El artista puertorriqueño Lenny Tavárez presenta “Juicy”, su nuevo sencillo y una de las propuestas más intensas y provocadoras de su carrera. Se trata de un tema que lo sitúa en el territorio del trap latino y el R&B en estado puro, directo, sin rodeos, concebido como una invitación abierta al deseo, la obsesión y la energía nocturna que ha definido gran parte de su trayectoria. Con este lanzamiento, Tavárez reafirma su identidad como uno de los artistas más atrevidos y seguros del género, apostando por una narrativa que pone el foco en el placer femenino y en la libertad sexual como expresión de confianza y poder.

La canción se despliega desde sus primeros compases como un ejercicio de seducción sonora. Cada verso, cada ritmo, cada silencio está pensado para provocar, para conectar con una audiencia que busca en la música no solo entretenimiento, sino también autenticidad y emoción real. “Juicy” no es una canción sobre el deseo contado desde la distancia; es una inmersión directa en la intimidad, en ese espacio donde la atracción se vuelve tangible y las palabras se convierten en caricias. La producción, cuidada y actual, envuelve la voz de Lenny en una atmósfera que respira sensualidad sin caer en lo explícito gratuito, logrando un equilibrio difícil entre la provocación y la elegancia.

Lo que distingue a este lanzamiento de otros dentro del género es su carácter profundamente personal. Lenny Tavárez no solo interpreta y promociona el tema junto a su esposa, sino que ella también forma parte de la puesta en escena como bailarina, aportando una química genuina que trasciende cualquier ficción. La intimidad que ambos proyectan convierte cada actuación y cada imagen en una experiencia honesta, cargada de verdad y complicidad. No es una historia inventada; es una historia vivida, y esa diferencia se nota en cada gesto, en cada mirada, en la naturalidad con la que ambos habitan la canción y su universo visual.

Esa decisión, la de compartir escenario con su pareja y hacer de su relación parte de la narrativa artística, refuerza el mensaje de autenticidad que recorre todo el tema. Porque “Juicy” no habla solo de deseo; habla también de confianza, de la seguridad que da saberse en manos de quien te conoce de verdad, de la libertad que nace cuando el vínculo es real y no una construcción mediática. Lenny apuesta por mostrarse sin máscaras, por convertir su propia vida en materia prima de su arte, y esa transparencia es precisamente lo que dota al sencillo de una fuerza especial.

El tema funciona además como una declaración final de esta etapa artística. Provocativa, real, sin concesiones. Un cierre contundente que deja claro quién es Lenny Tavárez hoy y por qué sigue marcando el pulso del trap latino contemporáneo. Porque en un género donde a menudo se confunde la provocación con el vacío, él demuestra que se puede ser descaradamente sensual sin renunciar a la hondura, que se puede hablar de deseo sin caer en lo superficial y que, cuando la música nace de la verdad, el público lo nota y lo agradece.

“Juicy” ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de intimidad y poder que Lenny Tavárez ha sabido construir. Una canción para sentir, para bailar y para recordar que, a veces, lo más provocador que puede hacer un artista es simplemente ser él mismo.

La cantante mexicana Patricia Manterola publica “Tú y Yo”, su nuevo sencillo y una pieza intensa, sensual y envolvente que celebra la conexión entre dos personas a través de una atmósfera íntima y emocional. Se trata de una canción que explora el deseo, la complicidad y el magnetismo compartido, invitando a quien la escucha a sumergirse en una historia de amor donde la atracción y la entrega mutua se convierten en protagonistas absolutos. Con este lanzamiento, Manterola no solo refuerza su identidad musical, sino que rinde homenaje a su propia historia personal: quince años de matrimonio con Forrest Kolb, un recorrido de amor, aprendizaje y crecimiento que encuentra en este tema su banda sonora perfecta.

La canción ha sido coescrita por Patricia junto a Catherine Balladares, con producción de José Miguel Velázquez, nombre reconocido por su trabajo en éxitos de artistas como David Bisbal. Musicalmente, “Tú y Yo” se mueve entre sonidos cálidos, modernos y fluidos, creando una experiencia sonora que refuerza el deseo compartido que la letra describe. La producción, cuidada y elegante, envuelve la voz de Manterola en una atmósfera que transmite cercanía y sofisticación a partes iguales, permitiendo que cada palabra respire y que cada matiz de la interpretación llegue con claridad a quien escucha.

La letra está cargada de imágenes que apelan a los sentidos, a esa conexión que va más allá de lo físico y se instala en un territorio donde la complicidad y la entrega se confunden. No es una canción sobre el amor idealizado, sino sobre el amor vivido, sobre ese conocimiento mutuo que solo dan los años compartidos y la decisión renovada cada día de seguir eligiéndose. Esa autenticidad, esa verdad que solo puede transmitir quien ha recorrido el camino, es lo que dota a “Tú y Yo” de una profundidad especial y lo que permite que conecte de forma directa con un público que busca en la música un reflejo de sus propias experiencias.

El videoclip que acompaña al single, dirigido por el mexicano Isi Sarfati, añade una capa más de significado a la propuesta. En él aparece la propia Patricia junto a su esposo Forrest Kolb, combinando imágenes reales actuales con otras del pasado, construyendo un precioso homenaje a todo lo que han construido juntos en más de quince años. Las imágenes, lejos de ser un mero acompañamiento, funcionan como un diario visual que recorre momentos compartidos, gestos cotidianos, miradas que el tiempo no ha logrado apagar. Un documento íntimo que convierte la canción en algo aún más personal y que invita a quienes la ven a asomarse a esa historia de amor real que late detrás de cada verso.

Patricia Manterola es una artista con una sólida trayectoria en la música latina, reconocida por su versatilidad, su elegancia y su capacidad para reinventarse a lo largo de los años. Su carrera musical comenzó como integrante del icónico grupo Garibaldi, una de las agrupaciones más influyentes del pop latino de los años noventa, con la que se dio a conocer a nivel internacional y conectó con una generación entera de seguidores. Tras esa etapa, inició un exitoso camino como solista, consolidando una identidad artística propia sostenida por una voz cálida y expresiva y una propuesta musical que ha sabido incorporar sonidos contemporáneos, románticos y urbanos sin perder su esencia.

A lo largo de más de tres décadas de carrera, Manterola ha explorado distintos géneros dentro del pop latino, manteniendo siempre una estética elegante y actual. Su música se caracteriza por letras que hablan de amor, deseo, fortaleza femenina y conexión emocional, acompañadas de producciones modernas y envolventes. Con cada nuevo lanzamiento, Patricia reafirma su evolución artística y su compromiso con crear canciones que conectan desde lo emocional, sin perder autenticidad ni sofisticación.

“Tú y Yo” es, en ese sentido, un paso más en esa dirección. Una canción que celebra lo construido, que mira atrás con gratitud y adelante con ilusión, y que confirma a Patricia Manterola como una artista capaz de transformar su propia vida en arte sin perder ni un ápice de la elegancia que la caracteriza. El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumarse a esa celebración del amor compartido que, como demuestra la canción, cuando es verdadero, solo crece con el tiempo.

Marina vuelve a sacudir la escena con el lanzamiento de su nuevo single “Qué importa la gente”, una canción que reafirma su personalidad arrolladora y ese desparpajo tan característico que solo alguien de Jerez de la Frontera puede imprimirle al pop actual. La artista jerezana demuestra, una vez más, que se puede hacer pop moderno, fresco y comercial sin renunciar a la esencia del sur que define su identidad artística.

Marina, nacida en 1995, lleva años construyendo una trayectoria sólida que comenzó de forma casi orgánica en la calle. Sus vídeos virales, que superaron los 12 millones de visualizaciones, la catapultaron a una gira por Andalucía y a hitos como llenar la Sala Arena de Madrid, consolidando una conexión directa y emocional con el público. Con formación clásica en el Conservatorio y raíces flamencas familiares, debutó en 2016 con Desde la Frontera y dio un paso firme en 2020 con Salida de Emergencia, trabajo en el que terminó de perfilar ese equilibrio entre lo jondo y lo contemporáneo. Su talento fue reconocido con el premio a Artista Revelación por Radiolé, consolidando su nombre dentro del panorama nacional.

Ahora, con “Qué importa la gente”, Marina explota su faceta más directa y luminosa. El single es un auténtico dardo contra los prejuicios y las opiniones externas que tantas veces condicionan las relaciones. La canción habla de esa sensación de estar tan a gusto con alguien que el resto del mundo desaparece, de amar sin pedir permiso y sin mirar alrededor. Es un himno a la libertad sentimental, a la valentía de querer de forma pura, real y por encima de todas las cosas.

Desde la primera estrofa, la artista nos introduce en una historia íntima y cercana: “Enamorada, cuando me miras siento como me amas”. La letra avanza entre imágenes cotidianas y confesiones sinceras que retratan un amor incondicional, de esos por los que uno estaría dispuesto a todo. El estribillo, pegadizo y rotundo, resume el mensaje central: “Qué importa la gente, si a mí me sobran los motivos pa’ quererte y tenerte”. La repetición insistente de la frase convierte la canción en una declaración firme contra el juicio ajeno.

Musicalmente, el tema combina una producción pop pulida y actual con una interpretación vocal muy cercana, casi confidencial. Marina canta como si estuviera contándole un secreto a una amiga, con naturalidad y sin artificios, pero dejando asomar ese quejío flamenco que marca su identidad. Esa mezcla de frescura y raíz es precisamente lo que la diferencia dentro del panorama actual.

Este lanzamiento llega después de “Tirititimi”, un lamento moderno donde el duende flamenco se entrelazaba con la emoción pop en una historia de amor imposible. Con más de 200.000 seguidores en redes sociales, Marina continúa ampliando su comunidad de oyentes, demostrando que su propuesta, que fusiona tradición, sensibilidad y modernidad, conecta con una audiencia cada vez más amplia.

“Qué importa la gente” no es solo una canción de amor, es una declaración de principios. En tiempos donde las opiniones externas parecen pesar más que nunca, Marina apuesta por la autenticidad y la emoción sin filtros. Su voz es verdad, su actitud es presente y su propuesta confirma que el flamenco-pop tiene en ella a una de sus figuras más frescas y prometedoras.

Los artistas colombianos Jesús Hernández y Sebastián Ayala unen sus voces en “Salir Adelante”, un sencillo que honra la tradición del regional colombiano y pone el foco en la disciplina, la gratitud, la humildad y el papel fundamental de la familia como motor para construir un futuro mejor. Se trata de una canción que propone un mensaje directo y honesto sobre la lucha diaria por los sueños, sin perder la esencia ni las raíces, invitando a mantenerse firme en los momentos difíciles y a trabajar con constancia para transformar la vida.

La canción se despliega como una conversación íntima entre quienes saben que el camino no ha sido fácil pero también conocen el valor de cada paso dado. La letra, cargada de imágenes que apelan a lo cotidiano y lo universal a la vez, recorre ese trayecto que va del esfuerzo silencioso a la recompensa compartida, de la incertidumbre inicial a la certeza de que, con fe y perseverancia, siempre es posible salir adelante. No hay en ella triunfalismo vacío ni promesas imposibles; hay la verdad de quien ha vivido lo que canta y la generosidad de quien quiere compartir esa experiencia para que otros puedan también reconocerse en ella.

La unión entre Jesús Hernández y Sebastián Ayala surge de manera especial y emotiva. La colaboración, organizada como una sorpresa por el cantante Nico Hernández —director del videoclip y hermano de Jesús—, fue concebida como un regalo de cumpleaños para el artista, logrando un momento único y significativo en su carrera. Esa génesis tan personal, ese origen vinculado al cariño familiar y a la celebración de la vida, impregna cada nota de la canción y la convierte en algo más que un simple lanzamiento musical: es también un testimonio de los lazos que sostienen a quienes se dedican a este oficio.

El videoclip, dirigido por Nico Hernández y producido por Musari Films, desarrolla una historia aspiracional basada en la superación personal y el orgullo por las raíces. Las imágenes reflejan un entorno cercano y familiar, con amigos, seres queridos y elementos culturales colombianos como la chiva, ese vehículo tan característico del país que aquí funciona como símbolo de recorrido, de viaje compartido, de camino que se hace en compañía.

Pero el vídeo va más allá de la ambientación costumbrista para adentrarse en las historias reales de los artistas. En él se plasma el pasado de Sebastián Ayala como mecánico, un oficio que simboliza el esfuerzo y el trabajo manual, la dignidad de quien construye con sus manos. Y también el de Jesús Hernández como joven soñador escribiendo canciones, representando el inicio del camino hacia sus metas, ese momento en el que los sueños aún son frágiles pero ya empujan con fuerza. Ambas narrativas se entrelazan para mostrar que el éxito no nace de la nada, sino de la constancia, de la fe en uno mismo y del apoyo de quienes creen en nosotros incluso cuando nosotros mismos dudamos.

“Salir Adelante” no es solo una canción; es un mensaje de esperanza para todos aquellos que enfrentan dificultades y necesitan un recordatorio de que el esfuerzo vale la pena. Con este lanzamiento, Jesús Hernández y Sebastián Ayala buscan inspirar y demostrar que, con disciplina y perseverancia, siempre es posible transformar la realidad y alcanzar los sueños, por lejanos que parezcan.

El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de gratitud y arraigo que los artistas han sabido construir. Una canción para recordar que, venga lo que venga, mientras haya familia, mientras haya raíces y mientras haya fe en el camino, siempre se puede salir adelante.

El artista FGFranksG publica “Fina”, su nuevo sencillo y una propuesta que se despliega desde la narrativa íntima y honesta apoyada en una fusión equilibrada de R&B, trap, pop y sonidos urbanos. Se trata de una canción que gira en torno a la figura de la “chica fina”, entendida no como un ideal superficial ni como un arquetipo inalcanzable, sino como una presencia auténtica que se define por los detalles, la actitud y la naturalidad con la que habita el mundo. Con este lanzamiento, FGFranksG reafirma su búsqueda constante de conexión real, alejada de artificios y centrada en la emoción como eje vertebrador de su propuesta.

La canción construye su narrativa desde un lenguaje sencillo y cercano, huyendo de grandilocuencias innecesarias para apostar por la fuerza de lo cotidiano. Cada verso dibuja los contornos de esa “chica fina” a través de pequeñas observaciones, de gestos y actitudes que revelan una forma de estar en el mundo más que una apariencia cuidada. Esa mirada, la de quien encuentra la belleza en lo auténtico y lo imperfecto, recorre toda la pieza y le otorga una calidez que invita a la identificación directa por parte de quien escucha.

La producción de “Fina” ha sido cuidada con especial atención a la atmósfera y la emoción. Los elementos sonoros se combinan con equilibrio, permitiendo que cada textura ocupe el lugar justo sin saturar el espacio que la voz y la letra necesitan para respirar. Las influencias del R&B aportan esa calidez sensual que caracteriza al género, mientras que los toques de trap y pop urbano actualizan el sonido y lo sitúan en un terreno contemporáneo sin perder la hondura emocional que define el tema. El resultado es una pieza introspectiva, pensada para escucharse con atención, para dejarse llevar por sus matices y para resonar desde lo cotidiano mucho después de que la canción haya terminado.

FGFranksG se presenta con esta canción como un artista que prioriza la interpretación y el sentimiento por encima de cualquier otra consideración. Su propuesta no busca impresionar por la vistosidad de los arreglos ni por la complejidad de las estructuras, sino por la verdad que es capaz de transmitir cada frase, cada inflexión de la voz, cada silencio colocado en el momento preciso. Esa honestidad, esa disposición a mostrarse sin máscaras, es precisamente lo que convierte “Fina” en una canción que conecta de manera directa con quien la escucha.

“Fina” no es solo un retrato dedicado a esa figura femenina que inspira la canción; es también un autorretrato del artista, de sus valores, de su manera de entender la música y la vida. La canción refleja su identidad: esa búsqueda constante de conexión real, sin excesos ni artificios, donde lo importante no es lo que se muestra sino lo que se siente. Una declaración de principios que, lejos de resultar pretenciosa, se sostiene sobre la base sólida de una interpretación sincera y una producción que sirve a la emoción en lugar de eclipsarla.

El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en ese universo de detalles y autenticidad que FGFranksG ha sabido construir. Una canción para quienes valoran la verdad por encima de la apariencia y encuentran en la música un espacio donde lo cotidiano se convierte en extraordinario.

El rapero, cantante y emprendedor sudafricano Money Mike S.A., también conocido como Ibrahim Abdul Fakhouri, continúa consolidando su presencia en la industria musical con el lanzamiento de su nuevo tape, “Alhamdulila”, y el anuncio de un próximo EP titulado “The Caine Effect Budra”. Con una poderosa presencia en redes sociales que supera los tres millones de seguidores, el artista fundador del innovador colectivo Yalla Habibi Cartel refuerza su posición como una figura dinámica dentro de la escena musical sudafricana y más allá de sus fronteras.

El recientemente publicado “Alhamdulila” ofrece a los oyentes una fusión auténtica de sus raíces africanas y árabes, un sello distintivo que atraviesa toda su obra. A través de un sonido único y una narrativa que bebe directamente de su herencia cultural, el tape despliega la versatilidad de un artista capaz de transitar con naturalidad entre mundos aparentemente alejados pero profundamente conectados en su experiencia personal. Cada tema es una ventana a su identidad mestiza, a esa doble pertenencia que resuena con fuerza en públicos de distintos continentes y que le está permitiendo construir puentes allí donde antes había separación.

El título del trabajo, “Alhamdulila”, que puede traducirse como “Alabado sea Dios” o “Gracias a Dios”, refleja una actitud de gratitud y reconocimiento por el camino recorrido. No es solo un nombre; es una declaración de principios, una forma de situarse ante la vida y ante la música con la conciencia de que cada paso, cada logro, cada dificultad superada forma parte de un proceso más amplio que merece ser celebrado con humildad y agradecimiento. Esa mirada, la de quien entiende su carrera como un viaje de crecimiento personal además de artístico, impregna cada uno de los cortes que componen el tape.

Paralelamente al lanzamiento de “Alhamdulila”, Money Mike S.A. se prepara para publicar su próximo EP, titulado “The Caine Effect Budra”. Un trabajo que promete llevar a su audiencia más allá en la exploración de su sonido y su historia, empujando los límites creativos y definiendo con mayor precisión su visión artística. Si el tape recién estrenado funciona como una expresión de gratitud y evolución, el EP que viene se presenta como una profundización en ese universo, una inmersión más arriesgada y experimental en los territorios que el artista lleva tiempo explorando.

“Cada proyecto es un reflejo de mi viaje y de las culturas que me moldean”, ha compartido Money Mike S.A. sobre estos lanzamientos. “Con ‘Alhamdulila’, quería expresar gratitud y crecimiento. Y con ‘The Caine Effect Budra’, estoy emocionado por llevar a mi audiencia más adentro de mi sonido y mi historia”. Una declaración que resume a la perfección la filosofía de un artista que entiende la música como vehículo de identidad y como espacio de encuentro entre herencias diversas.

A través de su música y de sus iniciativas empresariales, Money Mike S.A. continúa construyendo ese puente entre influencias musicales y públicos distintos, demostrando que las fronteras son convenciones que pueden trascenderse cuando hay una visión clara y una autenticidad indiscutible. Su papel como artista emergente dentro de la escena sudafricana se va consolidando con cada lanzamiento, y todo indica que tanto el tape recién publicado como el EP en camino contribuirán a afianzar esa trayectoria ascendente.

“Alhamdulila” ya está disponible para todos los oyentes que deseen sumergirse en sus sonidos vibrantes y en las historias que encierra. Por su parte, “The Caine Effect Budra” será anunciado próximamente a través de las plataformas digitales del artista, invitando a permanecer atentos a los próximos movimientos de quien, sin duda, es una de las figuras más interesantes del panorama musical sudafricano actual.

La versátil y conmovedora cantante y compositora sueca Elin Engdahl presenta “Bound For Glory”, su nuevo sencillo y una adaptación al inglés de “Din tid kommer”, el célebre tema del artista Håkan Hellström, uno de los nombres más queridos y con mayores ventas de la música escandinava, compuesto junto al productor y músico Björn Olsson. Se trata de una pieza que narra una historia de herencia emocional, de sacrificio y de esperanza, construida en torno a la figura de una hija que crece sin la presencia de su padre y que recibe de su madre un mensaje que marcará su vida: “sé todo lo que yo nunca pude ser”. Con este lanzamiento, Elin Engdahl no solo rinde homenaje a una canción emblemática, sino que la hace suya y la acerca a una audiencia global que hasta ahora no había podido acceder a su profundidad lírica.

La canción se despliega como un relato en dos tiempos. En un primer nivel, el estribillo recoge la promesa de esa madre a su hija pequeña: “Encontrarás tu tierra prometida, el mundo está en tus manos, guardada por la gracia de un ángel, que nadie dude jamás de tu destino, tu momento llegará, estás destinada a la gloria”. Una declaración de fe en el futuro, un legado de fortaleza transmitido de generación en generación, una forma de decirle a quien empieza a caminar que, venga lo que venga, está hecha para cosas grandes. Pero la canción no se queda ahí. En un segundo movimiento, esa misma promesa se convierte en la certeza que la cantante —y, a través de ella, cualquiera que escuche— dirige a su público, a quienes comparten sus dudas y sus luchas. Porque todos, en algún momento, necesitamos escuchar que, a pesar de los caminos torcidos, de los callejones sin salida que hay que recorrer para aprender, también nosotros estamos destinados a la gloria.

Elin Engdahl, originaria de Norrköping (Suecia), comenzó su carrera musical en 2018 con el lanzamiento del EP “Embers”, un trabajo de cuatro canciones escritas durante su estancia en Suiza y producidas por el compositor y productor helvético Luk Zimmermann. Aquellas primeras composiciones, basadas en la temática del amor en sus distintas vertientes —hacia los demás y hacia una misma—, ya apuntaban a una artista con una sensibilidad especial y una voz capaz de llegar al corazón de quien escucha. Tras un paréntesis de algunos años, Engdahl relanzó su carrera en 2024 con el single en sueco “Vi kan bara undra (We Can Only Wonder)”, coescrito y producido por Albin Loan. Ese mismo año, puso su voz al servicio de los temas “Who I Am” y “Reality”, incluidos en el álbum debut del productor sueco Elitronic (Elias Lunde), demostrando su versatilidad y su capacidad para habitar distintos universos sonoros sin perder su identidad.

Ahora, con “Bound For Glory”, Elin da un paso adelante en su proyección internacional. La canción, fiel a la estructura y al espíritu del original de Hellström, adquiere con su voz una calidez nueva, una cercanía que invita a sentarse a escuchar y dejarse llevar por esa promesa de que, al final del camino, la gloria aguarda. Su interpretación, contenida pero llena de matices, recorre con naturalidad los distintos estados emocionales que la letra propone: la ternura de la madre, la determinación de la hija, la certeza de quien ha aprendido que los desvíos también forman parte del trayecto.

La producción del tema mantiene la grandeza contenida del original, con arreglos que crecen y decrecen al servicio de la narrativa, permitiendo que la voz y la letra ocupen siempre el centro. No hay estridencias innecesarias ni artificios que distraigan; hay una confianza plena en la fuerza de la historia y en la capacidad de la intérprete para transmitirla.

“Bound For Glory” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a quienes la escuchen a reconocerse en esa hija que crece sin padre, en esa madre que entrega lo mejor de sí a través de sus palabras, en esa promesa de que, por difíciles que sean los caminos, todos estamos destinados a algo grande. Una canción para creer, para seguir adelante y para recordar que, a veces, lo más valioso que podemos recibir es la certeza de que nuestro momento llegará.

La artista canadiense Jessica Lowndes, conocida internacionalmente por su papel de Adrianna Tate-Duncan en la mítica serie 90210 y ahora consolidada también como cantautora independiente, vuelve a capturar la atención del público con un nuevo lanzamiento musical que profundiza en su sonido emocional y reflexivo. El 13 de febrero de 2026 presentó “Praying For Me”, un single descrito como un himno de empoderamiento tras una ruptura que refleja su madurez artística y su enfoque sincero hacia la experiencia personal.

Nacida en Vancouver en 1988, Jessica ha desarrollado una carrera multifacética que va más allá de la actuación. Con formación desde temprana edad en música y composición, ha sabido equilibrar su trayectoria frente a las cámaras con una pasión genuina por la música. Además de su trabajo en televisión y cine, donde ha participado en numerosos proyectos para canales como Hallmark y Great American Family, Lowndes escribe y produce sus propios guiones y la música original de muchos de sus trabajos cinematográficos, consolidándose como una verdadera “triple amenaza” en la industria creativa.

Musicalmente, su estilo navega entre el pop y el Adult Contemporary, con una marcada carga emocional y letras que suelen surgir de vivencias personales profundas. A lo largo de los últimos años ha sido especialmente prolífica. Tras el lanzamiento de su álbum Elemental en 2022 y 88 en 2024, ha mantenido una constante actividad con una serie de singles que exploran diversas facetas del amor, la introspección y la resiliencia. Ejemplos de esto son temas recientes como “Through”, publicado apenas en enero de 2026, así como “Red Summer Sky” y “Canyons” en 2025, los cuales muestran su evolución hacia un sonido pop más maduro y emocional.

“Praying For Me” se presenta como una pieza esencial en su catálogo actual. La canción fue producida junto a sus colaboradores habituales, entre ellos Aaron Edwards y Corey Walles, y cuenta también con la participación de Morgan Avenue y Jheynner Argote Frias. El resultado es una propuesta musical de pop con tintes de soul, diseñada para resaltar la voz de Lowndes en los momentos de mayor vulnerabilidad y potencia.

El concepto de la canción gira en torno a la brecha entre quién crees que es una persona y quién termina siendo realmente. Con una letra que se adentra en el impacto emocional de un desengaño, el tema transforma esa experiencia en una sensación de fuerza, perspectiva y libertad. Se trata de una declaración de independencia emocional: reconocer la decepción, comprenderla y, desde ese punto, encontrar un camino más fuerte hacia adelante.

El lanzamiento de “Praying For Me” viene acompañado de un video musical lleno de simbolismo, en el que un dúo de ballet representa visualmente la disolución de una relación en tiempo real. Esta representación artística añade una capa visual intensa al mensaje de la canción, transformando cada movimiento en una metáfora de los vaivenes emocionales que se experimentan al dejar atrás una historia afectiva y reclamar el propio espacio interior.

Antes de este single, Lowndes ha explorado diversos temas destacados que han contribuido a definir su sonido actual. “Through” (enero 2026) es una pieza introspectiva que invita a la reflexión, mientras que lanzamientos como “Red Summer Sky” y “Canyons” (2025) destacaron por consolidar su rumbo hacia un pop más personal y profundo. “11:11” es otro de sus temas más exitosos en plataformas digitales, originalmente escrito para la película Harmony from the Heart, donde también actuó y aportó su sello creativo.

Con “Praying For Me”, Jessica Lowndes confirma que su voz no solo funciona como vehículo para contar historias, sino como herramienta de transformación emocional. Su habilidad para fundir experiencias de vida con una producción musical cuidada la mantiene como una figura destacada dentro del pop contemporáneo, capaz de tocar fibras sensibles y, al mismo tiempo, ofrecer un sonido fresco y personal. Este nuevo single es una prueba más de su evolución artística constante y de su compromiso por conectar con quienes la escuchan desde un lugar auténtico y profundo.

NIA, nombre artístico de Estefanía Correia, es hoy una de las artistas más completas y con mayor presencia escénica del panorama musical español. Desde que se proclamó vencedora de Operación Triunfo, donde hizo historia al no estar nominada ni una sola vez, su carrera no ha dejado de crecer, consolidándose como una figura versátil que domina tanto el escenario musical como el televisivo.

Nacida en Las Palmas de Gran Canaria en 1994, su formación artística comenzó mucho antes de su salto a la fama. Antes de entrar en la Academia, NIA formó parte del Coro de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, experiencia que fortaleció su técnica vocal y disciplina musical. Además, trabajó en el musical El Rey León en Madrid, donde interpretó el papel de Nala, demostrando ya entonces su capacidad para combinar canto, interpretación y movimiento escénico.

Tras su triunfo en OT 2020, su presencia en televisión se amplió con su participación en Tu cara me suena, donde se proclamó subcampeona en su novena edición, reafirmando su versatilidad artística. También dio el salto a la ficción como actriz en la serie de Netflix Érase una vez... pero ya no, dirigida por Manolo Caro, ampliando aún más su perfil creativo.

Musicalmente, NIA ha construido un sonido propio basado en la fusión de pop latino con ritmos caribeños como la salsa, el merengue y la bachata. Son géneros que conectan directamente con sus raíces y en los que se mueve con naturalidad, desplegando una potencia vocal y una energía coreográfica que se han convertido en su sello distintivo.

En enero de 2026, la artista ha presentado “Te Aconsejo Que Me Olvides”, uno de sus lanzamientos más frescos y una reafirmación clara de su apuesta por la música tropical con esencia de orquesta. El single ha sido publicado bajo el sello Guaracha Records y cuenta con la colaboración del compositor y cantante cubano Lenier, quien ha trabajado con figuras internacionales como Marc Anthony.

“Te Aconsejo Que Me Olvides” se enmarca dentro de la salsa contemporánea, recuperando ese sonido auténtico y orgánico que NIA ya venía defendiendo en trabajos anteriores como su álbum PaloSanto. La canción combina metales vibrantes, percusión envolvente y una interpretación vocal intensa que transmite determinación y seguridad. Como sugiere el título, se trata de un tema de desamor, pero no desde la fragilidad, sino desde la firmeza: una despedida clara, directa y empoderada, donde la protagonista marca límites y decide seguir adelante.

Con esta nueva etapa, NIA reafirma su compromiso con los sonidos latinos tradicionales llevados a la actualidad, posicionándose como una de las principales embajadoras de la salsa y la música tropical dentro del mercado español.

Más allá de la música, la artista continúa diversificando su carrera. Recientemente ha participado en el reality de aventura de TVE Hasta el fin del mundo, mostrando una faceta más personal y competitiva ante el público. Asimismo, ha consolidado su papel como presentadora en grandes eventos, como los Premios Dial y las campanadas de RTVE para Canarias, demostrando soltura y carisma frente a las cámaras.

Con “Te Aconsejo Que Me Olvides”, NIA no solo entrega una canción pegadiza y bailable, sino que continúa construyendo una trayectoria coherente, arraigada a sus raíces y respaldada por una formación sólida. Talento, disciplina y autenticidad definen a una artista que, lejos de acomodarse tras su éxito televisivo, sigue evolucionando y reafirmando su lugar como una de las grandes voces del pop latino en España.

La artista española Caluu C. dará un paso decisivo en su carrera el próximo 18 de febrero con su primera presentación en Madrid. El esperado debut tendrá lugar en el emblemático Salón Cadavra, dentro de un evento organizado por Open Mic que reunirá a varias de las figuras emergentes más interesantes del panorama actual.

Esta actuación supone un momento clave en la trayectoria de Caluu C., que continúa consolidando su crecimiento artístico y ampliando su proyección dentro del circuito nacional. Con una propuesta fresca, auténtica y cargada de personalidad, la artista ha ido construyendo una identidad propia que conecta especialmente con el público joven, combinando energía, cercanía y una puesta en escena cuidada.

El debut en la capital no es solo un concierto más, sino una declaración de intenciones. Madrid representa un escaparate fundamental para cualquier proyecto emergente, y hacerlo en un espacio como Salón Cadavra, reconocido por su apuesta por la cultura alternativa y la nueva escena independiente, añade un valor simbólico a la cita. El formato promete una experiencia cercana, donde la conexión directa con el público será protagonista.

La velada contará además con la participación de otros talentos en ascenso como Ani Queen, Sandy, Dolce, Lavish y Yannick, conformando un cartel diverso que celebra la nueva ola de talento independiente. La combinación de estilos y propuestas promete una noche dinámica y vibrante, donde la música será el punto de encuentro de distintas sensibilidades artísticas.

Para Caluu C., este concierto simboliza una nueva etapa. Tras un proceso de crecimiento constante y una evolución sonora que ha ido definiendo su carácter, la artista se enfrenta ahora al público madrileño con la determinación de dejar huella. Su directo destaca por la intensidad interpretativa y la capacidad de generar una atmósfera envolvente, algo que en un espacio íntimo como Salón Cadavra puede potenciarse aún más.

La cita del 18 de febrero se perfila así como una oportunidad única para descubrir en vivo la esencia de Caluu C. y presenciar de cerca el avance de una artista que comienza a posicionarse con fuerza dentro del panorama emergente español. Una noche que promete energía, conexión y sorpresas en uno de los espacios culturales más vibrantes de la capital.

Ruslana está viviendo uno de los momentos más intensos y decisivos de su carrera. Tras convertirse en un fenómeno mediático al quedar tercera en Operación Triunfo, la artista ha demostrado que lo suyo no era una etiqueta pasajera. Lo que comenzó como la imagen de “la chica rockera de OT” se ha transformado en un proyecto sólido, con discurso propio y una evolución sonora que marca claramente su identidad en 2026.

El 13 de febrero, vio la luz su nuevo EP titulado CATARSIS, un trabajo que supone un paso firme hacia una etapa más electrónica, experimental y conceptual. Dentro de este lanzamiento, “Eterna” emerge como una de las piezas centrales y más representativas de la nueva Ruslana.

“Eterna” conecta directamente con el subtítulo del EP, “Donde lo efímero se vuelve eterno”. La canción se construye como una reflexión sobre la trascendencia, la necesidad de dejar huella y la lucha por convertir lo fugaz en algo que perdure. Es un tema introspectivo en su mensaje, pero envuelto en la energía arrolladora que caracteriza a la artista. Ruslana canta desde la intensidad, desde esa mezcla de vulnerabilidad y fuerza que ya es su sello personal.

Si en su primer disco, Génesis, predominaban las guitarras y una clara inspiración en el pop-rock de los 2000, en “Eterna” y el resto de CATARSIS se percibe una evolución evidente. Los ritmos electrónicos ganan protagonismo, las bases son más potentes y bailables, y la producción apuesta por una atmósfera más oscura y contemporánea. Sin embargo, el espíritu rebelde sigue intacto. La actitud continúa siendo el motor de su propuesta.

Dentro del EP, “Eterna” comparte espacio con temas como “las guapas no morimos de verdad”, que ya se convirtió en un éxito viral a finales de 2025, además de “maneras”, “casi nada” y “que duela bien”. El conjunto funciona como un viaje emocional donde la artista explora identidad, exposición pública, presión generacional y la necesidad de autenticidad en un mundo hiperconectado.

Más allá de la música, 2026 está siendo un año de expansión para Ruslana. La artista ha comenzado a dar sus primeros pasos en el cine con su debut en la película “A fuego” de Atresmedia, ampliando así su universo creativo y demostrando que su inquietud artística va más allá del escenario.

Y precisamente en el escenario es donde su nueva era está cobrando mayor fuerza. Su gira CATARSIS TOUR arranca con una expectación altísima y varias fechas ya agotadas. Madrid, el 21 de febrero en la Sala Galileo Galilei, está completamente sold out. Valencia, el 12 de marzo en la Sala Loco Club, también ha colgado el cartel de entradas agotadas, al igual que Barcelona, el 22 de marzo en la Sala Razzmatazz 2. Bilbao, el 29 de marzo en Kafe Antzokia, será otra de las paradas clave de este recorrido que confirma su consolidación como artista en directo.

En apenas dos años, Ruslana ha pasado de ser una promesa televisiva a una creadora con un discurso potente sobre la privacidad, la identidad y la presión generacional. “Eterna” no es solo una canción, es una declaración de intenciones dentro de un proyecto que busca transformar lo inmediato en algo que permanezca. Y, a juzgar por la respuesta del público, su huella ya está empezando a quedarse.

Kenia Os, una de las estrellas más influyentes del pop actual en México, continúa 2026 con un impulso imparable tras un 2025 de grandes éxitos y crecimiento artístico constante. El 12 de febrero lanzó su nuevo single “Tú y Yo X Siempre”, una canción que llega en vísperas de San Valentín y que muestra su lado más íntimo, reflexivo y maduro como compositora e intérprete.

Nacida como Kenia Guadalupe Flores Osuna en Mazatlán en 1999, Kenia ha vivido un ascenso meteórico desde sus primeros pasos como creadora de contenido digital hasta convertirse en una artista global con una carrera musical sólida respaldada por sellos como Sony Music. Su trayectoria incluye un documental en Disney+ titulado Kenia Os: La OG que consolidó su presencia cultural en 2025 y colaboraciones internacionales que ampliaron aún más su alcance.

Además de su éxito en la música, Kenia Os ha desarrollado su faceta como empresaria con su propia línea de cosméticos, Kenia Os Beauty, y una colección de ropa bajo la marca Kenia Os Shop, consolidando su influencia cultural y comercial más allá de los escenarios.

“Tú y Yo X Siempre” no es sólo un sencillo romántico: es una declaración emotiva sobre la conexión profunda entre dos personas. La canción fue compuesta por la reconocida artista Carla Morrison junto a Kenia, y combina una producción pop moderna con una letra que celebra complicidad, promesas y sentimientos auténticos. El resultado es una pieza que resalta la madurez vocal de Kenia y refleja sinceridad en cada verso, conectando con el público desde lo más profundo.

La letra de “Tú y Yo X Siempre” habla de estar tan entregado a un amor que el mundo exterior parece desvanecerse, un mensaje que resuena con fuerza justo en la semana de San Valentín y coincide con el primer aniversario de su relación con el cantante Peso Pluma, lo que ha añadido una dimensión emocional extra al lanzamiento para sus seguidores.

El videoclip oficial acompaña esa narrativa con una estética cuidada y simbólica, centrada en la idea de un “refugio” emocional y una conexión eterna entre dos almas que se eligen. La visuales y la producción musical se combinan para reforzar el tono romántico y cercano del tema, ofreciendo una experiencia audiovisual que potencia el mensaje de la canción.

Este lanzamiento llega en medio del camino hacia su esperado álbum K de Karma, que está programado para presentarse oficialmente el 19 de marzo de 2026 con un evento multitudinario en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México que agotó boletos en minutos. K de Karma es una de las producciones más anticipadas del año dentro del pop latino, y temas como “Belladona” y “Una y Otra Vez” ya han anticipado la dirección musical y emocional que la artista explorará en este nuevo proyecto.

Además, Kenia ha lanzado ediciones de vinilos de colección en tres colores diferentes —rojo, azul y amarillo— con portadas inéditas que han emocionado aún más a su comunidad de fans. También se espera que, tras el lanzamiento del álbum, inicie una gira internacional de gran escala que consolidará su presencia mundial como una de las figuras más importantes del pop contemporáneo.

Con “Tú y Yo X Siempre”, Kenia Os demuestra que su evolución artística va más allá de los éxitos digitales y las cifras de streaming: se trata de una artista que sabe cómo traducir emociones profundas en canciones que resuenan con colores, matices y verdad, marcando una nueva era en su carrera y reforzando su legado dentro del pop latino actual.

El artista asturiano Belo presenta “La Solución”, el primer single de su próximo trabajo discográfico y el inicio de una etapa renovada en su carrera. Estrenado el pasado 11 de febrero, el tema marca un punto de inflexión en su trayectoria, consolidando su identidad dentro del rock de autor contemporáneo a través de una propuesta frontal, honesta y con clara vocación de directo. Con este lanzamiento, Belo reafirma su lugar como una de las voces más sólidas del panorama nacional, construido sobre décadas de experiencia y una escritura que no renuncia a la crudeza ni a la emoción.

La canción se asienta sobre una base de guitarras sólidas que sostienen un desarrollo melódico directo y una interpretación vocal cargada de intención. Desde los primeros compases, “La Solución” sitúa el foco en la honestidad emocional, en esa manera de cantar que parece dirigirse a quien escucha como si no hubiera nadie más en la habitación. La letra aborda la responsabilidad personal y la necesidad de tomar decisiones sin buscar excusas externas, un tema que resuena con fuerza en un contexto donde la tentación de mirar hacia otro lado es constante. Es una canción frontal, sin rodeos, con un estribillo reconocible que se instala en la memoria y que, todo lo indica, funcionará como un momento álgido en sus conciertos.

La trayectoria de Belo arranca en Oviedo, su ciudad natal, donde inició su camino al frente de Belo & Los Susodichos, proyecto con el que irrumpió en la escena nacional a mediados de los 2000. Su álbum debut, Pisando lo fregao, obtuvo una nominación al Latin Grammy, posicionándolo como una de las voces emergentes del rock estatal de aquella generación. Ese reconocimiento temprano no fue un espejismo, sino el inicio de una carrera construida con paciencia y convicción. Durante más de una década, Belo desarrolló una intensa actividad en directo, consolidando un público fiel gracias a un repertorio basado en letras confesionales, narrativa emocional y un sonido que equilibra con naturalidad la energía y la melodía.

En su etapa en solitario, el artista ha profundizado en una escritura más íntima y reflexiva, manteniendo la esencia rock que caracteriza su propuesta pero con una producción más depurada y centrada en el mensaje. Esa evolución, lejos de alejarlo de sus raíces, le ha permitido afinar su voz y encontrar nuevos matices dentro de un lenguaje que ya dominaba. “La Solución” es, en ese sentido, un compendio de todo lo aprendido: la fuerza de los primeros años, la hondura de la madurez compositiva y la certeza de que lo esencial sigue siendo contar la verdad sin artificios.

El nuevo álbum que ahora anticipa este single promete ser un trabajo donde conviven la crudeza de quien ha vivido lo suficiente para no engañarse y la claridad de quien sabe lo que quiere comunicar. No hay aquí concesiones a la moda ni intentos de sonar a lo que no se es; hay canciones honestas, sostenidas por el peso de la verdad y la carretera, por esa experiencia acumulada en cientos de conciertos y kilómetros recorridos.

“La Solución” no es solo un single: es una declaración de principios. La confirmación de que Belo sigue defendiendo un espacio propio dentro del panorama nacional, un espacio donde la música no necesita disfraces para llegar al corazón de quien escucha. El tema ya está disponible en todas las plataformas digitales, esperando a sumarse al repertorio de un artista que nunca ha dejado de creer en el poder transformador de una canción bien contada.

El artista FAIG, una de las voces emergentes que está comenzando a ganar tracción en la escena musical actual, presenta “Only Thing”, su nuevo sencillo y una de sus cartas de presentación más potentes hasta la fecha. Se trata de una canción que apuesta por una producción minimalista pero elegante, donde la voz y la letra ocupan el centro de la escena para explorar esa idea de la prioridad absoluta, de aquello que se convierte en lo único que importa en medio del caos o la incertidumbre. Con este lanzamiento, FAIG reafirma su identidad dentro del pop contemporáneo más atmosférico, demostrando que su propuesta avanza paso a paso pero con una dirección clara y una ambición artística que no admite prisas.

Detrás de este proyecto se encuentra un artista que escribe, produce e interpreta su propia música, asumiendo el control creativo de principio a fin. Aunque su sonido principal se mueve en los terrenos del reggaetón, FAIG no se limita a un solo estilo; su propuesta transita con naturalidad por distintas influencias, siempre con la calidad interpretativa y el cuidado por la producción como hilo conductor. No busca sonar como nadie, no persigue tendencias ni intenta encajar en moldes prefabricados. Su música avanza a su ritmo, construyendo un universo propio donde cada canción es una pieza más de un proceso que se toma con la seriedad de quien sabe que esto va en serio.

“Only Thing” responde fielmente a esa filosofía. La canción se despliega sobre una base sonora contenida, donde los elementos aparecen justo en la medida necesaria y ningún adorno distrae de lo esencial. La producción, minimalista pero llena de matices, crea el espacio justo para que la voz de FAIG ocupe el lugar que le corresponde y la letra pueda respirar con libertad. Porque si algo define este tema es precisamente la centralidad del mensaje: esa exploración de lo único, de aquello que en momentos de confusión o desorden se convierte en el ancla al que aferrarse.

La temática de la canción oscila entre dos polos aparentemente opuestos pero profundamente conectados: la vulnerabilidad de necesitar algo con desesperación y la seguridad que otorga tener claro cuál es esa prioridad. Habla de ese sentimiento o esa persona que se vuelve irremplazable, que se instala en el centro de todo y desde ahí organiza el resto de la experiencia. Es una reflexión sobre la claridad que a veces nace del desorden, sobre la certeza que emerge cuando todo lo demás se tambalea.

El lanzamiento ha tenido una buena acogida en listas de reproducción enfocadas en el chill pop y el indie pop actual, posicionando a FAIG como un nombre a seguir para quienes buscan música relajada pero con sustancia, canciones que no renuncian a la emoción ni a la profundidad por más que suenen contenidas. Esa combinación, la de la calma aparente y la intensidad contenida, es precisamente una de las señas de identidad de su propuesta y lo que le está permitiendo construir una base de oyentes que valoran la autenticidad por encima del ruido.

FAIG ha estado activo en sus plataformas digitales sugiriendo que “Only Thing” es solo el inicio de una serie de lanzamientos que podrían culminar en un primer EP a lo largo de este año. Un horizonte que invita a mantenerse atento a los próximos movimientos de un artista que, paso a paso, está definiendo un espacio propio dentro del panorama musical contemporáneo. Porque, como él mismo demuestra en esta canción, a veces lo único que importa es tener claro hacia dónde se quiere ir y dejarse llevar por ese rumbo, sin prisas pero sin pausa.

El artista emergente mexicano Julio Dasek presenta “¿Quién Será?”, su nuevo sencillo y una exploración sincera sobre la incertidumbre y la esperanza de encontrar el amor. Estrenado el pasado 12 de febrero de 2026, el tema aborda esa pregunta universal que todos nos hacemos en algún momento: dónde estará esa persona ideal, cuándo aparecerá, cómo será el encuentro que cambiará nuestras vidas. Con este lanzamiento, el cantante originario de Baja California refuerza su propuesta versátil, capaz de transitar entre géneros tradicionales y sonidos contemporáneos sin perder la identidad que lo caracteriza.

La canción despliega una narrativa de búsqueda y anhelo que recorre distintos escenarios imaginados. Julio canta preguntándose por el paradero de ese amor futuro, mencionando lugares que van desde Cartagena hasta Dubái, construyendo un mapa sentimental que atraviesa fronteras y culturas. Esa geografía emocional refleja la impaciencia de quien espera, la curiosidad por conocer los rasgos de alguien que aún no ha llegado pero cuya existencia ya se intuye. El estribillo, articulado en torno a la pregunta central —“¿quién será?”—, funciona como un mantra que sostiene toda la composición, una interrogación lanzada al universo con la esperanza de que tarde o temprano encuentre respuesta.

Julio Dasek ha desarrollado su carrera principalmente en Ensenada, Baja California, donde se ha formado como artista con una mirada puesta en el equilibrio entre sus raíces y las tendencias actuales. Su propuesta musical se caracteriza por una versatilidad que le permite moverse con naturalidad entre la balada pop, el R&B y el mariachi, integrando a menudo toques urbanos que actualizan su sonido sin desdibujar su esencia. Esa capacidad para fusionar géneros aparentemente distantes es precisamente una de sus señas de identidad y lo que lo diferencia dentro del panorama emergente mexicano.

El joven de 26 años, originario de Tecate aunque criado entre Mexicali y Ensenada, ha mencionado en entrevistas a Enrique Iglesias como uno de sus grandes referentes, precisamente por esa habilidad del cantante español para adaptarse a distintos géneros musicales sin perder su sello personal. Una influencia que se percibe en la manera en que Julio aborda “¿Quién Será?”, combinando la calidez de la balada romántica con elementos contemporáneos que acercan la canción a los oídos de hoy sin renunciar a la emoción atemporal de la búsqueda amorosa.

El lanzamiento viene acompañado de un video oficial que refuerza la narrativa de búsqueda y deseo de conexión que plantea la letra. Las imágenes trasladan al espectador a ese recorrido interior y exterior, a esa indagación por parajes reales e imaginados en los que podría estar esperando ese amor futuro. La producción audiovisual, cuidada y coherente con la propuesta estética del artista, completa una experiencia pensada para sumergir al público en el universo emocional de la canción.

Con “¿Quién Será?”, Julio Dasek continúa consolidando una trayectoria que ya había llamado la atención con sencillos previos como “La del Mezcal”, donde experimentaba con la fusión del mariachi y los ritmos contemporáneos . Aquella apuesta por hibridar lo tradicional y lo moderno encuentra ahora un nuevo cauce en esta canción, que mantiene la esencia de su búsqueda artística mientras explora territorios sonoros distintos.

El artista destaca también por su cercanía con el público y por intentar conectar a través de historias reales y una identidad mexicana muy marcada, pero adaptada a las sensibilidades de hoy. Esa autenticidad, ese empeño por contar verdades que puedan resonar en quienes escuchan, es lo que está construyendo a su alrededor una base de seguidores que valora la transparencia por encima de las apariencias.

“¿Quién Será?” ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumarse a esa búsqueda colectiva del amor que todos, de una manera u otra, compartimos. Una canción para quienes esperan, para quienes se preguntan, para quienes mantienen viva la esperanza de que en algún lugar del mundo —quizá entre Cartagena y Dubái, quizá mucho más cerca— alguien está también haciéndose la misma pregunta.