La joven cantante Amalia, artista ucraniana residente en Valencia, presenta “Happy in Mind”, su nuevo sencillo y una pieza de pop cálido y edificante construida en torno a una idea tan sencilla como poderosa: la felicidad nace desde dentro. Con su suave positividad, su melodía pegadiza y su mensaje limpio y directo, la canción trae una ligereza refrescante a quien la escucha, invitando a conectar con esa fuente interna de bienestar que todos llevamos dentro.

El tema se despliega como un estallido de luz y energía positiva. Desde los primeros compases, la producción de dance-pop contemporáneo envuelve al oyente en una atmósfera vibrante y optimista, mientras la voz clara y sincera de Amalia transmite con naturalidad ese mensaje de empoderamiento personal. El estribillo, memorable y contagioso, se instala en la memoria desde la primera escucha, convirtiendo la canción en un himno generacional para quienes buscan en la música un espacio de alegría y afirmación.

“Happy in Mind” no es solo una canción; es una declaración de principios. En un mundo a menudo dominado por la prisa y la ansiedad, el tema propone una pausa luminosa, un recordatorio de que la felicidad no es algo que se encuentra fuera, sino algo que se cultiva dentro de uno mismo. Esa idea, expresada con la frescura y la sinceridad propias de una artista joven pero con las ideas muy claras, resuena con fuerza en un público que busca en la música no solo entretenimiento, sino también guía y consuelo.

Amalia es una joven cantante ucraniana que ha encontrado en Valencia su hogar y el lugar desde el que construir su carrera musical. Con una trayectoria que combina lanzamientos de pop contemporáneo con actuaciones en directo en festivales y eventos culturales, la artista va consolidando paso a paso su presencia en la escena. Su música fusiona el sonido pop internacional con un fuerte deseo de inspirar confianza, positividad y fortaleza interior en los oyentes más jóvenes, convirtiéndola en una voz a tener en cuenta dentro del género.

Su propuesta artística se aleja de la complejidad innecesaria para centrarse en lo esencial: melodías que atrapan, mensajes que calan y una interpretación honesta que conecta sin necesidad de artificios. “Happy in Mind” es un ejemplo perfecto de esa filosofía: una canción que suena fresca, que se disfruta de principio a fin y que deja en quien la escucha una sensación de bienestar que perdura más allá de sus tres minutos de duración.

El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de luz y positividad que Amalia ha sabido construir con la sensibilidad de quien entiende la música como un puente hacia lo mejor de nosotros mismos. Una canción para bailar, para sonreír y para recordar que, al final, la felicidad siempre ha estado donde tenía que estar: en nuestra propia mente.

DELHATRIBU, artista que emerge desde la escritura y la poesía para dar el salto a la música tras años componiendo para otros, presenta “Una droga que se te parezca”, su nuevo sencillo y una pieza que fusiona el rap con el pop latino y la balada suave con una sensibilidad lírica muy cuidada. Se trata de una canción donde los versos elaborados y la profundidad del contenido ocupan el centro de la escena, demostrando que, cuando se viene del mundo de la palabra escrita, la fuerza de una canción reside precisamente en lo que se dice y en cómo se dice.

El tema se despliega con una honestidad que atrapa desde los primeros compases. La introducción, además, rinde tributo al mítico tema de The Police, un guiño que conecta la propuesta con la tradición del rock clásico antes de adentrarse en territorios más urbanos y contemporáneos. Esa mezcla de referencias, esa capacidad para transitar entre mundos aparentemente alejados, define a la perfección la identidad de un artista que no se siente cómodo en una sola etiqueta y prefiere explorar las fronteras entre géneros.

La letra es, sin duda, el corazón de la canción. Construida con el oficio de quien ha dedicado años a la escritura y la poesía, cada verso está medido, cada palabra elegida con cuidado, cada imagen pensada para resonar en quien escucha. La metáfora central —esa droga que se le parece a la persona amada— funciona como un hilo conductor que atraviesa todo el tema, explorando la adicción emocional, la dependencia afectiva y la dificultad de soltar aquello que, aunque nos haga daño, no podemos dejar de desear. No es una mirada complaciente ni un romanticismo fácil; hay en ella una hondura que invita a la reflexión y al reconocimiento de las propias contradicciones.

Después de varios años escribiendo canciones para otros artistas de diferentes géneros, DELHATRIBU ha decidido dar el paso de lanzar su propio proyecto. Un álbum donde fusiona el rap y el hip hop con otros estilos, creando un universo sonoro personal que bebe de múltiples influencias pero suena a algo nuevo. Si hubiera que destacar algo de este trabajo, serían sin duda las letras, el contenido, porque vienen de un lugar de honestidad y oficio que no se improvisa.

“Una droga que se te parezca” es el primer avance de ese camino que empieza a recorrer. Una canción que nace desde la humildad de quien se sabe empezando, pero también desde la seguridad de quien tiene algo que decir y sabe cómo decirlo. El artista confía en que guste, y pone toda su ilusión en este lanzamiento que marca el inicio de una nueva etapa.

El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa mezcla de ritmos y palabras que DELHATRIBU ha construido con mimo y sensibilidad. Una canción para quienes buscan en la música no solo melodía, sino también sustancia, verdad y poesía urbana.

La banda Invisibles, ese proyecto de rock que prefiere trabajar desde la sombra pero cuyo talento emerge con fuerza imparable, presenta “La Primera Vez”, su nuevo sencillo y una pieza que captura la esencia de una noche marcada por el deseo, el amor a primera vista y la pasión desbordada. Se trata de una canción nacida desde la experiencia directa, desde ese momento único en que la ventura y la atracción se funden en una sola madrugada, dejando una huella que la música se encarga de eternizar.

El tema se despliega con la energía característica de una banda que ha hecho de la melodía su bandera y de los estribillos pegadizos su seña de identidad. Desde los primeros acordes, “La Primera Vez” atrapa al oyente y lo sumerge en una atmósfera de electricidad contenida que termina por estallar en un estribillo volcánico, de esos que se graban a fuego en la memoria después de una sola escucha. La letra, directa y sin rodeos, narra ese encuentro fortuito donde las miradas lo dicen todo y el cuerpo pide lo que la boca aún no se atreve a pronunciar. Es una canción sobre el instante, sobre la magia de lo efímero, sobre la certeza de que algunas noches merecen ser vividas aunque no tengan futuro más allá del amanecer.

Invisibles es rock fresco, de ese que no se ve pero se siente. Un proyecto construido desde el trabajo en la sombra, desde ese talento que a menudo pasa desapercibido pero que cuando sale a la luz lo hace con una contundencia arrolladora. En su música predomina la melodía, abundan las ideas claras y mandan las ganas de hacer canciones que conecten con quien escucha sin necesidad de artificios ni complicaciones innecesarias. “De primera escucha, sales cantando del concierto todos los estribillos”, dicen quienes han tenido la oportunidad de verlos en directo. Y no es difícil creerlo.

Las salas de conciertos y las fiestas patronales saben ya de primera mano la fiesta que rodea a sus actuaciones. Invisibles ha conseguido algo que no está al alcance de todas las bandas: hacer disfrutar por igual a jóvenes y no tan jóvenes con un rock fresco en todos los sentidos, que mira al futuro sin olvidar las raíces y que se entrega sin reservas sobre el escenario. Su directo es embaucador, atrapa y hace partícipe al público de un espectáculo sin precedentes donde la energía fluye en ambas direcciones.

Pero la música es arte, y como tal, no hay palabras suficientes para expresar la belleza del mismo o la magnitud del producto referido, por muy diestro que sea el narrador. La música hay que vivirla en su estado natural: el sonido y la armonía. Por eso, Invisibles invita a conocer su buen hacer en estudio, conscientes de que ese es el primer paso para luego dejarse llevar por la experiencia transformadora del directo. “La Primera Vez” es una muestra perfecta de lo que son capaces de crear cuando se encierran a dar forma a sus ideas.

La banda no tiene miedo a fusionar el rock con lo que les brota del corazón. Y eso se nota en cada canción, en cada acorde, en cada estribillo que sale de sus instrumentos. Porque Invisibles es, ante todo, honestidad hecha música, rock sin etiquetas, servicio constante al oído de un consumidor que, a su vez, es también invisible hasta que la magia del directo lo convierte en parte activa del espectáculo.

“La Primera Vez” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa noche de deseo y pasión que la banda ha sabido capturar con la precisión de quienes conocen bien el territorio que pisan. Una canción para recordar que algunas primeras veces merecen ser cantadas a voz en grito.

Después de convertir las emociones profundas en su sello artístico, Celeste Sanazi regresa con “Suavecito”, un sencillo que transforma el final de una relación amorosa en un acto de amor propio, paciencia y reconexión personal. Se trata de una cumbia poderosa que nace desde la intimidad de una despedida para convertirse en una celebración rítmica de volver a encontrarse con uno mismo, demostrando que la música puede ser el vehículo perfecto para sanar.

La canción surgió tras el término de una relación de muchos años, un momento que la artista describe como “una aventura ambigua”: ese punto exacto donde los límites se desdibujan y reaprender a estar con uno mismo se vuelve un proceso delicado pero absolutamente necesario. De ahí brota el corazón del tema: volver a mirarse con ternura, reconstruirse desde dentro con la misma paciencia que se tendría con un ser querido. “Suavecito fue una composición para recordar que volver a amarse y reconocerse es un camino de paciencia y mucho amor”, comparte Celeste, resumiendo en una frase la esencia de esta propuesta.

Definida por la propia artista como “un abrazo sincero para reencontrarse con uno”, la canción invita a jugar de nuevo con el amor propio, a cuidarse con conciencia y a reconocerse sin prisa, entendiendo que los procesos internos necesitan su tiempo y su ternura. “Quisiera que quien la escuche vuelva al juego de saberse querer, de entender que volver a uno mismo también puede ser gozoso”, explica, dejando claro que la canción no busca el consuelo fácil, sino la celebración consciente de la propia valía.

El título no es casual. “Suavecito” representa esa forma empática y amorosa de reconstruirse tras una despedida, de tomar medidas internas para vivir con mayor plenitud, de avanzar sin violencia, con la suavidad de quien sabe que las heridas necesitan tiempo para cerrar. Es una declaración de principios, una forma de entender el autocuidado como un proceso delicado pero profundamente transformador.

Musicalmente, el sencillo marca un momento especial en su carrera. Se trata de una cumbia poderosa que juega con los contrastes emocionales de una manera magistral. El tema inicia con una atmósfera nostálgica, casi tanguera, acompañada por un bandoneón que evoca ese pasado que cuesta soltar, esa melancolía que se resiste a desaparecer. Pero drásticamente, apenas comienza, la canción se transforma en una celebración rítmica, en un estallido de energía que invita al baile y a la alegría. “La cumbia es muy de mis raíces. Me pareció hermoso contrastar la melancolía de una ruptura con la alegría de volver a amarse”, señala, explicando esa decisión estilística que convierte el tema en una experiencia única.

El tema fue producido junto a José “Sapo” González, en un proceso creativo tan artesanal como emocional. Muchas canciones del álbum —incluida “Suavecito”— nacieron únicamente de percusión improvisada y voz, en un formato desnudo que permitía explorar la emoción sin artificios, antes de transformarse en producciones completas. Ese origen tan orgánico se percibe en cada compás, en esa autenticidad que solo se consigue cuando la música nace desde lo más profundo.

“El reto fue emocional. Es una canción muy íntima. Hoy, cantarla y ver a esa Celeste que volvió a enamorarse de ella misma se siente muy bello”, confiesa la artista, emocionada ante un lanzamiento que representa mucho más que un sencillo. “Suavecito” es el testimonio de un proceso de sanación completado, la prueba de que del dolor puede brotar belleza y de que las despedidas, a veces, son el principio de algo mucho mejor.

El tema ya se encuentra disponible en plataformas digitales y forma parte del que será el primer álbum de Celeste Sanazi, un proyecto que define como “muy poderoso” y que marca un antes y un después en su carrera, tanto por su sonido pop latino festivo como por la profundidad emocional de sus letras. Además, cada sencillo contará con un audiovisual con narrativa cinematográfica, pensado para que el público no solo escuche la canción, sino que también la viva como una historia propia, identificándose con sus personajes y sus tramas.

“Suavecito es la canción perfecta para volverse a enamorar de uno mismo.” Un estreno que no solo se baila, sino que se siente, y que invita a todos a sumarse a esa celebración íntima de la propia valía. Porque, como demuestra Celeste Sanazi, a veces hay que perderse para encontrarse, y el reencuentro con uno mismo puede ser la fiesta más importante de todas.

La canción fusiona el corrido tumbado con el universo urbano de La Joaqui y refuerza su vínculo con la escena musical mexicana

La Joaqui estrena “Nada Personal” junto a Gabito Ballesteros, una canción que fusiona su impronta urbana y emocional con el universo del corrido tumbado, consolidando un cruce cultural entre Argentina y México que profundiza su expansión por el continente latinoamericano. El tema se construye a partir de guitarras acústicas, metales y una percusión sutil que sostiene el pulso, generando una atmósfera cadenciosa y melancólica donde las voces guían el relato. El resultado es una pieza que conecta el fraseo urbano argentino con la sensibilidad del regional mexicano, en una historia atravesada por el desamor y la nostalgia.

La canción se despliega como un diálogo íntimo entre dos mundos musicales que, aunque distantes en su origen, encuentran un territorio común en la emoción compartida. La voz de La Joaqui, con su característico flow callejero y su capacidad para transmitir verdad, se entrelaza con la interpretación de Gabito Ballesteros, uno de los nombres más relevantes del corrido tumbado contemporáneo. Juntos construyen una narrativa sobre el desamor que trasciende fronteras y estilos, demostrando que el sentimiento no entiende de etiquetas ni de geografías.

El lanzamiento profundiza el vínculo de La Joaqui con México y con la escena latina en su conjunto. Desde sus inicios en el under argentino, la artista construyó una identidad fuerte, orgánica y ligada a lo popular, con relatos reales de barrio y un lenguaje directo que conecta con quienes buscan autenticidad. Su recorrido fue clave para la popularización del RKT y la cumbia urbana en Argentina, aportando además una mirada femenina dentro de un territorio históricamente dominado por hombres y consolidando una narrativa propia, frontal y sin filtros.

“Nada Personal” se inscribe en esa misma lógica: una voz que entiende la música como un territorio latinoamericano compartido y que, lejos de romantizar el origen del barrio, lo reivindica como punto de partida creativo. El single reafirma su capacidad para moverse entre escenas, sonidos y públicos sin perder identidad, consolidando una etapa de cruces de estilos y expansión internacional que la sitúa como una de las artistas más versátiles del panorama actual.

Este cruce cultural se potencia también en los escenarios. En 2025, La Joaqui brindó un show solista sold out en el Foro Puebla y participó del festival Tecate Pa'l Norte, cuyo paso quedó registrado en una Gallery Session que capturó la energía de su directo. Su presencia en México no se limita a las actuaciones; ha desarrollado vínculos artísticos con referentes de la escena local que demuestran su integración en el tejido musical del país. Trabajó con Kenia OS en “San Turrona (RMX)” y en “Kitty”, tema que le valió el reconocimiento a Canción del Año en los TikTok Awards. Colaboró con Yeri Mua en “CHEKATE”, que forma parte del álbum “TU PATRONA DE LUJO”, y con La Receta para una nueva versión de “Querido Rey”, presentada en vivo en Tecate Pa'l Norte. También se sumó a Grupo Cañaveral en “Echarme al olvido”, donde fusionó su identidad urbana con la tradición cumbiera regional.

En los últimos años, La Joaqui ha aumentado su proyección internacional a través de colaboraciones con figuras de distintos lugares. Participó en “Muñecas” junto a TINI y Steve Aoki; trabajó con Ovy On The Drums en “Turra & Bandida” y “Bellaqueria”, donde además se sumó Myke Towers; formó parte de “Privado (Remix)” junto a Lucky Brown y De La Ghetto; se unió a Sevdaliza en “Heroína”; colaboró con Kevin AMF en “Rompecora”; participó en “M.A. Remix” junto a Lola Índigo, BM y Callejero Fino; y grabó “Ex” con Mau y Ricky. Una red de cruces que refuerza su presencia en la escena latina y demuestra su capacidad para adaptarse a distintos estilos sin perder su esencia.

“Nada Personal” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa fusión de universos que La Joaqui y Gabito Ballesteros han sabido construir con sensibilidad y oficio. Una canción para quienes entienden que la música no entiende de fronteras y que, a veces, lo más personal puede convertirse en lo más universal.

Sagittopia, el proyecto dance-pop afincado en España creado y gestionado íntegramente por el trío de producción FMD, ha lanzado “Play Me Slow”, su nuevo sencillo que cuenta con la colaboración de la vocalista Annattopia. El tema, ya disponible en todas las plataformas digitales, ofrece una propuesta que cumple exactamente lo que promete su título: una entrada suave y sedosa que poco a poco se transforma en algo mucho más salvaje e impredecible.

Detrás de Sagittopia se encuentran Fuchs, Marquesa y Delgado, un trío de productores y compositores con sede en España especializados en electropop, dance-pop y electrónica independiente. Cada tema del proyecto es escrito, producido y moldeado íntegramente por ellos, fusionando sabores sintéticos retro con la energía de club actual en una propuesta que suena a la vez nostálgica y completamente nueva. Además de su trabajo en Sagittopia, FMD ha colaborado con artistas como Strangers Anonymous, David Adavi y Paula Relan, consolidando una trayectoria sólida dentro de la escena electrónica.

La canción se despliega como un juego de seducción sonora. Comienza con versos aterciopelados que evocan el brillo de las luces de la ciudad, creando una atmósfera íntima y envolvente. Pero justo cuando el oyente se deja llevar por esa calidez, el tema gira y se convierte en algo completamente distinto: un estallido de energía donde el deseo y la complicidad se desatan sin reservas. Sueños de labios pintados, miradas cargadas de intención y un estribillo que convierte todo el encuentro en un juego que nadie quiere que termine.

La voz de Annattopia se desliza perfectamente en la mezcla. Su interpretación, a la vez confiada y provocadora, tiene esa cualidad magnética que hace que quieras acercarte un poco más cada vez que la batería cambia de ritmo. Annattopia, que ya había colaborado con el proyecto en temas como “Dancing In My Dreams” y “Here And Now” dentro del álbum “Hearttopia”, demuestra aquí una química especial con la propuesta sonora de Sagittopia, entendiendo al instante la dirección creativa y llevándola a un territorio aún más interesante.

“Play me slow, then play me wild / Love's a game, I like your style” es la frase que ya se ha instalado en la cabeza de quien la escucha después de una sola reproducción. Un verso que resume a la perfección la dualidad del tema: la tensión entre lo lento y lo intenso, entre el juego y la entrega.

Compuesto y producido íntegramente por FMD, el track mantiene la mezcla característica del proyecto: sintetizadores de inspiración ochentera combinados con la energía de club contemporánea. Pero esta vez hay algo diferente, una intimidad nueva que lo sitúa en un territorio intermedio entre la conversación de madrugada y el momento cumbre de la pista de baile. Esa dualidad lo convierte en una pieza única dentro del universo Sagittopia, ese mismo mundo que comenzó a tomar forma con el álbum “Hearttopia” publicado a principios de año.

“Este tema nació de esas noches en el estudio en las que no parábamos de decir ‘deja que respire primero, luego déjalo correr’”, explican desde FMD sobre el proceso creativo. “Queríamos algo que se sintiera como un preludio para la pista de baile: construcción lenta, gran recompensa y ninguna regla en medio. Annattopia lo entendió al instante y lo llevó a un lugar aún mejor”. Sus palabras reflejan la naturalidad con la que surgió una colaboración que, a juzgar por el resultado, tenía que ocurrir.

Sagittopia continúa así labrando su propio rincón dentro de la escena electrónica. Una propuesta musical que suena a luces de neón reflejadas en el asfalto mojado, a cintas de los ochenta sonando dentro de una nave espacial. Nostalgia y futuro fundidos en un mismo latido.

“Play Me Slow” ya está disponible en todas las plataformas habituales. Una canción perfecta para las listas de reproducción de antes de salir de casa o para esos momentos en los que necesitas que la noche se ralentice… justo antes de que se acelere de nuevo.

El artista mexicano 008RACCA, reafirmado por Spotify México como el rostro juvenil de la escena musical en el país, presenta “Amantes”, su nuevo sencillo y una propuesta que se sumerge en el lado más caótico y complejo del amor. Estrenado el pasado 12 de febrero, el tema se distancia del romance idealizado típicamente asociado a las fechas como el 14 de febrero para explorar, en cambio, la intensidad, la confusión y la atracción que surge cuando la pasión se antepone a la razón.

La canción se despliega como una inmersión en el territorio pantanoso de los amores prohibidos, de esas relaciones que desafían la lógica y se sostienen sobre el filo de lo que no debería ser. Lejos de cualquier idealización, “Amantes” retrata la complejidad emocional de quienes se mueven en los márgenes, de los triángulos amorosos y las conexiones que existen a pesar de todo. Es una pieza que no juzga, sino que observa y narra desde distintas perspectivas, permitiendo que cada oyente se identifique desde cualquier rol.

Musicalmente, “Amantes” se presenta como una propuesta alternativa y urbana que destaca por su sonoridad intensa y poco convencional. La producción, rica en matices, incorpora baterías potentes que marcan el pulso de la urgencia emocional, trompetas envolventes que añaden una capa de dramatismo y, como elemento distintivo, un fragmento del poema “Los amantes” de Julio Cortázar. Esta combinación crea una atmósfera cargada de sensibilidad y hondura, donde lo literario y lo musical dialogan en igualdad de condiciones.

El sencillo fue producido en colaboración con Vinco, productor chileno reconocido en la escena alternativa por su trabajo junto a Akriila, Emjay y Miranda Santizo, entre otros. Creada en septiembre de 2025 a partir de una experiencia real, la canción nació de la exploración sonora hasta encontrar en el piano su eje principal. La letra retoma vivencias de la secundaria de Racca y se nutre de la influencia poética de Cortázar, construyendo un relato que es a la vez personal y universal.

El video musical, concebido como una extensión natural de la canción, narra la historia de una joven que se debate entre la nostalgia y el deseo mientras intenta superar una relación confusa. Justo cuando los mensajes del pasado insinúan una posible reconciliación, la protagonista ya ha tomado una decisión definitiva. La narrativa culmina en un momento nocturno donde el amor y la culpa se entrelazan, dejando claro que, a veces, lo más difícil no es amar, sino saber cuándo dejar de hacerlo.

008RACCA se ha consolidado como una de las figuras más relevantes del panorama musical mexicano gracias a una autenticidad que le permite conectar orgánicamente con su audiencia. Su proyecto, caracterizado por una honestidad creativa sin concesiones, encuentra en “Amantes” una nueva expresión de esa misma coherencia. El artista no busca complacer ni ajustarse a lo esperado; prefiere explorar territorios incómodos, hablar de lo que duele y lo que confunde, y hacerlo desde un lugar que resulta profundamente humano.

“Amantes” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de dramatismo y sensibilidad que 008RACCA ha sabido construir. Una canción para quienes entienden que el amor no siempre es bonito, pero siempre, de una manera u otra, nos transforma.

El artista suizo de origen español Rico, cuyo verdadero nombre es Adrián, presenta “mEnamorE dETi”, su nuevo sencillo y una pieza que explora con sensibilidad y frescura ese territorio emocional del primer amor, ese que llega sin avisar, dura lo que unas vacaciones y deja una huella tan profunda como difícil de borrar. Se trata de una canción que mezcla la inocencia de la infancia con la intensidad de los primeros sentimientos, retratando una relación fugaz pero significativa, de esas que cuesta más reconquistar que recordar.

La canción se despliega como un susurro íntimo, una confesión a media voz que atrapa desde los primeros compases. La letra, escrita con esa mezcla de ingenuidad y hondura que caracteriza al artista, recorre los momentos compartidos, la magia de los días de verano, la certeza de que aquello fue especial aunque durara poco. Pero también aborda la dificultad de volver atrás, de recuperar lo que se perdió, de reconstruir un vínculo que el tiempo y la distancia han desdibujado. Hay en ella una nostalgia dulce, sin amargura, como la que dejan los recuerdos que duelen pero también alimentan.

Musicalmente, “mEnamorE dETi” se mueve en los territorios del reggaetón más melódico, con una producción cuidada que envuelve la voz de Rico en atmósferas cálidas y ritmos bailables. Pero el tema no se queda en la superficie del género; hay en él una búsqueda de matices, una intención de ir más allá de la fórmula para encontrar un sonido propio que refleje la personalidad poliédrica del artista. La mezcla de infantilidad y sentimiento adulto, de ligereza veraniega y profundidad emocional, crea un contraste que enriquece la propuesta y la aleja de lo predecible.

Rico, nacido el 9 de junio de 2001 en Lausana (Suiza) pero de origen español, es un artista ambicioso y apasionado que lleva la música en la sangre desde su adolescencia. A los 14 años empezó a escribir sus primeras barras, inspirado por varios artistas que admiraba por sus talentos como escritores y melodistas. Su curiosidad natural y su capacidad para integrarse en múltiples estilos musicales lo convierten en un creador difícil de encasillar, alguien que puede transitar del rap más puro a la música urbana más bailable sin perder su esencia.

Durante su adolescencia estuvo orientado principalmente hacia el rap, pero a los 20 años decidió dar un giro a su carrera y adentrarse en el mundo de la música urbana. Siempre había sentido admiración por el canto, y ese respeto por la melodía lo llevó a explorar un camino más amplio, donde pudiera desarrollar todas sus facetas artísticas. Empezó a activarse en el estudio, tuvo algunas apariciones en radio y en 2023 subió su primer EP, titulado “5 Razón”, acompañado de varios vídeos en su canal de YouTube, mientras esperaba la salida de su segundo proyecto, “5 Razón PT.2”.

En 2024, Rico publicó dos nuevos sencillos y actuó en varios escenarios, consolidando su presencia en directo mientras seguía trabajando en futuros proyectos. Su determinación y su entrega sobre el escenario le han permitido conectar con un público que valora la autenticidad y la emoción por encima de los artificios.

“mEnamorE dETi” es un paso más en esa dirección. Una canción que habla de amor, de recuerdos, de la dificultad de volver atrás y de la belleza agridulce de lo que fue y ya no será. Pero también de la esperanza de que, quizá, merezca la pena intentarlo de nuevo. El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa historia de verano, de primeros amores y de corazones que aún laten al ritmo de aquellos días.

La artista Mia Salazar, afincada en Estocolmo desde hace más de una década, presenta “Ajolote”, su nuevo sencillo y la primera entrega de un proyecto que promete desvelarse por partes. Se trata de una pieza que nace desde el duelo migratorio y la reconstrucción identitaria, una oda a la vulnerabilidad de quien deja atrás su hogar y debe aprender a regenerarse en un entorno completamente nuevo. Con esta canción, Mia inaugura una propuesta musical tan original como inesperada, donde las raíces mexicanas y andaluzas que trae de casa se fusionan con las influencias nórdicas adquiridas durante su largo exilio voluntario.

La canción se despliega como un autorretrato simbólico. El ajolote, esa criatura mexicana capaz de regenerar sus extremidades, se convierte en metáfora perfecta de la experiencia migrante: “Soy un ajolote en un país helado”. Desde ese primer verso, Mia sitúa al oyente en la dualidad que atraviesa toda su obra: la fragilidad de quien necesita ser sostenido —“me coges en tu mano, me cuidas de los malos”— y la fuerza regeneradora que permite sobrevivir a cualquier entorno, por hostil que sea. “Y si se me caen los brazos, me van a salir dos nuevos. Y si se me caen las piernas, me van a salir dos nuevas”. La capacidad de renacer, de recomponerse, de seguir adelante a pesar de las pérdidas, queda así enunciada con una claridad poética que conecta directamente con quien escucha.

El estribillo, con su repetición hipnótica de “Es demasiado tarde pa decir que no te quiero”, funciona como un ancla emocional que atraviesa toda la pieza. Ese “te quiero” no se dirige necesariamente a una persona; puede ser el hogar perdido, la identidad dejada atrás, el lugar al que quizá nunca se pueda regresar. Pero también puede ser la persona amada, la que sostiene, la que ayuda a sobrellevar el frío. La ambigüedad es deliberada y enriquece la experiencia de quien escucha, permitiendo múltiples capas de interpretación.

Musicalmente, “Ajolote” desafía cualquier intento de clasificación sencilla. Mia Salazar, que ha hecho del extranjero su forma de vida y allí ha compuesto, tocado y producido bajo sus propias reglas, arrastra sus canciones a terrenos poco complacientes pero mucho más interesantes. Su adolescencia, marcada por la escucha incesante de Pixies, Pavement y Radiohead, se deja sentir en esa valentía poco común para desacoplar una copla con un sintetizador desafinado, o para componer un huapango con toda su complejidad rítmica y hacerlo encajar en el territorio del trip hop con total naturalidad.

Escuchándola, parece normal que el espíritu de Martirio y Beth Gibbons convivan en la misma canción. Sorprende, pero no descoloca, que unas trompetas mariachis hagan pensar en el “Disintegration” de The Cure. Que un sonido frío y cortante que podrían haber parido Sigur Rós irrumpa en bulerías suena tan auténtico como original. Porque en la música de Mia Salazar todo parece conocido y extraño a la vez, familiar y radicalmente nuevo. Compone lejos del patrón actual sin renunciar a lo contemporáneo, y si hubiera que buscar un eslabón perdido entre Billie Eilish y Mecano, probablemente sería ella.

Sus canciones entran rápido; las melodías se quedan a la primera. Y sus letras están llenas de versos con pegada, con “barras” que golpean justo donde duele. Los versos surgen del duelo migratorio, pero abren un espacio donde puede reconocerse cualquiera que, en la búsqueda de un sueño, haya dejado atrás una identidad, un hogar, una respuesta a la pregunta “¿quién eres?”.

Mia canta con un carácter poco domesticado. Su timbre es único, su afinación impecable, y todo ello se mezcla con un fraseo libre que prioriza el matiz y la verdad emocional por encima del lucimiento. El resultado es una voz autoral, reconocible en cuanto entra, de esas que conmueven porque sabes que te están contando algo real. Algo vivido, algo sentido, algo que no admite impostura.

La artista lleva más de diez años en Estocolmo, y con el tiempo ha convertido lo que eran nuevas influencias en identidad. Una identidad que parte de las raíces mexicanas y andaluzas que ya traía de casa, pero que se ha ido transformando en contacto con el frío nórdico. Desde ahí, a través de un proceso creativo marcado por el duelo migratorio, nos entrega una obra que no se parece a nada de lo que suena hoy.

“Ajolote” es solo la primera entrega de un proyecto que se irá desvelando por entregas. Un canto a la vulnerabilidad migrante y una oda a la transformación. Después de esto, nada volverá a ser lo mismo. Porque, como repite la canción una y otra vez, ya será demasiado tarde para decir que no te quiero. Y en ese “demasiado tarde” se encierra toda la verdad de quien ha atravesado el fuego y ha salido transformada, dispuesta a regenerarse una y otra vez, como el ajolote, cuantas veces haga falta.

El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en ese universo de hielo y regeneración, de raíces y desarraigo, que Mia Salazar ha sabido construir con una honestidad y una originalidad fuera de lo común.

La banda suiza Heartwish, formada en 2020 por un grupo de músicos con décadas de experiencia sobre los escenarios, presenta “Good Times & Bad Times”, su nuevo sencillo y una pieza que encapsula a la perfección la esencia de un proyecto nacido no de la estrategia, sino de la pasión más pura por la música. El tema, que verá la luz el próximo viernes 20 de febrero de 2026, se despliega como un himno de resiliencia, una declaración de principios que recuerda que la vida se compone de luces y sombras, y que precisamente esa dualidad es lo que nos hace más fuertes.

La canción nace desde un lugar profundamente humano. Entre el sol y la tormenta, entre la esperanza y la duda, “Good Times & Bad Times” invita a seguir adelante incluso cuando el camino se vuelve accidentado. Habla de coraje, de perseverancia, de la certeza de que después de cada punto bajo la luz regresa. Es una canción pensada para acompañar, para fortalecer, para recordar que cada experiencia, por dura que sea, contribuye a nuestro crecimiento. Y sobre todo, para subrayar una verdad esencial: no tenemos por qué recorrer el camino solos. Juntos, mano a mano, incluso la senda más difícil se vuelve más llevadera.

Musicalmente, el tema responde a la identidad sonora que Heartwish ha venido construyendo desde sus inicios: una fusión de pop rock clásico con producción moderna y melodías contundentes. Las guitarras, los estribillos memorables y una interpretación vocal cargada de sentimiento se combinan para crear una atmósfera que es a la vez épica y cercana. La producción, a cargo de Urs Wiesendanger en los renombrados Powerplay Studios de Suiza, aporta la profundidad y calidad que caracteriza a todos los lanzamientos de la banda.

Detrás de Heartwish hay nombres con una larga trayectoria en la música. El compositor Juerg Weibel y el vocalista Ricardo Iglesias son los principales artífices de la identidad del grupo, junto a otros músicos experimentados como Claudio Cervino y Cyrill Messmer. Juntos han creado un proyecto que combina profesionalismo con entusiasmo genuino, alejado de las tendencias pasajeras y centrado en canciones que aspiran a perdurar.

Desde sus primeros lanzamientos —sencillos como “Get Away”, “Fly Away”, “The Lonely Heart”, “Fight” o “Little Things”—, Heartwish ha ido construyendo una presencia sólida dentro de la escena del rock independiente. Su álbum de 2025, “These are the Days”, captura la esencia de la banda: melodía, emoción y un mensaje claro. Y ahora, con “Good Times & Bad Times”, continúan explorando ese territorio donde la música se convierte en puente entre las personas, en vehículo para inspirar y elevar.

La banda suele definirse como alguien que no entrega ruido, sino sentimiento. Y ciertamente, en cada una de sus canciones se percibe esa intención de conectar, de llegar a quien escucha desde la honestidad y la emoción compartida. Los temas recurrentes en su obra —la amistad, la esperanza, la fortaleza personal, los recuerdos, los pequeños momentos significativos de la vida— resuenan con facilidad en el público, que encuentra en sus letras un espejo donde mirarse.

“Good Times & Bad Times” está dedicada a todos aquellos que saben que la vida tiene altibajos, y que precisamente eso es lo que la hace fuerte. Una canción para quienes están en la cima y para quienes luchan por regresar a ella. Para los que necesitan un recordatorio de que, pase lo que pase, la luz siempre regresa. El sencillo estará disponible en todas las plataformas digitales a partir del 20 de febrero, invitando a escuchar, sentir y dejarse llevar por la ola.

El cantautor sinaloense Joss Favela, conocido como “El Lujo de Sinaloa”, y la joven promesa regiomontana Fátima Campo presentan “Me Sobrabas Tú”, una nueva versión en vivo de uno de los temas más emblemáticos compuestos por Favela y popularizado originalmente por Banda Los Recoditos alrededor de 2016. Lanzada el pasado 16 de febrero de 2026, esta colaboración propone un aire fresco y más pasional al tema, convirtiéndolo en un dueto que celebra la liberación emocional y el empoderamiento tras una relación fallida.

La canción se despliega como un himno de liberación en toda regla. La letra, firmada por Joss Favela, aborda ese momento crucial en el que una persona se da cuenta de que no le faltaba nada para que la relación funcionara, sino que, en realidad, le “sobraba” la otra persona porque nunca supo valorar su entrega. Es una declaración de autoconocimiento y dignidad, un recordatorio de que a veces el problema no es lo que falta, sino lo que sobra. La frase que da título al tema condensa esa idea con una claridad aplastante: no era cuestión de carencia, sino de exceso de alguien que no merecía estar.

La versión en vivo aporta una dimensión nueva a la canción. Grabada sin los artificios del estudio, la interpretación respira autenticidad y emoción a flor de piel. La voz madura y melódica de Joss Favela se complementa a la perfección con la potencia y el sentimiento que Fátima Campo imprime a cada frase, creando un diálogo vocal que se siente orgánico, natural y profundamente conmovedor. La química entre ambos artistas ha sido uno de los aspectos más aplaudidos por la crítica y los seguidores, que destacan cómo sus estilos se fusionan sin esfuerzo para dar nueva vida a un tema ya de por sí emblemático.

Joss Favela no necesita presentación en el panorama del regional mexicano. Compositor de cabecera para artistas de la talla de Banda MS, Julión Álvarez o Natti Natasha, ha sido galardonado en múltiples ocasiones como Compositor del Año por la ASCAP, un reconocimiento que avala su capacidad para construir canciones que conectan con el público y resisten el paso del tiempo. Su faceta como intérprete, aunque quizá menos conocida que su labor como compositor, demuestra en esta colaboración una sensibilidad y un oficio que lo sitúan también como un artista a tener en cuenta sobre el escenario.

Fátima Campo, por su parte, representa la savia nueva del regional mexicano. Originaria de Monterrey, esta joven cantante se hizo viral desde niña, llegando a conmover con su voz a figuras de la talla de Vicente Fernández. Su participación en realities como La Voz Kids la dio a conocer al gran público, pero ha sido su constancia y su potencia vocal lo que la ha consolidado como una de las promesas más firmes del género. Con millones de seguidores en TikTok y YouTube, Fátima ha demostrado que su talento trasciende las plataformas digitales y que su estilo auténtico tiene recorrido más allá de la viralidad momentánea.

La unión de ambos artistas en “Me Sobrabas Tú” no es casual. Representa el encuentro entre la experiencia y la juventud, entre la solidez del compositor consagrado y la frescura de la nueva generación. Y el resultado, a juzgar por la acogida, no ha podido ser más acertado. La versión en vivo captura la esencia de lo que el regional mexicano puede ofrecer cuando se interpreta con verdad: emoción, potencia y una conexión directa con quien escucha.

El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de liberación y autovaloración que Joss Favela y Fátima Campo han sabido construir. Una canción para quienes han aprendido que, a veces, lo mejor que puede pasar es descubrir que lo que sobra pesa más que lo que falta.

La artista malagueña Belén Jurado, una de las figuras más versátiles y completas de la escena musical actual, presenta “Es Mentira”, su nuevo sencillo y una canción que transita por los territorios del desamor y la superación con una energía festiva y un mensaje de empoderamiento claro. Se trata de un tema que aborda la ruptura desde la perspectiva de quien ha sido herida pero decide no quedarse en el dolor, sino transformarlo en celebración, en brindis, en reencuentro con una misma. Con este lanzamiento, la cantante, DJ, pianista y compositora malagueña refuerza una identidad artística que combina la solidez de su formación clásica con la frescura de la electrónica y el pop contemporáneo.

La canción se despliega como un relato en dos tiempos. En un primer momento, la letra recorre el dolor de la traición, la confusión de quien se siente culpable sin serlo, la rabia contenida ante las promesas incumplidas. Versos como “Me hiciste pedazos el corazón, dejaste la cama vacía” o “Jugaste sucio, creí en tu papel” sitúan al oyente en el momento de la herida, en esa intimidad rota que todos hemos experimentado alguna vez. Pero la canción no se queda ahí. Pronto gira hacia la liberación, hacia la certeza de que quien pierde no es quien sufre, sino quien causó el daño. El estribillo, con su declaración central —“Es mentira que era el amor de tu vida, pero más tonta fui yo que todas te las creía”—, funciona como un despertar, como el instante en que la protagonista se quita la venda de los ojos y empieza a ver con claridad.

A partir de ahí, el tema se convierte en un himno colectivo. “Bebiendo se olvida, y aunque es muy grande la herida, todo me sabe mejor con limón, sal y tequila” es una invitación a brindar por la propia recuperación, a convertir el despecho en fiesta compartida, a rodearse de amigas y transformar el dolor en celebración. El “otro shot, con mis nenas” y el “ahora soy yo quien te olvida, hoy brindo por tu despedida” refuerzan esa idea de comunidad femenina, de apoyo mutuo, de risas que ahogan los recuerdos y de noches que devuelven la confianza perdida.

Musicalmente, “Es Mentira” bebe de esa fusión que caracteriza a Belén Jurado: bases electrónicas bailables, ritmos urbanos y una melodía pop que se instala en la memoria desde la primera escucha. La producción, cuidada y actual, permite que su voz, potente y controlada gracias a años de formación y a su trabajo como entrenadora vocal, luzca en todo su esplendor. Cada nota, cada inflexión, transmite justo lo que la letra necesita: rabia, despecho, pero también diversión y la seguridad de quien sabe que ha salido más fuerte de la tormenta.

Belén Jurado no es una artista al uso. Pianista de carrera, graduada en el Conservatorio Superior de Música de Málaga tras más de veinte años de formación, su base clásica le otorga un dominio técnico que pocas artistas de su generación pueden igualar. Esa solidez le permite moverse con naturalidad entre géneros aparentemente opuestos, desde la música de cámara hasta la electrónica más bailable, sin perder nunca el control ni la expresividad. En los últimos años ha destacado con lanzamientos como “Bonito” (especialmente en su versión House Remix) y con versiones de temas conocidos como “Somos Nada”, demostrando una versatilidad que la sitúa en un lugar propio dentro del panorama musical.

Paralelamente a su carrera como intérprete, Belén ha construido una presencia digital arrolladora. Es una de las figuras más importantes de la categoría musical en Twitch en España, donde sus directos —en los que crea loops en tiempo real, interpreta versiones personalizadas y realiza sesiones como DJ— han logrado congregar a una comunidad fiel que ella misma llama su “familia”. Decenas de miles de seguidores la acompañan cada semana, atraídos por su cercanía, su talento y esa capacidad única para hacer de cada transmisión un encuentro íntimo y festivo a la vez.

Su participación como directora musical en el coro “Gospel It” y su presencia en la “Verso Libre Gospel Band” añaden otra capa a su formación: la experiencia del canto colectivo, la energía del directo, la emoción compartida. Y sus apariciones en programas de talento como Fantastic Duo (TVE) y Yo Canto han llevado su voz más allá de los circuitos habituales, demostrando que su propuesta tiene el calado suficiente para conectar con audiencias masivas sin perder un ápice de autenticidad.

“Es Mentira” condensa todo eso: la técnica depurada, la energía del directo, la conexión con una comunidad que busca en la música un espacio de catarsis y celebración. La canción ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumarse a ese brindis colectivo por quienes han sabido levantarse después de caer. Porque, como demuestra Belén Jurado, a veces el mejor antídoto contra el desamor es una buena dosis de ritmo, amigas y tequila.

El dúo musical madrileño MUMA, formado por Tamara Moreno (voz principal) y Luis Carlos Grande (guitarra y voz), presenta “La lanza”, su nuevo sencillo y una pieza que aborda con sensibilidad y honestidad el complejo proceso de reconocer, enfrentar y finalmente salir de una relación tóxica. Se trata de una canción que nace desde la experiencia emocional compartida y que hoy, por fin, ve la luz después de un intenso trabajo lleno de ilusión y corazón.

La canción se despliega como un relato íntimo de liberación. Desde los primeros versos, la letra sitúa al oyente en ese territorio incómodo de la sospecha y la negación: “Miraba para otro lado y ella ya lo sospechaba, no quería descubrir cómo siempre se encontraba”. Esa tensión entre lo que se intuye y lo que se prefiere ignorar recorre la primera parte del tema, construyendo una atmósfera de inquietud contenida que termina por estallar en la certeza de que algo debe cambiar.

“Toda una vida engañada en la que se lamentaba, algo dentro le decía ‘no te quedes más parada’”. La canción retrata ese momento crucial en el que la voz interior, esa que siempre ha estado ahí susurrando, se vuelve lo suficientemente fuerte como para no poder ignorarla más. Es el instante en que la protagonista decide dejar de ser espectadora de su propio dolor y comenzar a tomar las riendas de su historia.

El estribillo, con su melancólica repetición de “Las noches eran frías, ya no se conocían, y los días largos con un sabor amargo”, funciona como un ancla emocional que conecta con esa sensación de extrañamiento, de habitar una vida que ya no se reconoce como propia. Pero la canción no se queda en la queja; avanza hacia la acción, hacia la decisión de romper con lo que duele.

“Sé fuerte le decían porque el miedo es poderoso, pero sabe que el tiempo es lo más valioso”. Este verso condensa una de las ideas centrales del tema: el reconocimiento de que, por mucho que el miedo intente retenernos, el tiempo perdido no se recupera. Y desde esa toma de conciencia, la protagonista comienza a girar, a darle vueltas a “la gran jugada”, a planear su salida.

El clímax llega con la imagen que da título a la canción: “El fin ya había llegado, de vuelta la esperanza, final inesperado, llegó como una lanza”. Una lanza que rompe, que atraviesa, pero también que libera. Un final abrupto que, lejos de ser una derrota, se convierte en el principio de algo nuevo. “Ya no estaría más sola, ella misma ahora sería, aprendería a valorarse y a quererse cada día”. La canción culmina así con una declaración de autovaloración y renacimiento, cerrando el círculo que va de la oscuridad a la luz, de la dependencia a la autonomía.

Musicalmente, “La lanza” responde a la identidad sonora que MUMA ha venido construyendo desde sus orígenes en el sur de Madrid, entre Leganés y Aluche. El dúo, formado por Tamara Moreno y Luis Carlos Grande, fusiona en su propuesta el pop-rock con rumbas, flamenco y copla, creando un estilo personal que bebe de las raíces pero mira hacia adelante. La producción del tema permite que la voz de Tamara, expresiva y llena de matices, ocupe el centro de la escena, mientras la guitarra de Luis construye una base cálida que envuelve sin estridencias.

El nombre del dúo, MUMA, nace de la unión de Música y Magia, aunque sus integrantes bromean con que también fue un regalo de un cajón flamenco que Luis le hizo a Tamara cuando se conocieron. Llevan más de dos años de trayectoria, consolidándose en la escena madrileña gracias a sus potentes directos, en los que combinan versiones de grandes éxitos —desde Estopa y Niña Pastori hasta India Martínez— con sus temas propios.

Además de “La lanza”, el dúo cuenta con otros sencillos como “Jugar la partida”, una bachata bailable que muestra su versatilidad, y “Los arquitos de la casa”, que profundiza en su sonido más íntimo. El 2025 y lo que llevamos de 2026 están siendo años clave para ellos, ya que han decidido centrarse plenamente en la promoción de su material original, dando el salto definitivo más allá de las versiones para consolidarse como creadores con voz propia.

“La lanza” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa historia de liberación y autodescubrimiento que MUMA ha sabido contar con honestidad y sensibilidad. Una canción para quienes han vivido la experiencia de perderse en una relación que no les hacía bien y han encontrado la fuerza para, finalmente, lanzarse hacia su propia libertad.

Hoy, 20 de febrero, Gonzalo Alhambra presentará su nueva colaboración, una reedición de “Me voy pa Andalucía” junto a El Duende Callejero, Raule, Salistre, Marta Santos, Ginés Gonzalez, Rocío Soto y Juanlu Montoya. Se trata de una canción luminosa y emotiva que rinde homenaje a la tierra andaluza a través de un recorrido musical por todas sus maravillosas provincias, convirtiéndose en una celebración colectiva del orgullo andaluz.

La canción no solo destaca por su valor artístico y emocional, sino también por su dimensión solidaria. Todos los beneficios generados por este lanzamiento irán destinados íntegramente a la fundación SISU, la asociación andaluza de cuidados paliativos pediátricos, una organización que trabaja para mejorar la calidad de vida de los niños y niñas con enfermedades incurables y el acompañamiento a sus familias.

Con este lanzamiento, Gonzalo Alhambra reafirma su identidad artística fusionando sonidos actuales con la esencia del sur, en una propuesta fresca que respira tradición, orgullo y sentimiento. La colaboración reúne a ocho voces del panorama musical andaluz, cada una aportando su personalidad y su estilo, pero todas unidas por un mismo sentimiento de amor por su tierra.

El single forma parte de su próximo disco, “Origen”, que verá la luz el 20 de marzo. Se trata de un trabajo profundamente personal en el que Gonzalo Alhambra explora sus raíces, su identidad y sus influencias musicales, construyendo un puente entre tradición y modernidad. El álbum promete consolidar su sonido propio y mostrar una etapa artística más madura, honesta y emocional.

Natural de Sanlúcar de Barrameda (Cádiz), Gonzalo Alhambra es un compositor autodidacta que destaca por su voz y el sentimiento que imprime a cada interpretación. Desde que en 2020 se diera a conocer en el talent show televisivo La Voz, donde se posicionó como uno de los concursantes favoritos impresionando a artistas de la talla de Alejandro Sanz e incluso Rosalía con su versión de uno de los temas de “El Mal Querer”, ha conseguido ganarse el corazón del público y construir una trayectoria ascendente.

Tras su paso televisivo, lanzó su álbum debut “Uno”, que incluía temas con gran desarrollo radiofónico como “No Eres Tú”, “Ojalá” o “Es Difícil”, acompañado de una gira por diferentes escenarios de la geografía española. Posteriormente publicó los singles “Ahora”, “Si Tú Supieras”, “Este Vacío” y “A Toda Vela”, recogidos en su EP “Lo Que Siento”, publicado en noviembre de 2023.

En 2024 emprendió una nueva etapa con el tema “Me voy pa’ Andalucía”, antes del lanzamiento de “Desde que tú no estás” junto al grupo gaditano Salistre, que se ha posicionado como su tema más escuchado en plataformas digitales hasta la fecha, con más de 5 millones de reproducciones. Gonzalo comenzó 2025 con la publicación de “CUANDO ME DÉ LA GANA”, y a lo largo del año estrenó “TAN WAPA” junto a El Duende Callejero, y colaboró con Rocío Soto en “Otra Vez”, antes del lanzamiento de “Amor de Bandera”.

Con “Me voy pa Andalucía”, Gonzalo Alhambra consolida su camino artístico apostando por un sonido que une modernidad y raíces, y que promete convertirse en un himno para quienes sienten el orgullo de su tierra. El single estará disponible en todas las plataformas digitales a partir del 20 de febrero.

El artista CARRØ.m lanza “Amor de verdad”, su nuevo sencillo y una propuesta que explora desde la emoción más íntima la búsqueda intensa de un amor auténtico, profundo y sin condiciones. Se trata de una canción pop de carácter épico, con una producción moderna y vibrante que culmina en un estribillo coreable y explosivo, diseñado para ser cantado en directo y conectar de inmediato con el público. Con este lanzamiento, CARRØ.m reafirma su identidad artística dentro del pop español actual, apostando por letras sinceras, una producción cuidada y una propuesta sonora que mira hacia adelante sin perder la emoción de lo clásico.

La canción se despliega como un viaje emocional en dos tiempos. Comienza desde la vulnerabilidad, desde ese lugar donde la duda y la necesidad de encontrar a alguien real se instalan en el corazón. La voz, contenida al principio, transmite esa fragilidad de quien busca sin saber muy bien dónde mirar. Pero a medida que avanza, la música crece, los arreglos se expanden y la interpretación gana en intensidad, hasta llegar a un estribillo que estalla con fuerza y determinación: “¿Dónde está el amor de verdad? ¡Lo sigo gritando!”. Una pregunta que es también una declaración, un grito lanzado al universo con la esperanza de que alguien, en algún lugar, lo escuche y responda.

Musicalmente, “Amor de verdad” combina una estructura pop clásica con elementos contemporáneos que le otorgan frescura y modernidad. La producción, cuidada al detalle, envuelve la voz en una atmósfera que crece en capas, incorporando sintetizadores, bases rítmicas contundentes y arreglos que subrayan cada giro emocional de la letra. El resultado es un tema con clara vocación radiofónica, pensado para ocupar un lugar destacado en las playlists de pop actual y emocional, pero también para funcionar en directo, donde ese estribillo coreable se convertirá sin duda en un momento de conexión colectiva.

La composición —melodía, armonía y letra— nace íntegramente de la visión creativa del propio artista, quien apuesta por una estética pop contemporánea con tintes emocionales y una narrativa directa, sin rodeos. CARRØ.m no busca esconderse detrás de metáforas complejas ni de artificios innecesarios; va al grano, dice lo que siente y lo dice de la manera más clara posible. Esa honestidad, esa disposición a mostrarse vulnerable sin perder la fuerza, es precisamente lo que dota a la canción de su carácter único y lo que permite que quien escucha se sienta identificado desde los primeros compases.

“Amor de verdad” no es solo una canción sobre la búsqueda romántica; es también una reflexión sobre la autenticidad en un mundo donde a menudo las relaciones se construyen sobre expectativas poco realistas o sobre la superficie de lo digital. CARRØ.m reclama un amor real, de esos que se notan en los pequeños gestos, en la presencia constante, en la capacidad de sostener al otro sin condiciones. Y lo hace desde un lugar que no es el de la queja, sino el de la afirmación, el de la certeza de que ese amor existe y merece ser buscado.

“Amor de verdad” es una canción para gritar, para sentir y para recordar que, a veces, lo más importante no es encontrar, sino seguir buscando con la certeza de que, en algún lugar, la respuesta espera.

El artista independiente de pop ANJEL ha lanzado oficialmente “Want You Bad”, su nuevo sencillo y una pieza que captura con suavidad y frescura ese momento eléctrico de la atracción instantánea. El tema, publicado el pasado 13 de febrero de 2026, cuenta con la colaboración de Alberto Rodriguez, compañero del cantante en la boyband SoFL, una unión que potencia la química y el estilo compartido de ambos artistas en una propuesta romántica y contemporánea.

La canción se despliega como una narración íntima de ese instante en el que alguien entra en una habitación y todo cambia. La letra recorre la mezcla de nervios, imaginación y deseo que sigue a ese primer impacto, construyendo una historia que muchos reconocerán como propia. Con ganchos melódicos, una producción envolvente y una interpretación vocal cargada de sentimiento por parte de ambos artistas, “Want You Bad” ofrece un sonido pop moderno que resulta a la vez íntimo, pegadizo y profundamente cercano.

Musicalmente, el tema se asienta sobre un groove suave que invita a dejarse llevar, con una producción cuidada que busca ese equilibrio entre la calidez de lo orgánico y la claridad del pop más radiofónico. La voz de ANJEL, honesta y llena de matices, dialoga con la energía dinámica que aporta Alberto Rodriguez, creando un contraste que enriquece la canción y subraya la conexión que ambos comparten como miembros de SoFL. El estribillo, memorable y fácil de adoptar, se instala en la memoria desde la primera escucha, convirtiendo el tema en candidato perfecto para playlists románticas, viajes nocturnos y esos momentos en los que la música necesita acompañar sin estridencias.

“Esta canción habla de ese momento en que alguien llama tu atención y no puedes dejar de pensar en esa persona”, explica ANJEL sobre la inspiración del tema. “Trabajar con Alberto en esto fue algo natural porque ya tenemos esa química de estar juntos en SoFL”. Sus palabras reflejan la naturalidad con la que surgió esta colaboración, fruto de la confianza y el conocimiento mutuo que dan los años compartidos sobre los escenarios y en el estudio.

“Want You Bad” ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de atracción y deseo que ANJEL y Alberto Rodriguez han sabido construir con sensibilidad y oficio. Una canción para quienes creen en la magia de los encuentros inesperados y en el poder de una melodía para atrapar un instante y hacerlo eterno.

ANJEL es un artista emergente de pop conocido por fusionar un lirismo emocional con una producción suave y moderna. Como miembro de la boyband SoFL, continúa construyendo su sonido tanto a través de lanzamientos en grupo como en solitario, siempre con el foco puesto en experiencias reales y relaciones humanas.

Alberto Rodriguez es un vocalista y performer de pop, reconocido principalmente como miembro de la boyband SoFL. Su tono suave y su presencia enérgica aportan una dimensión fresca tanto al sonido del grupo como a sus colaboraciones como artista invitado.

La artista transforma un icono histórico de los años 70 en una puesta en escena inmersiva que rinde homenaje a la identidad internacional de Benidorm y logra el pase a la final del certamen

Mañana, sábado 14 de febrero, podremos disfrutar de nuevo de la actuación de ASHA en la Gran Final del Benidorm Fest 2026, después de que su propuesta escénica para "Turista" conquistara al público y al jurado en las semifinales. La artista apostó por una puesta en escena con un fuerte componente narrativo y patrimonial que ha dado mucho que hablar: recrear el histórico Limón Express, el primer tren turístico de España, convertido durante décadas en símbolo del auge internacional de la ciudad y en emblema de una época dorada para la Costa Blanca.

Más que una actuación musical, la propuesta se planteó como una experiencia inmersiva. El público no solo escuchó la canción, sino que viajó dentro de ella. Vagones amarillos, estética retro, referencias a la cultura europea de los años setenta y movimiento escénico constante construyeron un relato visual que conectó música, memoria colectiva y marca turística. Un diseño concebido por Álvaro Molina y Ari Levelä que transformó el escenario del Benidorm Fest en un tren en movimiento, con vida propia, que giraba y se desplazaba al ritmo de la música.

“En octubre, cuando tuve mi primera reunión con el equipo de Sergio Jaén, sentí que necesitaba darle un contexto más profundo a la canción. No quería solo cantarla, quería que el espectador viajara conmigo”, explica la artista sobre el origen de esta puesta en escena. Y vaya si lo consiguió. La actuación no solo emocionó, sino que logró su pase a la final del festival, demostrando que la conexión entre propuesta musical y narrativa visual puede marcar la diferencia en un certamen tan competitivo.

Desde el inicio del proceso creativo, ASHA entendió “Turista” como un concepto ligado al movimiento. Idiomas, encuentros efímeros, mezcla cultural y tránsito emocional eran los ejes de la canción, y necesitaban un espacio que los representara físicamente. “Siempre me la había imaginado en un medio de transporte. ‘Turista’ habla de movimiento, de idiomas, de encuentros fugaces… así que empecé a investigar desde casa, buscando referencias, imágenes, historia. Y fue casi una señal cuando descubrí el Lemon Express”, recuerda.

El hallazgo conectaba directamente con el ADN del tema: un tren que recorría la Costa Blanca lleno de viajeros europeos, música en directo y ambiente festivo, símbolo de la época dorada del turismo en la región. “Un tren mítico que recorría toda la Costa Blanca en los años 70, lleno de turistas europeos, donde se hablaban distintos idiomas, había música en vivo, se brindaba con cócteles de limón… felicidad pura. Era la época dorada de la Costa Blanca. Y mi canción tiene ese rollo retro, esa mezcla cultural, esa energía luminosa. En ese momento sentí que todo encajaba”.

Durante una semana, la artista preparó una presentación conceptual detallada. Definió colores pastel, referencias cinematográficas, movimientos de cámara y vestuario para trasladar al equipo creativo su universo visual. “Hasta ese momento solo había hecho videoclips, nunca había trabajado una puesta en escena con un equipo grande, pero necesitaba explicar mi universo”. La idea inicial era más modesta: utilizar el tren como telón de fondo, una estación bonita que ambientara la actuación. Sin embargo, la propuesta evolucionó radicalmente durante el desarrollo escénico.

“Yo pensaba que quizá pondríamos el tren de fondo, como una estación bonita y ya está. Pero tres semanas después, cuando me dieron el feedback, me dijeron: ‘Lo vamos a hacer todo dentro del tren’. Y no me lo podía creer”. El resultado fue una escenografía integral que ha sido una de las más comentadas del festival. “El tren está en movimiento, gira, tiene vida, tiene alegría. Es dinámico, como la canción. Y para mí es un homenaje a Benidorm”.

Con esta actuación, ASHA no solo presentó una canción; presentó una postal viva de la identidad turística española. Un tren histórico volvió a circular, esta vez sobre un escenario, llevando consigo décadas de memoria y cultura, y demostrando que a veces, para mirar al futuro, es necesario recuperar lo mejor del pasado. Mañana, en la gran final del Benidorm Fest, tendremos la oportunidad de volver a subir a ese tren y dejarnos llevar por el viaje.

Los Ángeles Azules, los máximos exponentes de la cumbia a nivel mundial, se unen a la voz íntima de Melissa Robles, vocalista del grupo Matisse, para presentar “Mi Nuevo Trauma”, una canción que incendia los corazones y las pistas de baile con una propuesta que fusiona la identidad clásica de la agrupación con el pop romántico contemporáneo. Se trata de un tema que le da voz al sentimiento y al dolor que queda después de perder al amor de tu vida, convirtiendo el desamor en confesión y retratando ese gran cariño que terminó, pero que sigue presente en los sentimientos de quien más amó.

La canción se despliega desde sus primeros compases como una cumbia romántica que bebe de la tradición del género pero mira hacia adelante con una producción actual y una sensibilidad que conecta directamente con las emociones de quien escucha. La base rítmica, inconfundiblemente de Los Ángeles Azules, sostiene una melodía que envuelve y una letra que no se anda con rodeos. Con frases directas y emociones sin filtros, “Mi Nuevo Trauma” conquista hasta a las almas más dolidas con versos que se clavan en la memoria: “‘Mi nuevo trauma’ se llama tú, si no estás conmigo mis ojos no miran la luz, no te cansas de dar vueltas en mi cabeza 24/siempre, yo que creía que era pa’ siempre lo de los dos, pero eso no pasó”.

La colaboración representa un encuentro de generaciones y sensibilidades. Por un lado, la trayectoria imparable de Los Ángeles Azules, oriundos de Iztapalapa, que llevan más de cuarenta años llevando la cumbia a los escenarios y festivales internacionales más importantes, desde el Vive Latino hasta Coachella. Por otro, la frescura y la hondura emocional de Melissa Robles, una de las voces más reconocibles del pop mexicano contemporáneo a través de su trabajo en Matisse. La fusión de ambos mundos da como resultado una canción que suena a clásico desde el primer momento, pero que respira modernidad en cada uno de sus arreglos.

“Trabajar con Los Ángeles Azules es como uno de esos sueños, que son tan grandes que ni siquiera me atreví a soñarlo en algún momento”, comenta Melissa Robles sobre esta experiencia. “La vida me ha sorprendido con esta gran experiencia, con esta gran canción; estoy muy honrada de poder compartir con personas a las que he admirado por tanto tiempo y ahora tener la oportunidad de hacer esta canción con ellos me llena de gratitud”. Sus palabras reflejan la emoción de quien se encuentra con un hito inesperado en su carrera y lo vive con la intensidad y el agradecimiento que merece.

El lanzamiento llega en un gran momento para la agrupación, que recientemente ha cosechado exitosas presentaciones en el Auditorio Nacional y se prepara para compartir su música con los fanáticos de Argentina, Colombia, Centroamérica, Bolivia y Perú. En Estados Unidos, su “Sin Fronteras US Tour” promete deleitar a sus seguidores, con una próxima presentación el 6 de junio en La Monumental Plaza de Toros “La México” que se perfila como uno de los eventos del año.

La trayectoria de Los Ángeles Azules es sencillamente incontestable. Compuesta por los hermanos Mejía-Avante, la agrupación ha acumulado múltiples premios y nominaciones al GRAMMY, Latin GRAMMY, Premio Lo Nuestro, Premios Billboard y Latin American Music Awards, entre muchos otros. Su disco “Cómo Te Voy a Olvidar”, un trabajo de versiones de su amplio repertorio en colaboración con artistas como Kinky, Los Amigos Invisibles, Ximena Sariñana, Saúl Hernández y Carla Morrison, alcanzó certificación Doble Disco de Diamante por más de seiscientas mil copias vendidas. Su siguiente trabajo, “De Plaza en Plaza”, ha alcanzado doble platino, y su álbum “De Buenos Aires Para el Mundo” debutó en el puesto ocho de la lista de Top Álbumes Regional Mexicano de Billboard, el duodécimo álbum de la agrupación en ingresar al Top 10 de ese listado.

Grabado en vivo desde el icónico Salón Unione e Benevolenza de la ciudad de Buenos Aires, ese disco cuenta con las participaciones de artistas como Julieta Venegas, Vicentico, Lali, Abel Pintos, Jay De La Cueva, Américo y Soledad Pastorutti, entre otros, y actualmente sobrepasa las quinientos ochenta millones de reproducciones en YouTube. El trabajo fue nominado al Latin GRAMMY como Mejor Álbum Cumbia/Vallenato.

Pero quizá uno de los hitos más impresionantes de su carrera sea su entrada en el prestigioso Billion Views Club de YouTube. Los Ángeles Azules se convirtieron en la primera agrupación mexicana en alcanzar un billón de reproducciones con el video de “Nunca es Suficiente” junto a Natalia Lafourcade. Meses después, el vídeo de “Mis Sentimientos” con Ximena Sariñana alcanzó también esa codiciada cifra, convirtiendo a Los Ángeles Azules en el único grupo mexicano en tener dos vídeos rebasando el billón de views en YouTube.

Posicionados como uno de los quinientos artistas más escuchados de Spotify a nivel mundial, Los Ángeles Azules han llevado su música a través de todo el continente, visitando las ciudades más importantes de México, Argentina, Colombia y Estados Unidos, entre otras. Su capacidad para renovarse sin perder la esencia, para colaborar con artistas de distintas generaciones y estilos sin diluir su identidad, es precisamente lo que los ha mantenido en la cima durante más de cuatro décadas.

“Mi Nuevo Trauma” ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa mezcla única de cumbia tradicional y pop íntimo que solo una colaboración como esta podía lograr. Una canción para bailar, para sentir y para recordar que, a veces, los traumas más difíciles de superar tienen nombre y apellido, y suenan a acordeón y a voz que confiesa lo que duele.

Lucía de la Puerta, una de las artistas más polifacéticas y virales de la escena actual en España, presenta el videoclip de “Algo me falta”, uno de los temas que mejor encapsulan su esencia y que forma parte del universo emocional que ha construido a lo largo de su primer álbum de estudio, “A lo callao”, publicado en 2025. Con esta pieza audiovisual, la cantante, actriz y médica de formación bilbaína da un paso más en la consolidación de su identidad artística, ofreciendo una experiencia visual que amplía y enriquece el relato íntimo de la canción.

El videoclip, cuidadosamente concebido, traslada a imágenes esa sensación de vacío que puede aparecer incluso cuando aparentemente todo está en orden. A través de una estética que combina la intimidad de los primeros planos con atmósferas sugerentes, Lucía profundiza en la nostalgia, el desamor y la búsqueda constante de identidad que atraviesan la letra del tema. Cada secuencia refuerza ese tono confesional que caracteriza su música, convirtiendo la vulnerabilidad en una fortaleza creativa y permitiendo al espectador asomarse a ese espacio personal donde las emociones se muestran sin filtros.

Nacida en Bilbao en 1999, Lucía de la Puerta rompe moldes desde el primer momento. Su trayectoria, que muchos descubrieron inicialmente a través de las redes sociales, ha demostrado que su talento va mucho más allá del universo digital. Antes de dedicarse de lleno al arte, destacó en el tenis de competición, una disciplina que le aportó constancia y disciplina. Siguiendo el consejo de sus padres, estudió Medicina, compaginando exámenes, prácticas y guardias con directos en redes sociales donde compartía canciones, pensamientos y fragmentos de su día a día. Sin embargo, la interpretación y la música siempre fueron su verdadera vocación, una llamada constante que terminó marcando el rumbo definitivo de su carrera.

En el ámbito audiovisual, ha participado en proyectos como la serie “Skam España” y la película “A través de mi ventana”, ampliando su perfil artístico y demostrando su versatilidad frente a las cámaras. Esta presencia en cine y televisión ha reforzado su conexión con el público joven, que la reconoce como una figura cercana y honesta. Más allá de los focos, Lucía se ha consolidado como una voz relevante para la generación Z y el colectivo LGTBIQ+. Su forma directa de hablar sobre emociones, identidad, relaciones y vulnerabilidad la ha convertido en un referente que trasciende la música. Comparte sus luces y sombras sin filtros, generando una comunidad que encuentra en sus palabras un espejo donde verse reflejada.

“Algo me falta” profundiza precisamente en ese territorio emocional. La canción, que ahora cobra nueva vida con su videoclip, aborda esa sensación de vacío que puede instalarse incluso cuando todo parece ir bien. Con una letra íntima y confesional, Lucía convierte la fragilidad en materia prima artística, creando un espacio donde el oyente puede reconocerse sin sentirse juzgado. El tema se integra dentro del universo que ha ido construyendo con sencillos como “Si no te cuida”, “Aire” o “Rencor”, piezas que comparten una misma sensibilidad y que encontraron su hogar definitivo en “A lo callao”.

Su sonido combina pop urbano, R&B y sutiles toques electrónicos, siempre con una prioridad clara: que la letra sea la protagonista. Cada canción funciona como un fragmento de diario abierto, donde el amor, el deseo, la rabia y la fragilidad conviven sin artificios. “Mi música es un reflejo de mis emociones. Hablo de amor, desamor, deseo, rabia… pero también de vulnerabilidad”, afirma la propia artista, subrayando esa coherencia entre vida y obra que la distingue.

A diferencia de otros perfiles surgidos en redes, Lucía ha sabido realizar una transición sólida hacia la industria musical. Pasó de cantar en directo desde su habitación mientras estudiaba Medicina a subirse a escenarios multitudinarios como el del Coca Cola Music Experience, consolidándose como una artista respetada y con identidad propia. Su crecimiento no ha sido fruto de una estrategia puntual, sino de un trabajo constante y una conexión real con su audiencia.

El videoclip de “Algo me falta” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en ese universo honesto y emocionalmente potente que Lucía de la Puerta ha construido con paciencia y autenticidad. Una pieza que no solo acompaña a la canción, sino que la completa y la eleva, demostrando una vez más que, cuando el arte nace de la verdad, encuentra siempre la manera de tocar a quien lo recibe.

El Dúo Monteros presenta “Vamos A Volver”, su nuevo sencillo y una propuesta cargada de romanticismo, intensidad y emoción que promete conquistar corazones desde el primer acorde. Se trata de una canción que narra la historia de un amor que, pese a las dificultades y la distancia, nunca deja de latir con fuerza, convirtiéndose en un himno para quienes han vivido la experiencia de una segunda oportunidad y creen en la posibilidad de reencontrarse.

La canción se despliega como un relato íntimo y apasionado. La letra, honesta y profunda, transmite ese deseo irresistible de volver a encontrarse, de apostar nuevamente por los sentimientos a pesar de los obstáculos, de creer que el amor verdadero siempre encuentra la manera de regresar. Cada verso respira esa mezcla de nostalgia y esperanza que acompaña a quienes han amado intensamente y se niegan a dar por terminada la historia. El estribillo, con su declaración central de “vamos a volver”, funciona como un mantra, como una promesa que se repite una y otra vez hasta hacerse realidad.

Musicalmente, el sencillo combina melodías envolventes con arreglos contemporáneos que resaltan la identidad sonora del Dúo Monteros. La producción, cuidada y actual, envuelve la interpretación vocal en una atmósfera cálida que permite que cada matiz, cada inflexión, llegue con claridad a quien escucha. La voz, llena de pasión y matices, logra conectar de manera directa con el público, convirtiendo la canción en una experiencia emocional completa. Hay en ella un equilibrio entre la tradición romántica y la frescura de los sonidos actuales que la hace accesible y profunda a la vez.

“Con ‘Vamos A Volver’ quisimos plasmar esa emoción intensa que se siente cuando el amor verdadero toca de nuevo la puerta. Es una canción que nace desde el corazón”, expresan los integrantes del dúo, subrayando esa conexión entre lo personal y lo artístico que caracteriza su propuesta. Porque en Monteros, la música no es solo un producto; es una forma de compartir experiencias, de tender puentes con quienes escuchan y de ofrecer un espacio donde las emociones puedan ser reconocidas y validadas.

El lanzamiento de “Vamos A Volver” supone un paso más en la trayectoria del dúo, que continúa consolidando su estilo con propuestas frescas, románticas y auténticas. Con este sencillo, Monteros reafirma su compromiso de crear música que inspire, emocione y acompañe a su audiencia en cada etapa de sus historias personales. Porque las canciones de amor, cuando son verdaderas, no entienden de modas ni de tendencias; simplemente están ahí, esperando a que alguien las necesite.

El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa historia de reencuentro y esperanza que el Dúo Monteros ha sabido contar con honestidad y sensibilidad. Una canción para quienes creen que el amor, cuando es real, siempre encuentra el camino de vuelta.