Joel y me propuso esta idea de situarlo todo en una oficina, con una jefa un poco tirana. Al principio dudé porque nunca había hecho algo tan narrativo, pero confié en él y no me arrepiento. Es como la canción: ligero, retro, con ese toque cálido y orgánico que logró con lentes y efectos vintage”, cuenta Gianni sobre la experiencia.
Sobre su compañera de rodaje, también tuvo palabras de elogio: “No había conocido a Charlize hasta el mismo día del rodaje, así que estaba un poco nervioso, pero fue increíble. Muy profesional y perfecta para el papel”.
Con este nuevo lanzamiento y más de 3,5 millones de streams acumulados en plataformas digitales, Gianni Capri continúa consolidando su propuesta dentro de la escena pop independiente. “Unpredictable” es una muestra clara de su habilidad para crear temas sencillos, directos y llenos de hooks, combinados con una estética visual cuidada y divertida.
El single ya está disponible en plataformas digitales, y para quienes quieran estar al tanto de próximos lanzamientos, videoclips y fechas de shows en directo, pueden seguir al artista a través de sus redes sociales. Gianni Capri confirma con este estreno que la sencillez, el buen humor y la honestidad emocional pueden coexistir con producciones frescas y bailables, conquistando así nuevos públicos y consolidando su nombre en la escena.
