Con tan solo 19 años, el artista de Miami Simón Villamizar ha dado un golpe sobre la mesa con el lanzamiento de Cave, su primer single oficial y una poderosa carta de presentación que combina tradición y vanguardia de una forma tan sutil como impactante. La canción, escrita por el propio Simón y producida junto a los reconocidos Jona Camacho y Alfonso Ordóñez —con Simón también figurando como coproductor—, arranca en terrenos conocidos, pero pronto se transforma en algo mucho más oscuro, extraño y cautivador.

Lo que comienza como una balada clásica, desnuda y emocionalmente frágil, va ganando cuerpo poco a poco. Cave abre con una atmósfera íntima, casi susurrada, donde la voz de Simón se sostiene sobre una instrumentación mínima, creando un espacio vulnerable y honesto. Sin embargo, a medida que la canción avanza, la producción se expande y se vuelve más compleja, incorporando texturas electrónicas, tensiones cinematográficas y arreglos que envuelven al oyente en una experiencia sonora inmersiva.

Este cambio no es accidental. La transformación sonora de Cave refleja el mismo desmoronamiento emocional que plantea la letra, un relato que habla de fragilidad, pérdida y la inevitable confrontación con uno mismo. Es un equilibrio brillante entre lo clásico y lo contemporáneo, donde las emociones atemporales se visten con una producción moderna y arriesgada, capaz de mirar hacia el futuro sin olvidar sus raíces.

Con este primer lanzamiento, Simón Villamizar no solo demuestra una capacidad natural para narrar historias desde la honestidad, sino también un talento singular para manejar las atmósferas y las dinámicas de una canción, consiguiendo que cada giro y cada silencio tengan un propósito. Cave es, sin duda, un debut que se siente personal, ambicioso y difícil de ignorar.

El single ya está disponible en plataformas digitales y confirma a Simón como una de las voces jóvenes más prometedoras de la escena alternativa actual. Para conocer más sobre su música y próximos proyectos, se puede seguir al artista en sus redes sociales.

Elena Rose no se detiene. La cantautora venezolana-estadounidense acaba de estrenar Sintigo, una canción que confirma su capacidad para conectar con las emociones más profundas desde la pista de baile. Esta vez, la artista une fuerzas con el productor chileno Sistek y el DJ/productor Mazzarri para dar vida a un tema que respira verano, deseo y nostalgia desde su primer beat.

El estreno de Sintigo llega en medio de una semana intensa para Elena, quien tan solo horas antes se subió al escenario de los Premios Tu Música Urbano en Puerto Rico, donde fue nominada en tres categorías. Desde allí, la cantante celebró su nueva etapa artística con una canción que habla del vaivén emocional de esas relaciones que no terminan de romperse. Una conexión tan intensa que, aunque se sabe que debe soltarse, duele dejar atrás.

Con una mezcla impecable de pop latino y ritmos Afro house, Sintigo es sensual, vibrante y romántica. Un himno perfecto para los amores que no se explican, se sienten. Aquellos que llegan en forma de tormenta, que marcan y se quedan bailando en la memoria, aunque ya no estén. La canción se mueve entre beats que invitan al cuerpo a moverse y una letra que toca el alma, confirmando una vez más el talento de Elena Rose para construir historias que viven más allá de la música.

El lanzamiento viene acompañado de un videoclip grabado en un rooftop de la ciudad de Miami, donde Elena organizó una reunión sorpresa para celebrar la llegada de Sintigo. Lo que empezó como un atardecer entre amigos, copas en mano, buena vibra y música, terminó convirtiéndose en el escenario perfecto para capturar la esencia del tema: libertad, conexión y ese sentimiento de querer que la noche no se acabe.

Pero eso no es todo. Elena Rose también anunció las fechas de su gira de verano en España, donde se presentará en algunos de los festivales más importantes del país. El 17 de julio estará en Boombastic Festival Asturias, el 24 en Boombastic Costa del Sol, el 26 en Morriña Fest Galicia y el 30 en Concert Music Festival de Chiclana De La Frontera. Una oportunidad para ver en directo a una de las voces más influyentes de la música latina actual.

Con una carrera que la ha llevado de escribir éxitos para gigantes como Daddy Yankee, Rauw Alejandro, Becky G, Selena Gomez y Jennifer Lopez, a posicionarse como una de las artistas con mayor proyección en la escena pop urbana, Elena Rose sigue consolidando su lugar en la industria. En 2024, ha dejado su huella en festivales de referencia como Bésame Mucho, Pa'l Norte, Tecate Emblema, Sueños y Baja Beach Fest, y no parece tener intención de frenar.

Sintigo ya está disponible en plataformas digitales. Para más información sobre Elena Rose y sus próximos proyectos, puedes seguirla en sus redes sociales.

Carlos Rivera y Mafalda Cardenal presentan El Segundo Amor, una balada pop de alto voltaje emocional que une dos generaciones y dos formas de entender la música desde la sinceridad y la nostalgia. El tema, ya disponible en plataformas digitales, nace como un encuentro natural entre dos artistas que, aunque de contextos distintos, comparten una sensibilidad especial para contar historias que calan hondo.

Carlos Rivera, uno de los artistas más queridos y respetados de la música en español, continúa abriendo nuevas etapas en su carrera. Tras años de éxitos en la música y el teatro musical, el cantante de Huamantla suma una colaboración de lujo con Mafalda Cardenal, la joven artista alicantina que ha revolucionado el pop emocional en España y Latinoamérica gracias a su autenticidad y una conexión directa con su generación.

El Segundo Amor es una canción que aborda el desgarro de una despedida inesperada y la resignación de aceptar que, aunque el amor sigue presente, no siempre se puede retener a quien ya ha decidido marcharse. La letra, íntima y desgarradora desde su arranque —“Te llevaste la mejor parte de mí, se quedó empacada tu maleta”—, propone una reflexión sobre ese vacío que deja la persona que fue irremplazable. Ambos intérpretes se alternan en una conversación cantada que mezcla la experiencia de Rivera y la frescura de Cardenal, creando una química emotiva que atraviesa la canción.

La producción musical respeta la esencia desnuda de la letra, construida sobre una base de guitarras acústicas y arreglos sutiles que permiten que las voces sean las verdaderas protagonistas. La interpretación de Carlos Rivera aporta solidez, matices y calidez, mientras que Mafalda suma su voz frágil, cercana y genuina, dotando al tema de una dimensión generacional que conecta con todo aquel que ha sentido el peso de un adiós no deseado.

Este lanzamiento se produce en un gran momento para ambos artistas. Mafalda Cardenal, que este año ha publicado su primer álbum Mis notas de voz, se ha consolidado como una de las voces jóvenes con mayor proyección del pop en español, gracias a letras honestas que hablan de desamor, amistad y amor propio. Por su parte, Rivera continúa explorando nuevas colaboraciones que enriquecen su repertorio y le permiten seguir vigente entre públicos de distintas edades y países.

El videoclip oficial de El Segundo Amor, grabado en Ciudad de México, se estrenará en los próximos días. En él, ambos artistas interpretan la canción sobre el escenario vacío de un antiguo teatro, simbolizando ese “puesto vacío en el comedor” que menciona la letra y que tan bien representa la ausencia de un primer amor irremplazable.

Con El Segundo Amor, Carlos Rivera y Mafalda Cardenal demuestran que las historias sencillas y cotidianas pueden transformarse en canciones inolvidables cuando se cantan desde la verdad. El tema ya está disponible en todas las plataformas digitales, y para no perderse sus próximos lanzamientos y novedades, se puede seguir a ambos artistas a través de sus redes sociales.

Elena Vargas, una de las voces más auténticas y versátiles del flamenco contemporáneo, regresa con fuerza con el lanzamiento de su nuevo single Eso No Es Querer, una canción que mezcla la tradición andaluza con sonoridades urbanas y una letra cargada de valentía, desahogo y amor propio. El tema ya está disponible en plataformas digitales y marca un nuevo paso en la imparable carrera de la artista sevillana.

Desde su irrupción en 2019 como finalista de La Voz, donde brilló junto a Antonio Orozco y Karol G, Elena Vargas ha sabido construir un camino propio, combinando el respeto por las raíces flamencas con una visión moderna y arriesgada. Tras el éxito de su álbum TODO CONTIGO, que se mantuvo dos semanas en el Top Ventas y superó los 17 millones de reproducciones en plataformas digitales, la artista inicia una nueva etapa con este sencillo que anticipa un ambicioso proyecto de flamenco fusión trabajado junto a reconocidos productores de Miami.

Eso No Es Querer es una desgarradora carta de despedida que deja al descubierto el dolor de una relación marcada por la mentira, la traición y la hipocresía. Con frases como “yo te amé y tu amor fue de mentiras” o “prefiero estar sola que seguir aquí”, Elena transforma el desengaño en fortaleza, convirtiendo su voz en un grito de liberación. La canción fluye entre guitarras flamencas, percusión latina y una base urbana que acompaña a la perfección su interpretación visceral.

La producción, a cargo del equipo de INDELE MUSIC, combina el respeto por los códigos tradicionales del flamenco con una sonoridad contemporánea que acerca a Elena a territorios donde el flamenco y lo urbano dialogan con naturalidad. No es casual que la artista se encuentre trabajando actualmente en dos proyectos paralelos: uno junto a los mejores compositores y productores de Miami, y otro junto al equipo de Farruko y Melymel, explorando nuevas formas de fusionar los sonidos andaluces con las tendencias latinas.

Elena Vargas ha demostrado que no tiene miedo de romper moldes y Eso No Es Querer es una prueba más de ello. La canción no solo destaca por su potencia emocional, sino también por la honestidad de su letra, que refleja la lucha de muchas mujeres por recuperar su voz, su espacio y su dignidad tras una relación tóxica.

Disponible ya en todas las plataformas digitales, este nuevo tema confirma a Elena Vargas como una de las artistas más valientes y personales del panorama musical actual. Para seguir de cerca sus próximos lanzamientos y proyectos, puedes encontrarla en sus redes sociales, donde mantiene una conexión constante y cercana con sus seguidores, compartiendo tanto su música como momentos íntimos de su día a día.

Con Eso No Es Querer, Elena Vargas no solo firma una canción para desahogarse, sino un himno de amor propio que muchos corearán desde el alma.

El productor ATK Epop y la cantante Valeria C unen fuerzas en “No volveré a llorar”, un nuevo single que combina sensibilidad lírica con una producción electrónica sofisticada, consolidando a ambos artistas como referentes del pop emocional contemporáneo.

“No volveré a llorar” es una balada pop envolvente donde la dulce y firme voz de Valeria C se entrelaza con la producción detallista y elegante de ATK Epop. El resultado es una canción que transmite vulnerabilidad y empoderamiento a partes iguales, construida sobre una base electrónica que abraza cada verso con calidez y precisión.

Con una letra introspectiva y contundente, la canción traza el recorrido emocional de una persona que ha tocado fondo, pero que encuentra en la renuncia a la tristeza su punto de partida hacia la reconstrucción personal: "Pensé que te importaba / Pero me equivoqué / Tanto tiempo perdida / Tantas horas que ya se me fue..."

El estribillo, con su repetido “No volveré a llorar”, funciona como un mantra liberador que se graba en la memoria, acompañado de una producción que sabe mantenerse en un delicado equilibrio entre lo íntimo y lo épico.

Este lanzamiento marca otra colaboración entre ATK Epop y Valeria C, y promete ser uno de los temas destacados de la temporada. Disponible en todas las plataformas digitales a partir de hoy, “No volveré a llorar” es una invitación a cerrar ciclos con dignidad y a volver a empezar con fuerza.

La banda internacional de indie pop THE LOVELINES vuelve a la carga con el lanzamiento de su más reciente sencillo “Girl”, una canción que mantiene viva la esencia nostálgica y sofisticada de este proyecto formado por los hermanos Tessa y Todd, quienes desde sus respectivas ciudades, Berlín y Orlando, han logrado consolidar un sonido propio que conecta con públicos de diferentes rincones del mundo. Desde su primer éxito “Strange Kind Of Love” en 2021, la agrupación ha sabido conquistar a la audiencia indie con un estilo sencillo, honesto y repleto de matices emocionales.

“Girl” llega como una pieza delicada y envolvente, que continúa la línea sonora que ha caracterizado a THE LOVELINES desde sus inicios. Con la cálida y expresiva voz de Tessa al frente y la cuidada composición de Todd, grabada nuevamente en su estudio casero, el tema apuesta por una atmósfera suave y elegante que invita a sumergirse en sus melodías y dejarse llevar por su ritmo cadencioso. La canción ofrece una mezcla sutil de indie pop, dream pop y toques soul, que recuerda a las mejores producciones caseras que apuestan por la autenticidad antes que por la grandilocuencia.

El recorrido de THE LOVELINES ha sido discreto pero constante. Desde aquel primer single, grabado en un entorno completamente DIY, lograron alcanzar el #1 en las populares listas de Submithub y superar el millón de reproducciones en Spotify, consolidando una pequeña pero fiel comunidad de seguidores en la escena independiente. Con su anterior trabajo “Slow High”, lanzado en marzo de 2025, reafirmaron su capacidad para crear canciones memorables desde la intimidad de su espacio creativo.

Este nuevo lanzamiento, “Girl”, supone un paso más en su propuesta artística, ofreciendo una canción sencilla en apariencia, pero rica en matices emocionales y detalles sonoros que evidencian la complicidad musical entre los hermanos. THE LOVELINES siguen apostando por un indie pop sin artificios, donde lo que importa es la emoción y la cercanía.

“Girl” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a todos los amantes del indie y las buenas canciones a descubrir este nuevo capítulo en la historia de la banda. Para estar al tanto de sus próximos lanzamientos y conocer más sobre su trayectoria, se puede seguir a THE LOVELINES en sus redes sociales, donde comparten novedades, música y detalles de este proyecto hecho desde el corazón.

Una nueva voz irrumpe con potencia en el panorama musical internacional. Rosa Esmeralda, artista multidisciplinaria nacida en Miraflores, Guaviare, Colombia, presentó este 5 de junio su primer sencillo titulado “Nobody Else”, una canción que trasciende las etiquetas y que confirma la llegada de una artista destinada a dejar huella. Con raíces en el corazón del Amazonas y una carrera en pleno crecimiento desde Los Ángeles, Rosa Esmeralda fusiona la tradición ancestral con la energía vibrante del pop contemporáneo, creando una experiencia sonora que no solo se escucha, sino que se siente.

“Nobody Else” es mucho más que una canción de amor. Es una confesión íntima, un mensaje no enviado, una carta transformada en melodía que habla de la contradicción emocional de desear a alguien que no es bueno para uno. Entre la nostalgia y la fuerza liberadora, la letra navega el eterno conflicto entre corazón y razón, y celebra la valentía que se necesita para soltar. Sin embargo, lejos de quedarse en el dramatismo, Rosa Esmeralda envuelve esta historia en ritmos alegres, beats bailables y una producción que combina afrobeat, electro-soul y dance pop, logrando que la tristeza se pueda cantar… y también bailar.

El sencillo ha despertado gran expectativa en la industria. Voces especializadas y oyentes tempranos ya describen a Rosa Esmeralda como una “fuerza visionaria” capaz de transformar el sonido global con su propuesta sin etiquetas, donde el fuego de la selva amazónica se mezcla con la energía urbana y la sensibilidad pop. “Nobody Else” funciona como un ritual moderno de libertad, una celebración para todos los soñadores, y una declaración de identidad que mira al futuro sin renunciar a su raíz.

El impacto de Rosa Esmeralda no se limita a lo musical. Cantante, compositora, actriz y bailarina, su trabajo trasciende los escenarios y se convierte en un acto de comunión espiritual y artística. Cada interpretación suya es un llamado a conectar con la fuerza ancestral y a escribir nuevas historias posibles, sin miedo y sin fronteras.

“Nobody Else” ya está disponible en plataformas digitales para todos aquellos que deseen sumarse a esta experiencia sonora que promete marcar un antes y un después. Para conocer más sobre Rosa Esmeralda y no perderse ninguna de sus próximas creaciones y proyectos, se puede seguir a la artista en sus redes sociales, donde continúa compartiendo su fuego, su música y su mensaje de resiliencia y alegría.

El cantautor y productor español Juanjo Andújar continúa consolidando su renovada etapa musical con el lanzamiento de su nuevo sencillo “No voy a pedirte perdón”, una canción que reafirma su regreso a las letras en español y a una interpretación más personal, en la que el propio artista presta su voz para dar vida a sus historias. Tras años de éxito en la escena electrónica internacional y de colaborar con vocalistas en inglés dentro del EDM y el pop house, el músico almeriense afincado en Málaga ha decidido reconectar con sus raíces y hacerlo desde un pop latino directo, emotivo y honesto.

“No voy a pedirte perdón” es una declaración de dignidad y autoafirmación envuelta en una producción elegante y contemporánea. A través de su letra, Juanjo Andújar canta sobre el final de una relación marcada por el orgullo y los reproches, dejando claro que no siempre se debe ceder ni cargar con culpas ajenas. La canción tiene ese toque nostálgico propio de las baladas pop, pero con un ritmo que invita a moverse, logrando el equilibrio perfecto entre emoción y energía.

Este nuevo single representa, además, un paso firme en el nuevo camino que Juanjo inició con su anterior tema “Dibujar Con Sueños”, con el que sorprendió al público abandonando el inglés y el EDM para adentrarse de lleno en el pop latino. En esta etapa, no solo ha cambiado de idioma, sino que también ha asumido el reto de interpretar él mismo sus composiciones, logrando un sonido más íntimo y auténtico que conecta de forma directa con sus oyentes.

Con una trayectoria que lo ha llevado a figurar en el TOP 100 de ventas digitales, alcanzar el TOP 10 de Beatport y conquistar el número uno en Traxsource, además de recibir el premio a la Mejor Composición de Música Dance en los PREMIOS LATINO 2019, Juanjo Andújar demuestra que su talento trasciende géneros y épocas. Su capacidad para reinventarse y mantenerse fiel a su esencia es precisamente lo que lo mantiene vigente en una industria tan cambiante.

“No voy a pedirte perdón” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a los seguidores de Juanjo Andújar y a todos los amantes de las buenas canciones pop a descubrir esta nueva faceta artística. Para conocer más sobre su música, próximos lanzamientos y proyectos en camino, se puede seguir al artista en sus redes sociales, donde continúa compartiendo los detalles de esta emocionante etapa en su carrera.

La frescura tropical y la energía emotiva de Catalina Zaya vuelven a brillar en su más reciente lanzamiento, “Suéltame Ya”, una canción que abraza los ritmos latinos mientras relata el cierre definitivo de una relación rota. La artista, fiel a su estilo de combinar beats vibrantes con letras cargadas de emoción, presenta un tema que invita a soltar el pasado y mirar hacia adelante con determinación.

“Suéltame Ya” es una declaración clara y sin rodeos. Desde su primer verso, Catalina canta con firmeza sobre un amor que se ha apagado y la necesidad de liberarse de los vínculos que ya no aportan luz. La canción transita entre melodías tropicales y toques pop latinos, enmarcando una historia de ruptura con un ambiente cálido que, en lugar de ser sombrío, celebra la valentía de cerrar ciclos.

Con un coro contagioso que repite “Oh-oh, suéltame ya, ya no soy tuya, no soy más”, la artista convierte el desamor en un canto de libertad. La canción mantiene su esencia vibrante y cercana, como es característico en la propuesta de Catalina Zaya, pensada para escucharse mientras cae la tarde en la playa, en un atardecer que simboliza los finales y los nuevos comienzos.

Cada verso de “Suéltame Ya” mantiene el espíritu de Catalina: música hecha para bailar, compartir, sanar y sentir. Este nuevo sencillo refuerza su compromiso de crear momentos de alegría y conexión a través de sus canciones, dejando claro que incluso las despedidas pueden bailarse bajo un cielo anaranjado y el vaivén del mar.

“Suéltame Ya” ya se encuentra disponible en plataformas digitales, donde los seguidores de Catalina podrán disfrutar de este himno liberador. Para no perderse ninguna de sus próximas canciones y novedades, la artista invita a todos a seguirla en sus redes sociales, donde seguirá compartiendo música, alegría y esa dosis de amor tropical que la caracteriza.

Alanra, el joven cantautor originario de Hermosillo, Sonora, continúa trazando un camino ascendente en la escena musical mexicana con el lanzamiento de su nuevo sencillo “ser de Luz”. Esta canción, estrenada el pasado 22 de mayo, no solo confirma su capacidad para transmitir emociones profundas desde la honestidad, sino que también llega acompañada de un hito importante en su carrera: su participación como artista invitado en dos fechas de la gira “HAASHVILLE” de Ha*Ash, nada menos que en el Auditorio Nacional de Ciudad de México.

A sus 22 años, Alan Ramírez —conocido artísticamente como Alanra— ha capturado la atención del público con composiciones que nacen desde lo íntimo. “ser de Luz” es un claro ejemplo de ello: una reflexión a corazón abierto sobre los amores que, aunque verdaderos, no sobreviven al tiempo ni a las circunstancias. La canción habla del dolor de separarse de alguien a quien se sigue amando, del intento por entender la ruptura y del proceso de soltar con cariño, aunque duela.

Versos como “Tú me enseñaste a amar, tú eres un ser de luz” y “Pero nuestros caminos ya no coinciden, no sé por qué la vida nos divide” condensan una mezcla de gratitud, nostalgia y aceptación que atraviesa toda la canción. El resultado es una pieza honesta y conmovedora, que muchos oyentes podrán sentir como propia.

En lo sonoro, Alanra apuesta por un paisaje musical que fusiona el indie folk con raíces mexicanas. El bajo quinto y el tololoche aportan una calidez orgánica que se entrelaza con guitarras acústicas y eléctricas, creando una atmósfera serena y melancólica que acompaña perfectamente la carga emocional del tema. El cuidado en la producción y la sencillez en los arreglos dan espacio a que la letra respire y conecte.

El estreno de “ser de Luz” marca también un momento muy especial en su carrera, ya que Ha*Ash lo ha invitado oficialmente a abrir dos de los conciertos más esperados de su gira “HAASHVILLE” en México:

12 de junio – Auditorio Nacional – CDMX
13 de junio – Auditorio Nacional – CDMX

Esta invitación surge después de que Alanra realizara un cover del dúo que rápidamente se viralizó entre los seguidores de Ha*Ash. La interpretación, llena de sensibilidad, llegó hasta Hanna y Ashley, quienes no dudaron en reconocer su talento y darle la oportunidad de compartir escenario en uno de los recintos más emblemáticos del país.

Cantar en el Auditorio Nacional representa no solo un paso gigante para Alanra como artista emergente, sino también una validación a su trabajo constante y a su compromiso con la autenticidad. El hecho de presentar su música frente a miles de personas en un espacio de tanta relevancia marca el inicio de una nueva etapa en su desarrollo artístico.

Alanra ha construido su propuesta musical desde las raíces. Nacido y criado en un entorno familiar que siempre apoyó su sensibilidad artística, desde pequeño encontró en la música un refugio y una forma de expresión. Con cada canción, transforma vivencias personales en historias que pueden acompañar a otros, y ese ha sido siempre su motor: conectar desde lo real.

“ser de Luz” ya está disponible en plataformas digitales. Para más información sobre Alanra, sus próximos lanzamientos y presentaciones, se puede seguir su día a día en sus redes sociales, donde comparte tanto su música como su proceso creativo con una comunidad cada vez más amplia.

Este 2024, Alanra no solo lanza nueva música. Da un paso firme hacia su consolidación, demostrando que la sensibilidad, cuando se abraza y se convierte en arte, puede iluminar el camino de quienes lo escuchan.

Carmen Medina ha decidido dar un golpe sobre la mesa y mostrar una nueva cara de su arte con “Noviembre”, su más reciente single, que llega como un manifiesto de reafirmación personal y madurez creativa. La artista ciudadrealeña, conocida por su capacidad para desnudar emociones a través de letras viscerales y directas, presenta en esta canción un canto al cierre de ciclos, a la aceptación de las heridas y a la valentía de empezar de nuevo.

Con la producción de Daniel Cantero, “Noviembre” refleja ese punto de inflexión que toda carrera artística necesita. Carmen Medina se desmarca de su etapa anterior y se lanza de lleno a una sonoridad que bebe del pop-rock emocional de principios de siglo, con guiños a los referentes de aquella época pero actualizada con delicadas pinceladas indie. El resultado es un tema vibrante, nostálgico y luminoso a partes iguales, que logra atrapar desde la primera escucha gracias a su autenticidad y su impecable interpretación vocal.

La letra de “Noviembre” nace desde la experiencia personal de la artista, como ella misma reconoce: “Con el tiempo te das cuenta que quizá la persona que tenías al lado no era la indicada. Dejas de verte perdedor y empiezas a ver que en realidad has ganado. Empieza de nuevo, pisa firme y deja claro quién eres, siendo tú en todo momento”. Esa declaración de intenciones queda plasmada en versos como “Ahora sé que fue ganar y no perder, descubriendo lo que un día no supe ver”, convirtiendo la canción en un himno íntimo para quienes han aprendido a transformar la decepción en fuerza.

Musicalmente, Carmen Medina mantiene su esencia de cantautora honesta, pero se permite explorar matices sonoros que enriquecen su propuesta, marcando el inicio de una etapa en la que la inquietud y las ganas de experimentar la llevan a nuevos territorios. “Noviembre” no solo es una canción sobre desamor, sino sobre la victoria silenciosa de quien se reencuentra consigo mismo después de haber tocado fondo.

El single ya está disponible en plataformas digitales, consolidando a Carmen Medina como una voz que no tiene miedo de evolucionar y que sabe conectar con quienes buscan canciones que hablen de la vida sin adornos. Para seguir de cerca sus próximos lanzamientos y conocer más sobre su universo creativo, se puede seguir su actividad en sus redes sociales.

Elara Vérité continúa expandiendo su universo emocional con el lanzamiento de "Como Cristal", su nuevo single que se presenta como una de las piezas más vulnerables y conmovedoras de su carrera. Tras irrumpir en 2024 con una trilogía de álbumes, Sin Apuesta, Villana y Renacer, que narran una historia de amor, traición y redescubrimiento, la artista vuelve a tocar la fibra más íntima de su audiencia con una balada pop que transforma el desgarro en arte.

En "Como Cristal", Elara dibuja con delicadeza y crudeza el momento en que una relación se rompe de forma irremediable. “Mi corazón se rompe como vidrio en el suelo, mil pedazos de lo que fuimos cayendo sin consuelo”, canta en uno de los versos más poderosos de la canción, resumiendo en una sola imagen la devastación emocional que recorre todo el tema. A través de una letra que refleja fragilidad y determinación al mismo tiempo, la artista ofrece un relato de despedida dolorosa, donde las mentiras y promesas vacías quedan atrás para abrir paso a una lenta y necesaria reconstrucción personal.

Musicalmente, "Como Cristal" mantiene esa mezcla envolvente que caracteriza a Elara Vérité, combinando pop latino de atmósfera nostálgica con arreglos modernos y delicados que subrayan la emotividad de cada palabra. La canción se suma al repertorio de una artista que ha sabido transitar desde baladas desgarradoras hasta beats irresistibles de reggaetón, sin perder su identidad emocional ni su capacidad para contar historias que resuenan con quien las escucha.

El personaje de Elara Vérité nació como un alter ego artístico en 2024, marcando desde sus inicios una narrativa conceptual que ha conectado con un público que busca algo más que canciones pasajeras. Sus álbumes Sin Apuesta, Villana y Renacer no solo fueron un despliegue de versatilidad sonora, sino también capítulos de una historia de autoconocimiento y renacimiento, en la que cada canción ocupa un lugar imprescindible. "Como Cristal" se presenta ahora como un nuevo capítulo independiente que, sin romper ese hilo narrativo, refleja la crudeza de las despedidas y la fortaleza de seguir adelante, aunque sea desde las cenizas.

El single ya está disponible en plataformas digitales, y su llegada confirma que Elara Vérité no es solo una artista, sino una narradora de emociones al límite. Para estar al tanto de sus próximos lanzamientos y conocer más sobre su mundo sonoro, se puede seguir su actividad en sus redes sociales.

La banda asturiana Baja California regresa con fuerza con su nuevo single "Mil mañanas", una canción que se convierte en un mensaje directo para quienes atraviesan momentos de desesperanza y oscuridad. Este tema es un abrazo sonoro para quienes sienten que la noche se alarga demasiado y que la esperanza amenaza con romperse como una fina capa de hielo bajo el peso de todo. Una invitación a resistir, a seguir respirando y a confiar en que volveremos a ver el sol.

Con la voz de Manu Roz al frente y el respaldo de Javi Monge e “Iron” Galindo en las guitarras, Javi Hernández en el bajo y Marco Guardado a la batería, Baja California demuestra una vez más su capacidad para combinar potencia y sensibilidad en una misma canción. "Mil mañanas" mantiene el pulso del hard rock que caracteriza a la banda, pero abre espacio para una letra emotiva, íntima y cercana que conecta con cualquiera que haya sentido alguna vez el peso del miedo y la incertidumbre.

La canción, que forma parte del próximo trabajo discográfico de la banda titulado Electricidad, presenta una estructura cargada de energía y emoción contenida. Desde los primeros versos, Mándame una señal / para llegar a donde estés / aunque el frío no te deje hablar, la banda asturiana construye un relato de superación en medio del dolor, recordando que siempre hay un lugar a mil mañanas desde aquí, donde la luz esconde todos los sueños por cumplir.

Desde sus inicios, Baja California ha sido una referencia en la escena nacional de hard rock, compartiendo cartel con leyendas como Kutxi Romero, Barón Rojo, Uzzhuaïa, Avalanch, Saratoga o Kissin' Dynamite, y contando con colaboraciones destacadas como la de Pablo García (Warcry) en sus anteriores trabajos. Ahora, inmersos en la promoción de Electricidad, el grupo se reafirma como una máquina de escenario y una banda que no deja indiferente a nadie, capaz de mezclar potencia, crudeza y un mensaje humano y directo en sus composiciones.

"Mil mañanas" ya está disponible en plataformas digitales, y promete convertirse en uno de los himnos más personales de la banda, un tema para escucharlo en alto o en silencio, cuando más se necesita. Para conocer más sobre Baja California y sus próximos proyectos, se puede seguir su actividad en sus redes sociales.

El Festival Cruïlla ha anunciado hoy los horarios de la edición de este año, que tendrá lugar del 10 al 13 de julio. A lo largo de estos cuatro días, el Parc del Fòrum vibrará al ritmo de un cartel musical que incluye nombres como Gracie Abrams, Sex Pistols feat. Frank Carter, Alanis Morissette, Thirty Seconds to Mars, Love of Lesbian, Texas, Ben Harper & the Innocent Criminals y muchos más.

Cruïlla ha confirmado también que contará un año más con cuatro grandes escenarios dedicados a la música: Estrella Damm, Occident, Vueling y Vichy Catalan, además del escenario Vallformosa, donde tendrá lugar una nueva edición del Cruïlla Comèdia con grandes cómicos locales e internacionales, y algunos conciertos como los de Quimi Portet o Fillas de Cassandra. También estará el escenario Cruïlla Dansa Bonpreu Esclat, que ofrecerá una propuesta centrada en la danza.

El festival arrancará el 9 de julio con la ya habitual noche dedicada al público más joven, en la que Gracie Abrams será la gran protagonista. La cantautora compartirá jornada con otros grandes nombres del panorama internacional, como la noruega girl in red con su pop alternativo, Samuraï, que presentará su álbum debut El Silencio del Ruido, o el mexicano NSQK con su propuesta urbana alternativa revolucionaria. También habrá una fuerte presencia de la nueva hornada de artistas catalanes con una prometedora trayectoria, como Gavina.mp3, Lia Kali o Maria Hein.

La segunda noche del festival, el jueves 10 de julio, será el reflejo más claro de que el Cruïlla está de celebración. Una noche de homenaje que repasará la esencia de los 15 años de historia del festival y que contará con artistas muy representativos de su trayectoria, empezando por la mítica banda The Sex Pistols feat. Frank Carter. La luz, la pasión y el carisma llegarán de la mano de Mr.Kilombo y Fermín Muguruza, que aportarán el toque más reggae y dub con influencias de la música latina y mestiza. El ADN más brasileño vendrá con Seu Jorge, que ofrecerá su cóctel de bossa nova, sonidos tradicionales brasileños y samba. La propuesta más electrónica y vanguardista la pondrá Annie Clark, conocida artísticamente como St. Vincent, quien se ha ganado un gran reconocimiento en la escena musical contemporánea y acaba de ganar tres nuevos premios Grammy este pasado domingo. Actitudes rebeldes, provocadoras, inconformistas y una fusión entre raíces e innovación convertirán la segunda noche del Cruïlla 2025 en una velada de esencia ecléctica 100% Cruïlla.

El fin de semana traerá de vuelta las guitarras a los escenarios del Festival Cruïlla. El pop, el rock y la fusión entre géneros diversos serán los grandes protagonistas del viernes y sábado en el Parc del Fòrum, con una programación muy fiel a la esencia del Cruïlla de los últimos años. Además, el festival celebrará su 15.º aniversario con un homenaje inédito a Love of Lesbian, convirtiendo a la banda en el eje central de su programación con dos actuaciones distintas el viernes y el sábado.

El viernes 11 de julio será el turno de grandes nombres internacionales como Thirty Seconds to Mars, la banda de los hermanos Leto; Africa Express, el proyecto fundado por Damon Albarn, que actuará por primera vez en Barcelona con un concierto exclusivo en España; la banda escocesa Texas, liderada por Sharleen Spiteri, que repasará más de 30 años de carrera; y Crystal Fighters, con su energía inconfundible. También destacarán sonidos únicos como los de Ben Harper, que regresa 15 años después de participar en la primera edición del Cruïlla en Barcelona, y Leon Bridges, que presentará su nuevo proyecto Leon, una fusión de soul tradicional con elementos contemporáneos.

El sábado 12 de julio, el Cruïlla recibirá a la icónica Alanis Morissette, una de las figuras más influyentes de la música contemporánea gracias a sus letras potentes y su autenticidad inconfundible. Esa noche también actuará una de las bandas más destacadas del indie rock británico, Kaiser Chiefs, así como Viva Suecia, referentes del indie estatal con su potencia melódica y guitarrera. También formarán parte del cartel Hermanos Gutiérrez, el dúo de hermanos Alejandro y Estevan Gutiérrez, que ofrecerán sus paisajes sonoros exuberantes con mística latina. León Benavente, el visceral cuarteto de rock con toques electrónicos, y Pau Vallvé, que presentará su nuevo disco Agorafília, también estarán presentes. Todos ellos, grandes artistas con trayectorias brillantes que han sabido mantenerse en la vanguardia sin perder su esencia, serán los encargados de cerrar el festival con una despedida que, sin duda, será inolvidable.

Estos son solo algunos de los nombres que se subirán a los escenarios del Parc del Fòrum durante el festival, pero no serán los únicos. También se podrá disfrutar de mucha más música con las actuaciones de Alcalá Norte, Remei de Ca La Fresca, Elyella, Sandra Monfort, Maria Jaume y muchos más, cuyos detalles están disponibles en la página web oficial del festival.

Las entradas ya están a la venta en cruillabarcelona.com y seetickets.com

Artículo de Eva Ladevesa (twitter.com/miviajemusical) para ElFiesta.es

La banda madrileña Malos Trapos vuelve a la carga con «Intoxicado», el séptimo adelanto de su próximo disco, un álbum que verá la luz de forma inminente y que promete consolidar el carácter irreverente y sentimental que ha definido al grupo desde sus inicios. En esta ocasión, la formación apuesta por una canción cargada de rock latino y un espíritu romántico que destila honestidad y deja entrever la madurez artística que han ido cultivando a lo largo de los años.

La producción de «Intoxicado» ha corrido a cargo de Víctor Saiz, uno de los nombres más reconocidos del underground madrileño, quien ha sabido captar la esencia cruda y emotiva de la banda en este nuevo corte. El tema fue grabado en los California Studios, situados en plena sierra de Madrid, un entorno que ha contribuido a impregnar de autenticidad y carácter las atmósferas sonoras del single.

Como ya es costumbre en el universo de Malos Trapos, el videoclip de la canción se aleja de las grandes producciones para apostar por una propuesta cercana y personal. Realizado íntegramente con un teléfono móvil durante la grabación de la canción y con imágenes de archivo recopiladas a lo largo de su trayectoria, el vídeo funciona como un homenaje a la historia del grupo y a la conexión sincera con su público.

Formados en Madrid en 2010, Malos Trapos debutaron discográficamente en 2020 con su primer álbum homónimo, tras haber editado previamente dos maxi singles. Desde 2023, la banda se encuentra inmersa en la publicación de una serie de singles que culminarán con su esperado segundo disco en 2025. Cada lanzamiento ha servido para ir desvelando las distintas caras de su sonido, consolidando una identidad musical que bebe del rock clásico, las raíces latinas y una sensibilidad urbana que conecta con varias generaciones.

«Intoxicado» ya está disponible en plataformas digitales y supone una nueva muestra del momento dulce que vive la banda, decidida a mantenerse fiel a su estilo sin renunciar a explorar nuevas formas de contar historias a través de su música. Para más información sobre Malos Trapos y sus futuros proyectos, se puede seguir su actividad en sus redes sociales.

Myke Towers no afloja el paso. Después de coronarse como el artista más escuchado del año en España y de arrancar una gira europea con todo vendido, el puertorriqueño vuelve a encontrarse con Quevedo para soltar “Soleao”, un tema que nace desde el origen, desde la orilla, y que conecta con ese lenguaje no escrito que solo entienden quienes saben lo que se cuece cuando baja el sol en la playa.

Lejos de las fórmulas prefabricadas, “Soleao” es una canción que no pretende seguir tendencias sino marcar una vibra global desde una verdad compartida: el mar como punto de partida y de encuentro. Un golpe de calor a medianoche, con percusiones que acarician, un beat costero sin cliché y dos versos que no buscan entrar en los algoritmos sino en la memoria de quienes saben moverse al ritmo de la calle y de las olas.

Este nuevo cruce entre Towers y Quevedo no es casualidad ni nostalgia. Es una declaración de intenciones. Porque ambos artistas comparten raíces insulares —Puerto Rico y Gran Canaria— y una manera de entender la música que trasciende etiquetas. Lo de ellos va de identidad, de barrio, de noches sin hora de regreso. Y así lo demuestran en un tema pegajoso y magnético, que se desliza entre la crudeza del Caribe y la brisa urbana sin disfraz.

La gira europea de Myke, que ya ha colgado el cartel de sold out en ciudades como Barcelona, Pamplona y Valencia, confirma su momento de dominio creativo total. El artista ha dejado claro este año que sus lanzamientos no responden a ciclos de consumo, sino a una visión que sabe cuándo y cómo golpear. Desde su inclusión como único artista latino en la banda sonora oficial de la película F1 protagonizada por Brad Pitt, hasta su reciente remix junto a Tiësto y sus colaboraciones con pesos pesados como Bad Bunny, Daddy Yankee y Benny Blanco, Towers está jugando en su propia liga.

“Soleao” además anticipa el tono de lo que viene en esta nueva etapa de Myke. Colaboraciones inesperadas, esencia cruda y una conexión honesta con los sonidos que le vieron nacer. Lejos del estereotipo tropicaloide, el tema evoca el verdadero espíritu del Caribe urbano, el que entiende que el ritmo no está en el decorado sino en la sangre.

Por su parte, Quevedo continúa demostrando por qué se ha convertido en una de las voces imprescindibles del urbano en español. Desde Europa ha sabido romper moldes y construir una identidad propia que no se doblega ante modas. Su aporte en “Soleao” reafirma esa capacidad de hacer suya cualquier pista, manteniendo ese equilibrio entre lo popular y lo personal.

“Soleao” ya está disponible en plataformas digitales y promete sonar fuerte en todas esas madrugadas que terminan viendo amanecer. Porque algunas canciones no se escuchan, se viven.

La artista jerezana Saray Jiménez continúa consolidando su lugar como una de las voces más auténticas y emocionales del flamenco pop contemporáneo con el lanzamiento de su nuevo single “Soledad”. Esta canción, intensa y cargada de sentimiento, vuelve a dejar claro por qué su fusión de flamenco con sonoridades urbanas la han convertido en una figura imprescindible dentro del género.

Con más de 20 años de trayectoria en el mundo de la música, Saray ha sabido construir una carrera sólida y coherente, siempre fiel a sus raíces y a su manera de entender el arte. Desde su debut como solista en 2019 con “Reggaetón Flamenco”, ha explorado distintas facetas de su sonido, llevándolo a un terreno personal donde la garra flamenca se encuentra con los matices del pop urbano actual. Éxitos como “Una Bachata”, junto a Manuel González (ex Rebujitos), ya certificado Disco de Oro y a punto de ser Disco de Platino, y su colaboración con Galvan Real en “Tu Cara”, que roza también ese reconocimiento, la han consolidado como una artista con una conexión especial con su público.

“Soledad” llega ahora como un nuevo capítulo en su carrera, una canción escrita por Óscar Espinosa Castillo y producida por Joaquín Garzón, donde la voz de Saray se desgarra sobre una letra que habla de amores que se consumen, de soledades compartidas y de sentimientos que arden poco a poco si no se cuidan. Es una pieza que combina la tradición lírica del flamenco con una producción contemporánea, sin perder la esencia emocional que caracteriza a la artista.

La letra, sincera y sin artificios, plasma el dolor de una relación que se desgasta entre la incomprensión y el deseo de mantenerse unidos, pese a que la soledad termina siendo el único refugio compartido. “Voy acompañado de tu mano aquí en mi soledad” se convierte en un verso que resume el espíritu de una canción nacida para emocionar y conectar.

Saray Jiménez ha compartido escenarios con nombres imprescindibles como Galvan Real, Demarco Flamenco, Maki, Fernando Caro o María Artés, y ha actuado en más de 500 escenarios a lo largo de su carrera. Su carisma, autenticidad y capacidad para emocionar la han convertido en una artista querida y respetada, capaz de mantenerse vigente y en constante evolución.

“Soledad” ya está disponible en plataformas digitales, y promete convertirse en uno de los temas más destacados de este año para los amantes del flamenco pop y las historias que llegan directas al alma. Para descubrir más sobre su música y no perderse ninguna de sus próximas novedades, puedes seguir a Saray Jiménez en sus redes sociales.

La artista emergente CARO CAXI presenta “De Mi Mama”, su segundo single como intérprete, una propuesta fresca que combina sonidos de trap con instrumentos tradicionales de la música india. 

“De Mi Mama” es una canción que destaca por su energía, su fusión de estilos y una letra que celebra la herencia familiar, la fuerza femenina y el empoderamiento personal.

El tema fue compuesto y grabado en el piso de CARO en Madrid, de manera espontánea “Grabamos con el micrófono dentro del armario para conseguir una mejor acústica”, explica la artista. Las grabaciones iniciales capturaron una emoción tan auténtica que terminaron siendo las definitivas “Para mí, siempre hay un elemento mágico en las primeras tomas vocales, así que decidimos usar esas grabaciones”, añade CARO. 

Posteriormente, se sumaron las guitarras, interpretadas por Alexander Monteleón y grabadas en Blanco Studios en Londres, el espacio creativo personal de la artista. Además, el tema ha sido producido por Diztortion conocido por sus trabajos junto a Sean Paul y Becky G,  y mezclado y masterizado por Mixed By Chopz, quienes han logrado mantener la frescura de las tomas originales a la vez que elevar la calidad del sonido.

Este lanzamiento da continuidad al impacto generado por su sencillo debut, “Click”, que superó los 5 millones de reproducciones en redes sociales y marca el inicio de su nueva etapa artística. 

Caroline Alvares, conocida artísticamente como CARO CAXI, es una artista y compositora con una sólida trayectoria como autora de éxitos para grandes artistas como J Balvin, Lola Indigo, Yendry y Ptazeta. Nacida en el sur de Londres y con ascendencia española e india, CARO creció escuchando a artistas como Shakira, Daddy Yankee y Missy Elliot, influencias que marcaron profundamente su estilo musical.

Con una perspectiva cultural única, nutrida por las raíces de sus padres y un instinto natural para fusionar sonidos, CARO ha desarrollado una identidad sonora que mezcla ritmos latinos, pop urbano y electrónica de manera orgánica y auténtica.

En abril de 2025, da el salto con su primer sencillo  “Click”, un tema que refleja su visión artística, su potente voz y su capacidad de conectar emocionalmente con el público. “Click” marca el inicio de una nueva etapa en su carrera, donde su versatilidad y frescura la posicionan como una de las promesas más emocionantes del panorama musical actual.

El artista cubano Ariel de Cuba presenta su más reciente sencillo “DE PINGA”, una propuesta musical cargada de energía, autenticidad y puro flow caribeño. Con este tema, Ariel transforma una expresión profundamente cubana en un fenómeno musical.

Con una fusión impecable entre el ritmo urbano y la esencia callejera de La Habana, Ariel de Cuba no solo lanza un sencillo, lanza una declaración sonora. “DE PINGA” es un tema que respira autenticidad, con una producción cuidada al detalle que mezcla sintetizadores modernos, tambores caribeños y una cadencia que incita al movimiento desde el primer compás.

“Todo cubano, desde el más fino hasta el más calle, ha dicho esta palabra alguna vez”, comenta Ariel, dejando claro el arraigo de la expresión en el habla cotidiana de los cubanos.

El videoclip, realizado con inteligencia artificial lleva una mirada contemporánea y un enfoque visual atractivo, refuerza el mensaje de la canción con paisajes urbanos llenos de color y guiños visuales a la cultura callejera cubana. Cada toma está cargada de movimiento, estilo y carisma, logrando una experiencia audiovisual tan intensa como el propio beat.

Esta jerga del vocablo cubano ha traspasado fronteras y se ha vuelto un emblema auténtico, no sólo de la comunidad cubana sino ya del mundo.

 “DE PINGA” promete convertirse en un nuevo sencillo favorito en las plataformas digitales y las radios latinas, disponible ya está disponible en todas las plataformas de streaming.

Sigue a Ariel de Cuba en sus redes sociales para estar al día de sus novedades.

La escena de la nueva canción francesa recibe con entusiasmo a JUDY, una artista originaria de Saint-Raphaël, en la región de Var, que acaba de presentar su primer single “Mon Étoile”. Se trata de una delicada y poderosa pieza de pop-rock en francés que, con honestidad y sensibilidad, aborda la fuerza invisible de un lazo eterno entre dos almas gemelas. Es una canción que habla de amor, pérdida y esperanza, envuelta en una producción moderna y una interpretación vocal profundamente emotiva.

JUDY ha crecido artísticamente sobre los escenarios de su tierra natal, forjando su voz y presencia escénica como miembro de un grupo local, hasta dar este gran paso en solitario. Su propuesta se sitúa en la encrucijada entre el pop francés y el rock melódico, combinando delicadeza, intensidad y una dimensión muy humana que conecta directamente con el corazón del oyente. En su universo musical se entremezclan emociones crudas y una elegancia sonora con tintes electro que deja huella.

“Mon Étoile”, escrito por Sébastien Michel y compuesto por Rémy Bailet, narra una historia universal y a la vez íntima. La canción evoca la presencia constante de alguien que, aun ausente físicamente, sigue velando desde algún lugar invisible. La voz luminosa y sincera de JUDY lleva el peso emocional del tema con una interpretación que se mueve entre la ternura y la intensidad, creando un paisaje sonoro que es a la vez íntimo y cinematográfico.

Con este single, JUDY deja clara su intención de convertirse en una voz propia dentro de la nueva generación de pop francés. Actualmente trabaja en su primer EP, que continuará explorando esta misma línea de pop-electro emocional y elegante, donde las letras profundas y la producción contemporánea se combinan para ofrecer una experiencia musical vibrante y conmovedora.

“Mon Étoile” ya se encuentra disponible en plataformas digitales, y marca el inicio de una prometedora carrera para esta artista que canta con el alma y escribe para los que sienten. Para conocer más sobre su música y estar al día de sus próximos lanzamientos, puedes seguir a JUDY en sus redes sociales.