El Fulanita Fest de Fuengirola, consolidado como el gran epicentro europeo de la visibilidad LGTBI+ femenina, continúa elevando el nivel de su edición 2026 con la confirmación de VIOLETA como una de las grandes protagonistas de su jornada central, el sábado 30 de mayo, en el escenario de Marenostrum. La artista se incorpora así a un cartel de alto voltaje junto a Fangoria y Chanel, en un evento frente al mar que se ha convertido en punto de encuentro imprescindible para miles de mujeres LBT procedentes de todo el mundo.

Con esta incorporación, el Fulanita Fest, que se celebrará del 25 al 31 de mayo, refuerza su identidad como festival referente no solo en el ámbito musical, sino también como espacio de reivindicación, celebración colectiva y empoderamiento femenino. La llegada de VIOLETA al cartel simboliza el diálogo entre nuevas generaciones de creadoras y un público fiel que encuentra en el festival un lugar seguro, diverso y profundamente conectado con la cultura contemporánea.

VIOLETA, nacida en Motril (Granada) y recientemente licenciada en Periodismo y Publicidad, representa una nueva estirpe de artistas que conciben la música como una búsqueda constante, estética y emocional. Su trayectoria está marcada por la perseverancia, la autoexigencia y una ambición creativa que la ha situado como una de las figuras emergentes más carismáticas del nuevo pop español, especialmente dentro del fandom LGTBI+. Su primer álbum, titulado “VIOLETA”, se presenta como una cuidada ópera pop moderna inspirada en “La Traviata” de Giuseppe Verdi, donde las canciones transitan entre el deseo, el amor incondicional y la fragilidad emocional, construyendo un universo propio de gran sofisticación artística.

La propuesta de VIOLETA bebe tanto de referentes clásicos como de iconos contemporáneos. En su imaginario conviven la implicación social y la profundidad emocional de Nina Simone con la ambición escénica, el impacto visual y la narrativa de grandes figuras del pop global como Beyoncé. Su presencia en el escenario de Marenostrum, con el mar Mediterráneo como telón de fondo, adquiere así una dimensión especial, reforzando el carácter cultural, simbólico y militante del Fulanita Fest como espacio de representación y visibilidad lésbica a gran escala.

Más allá de los conciertos, el Fulanita Fest se articula como una experiencia completa que se extiende durante toda una semana y que trasciende lo estrictamente musical. Bajo el paraguas de la llamada “Fulanita Experience”, el festival propone una amplia agenda de actividades culturales, deportivas y de ocio pensadas para fomentar la convivencia y la diversidad. Entre ellas destacan el Ciclo de Cine LBT, jornadas deportivas de fútbol, vóley y baloncesto femenino, así como el espacio “Fulanita Fest en Familia”, diseñado específicamente para acoger a familias diversas y reforzar la idea de comunidad intergeneracional.

La programación musical comenzará el jueves 28 de mayo con la Muestra de Artistas Andaluzas, un evento gratuito que tendrá lugar en el Puerto Deportivo y que sirve como escaparate para el talento femenino local. El viernes 29 de mayo, el Castillo Sohail acogerá la tradicional Fiesta de Bienvenida, con actuaciones en directo de Aiko, representante de Chequia en Eurovisión 2024, y de la jerezana Laura Gallego, que presentará un DJ set de electrónica, además de las sesiones de Lunnas DJ, Cori Matius DJ, Mery Martín DJ y Adame DJ.

El sábado 30 de mayo llegará el plato fuerte del festival en Marenostrum, con un cartel encabezado por Fangoria, auténticos arquitectos del electropop español, la vanguardia sonora y el magnetismo escénico de Chanel, y la incorporación de VIOLETA como una de las grandes apuestas del festival por el pop de nueva generación. Una jornada diseñada para convertirse en una celebración colectiva frente al mar, donde música, identidad y libertad se dan la mano.

El cierre del festival tendrá lugar el domingo 31 de mayo con la ya emblemática Fiesta Brunch de Clausura en el Castillo Sohail, que incluirá la icónica Gran Paella Bollera, food trucks y las actuaciones de Maruja Limón, la veteranía DJ de Sofía Cristo y la propuesta afro house de Claudia León. Las sesiones finales correrán a cargo de Bailaferias, Mery Martín, Adame y Flashback Dls, poniendo el broche a una semana intensa de música, convivencia y reivindicación.

El Fulanita Fest se reafirma así como una cita necesaria dentro del calendario cultural europeo. No es una verbena ni un evento puntual, sino un bastión sólido que demuestra que la música, cuando se utiliza con inteligencia, sensibilidad y coraje, sigue siendo una herramienta poderosa de visibilidad, identidad y transformación social.

El artista Gunros lanza su nuevo single “Alice”, una propuesta que combina dance music de espíritu luminoso con una marcada influencia de los años 80, inspirada en el sonido pop internacional que popularizó Max Martin. Con una vibra optimista y envolvente, el tema invita a dejarse llevar por melodías contagiosas y una producción que mira al pasado para construir un presente fresco y bailable.

Detrás de este lanzamiento se esconde la particular narrativa que rodea a Gunros, un artista ficticio cuya historia se remonta al año 1781 en Cuba. Según el relato, sus primeros años estuvieron marcados por la intensidad de un mundo convulso y un destino trágico que definiría su existencia. Tres décadas más tarde, con el corazón roto, Gunros encontró el amor entre la nobleza de La Habana al conocer a una duquesa de la que se enamoró profundamente. Sin embargo, su romance estaba condenado desde el inicio, ya que el padre de ella había prometido su mano a un conde proveniente de España.

Al enterarse de la relación, el conde viajó furioso a Cuba para retar a Gunros a un duelo. En el momento decisivo, cuando el arma estaba a punto de dispararse, la duquesa se lanzó a los brazos de Gunros. El disparo la alcanzó por la espalda y murió en su abrazo, sellando una tragedia que marcaría para siempre la vida del artista. Desde aquel día, Gunros quedó condenado a caminar por el mundo eternamente joven, con la esperanza de reencontrarse algún día con una mujer que porte el alma trascendida de aquella duquesa.

“Alice” se presenta así como una pieza que dialoga entre lo emocional y lo bailable, conectando una narrativa romántica y trágica con una producción llena de luz, sintetizadores ochenteros y una energía positiva que define el universo sonoro de Gunros. El single reafirma su propuesta artística, donde la música dance se convierte en un vehículo para contar historias que trascienden el tiempo.

“Alice” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde el público puede sumergirse en este nuevo capítulo musical. Para conocer más sobre Gunros y estar al tanto de sus próximos lanzamientos y proyectos, no dudes en seguirlo a través de sus redes sociales.

El artista emergente Tyler Miller lanza su nuevo single “Self Deprecating Blues”, una canción que confirma su capacidad para transformar la introspección personal en una propuesta musical cercana y auténtica. Con base en Nueva York, Miller continúa construyendo una identidad artística propia, influenciada por distintas épocas del pop, el R&B, el hip hop y el rock, géneros que se entrelazan de forma natural en un sonido que conecta con una audiencia amplia y diversa.

Lejos de seguir fórmulas pasajeras o perseguir un momento viral, Tyler Miller se ha consolidado como una de las nuevas promesas a observar dentro de la escena independiente. Con tan solo dos EPs y algunos singles publicados, el artista ya ha superado los 1.5 millones de reproducciones en Spotify, una cifra que refleja no solo el alcance de su música, sino también la fidelidad de una comunidad de oyentes que crece de manera orgánica y sostenida.

“Self Deprecating Blues” se presenta como una pieza honesta y reflexiva, donde Miller explora emociones complejas desde una mirada autocrítica, combinando melodías envolventes con una interpretación cargada de sinceridad. El tema refuerza su habilidad para tomar elementos clásicos de distintos géneros y reinterpretarlos con una sensibilidad contemporánea, manteniendo un equilibrio entre lo melódico y lo emocional.

En el apartado creativo y técnico, Tyler Miller asume un rol central como intérprete, compositor y productor del single, reafirmando su control artístico sobre cada etapa del proceso. La canción cuenta además con la colaboración de Rich Tuorto como coautor, productor e ingeniero de grabación, mientras que la mezcla estuvo a cargo de Itai Schwartz, con asistencia de Ervin Ablaev. El mastering fue realizado por Matthew Wolk, aportando el acabado final a una producción cuidada y coherente con la propuesta del artista.

Con este lanzamiento, Tyler Miller continúa fortaleciendo su camino dentro de la música actual, apostando por la honestidad, la construcción a largo plazo y una conexión real con su público. “Self Deprecating Blues” funciona como un nuevo paso en una carrera que se perfila con identidad, constancia y una visión clara de crecimiento.

“Self Deprecating Blues” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde los oyentes pueden descubrir esta nueva entrega y sumergirse en el universo sonoro de Tyler Miller. Para conocer más sobre el artista y estar al tanto de sus próximos lanzamientos y proyectos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Ela Taubert da un paso decisivo en su carrera con el lanzamiento de “TE PROMETO (El Fin De Una Era)”, su primer álbum de estudio y una obra profundamente emocional que simboliza el cierre de una etapa vital y artística. Este trabajo no solo reúne canciones, recuerdos y símbolos que han acompañado a la artista durante los últimos años, sino que también funciona como una despedida consciente a una era marcada por el crecimiento, la vulnerabilidad y la conexión absoluta con su comunidad.

Con un mensaje directo y sincero, Ela se despide de este capítulo agradeciendo a quienes han formado parte del camino, a quienes han compartido con ella un año lleno de preguntas, respuestas y pequeños rituales cargados de significado. Los deseos pedidos a las 11:11, los colores rosados y azules, las mariposas, los papelitos y cada detalle simbólico que ha acompañado esta etapa quedan plasmados como parte esencial de un álbum que la artista atesora como un refugio emocional y creativo. “TE PROMETO (El Fin De Una Era)” nace desde la gratitud, la nostalgia y la certeza de que cerrar ciclos también es una forma de avanzar.

Musicalmente, el álbum se mueve dentro del pop latino con matices pop rock y alternativos, un terreno que Ela ha sabido hacer suyo gracias a letras honestas, vulnerables y generacionales. Las canciones exploran el desamor, la aceptación, el miedo a soltar y la necesidad de quedarse con lo bueno incluso cuando una historia llega a su final. El concepto del “fin de una era” atraviesa todo el disco como una reflexión madura sobre las despedidas, no desde el rencor, sino desde el aprendizaje y la ternura.

Ela Taubert, nacida en Bogotá el 11 de septiembre de 2000, se ha consolidado en los últimos años como una de las voces más representativas del nuevo pop latino. Tras comenzar a ganar visibilidad durante la pandemia a través de TikTok, donde compartía interpretaciones y canciones propias, fue construyendo una comunidad sólida a la que ella misma llama “Nuestro Refugio”. Desde sus primeros sencillos en 2022, pasando por su EP “¿Quién dijo que era fácil?” en 2023, hasta el impacto de “¿Cómo pasó?” en 2024 —tema que incluso contó con una versión bilingüe junto a Joe Jonas—, su carrera ha ido en constante ascenso.

El reconocimiento internacional no tardó en llegar. En 2024, Ela fue galardonada con el Grammy Latino a Mejor Artista Nuevo, además de recibir distinciones en Premios Juventud y Premios Lo Nuestro, confirmando su capacidad para conectar emocionalmente con una audiencia global. “TE PROMETO (El Fin De Una Era)” se presenta así como la culminación natural de ese recorrido, un álbum que recoge todo lo aprendido y vivido hasta ahora.

Más allá de la música, este lanzamiento representa un acto simbólico: cerrar una puerta para abrir otra. Ela lo deja claro al despedirse de esta etapa con la promesa de reencontrarse con su público en una nueva era, con nuevas preguntas, nuevas respuestas y una evolución artística que ya empieza a asomarse en el horizonte. El álbum no es un punto final, sino una pausa consciente para tomar impulso.

“TE PROMETO (El Fin De Una Era)” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y guardarlo como parte de este viaje emocional. Si quieres seguir de cerca el recorrido artístico de Ela Taubert y estar al tanto de sus próximos lanzamientos, proyectos y nuevas etapas, no dudes en acompañarla a través de sus redes sociales.

ATK Epop presenta “Mecánico Corazón”, su nuevo single junto a Amaia Pop y Álvaro Sanz, una potente pieza de electro-pop que explora la frialdad emocional de las relaciones que funcionan por inercia, como si estuvieran programadas para repetirse sin alma ni sensibilidad. El tema se consolida como una nueva muestra del universo sonoro del productor, donde la electrónica se pone al servicio de la emoción y del relato íntimo.

En “Mecánico Corazón”, Amaia Pop y Álvaro Sanz protagonizan un dueto intenso en el que ambas voces se entrelazan para dar forma a una historia de distancia afectiva, promesas incumplidas y vínculos que han perdido su pulso humano. La canción retrata una relación que sigue en marcha por costumbre, casi como una máquina, pero que ya no ofrece calor, esperanza ni futuro. Esa sensación de vacío se ve reforzada por una producción precisa y envolvente, en la que ATK Epop combina sintetizadores pulidos, bases electrónicas firmes y una atmósfera retro-futurista que subraya la idea de un corazón que dejó de sentir.

La letra, directa y sin rodeos, habla de la toma de conciencia tras múltiples intentos fallidos. Mensajes que regresan cuando ya es tarde, palabras que no se sostienen con hechos y una ilusión que se va apagando poco a poco construyen el núcleo narrativo del tema. El estribillo, “Corazón mecánico, no quiero saber nada más de ti”, funciona como un grito de liberación, un punto de quiebre en el que el personaje decide cortar definitivamente con una dinámica tóxica y repetitiva.

Musicalmente, el single destaca por su equilibrio entre contundencia electrónica y carga emocional. ATK Epop reafirma aquí su identidad dentro del pop electrónico independiente, apostando por una estética cuidada y coherente, mientras que Amaia Pop y Álvaro Sanz aportan interpretaciones cargadas de carácter, honestidad y dramatismo, elevando el impacto emocional de la canción y dotándola de una fuerza narrativa muy reconocible.

“Mecánico Corazón” refuerza además la sintonía creativa entre tres nombres destacados del panorama pop independiente español, unidos por una visión común de la música como espacio de expresión emocional y poética. El resultado es una canción que conecta con quienes han vivido relaciones marcadas por la frialdad, la repetición y la dificultad de soltar, convirtiendo esa experiencia en un himno de despedida y afirmación personal.

“Mecánico Corazón” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir de cerca el trabajo de ATK Epop, Amaia Pop y Álvaro Sanz y estar al tanto de sus próximos lanzamientos y proyectos, no dudes en seguirlos a través de sus redes sociales.

Jere y Taíno de Los Chunguitos dan la bienvenida a la Navidad con el lanzamiento de su nuevo villancico “Navidad con Los Salazar”, una canción cargada de emoción que rinde homenaje a la familia, las tradiciones y a un legado musical que ha marcado a varias generaciones. Con este estreno, los artistas apuestan por una propuesta que mira al pasado con respeto, pero que se expresa desde un sonido actual, manteniendo viva la esencia de una de las sagas más influyentes de la música popular española.

“Navidad con Los Salazar” llega acompañado de su correspondiente videoclip oficial, una producción concebida como un encuentro familiar y artístico en el que la música se convierte en el hilo conductor de recuerdos, afectos y celebraciones compartidas. El vídeo destaca por su atmósfera cálida y navideña, y cuenta con colaboraciones muy especiales que refuerzan el carácter colectivo del proyecto, con la participación de Azúcar Moreno, Los Casta, Enri Salazar, Carlino y los sobrinos de Jere. Un cruce generacional de voces y emociones que convierte el villancico en una auténtica reunión de grandes familias de la música de nuestro país.

En lo musical, el tema se presenta como un villancico contemporáneo que fusiona la tradición flamenca y rumbera con una producción actual, logrando un equilibrio natural entre lo clásico y lo moderno. La canción reivindica las raíces y la identidad sonora que siempre han caracterizado a Los Chunguitos, al tiempo que refuerza su conexión con el público de siempre y abre la puerta a nuevas generaciones que descubren ahora ese legado.

Este lanzamiento no solo celebra la Navidad, sino también la importancia de la familia como espacio de transmisión cultural y emocional. “Navidad con Los Salazar” habla de unión, de encuentros alrededor de la música y de la memoria compartida, valores que han acompañado la trayectoria de Los Chunguitos desde sus inicios y que siguen siendo el corazón de su propuesta artística.

Los Chunguitos son una auténtica leyenda viva de la música española. Con más de 50 años de carrera, el grupo ha publicado más de 30 discos, ha cosechado numerosos discos de oro y platino y se ha consolidado como uno de los grandes referentes del rumba-pop y de la música popular en España. Su influencia se extiende mucho más allá de las listas de éxitos, formando parte del imaginario colectivo de varias generaciones.

Canciones como “Me quedo contigo” se han convertido en auténticos himnos nacionales, versionados por artistas de distintas generaciones y estilos como Rosalía, Ketama, El Cigala o Niña Pastori. Además, sus temas han formado parte de bandas sonoras tan emblemáticas como Barrio, Entrelobos o Deprisa, deprisa, de Carlos Saura, así como de series y programas de televisión que marcaron época y contribuyeron a consolidar su presencia en la memoria cultural del país.

A lo largo de su trayectoria, Los Chunguitos han actuado en los principales teatros, plazas de toros, recintos feriales y fiestas patronales de toda España, protagonizando conciertos multitudinarios que han reunido a miles de personas y demostrando una conexión única con el público. Con “Navidad con Los Salazar”, Jere y Taíno reafirman ese vínculo, recordando que la música, cuando nace de las raíces y del corazón, sigue siendo un punto de encuentro capaz de unir generaciones, emociones y tradiciones en torno a una misma celebración.

Andy Rivera despide el 2025 con el lanzamiento de “Tiene Novio”, un sencillo que llega para confirmar uno de los años más sólidos y determinantes de su carrera artística. Tras lograr un rotundo sold out en su primer Movistar Arena en Bogotá y superar los 38 millones de visualizaciones en YouTube con los lanzamientos publicados a lo largo del año, el artista urbano presenta una propuesta que combina baile, emoción y una narrativa cercana, reafirmando su conexión con el público.

“Tiene Novio” cuenta la historia de un hombre que observa cómo la mujer que le gusta no recibe el amor ni el respeto que merece por parte de su pareja actual. Desde esa mirada honesta y directa, la canción se convierte en una declaración abierta en la que el protagonista expresa su certeza de poder ofrecerle algo distinto: estabilidad, tranquilidad y una relación más sana. Andy Rivera plantea así un relato cargado de convicción y esperanza, en el que no se idealiza el conflicto, sino que se expone con sinceridad el deseo de ser elegido cuando el corazón apunta en otra dirección.

En lo musical, el sencillo fusiona ritmos urbanos con una melodía pegajosa pensada para cantarse, bailarse y dedicarse. La producción equilibra sonidos actuales con guiños a los inicios del artista, mientras que su interpretación íntima refuerza ese sello que lo ha acompañado desde el principio: el urbano romántico que conecta desde la emoción y la vulnerabilidad. “Tiene Novio” no solo funciona como tema bailable, sino también como un desahogo emocional para quienes se reconocen en su historia.

La canción se presenta además como un apoyo directo para sus fans, especialmente para quienes atraviesan el conflicto de amar a alguien que ya tiene pareja, el anhelo de ocupar un lugar que parece imposible y la esperanza persistente de que, en algún momento, ese amor pueda darse. Andy Rivera vuelve a poner palabras a sentimientos universales, convirtiendo la experiencia personal en un relato colectivo con el que muchos pueden identificarse.

Con este lanzamiento, el artista pereirano no solo cierra el año en lo más alto, sino que reafirma su evolución musical y su posición como una de las voces más influyentes del género urbano actual. De la mano de Rimas Music, Andy Rivera continúa construyendo una carrera coherente, cercana y en constante crecimiento, dejando claro que su conexión con el público sigue siendo uno de sus mayores logros.

Después de conquistar al público y a la crítica con el Premio Latino 2025 a Mejor Mensaje en Canción Pop por “Corona de Rey” y de adelantar el espíritu de su debut con “Alza el Vuelo”, Clara Olóndriz cierra una etapa decisiva de su carrera con la publicación de su primer álbum completo, “El Vuelo”, disponible desde el 5 de diciembre de 2025 en formato digital. Este trabajo marca el punto de llegada de un proceso creativo largo y cuidado, pero también el inicio de una nueva etapa artística en la que la cantautora se reafirma como una de las voces más sensibles y honestas del indie pop nacional.

Con una duración total de 29 minutos y 37 segundos, “El Vuelo” se presenta como un recorrido emocional que combina nostalgia, fuerza, emoción y espíritu de superación. A lo largo de sus canciones, Clara da forma a un relato vital en el que conviven la euforia de atreverse a despegar, la incertidumbre y la desesperación de las caídas, y la determinación necesaria para volver a levantarse y seguir adelante. Esa dualidad, tan humana como reconocible, se convierte en el eje central de un álbum que habla de la vida sin edulcorantes, aceptando tanto sus luces como sus sombras.

El disco es el resultado de un camino que comenzó con el EP “El Salto”, lanzado a principios de 2025 como primer adelanto del proyecto, y que fue desvelando poco a poco canciones clave como “Ruiseñor”, “Corona de Rey”, “Dolor” y “Alza el Vuelo”. Cada uno de estos temas funcionó como una pieza de un puzzle mayor, preparando el terreno para un álbum que se siente cohesionado, honesto y profundamente personal. En ese proceso, Clara ha sabido equilibrar su lado más intimista y nostálgico con una energía positiva y un mensaje de superación que atraviesa todo el trabajo.

En el plano sonoro, “El Vuelo” se mueve dentro del indie pop y el indie, con una producción cuidada que acompaña y realza la carga emocional de las letras. La producción y la mezcla corren a cargo de Mark Dasousa en Atomic Studio, con arreglos de Rubén Escrivà, mientras que el mastering ha sido realizado por Juanjo Muñoz en CatMastering. La letra y la música están firmadas íntegramente por Clara Olóndriz, reforzando el carácter autoral y sincero de un álbum que nace desde la experiencia personal y la reflexión interior.

Clara Olóndriz, nacida en Barcelona y afincada en la Marina Alta, en Alicante, ha ido construyendo en los últimos años un sólido recorrido dentro del circuito independiente. Su música se caracteriza por explorar emociones profundas y procesos de transformación personal, apoyada en una voz sensible y cercana que conecta con quien la escucha. Gracias a un constante trabajo en directo en su tierra adoptiva y a una presencia cada vez más fuerte en redes, ha logrado crear una comunidad fiel que no deja de crecer y que ya ronda los 20.000 seguidores en sus plataformas.

Con “El Vuelo”, la artista espera inspirar a todas aquellas personas que necesitan un empujón para apostar por sí mismas, para atreverse a vivir con intensidad y a disfrutar del camino incluso cuando este se vuelve complicado. El álbum no propone respuestas cerradas, sino compañía, empatía y la sensación de que caer también forma parte del proceso de aprender a volar.

Este lanzamiento llega, además, en un momento especialmente prometedor para Clara, que ya ha sido seleccionada para las semifinales de Guerra de Bandas del Festival Actual 2026 y para participar en Metro Sound 2026, y que próximamente anunciará la gira de presentación de “El Vuelo” de cara a 2026.

“El Vuelo” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Clara Olóndriz, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, conciertos y nuevos proyectos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Por sexto año consecutivo, la Fundación CEU presenta su tradicional villancico solidario a beneficio de Cáritas, una iniciativa que vuelve a unir música y compromiso social en plena Navidad. En esta edición, los protagonistas son Hermanos Martínez, quienes, acompañados por los niños del coro del Colegio CEU San Pablo Sanchinarro, interpretan el tema “Feliz Navidad”, compuesto en colaboración con Cadena 100. El videoclip del proyecto verá la luz el próximo 18 de diciembre y se enmarca dentro de la campaña navideña de Cáritas, que este año invita a la sociedad a implicarse activamente para que tener una vida digna deje de ser una cuestión de suerte, recordando que derechos como la vivienda, el empleo, la educación, la salud o la seguridad no deberían depender del azar.

Para Hermanos Martínez, participar en este villancico y apoyar la labor de Cáritas ha supuesto una experiencia especialmente significativa. El grupo destaca que les ha permitido comprobar cómo, cuando se comparte, la música puede convertirse en una herramienta real para ayudar, concienciar y transmitir valores de solidaridad y humanidad. Cantar por una buena causa, aseguran, da aún más sentido a su trabajo artístico y conecta directamente con el verdadero significado de la Navidad: estar cerca, acompañar y mirar a los ojos a quienes tenemos alrededor, especialmente a quienes atraviesan momentos difíciles.

“Feliz Navidad” no busca la perfección formal, sino que se plantea como un canto profundamente humano, capaz de ofrecer un respiro a quien lo necesite, de servir como recuerdo para quienes ya no están y de actuar como un recordatorio de que cualquier día puede ser una oportunidad para recomenzar. Con este mensaje, la Fundación CEU, Hermanos Martínez y Cadena 100 unen sus voces con un doble objetivo claro: recaudar fondos para Cáritas y encender en cada oyente una pequeña llama de esperanza.

El villancico solidario del CEU alcanza así su sexta edición, consolidándose como una tradición navideña con fuerte impacto social. En años anteriores, la iniciativa ha contado con la participación de artistas y grupos como Modestia Aparte, Hakuna, Siempre Así, Pastora Soler y Ainhoa Arteta. Toda la recaudación obtenida a través del código Bizum 00089 se destinará íntegramente a Cáritas, y la canción podrá escucharse a través de las redes sociales de Cáritas Española y de la Fundación Universitaria San Pablo CEU.

Hermanos Martínez nació en el seno de una familia profundamente vinculada a la música, donde Álvaro, Borja y Jaime crecieron rodeados de guitarras y de las melodías de The Beatles. Desde muy jóvenes comenzaron a componer sus propias canciones y en 2017 lanzaron su primer álbum, que dio paso a una exitosa gira por España en 2018. Tras una pausa motivada por compromisos profesionales y estudios en el extranjero, seis años después decidieron retomar su proyecto musical, acompañados de Efu y Alvarito y bajo la producción de Pablo Cebrián. Durante 2025 han recorrido España con una intensa gira, agotando entradas en salas como La Riviera en Madrid y sumando actuaciones en citas como El Jardín de las Delicias, las Fiestas del Pilar de Zaragoza o Starlite Xmas, con un 2026 que se presenta cargado de nueva música y directos.

“Feliz Navidad” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Hermanos Martínez y estar al tanto de sus próximos lanzamientos, conciertos y proyectos solidarios, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Lucila de la Fuente lanza “Parque de atracciones”, una propuesta pop con alma mediterránea que combina nostalgia, dramatismo y una crítica sutil al turismo masivo y a los clichés asociados a lo sureño. La canción transforma lo que parece una historia de amor de verano en una metáfora más profunda sobre los lugares que se usan, se disfrutan y se abandonan, capturando con sensibilidad el pulso emocional de quienes viven entre la identidad propia, la memoria y las expectativas ajenas.

Escrita originalmente para su candidatura al Benidorm Fest, “Parque de atracciones” fusiona el pulso de las baladas pop internacionales con la emoción del pasodoble, dando lugar a un sonido cálido, contemporáneo y profundamente reconocible. Bajo esa apariencia luminosa, la canción reflexiona sobre cómo ciertos espacios —una playa, un barrio, una ciudad— van perdiendo parte de su esencia cuando se transforman para satisfacer miradas externas, sin señalar culpables concretos pero cuestionando la arrogancia de pensar que todo puede moldearse según quien más paga.

En el plano musical y emocional, Lucila rinde un homenaje sutil a referentes que marcaron el imaginario colectivo, como Massiel con “La, La, La”, Lucía con “Él” y la icónica “Mediterráneo” de Joan Manuel Serrat. A ello se suma el sample del pasodoble “España Cañí”, que completa el universo sonoro de la canción. Estas referencias no aparecen desde la imitación, sino desde la emoción, filtrándose en los pliegues melódicos, en el carácter de la voz y en una forma de narrar que mira de frente a la nostalgia.

Sobre el origen del tema, la cantautora explica que lo escribió entre finales de octubre y principios de noviembre de 2025, mientras vivía en Estocolmo, recién llegada y sin una red de contactos, en plena búsqueda de abrirse camino como compositora. En ese contexto, le impactó comprobar cómo muchas personas reducían España a recuerdos de alcohol barato, playas o apartamentos, dejando de lado casi por completo los aspectos culturales, una experiencia que le generó tristeza y que terminó dando forma al trasfondo de la canción.

En “Parque de atracciones”, Lucila juega conscientemente con estereotipos reconocibles como la costa blanca, el baile, los labios rojos o el sol omnipresente, utilizándolos tal y como suelen proyectarse desde fuera, como postales vivas o papeles que hay que interpretar. Desde ahí, la canción cuestiona esa mirada simplificada y cómoda que convierte ciudades, culturas y personas en productos turísticos, reforzando la idea de que todo puede consumirse sin consecuencias.

“Parque de atracciones” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Lucila de la Fuente, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Sonia Gómez regresa a la escena musical con su nuevo lanzamiento “10 Minutos”, un single pop cargado de frescura, picardía y un sutil aire nostálgico que conecta con sonidos de otras épocas sin renunciar a una producción actual y novedosa. La canción refleja una actitud directa y decidida, manteniendo ese equilibrio entre lo clásico y lo contemporáneo que define esta nueva etapa de la artista.

“10 Minutos” funciona como una clara declaración de intenciones: o se da el paso, o se pierde la oportunidad. A través del concepto del tiempo, Sonia construye un mensaje con un toque canalla en el que deja claro que no está dispuesta a seguir esperando a nadie ni a desperdiciar minutos que no vuelven. Es una canción que habla de tomar decisiones, de valorarse y de vivir el presente con determinación.

El tema nace de una sesión de estudio marcada por la naturalidad y la energía positiva. La propia artista ha confesado que el proceso fue espontáneo y sincero, centrado en disfrutar, experimentar y dejarse llevar, algo que se percibe claramente en el resultado final. “10 Minutos” ha sido compuesto por Sonia Gómez junto a Héctor Hugo Izquierdo y Noemí Pérez, y producido, mezclado y masterizado por Tato Latorre, quien también ha participado en la instrumentación, logrando un sonido pulido, dinámico y con una fuerte personalidad.

Con este lanzamiento, Sonia Gómez reafirma su lugar como una de las voces pop a seguir, combinando carisma, sensibilidad y letras cercanas que conectan de forma directa con el público. “10 Minutos” es solo un adelanto de la nueva etapa que está construyendo, más madura y fiel a su esencia, y marca el inicio de un camino que promete grandes pasos, siempre con la premisa clara de no perder el tiempo.

Además, la artista ya ha confirmado sus próximas fechas en directo, donde presentará este nuevo single ante el público. Sonia Gómez actuará el 28 de mayo de 2026 en Madrid, dos citas imprescindibles para disfrutar de su música en vivo.

Después de varios años de silencio, búsqueda personal y redefinición artística, el exintegrante de AURYN, Carlos Marco, regresa a la música como solista con “SUPERFICIAL”, un tema de pop electrónico que marca el inicio de una nueva etapa en su trayectoria. Se trata de un regreso que combina vulnerabilidad, madurez y un sonido contemporáneo, situando al artista en una línea creativa más honesta y emocional.

“SUPERFICIAL” es una reflexión directa sobre las relaciones actuales, caracterizadas por conexiones rápidas, intensidades pasajeras y vínculos que rara vez llegan a profundizar. La canción aborda el miedo a sentir demasiado, a mostrarse tal como uno es y a dejar caer las defensas emocionales. En ese choque entre la independencia, la prisa y el desapego aparece el deseo de una conexión real que el protagonista nunca termina de encontrar.

El tema está compuesto por Carlos Marco junto a Tony Sánchez-Ohlsson y producido por Alba Reig, integrante de Sweet California. Musicalmente, “SUPERFICIAL” fusiona melancolía y energía en una producción directa que incorpora elementos de synthwave e indie pop, sin perder el pulso mainstream. Este lanzamiento supone además un punto de inflexión en su carrera, ya que por primera vez, tras siete discos publicados, Carlos Marco canta íntegramente en español, acercando aún más la emoción de la canción al público.

El videoclip refuerza el concepto de esta nueva etapa a través de una potente metáfora visual: romper el hielo, tanto a nivel profesional como emocional. En él, Carlos Marco aparece atrapado en un universo congelado, intentando conectar con alguien que vive desde la frialdad y lo percibe solo como una opción más entre muchas. Una imagen que simboliza su propio proceso personal y artístico.

Con más de quince años de trayectoria, Carlos Marco es un artista multidisciplinar que ha desarrollado su carrera como cantante, compositor, productor, director musical y presentador. A lo largo de su camino ha publicado siete discos, alcanzando siete números uno en ventas, superando las 200.000 copias vendidas y sumando tres discos de platino, un disco de oro, dos Premios LOS40 y un MTV EMA a Mejor Artista Europeo, entre otros reconocimientos.

Su voz ha formado parte de bandas sonoras como “Cuando te volveré a ver” de Rompe Ralph (Disney) y “Atrapa la bandera” (Mediaset Cinema). Además, ha compuesto para artistas nacionales e internacionales y ha firmado sintonías televisivas como la de Mask Singer. En paralelo, compagina su carrera musical con su labor como presentador y colaborador en medios como Los 40, Europa FM, Telecinco y Antena 3, y ha sido jurado y director musical en formatos de éxito como Got Talent, Mask Singer, The Dancer, Drag Race, Idol Kids y más de una veintena de producciones audiovisuales.

Más allá del escenario, Carlos Marco también ha desarrollado una sólida faceta empresarial. Publicista de formación, ha construido un ecosistema profesional de referencia dentro de la industria musical española, que abarca escuelas de canto, sellos discográficos y agencias de management.

Con “SUPERFICIAL”, Carlos Marco inaugura una etapa más madura, emocional y contemporánea en su carrera. Un proyecto en el que se desnuda artística y personalmente, combinando una producción de pop electrónico moderno, una identidad vocal propia y un mensaje íntimo que conecta con una generación que necesita volver a sentir algo real.

Desde este viernes 12 de noviembre ya está disponible en todas las plataformas digitales y YouTube “DANCE OR DIE”, el nuevo single y videoclip de SORAYA. Tras un breve respiro con su anterior tema, “Placebo”, la artista vuelve a subir revoluciones para poner a bailar estas navidades con un nuevo adelanto de su disco “Ilúmina”.

“Dance or die” es un tema con un profundo carácter cinematográfico plagado de estrofas dramatizadas que cuentan una increíble historia que nos lleva a un potente drop en el estribillo.

El single va acompañado de un videoclip, de potente imagen, en el que veremos la faceta más actoral de Soraya junto a un ecléctico elenco de artistas que conviven en este universo que nos interpela directamente ¿bailas o mueres?

 El idilio de Soraya con la música de baile se remonta hasta sus inicios. Ya en su paso por Operación Triunfo firmó una de las actuaciones más icónicas en la historia del formato con el éxito de la música disco “I am what i am” de Gloria Gaynor. Tras sus primeros temas inéditos más enfocados en otros estilos, la cantante empieza a coquetear con géneros más bailables en sus discos de versiones de los 80´s incluyendo varios hits y remixes de clásicos del género disco.

Tras su paso por Eurovisión en 2009 se le abren las puertas de Europa y es ahí cuando la carrera de la artista empieza a girar a la electrónica. En los años posteriores actúa por diferentes países y firma colaboraciones con importantes figuras internacionales como Kate Ryan o Antoine Clamaran y actúa junto a David Guetta entre otros.

Toda esta experiencia internacional abre el camino a dos discos de música pop electrónica. En 2010 se lanzan “Dreamer” y su reedición “Dreamer Reloaded” que cuentan con el trabajo de importantes productores y DJ´S internacionales como Juan Magán, Wally López, Bedük, Antoine Clamaran, Iván Torrent y Jordi Garrido (TeeandGee). El disco llegó a ser número 1 en España y entró con fuerza en Francia gracias al éxito de las colaboraciones con Clamaran “Live your dreams” y “Stick Shift”.

En 2013, y tras el éxito de otro de sus hits electrónicos “Con Fuego”, llega el que para muchos es el mejor disco en la carrera de Soraya. “Universe in me” y su Edición Deluxe son el resultado de un minucioso trabajo de corte internacional junto al equipo sueco Tortuga, compuesto por Isabel Guzmán, Jockim y Bjorn Olovsson.  La grabación a caballo entre Madrid y Estocolmo estuvo marcada por la producción de  Ollie Olsson, responsable de trabajos para artistas de la talla de Robyn, Morcheeba, Teddybears o Snoop Dogg. En el disco destacan temas como “Plastic”, “Neon Lovers” o "Is it worth it", compuesto por el referente del dance estadounidense Kerli.

Tras varios años en los que su vida personal marcó un camino musical diferente, Soraya regresa ahora con más fuerza que nunca a las pistas de baile. Para esta nueva etapa la artista se ha rodeado de un joven, pero talentoso equipo de trabajo para crear “Ilumina”, el disco con el que volverá a su género predilecto: el pop electrónico.

María Gil presenta junto a Haze su nuevo single “Mi Momento”, una poderosa colaboración que fusiona la emoción del flamenco con la contundencia del rap, dando forma a una canción profundamente honesta que habla de esfuerzo, identidad y perseverancia. El tema nace como un reflejo de las vivencias personales de ambos artistas y del camino recorrido hasta acercarse a sus sueños, convirtiéndose en un relato musical de resistencia y fe en uno mismo.

“Mi Momento” destaca por unir dos universos musicales que, lejos de enfrentarse, dialogan con naturalidad. El cante de María Gil aporta sensibilidad, raíz y emoción, mientras que los versos de Haze suman fuerza narrativa, crudeza y verdad. La canción habla de luchar cuando todo parece cuesta arriba, de no rendirse ante las caídas y de recordar siempre de dónde se viene, un mensaje que atraviesa toda la letra y conecta con la experiencia vital de sus intérpretes.

María Gil, artista murciana de tan solo 19 años, continúa consolidando una propuesta personal que bebe del flamenco y lo mezcla con estilos como el pop, la bachata y otros géneros actuales. Tras lanzamientos como “Bendito Amor”, da un paso firme con “Mi Momento”, mostrando una madurez artística notable y una voz que transmite convicción, vulnerabilidad y determinación. En este single, su interpretación se convierte en el eje emocional de la canción, sosteniendo un mensaje de esperanza y superación.

A su lado, Haze, nombre artístico de Sergio López Sanz, aporta su inconfundible sello de rap flamenco y su mirada callejera y reflexiva. Referente del rap sevillano, Haze cuenta con una trayectoria marcada por la coherencia y el compromiso con la palabra. Más allá de la música, su historia personal suma peso al discurso de la canción: retomó sus estudios, aprobó el acceso a la universidad, se graduó con sobresaliente en Filología Hispánica y actualmente ejerce como profesor, utilizando la literatura como herramienta para motivar a los jóvenes. Además, es autor del libro “El niño que salió del barrio”, donde recopila poemas y canciones que narran momentos clave de su vida, muchos de ellos en sintonía con el espíritu de “Mi Momento”.

La producción del tema corre a cargo de Raúl Nadal y Skash, mientras que la grabación fue realizada por Pedro Alba y Manu MB. La mezcla y el máster han sido trabajados por Pedro Alba en La Línea Record, logrando un sonido equilibrado que respeta la esencia de ambos estilos y realza tanto la fuerza lírica como la carga emocional de la canción. El videoclip oficial se estrenó en noviembre de 2025, reforzando visualmente el mensaje de esfuerzo y constancia que define el single.

“Mi Momento” no es solo una colaboración, sino una declaración de intenciones. Es el encuentro de dos generaciones y dos caminos distintos que confluyen en un mismo mensaje: confiar en lo que se lleva dentro y seguir adelante pese a las dificultades.

“Mi Momento” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de María Gil y Haze, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Mister Fazo regresa con fuerza a la escena musical con el lanzamiento de su nuevo single “Mamacita”, una propuesta cálida, multicultural y vibrante que llega acompañada de su videoclip oficial y que ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales. Tras haber conquistado al público con su álbum Persévérance, masterizado en el reconocido Bomb Factory, el artista reafirma su identidad con un tema que conecta desde la emoción y la diversidad sonora.

Nacido en Bangui, en la República Centroafricana, y establecido desde hace años en Lyon, Mister Fazo ha construido una carrera marcada por la autenticidad y la honestidad artística. Autor, compositor e intérprete, se define sobre todo como un narrador sincero de vivencias reales. En “Mamacita” no solo entrega una canción, sino un grito del corazón que combina lo íntimo con lo universal, ideal para mantener la energía del verano incluso en plena temporada de regreso a clases.

El single destaca por su carácter bilingüe, mezclando francés y español de forma natural y fluida. Escrito por el propio Mister Fazo y con arreglos de Mister O, el tema cuenta con la colaboración de la cantante colombiana Maryludc (MDC), cuya química vocal con Fazo resulta evidente desde el primer compás. Juntos construyen una atmósfera envolvente que transita entre la sensualidad y la energía pura, rompiendo barreras idiomáticas y culturales.

“Mamacita” se apoya en una base de ritmos afro-urbanos, matices latinos y una actitud heredada del hip-hop, dando forma a una pieza que representa a la perfección el universo musical de Mister Fazo. Es música mestiza, directa y honesta, que huye de los clichés para apostar por una identidad sonora propia y reconocible.

En el apartado técnico, el tema fue masterizado en Altho-Studio, garantizando un sonido cuidado y de alta calidad. El lanzamiento se completa con un videoclip oficial pensado para conectar de inmediato con el público, reforzando el mensaje emocional de la canción y su espíritu multicultural. Con este estreno, Mister Fazo reafirma su misión artística: conmover desde la verdad, apostando por una música profundamente humana y sin artificios.

“Mamacita” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Mister Fazo y Maryludc, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

La banda Casa de Canes lanza su nuevo single “Yo No Elegí Vivir Sin Ti”, una canción íntima y honesta que aborda el amor desde un lugar poco complaciente: la ausencia, la aceptación y la permanencia emocional cuando una historia termina sin que exista una elección real. Lejos del dramatismo excesivo, el tema se construye desde la serenidad de quien asume la pérdida, pero reconoce que el sentimiento sigue habitando en algún lugar profundo.

Dirigida a un público adulto contemporáneo, la canción conecta con oyentes que valoran letras directas, arreglos sobrios y una interpretación sincera, sin artificios. “Yo No Elegí Vivir Sin Ti” pone el foco en esas relaciones que se rompen sin explicaciones claras, donde no hay culpables ni decisiones conscientes, solo la necesidad de aprender a convivir con lo que quedó incompleto.

Musicalmente, Casa de Canes reafirma su identidad sonora, fusionando el alma del blues, el pulso del reggae y la energía del rock en español, todo ello sostenido por una base rica en ritmos latinos y solos de guitarra intensos. Su sonido, que transita entre lo sensual y lo explosivo, aporta una voz singular al panorama del rock alternativo, con una propuesta emocional, arriesgada y profundamente rítmica.

La banda está formada por los hermanos Andrés Ruby en la voz y guitarra y Marco Ruby en batería y percusión, junto a Pedro Marín en el bajo, Alex Santo en la guitarra líder y Roberto Pérez en teclados y coros. Juntos construyen canciones que hablan de amor, deseo, identidad y resistencia, conectando con la herencia musical latina mientras empujan el género hacia nuevos territorios expresivos.

Con este nuevo lanzamiento, Casa de Canes invita a un viaje sonoro donde la tradición se encuentra con la rebeldía y el ritmo cuenta su propia historia, consolidando una propuesta que apuesta por la emoción real y el peso de las palabras. “Yo No Elegí Vivir Sin Ti” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Casa de Canes y estar al tanto de sus próximos lanzamientos y proyectos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

La artista urbana Babywine continúa demostrando su fuerza, disciplina y crecimiento dentro de la industria musical al posicionarse en tendencia con dos de sus temas al mismo tiempo, un logro que marca un antes y un después en su carrera.

Con una autenticidad inconfundible, una presencia que domina las plataformas digitales y un estilo que conecta directamente con el público, Babywine celebra este momento como uno de los más significativos de su trayectoria. Según expresó, esta noticia la llenó de tal emoción que “casi lloró al enterarse”, confirmando la importancia que tiene este avance para ella y para los fanáticos que la han apoyado desde sus inicios.

“Este logro representa sacrificio, trabajo constante y la fe que he puesto en mi proyecto. Tener dos canciones corriendo en tendencia al mismo tiempo es una bendición y una confirmación de que voy por el camino correcto”, compartió la artista.

El ascenso de Babywine llega en un momento clave, donde la escena urbana continúa exigiendo nuevas voces, propuestas frescas y figuras femeninas que eleven el movimiento. Su presencia en plataformas como Instagram, TikTok y Spotify ha logrado captar la atención de medios especializados, incluyendo portales como Trap House Latino, quienes destacaron el logro como parte de la nueva ola del género.

Con esta exposición orgánica, una nueva imagen profesional y estrategias de comunicación reforzadas, Babywine se prepara para nuevas colaboraciones, contenido visual de alto impacto y un calendario de trabajo que promete seguir llevando su proyecto a otro nivel.

Este comienzo confirma que Babywine no solo está en tendencia — está en su mejor momento artístico, posicionándose como una de las artistas féminas más prometedoras de la música.

Mau y Ricky regresan con fuerza y una visión renovada gracias al lanzamiento de “Te Quiero”, su nuevo single junto a Kapo y el primer paso de una etapa que, según ellos mismos, significa “volver a casa con la libertad creativa que siempre soñamos”. Esta nueva fase llega de la mano de Sony Music en alianza con su sello propio, Why Club Records, una combinación que les permite mantener la independencia artística que siempre han defendido, respaldada por una estructura global que impulsa su música a una escala aún mayor. Con este lanzamiento, el dúo venezolano reencuentra su esencia: energía, espontaneidad y una frescura que se convierte en la columna vertebral de lo que será su próximo álbum.

“Te Quiero” no solo sirve como carta de presentación del sonido que marcará esta nueva era, sino que también simboliza un regreso a lo genuino. La canción apuesta por la sencillez emocional y por una producción vibrante que conecta directamente con la identidad musical que Mau y Ricky han venido construyendo a lo largo de los años. La colaboración con Kapo inaugura una serie de uniones artísticas que formarán parte del disco, reflejando el deseo del dúo de crear rodeados de personas que sienten como familia. “Queríamos que esta etapa se sintiera como lo que más nos gusta, hacer música rodeados de nuestra gente”, han expresado.

La llegada de “Te Quiero” coincide además con un anuncio muy esperado por sus seguidores: Mau y Ricky presentarán esta nueva etapa en España, el país elegido como punto de partida para compartir en directo parte del álbum que están preparando. Los artistas han confirmado tres fechas en formato íntimo, una oportunidad única de verlos en cercanía y descubrir sus nuevas canciones antes del lanzamiento oficial. Estas presentaciones tendrán lugar el 5 de marzo en Barcelona, el 7 de marzo en Valencia y el 8 de marzo en Madrid, con entradas ya disponibles para el público.

Este movimiento artístico se complementa con uno de los pasos más trascendentes en la carrera de los hermanos Montaner: la apertura de Casablanca Studios en Miami, un espacio creado especialmente para potenciar su creatividad y convertirse en un lugar de encuentro para compositores, productores y amigos. Este estudio no solo funcionará como el epicentro de su nueva producción musical, sino también como un laboratorio creativo en el que planean desarrollar proyectos, colaboraciones y nuevas propuestas que trasciendan su propio repertorio.

Para Mau y Ricky, “Te Quiero” marca el comienzo de una etapa más auténtica, más personal y llena de posibilidades. Con una alianza discográfica estratégica, un estudio creativo propio, nuevas colaboraciones y un sonido que promete sorprender, el dúo se prepara para escribir uno de los capítulos más importantes de su trayectoria. Y, como ellos mismos han señalado, lo que vemos ahora es solo el principio de todo lo que está por venir.

Leire Martínez, en plena nueva etapa tras su salida de La Oreja de Van Gogh, y Edurne, una de las voces más icónicas del pop español, presentan No se me da bien odiarte, el primer dueto oficial entre ambas artistas y uno de los lanzamientos más esperados de la recta final de 2025. La canción, estrenada el 12 de diciembre, marca un momento clave tanto para la carrera solista de Leire como para la amistad y complicidad artística que las une desde hace años.

Después de convertirse en la voz de LODVG durante más de quince años, Leire inicia una nueva aventura creativa que desembocará en su primer álbum en solitario, Historias de aquella niña, previsto para febrero de 2026. Este proyecto representa un paso valiente en su evolución musical y emocional, un viaje íntimo hacia su propia identidad artística. En este contexto aparece No se me da bien odiarte, una colaboración cargada de significado que le permite explorar una sensibilidad distinta, más directa y confesional.

Edurne, conocida por su versatilidad y su capacidad para moverse con soltura entre el pop, el musical, la televisión y la interpretación, aporta su estilo característico a un dueto que ya está siendo comparado con las grandes colaboraciones femeninas del pop nacional. Con una trayectoria que incluye Eurovisión, teatro musical y su papel como presentadora y jurado en programas como La Voz Kids, Edurne refuerza aquí su imagen de artista cercana, sólida y con una sensibilidad vocal única.

No se me da bien odiarte aborda la dificultad de olvidar a alguien que ha marcado profundamente, aunque el amor se haya convertido en dolor. La letra expresa esa frustración íntima, ese deseo contradictorio de que la otra persona falle para poder cerrar un capítulo que se resiste a terminar. Su verso central resume a la perfección esa lucha interior: “No se me da bien odiarte, por favor pon de tu parte. Solo me falta rogarte y pedirte que me falles, porque prefiero mil veces una guerra entre los dos”. La interpretación conjunta de Leire y Edurne eleva este mensaje con una química vocal poderosa, unida por la honestidad y la emoción compartida.

La canción ha sido recibida con entusiasmo por medios y seguidores, que celebran el reencuentro de dos artistas con estilos distintos pero complementarios, capaces de construir un diálogo musical lleno de matices. El resultado es un tema que combina fuerza y vulnerabilidad, y que se perfila como uno de los duelos líricos más destacados del pop español contemporáneo.

No se me da bien odiarte ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Leire Martínez y Edurne, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlas muy de cerca a través de sus redes sociales.

La joven cantautora española Lu Decker, una de las voces emergentes más sensibles y prometedoras del pop actual, presenta Apago la Luz, un nuevo single que confirma su capacidad para transformar experiencias profundamente personales en canciones que tocan fibras universales. Nacida en Santa Cruz de Tenerife en 2005 y criada en Cantabria, Lucía de Décker Bustamante —conocida artísticamente como Lu Decker— ha construido una comunidad masiva desde el confinamiento de 2020 gracias a sus covers, mashups y composiciones compartidas en TikTok, donde supera los dos millones de seguidores. Su talento como compositora y multiinstrumentista, junto con una voz dulce cargada de intención, la han convertido en una figura destacada de la nueva generación del pop español.

Apago la Luz muestra una faceta especialmente vulnerable de la artista. Con un estilo que se mueve entre la balada acústica y la emoción cinematográfica, la canción se adentra en el territorio del perdón, la ausencia paterna y la complejidad de reconciliarse con un pasado que marcó la infancia. La letra, de enorme carga emocional, parte de un sueño premonitorio —“Puede que anoche en un sueño alguien vino a decirme que te vas”— para construir un diálogo íntimo entre una hija y el padre que nunca estuvo, pero al que ahora acompaña en su despedida definitiva. Los versos despliegan una narrativa desgarradora y madura, especialmente al confrontar la contradicción de quien sufrió la ausencia pero aun así elige sostener, perdonar y apagar la luz en el último momento.

El tema destaca por imágenes potentes como “si un monstruo viene a verte me toca a mí vigilar, como nunca lo hiciste tú”, un reflejo de cómo la artista transforma el dolor en una especie de amor final, honesto y compasivo. Apago la Luz se inscribe dentro del universo confesional que caracteriza a Lu Decker, quien ha explorado distintos paisajes sonoros —pop electrónico, baladas íntimas e incluso ritmos inspirados en el funk carioca— sin perder nunca la sensibilidad que la define.

Esta nueva canción se suma a su creciente repertorio de éxitos, antecedido por temas como La carta que nunca te escribí, que supera los 17 millones de reproducciones en YouTube y ha consolidado su presencia como una compositora con un talento singular. Con reconocimientos como el Premio TikTok España en 2021 y una audiencia que crece con cada lanzamiento, Lu Decker continúa afianzándose como una de las voces jóvenes más importantes del panorama musical.

Apago la Luz ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Lu Decker, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.