Natalia Lacunza se suma al cartel del Fulanita Fest 2026 como broche final de una edición que vuelve a convertir Fuengirola en un espacio de resistencia cultural, pop confesional y visibilidad LGTBIQA+. La artista navarra actuará el sábado 30 de mayo en Marenostrum Fuengirola, cerrando una programación que apuesta por la soberanía femenina, la diversidad y la música como herramienta de identidad colectiva.

Con su álbum N2STAL5IA, Natalia Lacunza aporta al festival una propuesta donde la vulnerabilidad se transforma en fuerza expresiva. Su pop introspectivo, atravesado por R&B ralentizado y electrónica atmosférica, encaja de forma natural en un certamen que va más allá de la sucesión de conciertos para erigirse como un manifiesto de orgullo y cuidado de las genealogías diversas. Su incorporación refuerza el carácter emocional y político de un festival que sitúa la identidad LGTBIQA+ en el centro de la pista de baile.

La jornada del sábado 30 de mayo reunirá también a artistas como Jennifer Cooke, Violeta, Fangoria y Chanel, conformando un cartel que entiende el escenario como un espacio de afirmación estética y social. El Fulanita Fest vuelve así a consolidarse como un entorno seguro donde la disidencia sexual encuentra representación, celebración y una voz colectiva innegociable, con el baile como acto de visibilidad.

Esta filosofía se refleja igualmente en el cuidado de la identidad visual del festival, diseñada por Bosska, responsable de un look & feel coherente y reconocible que refuerza el discurso artístico del evento en todos sus detalles.

Más allá de la programación musical, el festival se expande a través de la Fulanita Experience, una semana de actividades culturales y de ocio que se desarrollará del 25 al 31 de mayo. Entre ellas destacan la Muestra de Artistas Andaluzas, el ciclo de cine LGTBIQA+, las jornadas deportivas y el espacio Fulanita Fest en Familia, concebido como un lugar seguro para visibilizar y celebrar las familias diversas fuera del modelo tradicional.

El domingo 31 de mayo, el festival se despedirá con la Fiesta Brunch de Clausura en el Castillo Sohail, con la Gran Paella Bollera y las actuaciones de Maruja Limón, Sofía Cristo y Claudia León, entre otras DJs. Con la confirmación de Natalia Lacunza, el Fulanita Fest 2026 cierra su programación definitiva consolidándose como una de las citas culturales más significativas del calendario, donde música, orgullo y comunidad se entrelazan como un acto de belleza colectiva y militancia social.

Henry Méndez despide el año 2025 con un lanzamiento muy especial y cargado de emoción. El artista dominicano afincado en España, responsable de himnos generacionales como “Rayos de Sol” o “El Tiburón”, presenta su nuevo single “Lo más bonito”, una bachata romántica que muestra su faceta más melódica y sentimental sin perder la esencia rítmica que lo ha convertido en uno de los nombres imprescindibles del pop latino en Europa.

Publicado el 19 de diciembre de 2025, “Lo más bonito” llega como un auténtico regalo de Navidad para sus seguidores. La canción narra una historia de amor con espíritu de aventura, como las grandes películas animadas, invitando a soñar, a dedicar y a bailar en pareja. Es una bachata pensada para emocionar, para conectar desde lo positivo y para recordar que, incluso en medio del ruido cotidiano, el amor sigue siendo lo más valioso.

Musicalmente, el tema fusiona el pop tropical con toques de flow urbano, apostando por una producción más limpia y elegante que se aleja del frenesí veraniego de algunos de sus mayores éxitos. Aquí, Henry Méndez baja las revoluciones para dejar espacio a una letra cercana y luminosa, donde celebra a esa persona especial que ilumina la vida y le da sentido a todo. Una canción que funciona tanto en la pista de baile como en la escucha íntima, perfecta para el invierno y con proyección clara hacia la primavera.

Uno de los grandes atractivos de este lanzamiento es su videoclip oficial animado, inspirado en el universo visual de Disney y en el tono aventurero de historias como las de Tadeo Jones. A través de la animación, dos corazones emprenden un viaje mágico para descubrir que el amor, al final, es lo más bonito que existe. Un enfoque visual poco habitual en el género, que refuerza el carácter familiar, romántico y universal de la canción.

“Lo más bonito” se suma a un año especialmente prolífico para Henry Méndez. En 2025, el artista ha demostrado una enorme capacidad de adaptación y vigencia, lanzando singles como “Tú y Yo” junto a MTZ Cuba, “Oasis”, “Loco Enamorao” o la colaboración viral “NO ÉS MIAMI” junto a Buhos y Els Catarres. Además, ha mantenido una intensa agenda de directos, con presencia destacada en festivales como Arenal Sound 2025 y actuaciones multitudinarias como su concierto en la Plaza de España de Sevilla junto a Ozuna y Abraham Mateo.

Su participación como uno de los artistas principales en las celebraciones de la Hispanidad 2025 en Madrid, donde incluso sorprendió estrenando el tema “Apaga La Luz”, confirma el excelente momento creativo que atraviesa. Con “Lo más bonito”, Henry Méndez demuestra que ha sabido evolucionar desde el rey indiscutible de las canciones del verano hacia un artista capaz de emocionar con propuestas más pausadas y románticas, ampliando su público sin perder autenticidad.

“Lo más bonito” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde invita a dejarse llevar por una historia de amor contada con ritmo, sentimiento y fantasía. Para no perder detalle sobre Henry Méndez, sus próximos lanzamientos, videoclips y conciertos, puedes seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Pau Mueller presenta “Impares”, un nuevo single que marca un giro emocional en su trayectoria y confirma su capacidad para transformar la diferencia en un punto de encuentro. Lanzada en diciembre de 2025, la canción muestra una faceta más introspectiva de la artista, alejándose de la energía directa del reguetón para abrazar una narrativa pop sensible, honesta y profundamente humana.

“Impares” nace de una sensación universal: la de no encajar del todo. A partir de ahí, Pau construye una historia sobre dos personas que parecen opuestas en todo, pero que, contra todo pronóstico, logran armonizar. La letra recurre a metáforas musicales para describir una relación hecha de “desacordes descompuestos” que, poco a poco, encuentran su afinación. Es una canción que habla de contrastes, de ritmos raros y de patrones rotos, pero también de la magia que surge cuando alguien te entiende desde la diferencia.

El relato del single se expandió más allá de la propia canción a través de una original campaña en redes sociales, donde Pau Mueller presentó “Impares” como una serie de cinco cartas. En ellas fue desvelando una historia de polos opuestos: una persona que sobrepiensa cada decisión frente a otra más silenciosa y precisa; alguien que canta por los dos mientras el otro escucha. Una narrativa que conecta con quienes han amado desde lugares distintos y han descubierto que no hace falta ser iguales para funcionar.

Musicalmente, “Impares” apuesta por una melodía más contenida y confesional, dejando que la voz y la letra sean el eje central. El resultado es un tema cercano, casi susurrado, que invita a escucharlo con calma y a reconocerse en sus versos. La sensibilidad pop se mezcla con el bagaje cultural de Pau, creando un espacio sonoro donde la vulnerabilidad no es una debilidad, sino una forma de fortaleza.

Nacida en La Habana en diciembre de 2005 y criada entre Cuba y Suiza central, Pau Mueller representa una identidad híbrida que atraviesa toda su obra. Desde muy joven estudió piano y guitarra, y perfeccionó su técnica vocal con Mayito Rivera, integrante de Los Van Van. Su música se mueve con naturalidad entre el pop latino, el reguetón y la bachata, incorporando influencias tanto europeas como caribeñas, y alternando entre el español y el inglés en sus composiciones.

Tras darse a conocer masivamente en 2023 con “Bandida”, un tema que se volvió viral en TikTok, Pau ha trabajado con productores de proyección internacional como Yakozuki y Oscarcito, al tiempo que ha explorado formatos innovadores como los NFTs para lanzar su música. Esa inquietud creativa se refleja ahora en “Impares”, una canción que prioriza la emoción y el relato por encima del impacto inmediato.

Con este lanzamiento, Pau Mueller reafirma su talento para contar historias que conectan desde lo imperfecto y lo distinto, convirtiendo la falta de encaje en una declaración de identidad. “Impares” no busca respuestas absolutas, sino celebrar esas relaciones que, aun siendo desiguales, funcionan a su manera.

“Impares” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes descubrir esta nueva etapa más íntima de la artista. Para seguir de cerca el recorrido creativo de Pau Mueller, conocer sus próximos lanzamientos y proyectos, no dudes en acompañarla a través de sus redes sociales.

CD9 está de vuelta y lo hace en uno de los momentos más significativos de su historia. Con el lanzamiento de “ROCKSTAR”, la banda mexicana confirma oficialmente su regreso tras varios años de silencio y después de su separación en 2021, inaugurando una etapa que combina la esencia que los convirtió en un fenómeno con una actitud renovada, más madura y decididamente rebelde.

Publicado el 5 de diciembre de 2025 bajo el sello Universal Music México (EMI), “ROCKSTAR” no es solo un nuevo single, sino una declaración de intenciones. El tema apuesta por un pop latino enérgico que mezcla el sonido clásico de CD9 con matices actuales, mostrando una evolución natural tanto en lo musical como en lo emocional. La canción gira en torno a un intenso duelo de miradas y a una relación intermitente donde siempre hay alguien que se va, dejando al otro solo, “como un rockstar”, una metáfora que refleja desamor, orgullo y libertad desde una perspectiva más adulta.

Este regreso cobra aún más fuerza al contar con la alineación original y más icónica del grupo: Alan Navarro, Jos Canela, Alonso Villalpando, Freddy Leyva y Bryan Mouque. La vuelta de Jos, quien había salido del grupo en 2019, completa el reencuentro de los cinco integrantes que conquistaron a toda una generación de fans, las inseparables Coders, y que hoy conectan también con nuevas audiencias.

Formados en 2013 en la Ciudad de México, CD9 se convirtió rápidamente en uno de los proyectos más influyentes del pop en español. Desde sus primeros lanzamientos, destacaron por su autenticidad, su energía y una conexión directa con el público que transformó cada canción en una experiencia compartida. Su impacto fue tal que llegaron a obtener un Récord Guinness por la mayor cantidad de discos firmados de manera consecutiva, pasando más de 18 horas ininterrumpidas junto a sus fans.

A lo largo de su carrera, la banda evolucionó desde himnos juveniles como “Angel Cruel” hacia una exploración más amplia de sonidos, incluyendo incursiones en el género urbano. Ahora, con “ROCKSTAR”, CD9 busca consolidarse definitivamente como una banda pop adulta, consciente de su legado pero con la mirada puesta en el presente y el futuro.

El renacimiento de CD9 comenzó a gestarse a mediados de 2024 con “The Last Party Tour”, una gira que inicialmente fue planteada como despedida, pero que resultó ser tan exitosa —con múltiples fechas agotadas en la Arena Ciudad de México— que terminó cambiando el destino del grupo. Lejos de decir adiós, la respuesta del público y la conexión renovada entre los integrantes los impulsó a crear nueva música y abrir un nuevo capítulo en su historia.

Hoy, CD9 vuelve a posicionarse como una de las boybands latinas más relevantes, reafirmando ese vínculo multigeneracional que ha crecido con el tiempo y que sigue uniendo a miles de personas a través de la música, la amistad y la emoción compartida.

“ROCKSTAR” ya se encuentra disponible para escuchar en plataformas digitales. Para conocer más sobre CD9 y estar al tanto de sus próximos lanzamientos, giras y proyectos, no dudes en seguirlos a través de sus redes sociales.

Lucas Paulano inicia oficialmente su camino en la industria musical con el lanzamiento de “Todo sigue igual”, su primer single tras convertirse en uno de los grandes fenómenos musicales de 2025. El joven artista de Jaén, que con tan solo 9 años hizo historia al proclamarse ganador más joven de La Voz Kids España, presenta una canción cargada de emoción y sensibilidad que funciona como carta de presentación de su etapa post-concurso.

Natural de Jaén y nacido a finales de 2015, Lucas Paulano conquistó al público y al jurado durante su paso por el programa, formando parte del equipo de Manuel Turizo, quien se convirtió en su mentor a lo largo de la competición. Su victoria llegó gracias a interpretaciones llenas de madurez y sentimiento, especialmente con “Algo de mí” de Camilo Sesto, una actuación que marcó un antes y un después en su trayectoria y que hoy sigue siendo una de sus canciones más representativas.

“Todo sigue igual” simboliza ese momento de transición entre el fenómeno televisivo y el nacimiento de un artista solista con identidad propia. Aunque Lucas es ampliamente reconocido por su afinidad con las baladas clásicas y las grandes voces de la música en español, este nuevo tema lo sitúa dentro de un pop emocional y atemporal, pensado para consolidar su carrera más allá del formato televisivo. El título encierra un mensaje claro: pese al éxito repentino, la exposición mediática y los cambios inevitables, su esencia permanece intacta.

La canción habla de la ausencia, la memoria y la presencia emocional de alguien que ya no está, pero que sigue vivo en cada objeto, en cada rincón y en cada recuerdo. Con una letra delicada y profundamente visual, Lucas interpreta versos que evocan el hogar, el silencio y la nostalgia, transmitiendo una emoción que sorprende por su honestidad y profundidad a una edad tan temprana. Su voz, limpia y expresiva, vuelve a ser el centro de una historia que conecta desde lo sencillo y lo verdadero.

Este debut llega tras un año clave en su vida. Además del triunfo en La Voz Kids, Lucas recibió una beca de formación musical valorada en 10.000 euros y fue homenajeado oficialmente en el Ayuntamiento de Jaén, reconociendo así su impacto nacional y el orgullo que representa para su tierra. Su formación musical comenzó en casa, guiado principalmente por su padre, músico y figura fundamental en su desarrollo artístico, lo que explica la naturalidad y el respeto con el que aborda canciones de gran carga emocional.

Antes de su debut oficial, Lucas ya había participado en proyectos colectivos como el álbum Así canta nuestra tierra en Navidad (Vol. XLIII), donde interpretó el tema “Esto suena a navidad”, mostrando su versatilidad y su conexión con la música popular. Además, su llegada a La Voz Kids comenzó en el casting de Sevilla, al que se presentó animado por su hermano Marcos, un detalle que refuerza la importancia de su entorno familiar en todo este proceso.

Con “Todo sigue igual”, Lucas Paulano demuestra que su historia no fue un destello pasajero, sino el inicio de una carrera construida desde la sensibilidad, la constancia y el respeto por la canción. Un debut que no busca deslumbrar desde la grandilocuencia, sino emocionar desde la verdad, dejando claro que, aunque muchas cosas cambien, su forma de sentir y cantar permanece intacta.

“Todo sigue igual” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde el público puede descubrir el primer paso de esta nueva etapa artística. Para conocer más sobre Lucas Paulano y seguir de cerca sus próximos lanzamientos y proyectos musicales, no dudes en acompañarlo a través de sus redes sociales.

Andrea Gómez presenta “El Día De Navidad”, un single profundamente emotivo que nace desde lo íntimo y se abre paso como un refugio para todas aquellas personas que viven estas fechas con el corazón dividido por la distancia. Escrita originalmente para su hermana menor, Sara, la canción surge como un recordatorio sincero de presencia, amor y acompañamiento, incluso cuando los kilómetros separan los cuerpos pero no los sentimientos.

“El Día De Navidad” parte de una vivencia personal muy concreta, pero rápidamente trasciende su origen para convertirse en una dedicatoria universal. Andrea fue encontrando en su letra un significado más amplio, aplicable a despedidas que no son finales, a reencuentros que aún no llegan y a esos vínculos —familiares, amorosos o de amistad— que permanecen intactos pese al tiempo y la distancia. La Navidad, ese día especial que simboliza hogar y cercanía, se convierte aquí en el escenario emocional perfecto para expresar lo que muchas personas sienten y no siempre saben cómo decir.

Musicalmente, el tema se mueve con delicadeza y honestidad, poniendo el foco en la emoción y en la interpretación vocal. La producción, a cargo de Fabián “Farios” Ríos, acompaña la sensibilidad de la composición sin artificios innecesarios, dejando que la letra y la voz de Andrea Gómez sean las verdaderas protagonistas. El resultado es una canción cálida, cercana y profundamente humana, pensada para ser compartida y dedicada.

Andrea Gómez, cantante y compositora colombiana, encontró desde muy pequeña en la música su forma natural de expresión. Creció rodeada de instrumentos y melodías, influenciada por su entorno familiar y por géneros como el pop y el rock. De manera empírica aprendió a tocar piano, guitarra y ukelele, construyendo poco a poco un lenguaje musical propio basado en la emoción y la honestidad. Con tan solo 16 años debutó con su primer sencillo “Otra Vez Extraños”, una carta de presentación que ya dejaba entrever su sensibilidad artística y su capacidad para conectar con quienes han vivido el amor, la decepción o la esperanza.

Con “El Día De Navidad”, Andrea reafirma su intención de crear canciones que acompañen, que abracen y que sirvan como puente entre personas que se extrañan. Es un tema que invita a recordar que, incluso en la ausencia física, el amor sigue estando presente y vivo en el corazón.

“El Día De Navidad” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes dedicarla, compartirla y guardarla para esos momentos en los que la nostalgia aprieta un poco más. Si quieres seguir de cerca el camino artístico de Andrea Gómez y estar al tanto de sus próximos lanzamientos y proyectos, no dudes en acompañarla a través de sus redes sociales.

Laura Maré continúa consolidándose como una de las voces emergentes más interesantes del pop latino actual con el lanzamiento de su nuevo single “Cosas Buenas”, una canción que llega en noviembre de 2025 como un ejercicio de honestidad emocional y madurez artística. La artista colombiana firma un tema que pone palabras a una sensación compartida por toda una generación: la de sentir que la vida avanza para todos menos para una misma, incluso cuando alrededor “pasan cosas buenas”.

Bajo su nombre artístico, Maré —mar en latín—, Laura refleja la conexión profunda con las raíces de la costa atlántica colombiana que atraviesa su música. Esa identidad se traduce en un sonido fresco y cálido donde conviven el pop con ritmos tropicales como el bolero, la bachata y otros matices caribeños, sin renunciar a una fuerte carga narrativa centrada en las vivencias femeninas. En “Cosas Buenas”, esa narrativa se vuelve especialmente cercana, casi confesional.

La canción se adentra en los sentimientos de comparación, culpa y ansiedad que aparecen cuando los sueños parecen llegar tarde y el equipaje emocional pesa más de lo esperado. Versos como “veo la vida de otra gente y quiero pedirla prestada” o “viendo que pasan cosas buenas, pero no por aquí” funcionan como un espejo en el que muchas oyentes pueden reconocerse. Lejos de victimizarse, Laura Maré transforma esa fragilidad en un espacio de acompañamiento colectivo, invitando a levantar la mano a quienes se sienten igual.

Uno de los ejes más potentes del tema es la sororidad. “Cosas Buenas” no solo habla del deseo personal, sino también de aprender a desearle lo mejor a otras mujeres, incluso en contextos incómodos o dolorosos. La canción propone una mirada más amable hacia los propios procesos y hacia los de los demás, recordando que cada camino tiene su ritmo y que, aunque hoy no parezca, mañana quizá sí.

La producción corre a cargo de Mango, conocido por su trabajo con artistas como Morat o Cepeda, y aporta al single una atmósfera acústica y envolvente que acompaña a la perfección la voz de Laura Maré. El resultado es un tema íntimo y luminoso, pensado tanto para escuchas en solitario como para convertirse en un pequeño ritual compartido entre amigas.

Laura Maré, además de cantante y compositora, es politóloga y abogada, una formación que, según ella misma ha contado, le permite estructurar mejor sus letras y dotarlas de un trasfondo social claro. Esa mirada analítica se percibe en su manera de escribir: canciones que parten de historias reales —muchas de ellas de amigas cercanas— y que convierten el desamor, la duda y la vulnerabilidad en mensajes de empoderamiento y compañía.

Con “Cosas Buenas”, la artista da un paso firme hacia una etapa más reflexiva de su carrera, demostrando que el pop también puede ser un espacio para hablar de lo que duele, de lo que se cuestiona y de lo que se espera sin perder frescura ni cercanía. Una canción que no promete soluciones mágicas, pero sí la certeza de no estar sola en el proceso.

“Cosas Buenas” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Laura Maré, estar al tanto de sus próximos lanzamientos y proyectos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Tenerife Phe Festival comienza a desvelar los primeros nombres de su undécima edición, que se celebrará los días 4 y 5 de septiembre de 2026 en el municipio tinerfeño de Puerto de la Cruz. El festival anuncia un potente avance de cartel encabezado por Carlos Ares, Rufus T. Firefly, Barry B y la cantante argentina Natalia Doco, a los que se suman la británica Ona Mafalda y el artista canario Choclock, configurando un primer bloque de confirmaciones que refuerza la identidad musical del evento.

Estos seis artistas representan distintas formas de entender la música contemporánea, transitando entre el pop alternativo, el indie rock, la psicodelia, los sonidos urbanos, la fusión y la experimentación tecnológica. Un abanico estilístico que marca el punto de partida de una programación que seguirá creciendo en las próximas semanas con nuevas incorporaciones internacionales, nacionales y locales, y que consolida a Tenerife Phe Festival como una de las citas musicales más relevantes del verano en Canarias.

La organización ha dado a conocer este avance tras activar la venta de los primeros abonos a precio promocional Early Bird el pasado 14 de septiembre, fecha en la que también se anunció oficialmente la presencia de Carlos Ares. El festival afronta esta undécima edición con el objetivo de revalidar su carácter innovador y su apuesta decidida por la música en directo, reforzando una experiencia que combina conciertos, descubrimiento artístico y cultura contemporánea.

En 2026, Tenerife Phe Festival volverá a contar con dos escenarios dedicados a los directos, por los que pasarán proyectos consolidados y emergentes, además de Phe Club, el tercer espacio inaugurado en la pasada edición y centrado en la cultura de club, la electrónica y la música de baile. Este escenario complementario ofrecerá programación continua y la presencia de figuras destacadas de la escena electrónica, ampliando el espectro sonoro del festival y su vocación de encuentro cultural.

Entre los nombres internacionales confirmados destaca Natalia Doco, artista argentina afincada en París desde 2012, reconocida por un sonido que conecta continentes y generaciones a través de la fusión del folk argentino, la espiritualidad indígena y los ritmos urbanos. Su actuación en Phe Festival 2026 servirá para presentar su cuarto álbum de estudio, Hacha, cuyo lanzamiento está previsto para la primavera del mismo año. Una propuesta cargada de identidad, sensibilidad y fuerza ritual que promete ser uno de los momentos más especiales del festival.

También desde una perspectiva internacional llega Ona Mafalda, artista con raíces en Reino Unido y Bulgaria, cuya música combina la energía del rock alternativo con la sensibilidad del pop contemporáneo. Influenciada por referentes como Florence and the Machine, The Strokes, Blondie o Patti Smith, su proyecto se define por un sonido bilingüe y sin fronteras, intenso y emocional. En Puerto de la Cruz presentará Reset, su último trabajo, un viaje de guitarras eléctricas y pulsión vital.

El avance del cartel se completa con tres proyectos clave de la escena nacional. Carlos Ares, músico y productor gallego, fue una de las grandes revelaciones de la prensa especializada tras el lanzamiento de su álbum debut Peregrino en 2024, un trabajo de pop alternativo con mirada folk que le valió el premio al Mejor Álbum Pop en los Premios MIN. En mayo de 2025 publicó La Boca del Lobo, un segundo disco más complejo y experimental que confirma su evolución artística y que lo sitúa como una de las voces más interesantes del panorama actual.

Rufus T. Firefly, banda madrileña liderada por Víctor Cabezuelo y Julia Martín-Maestro, es considerada una formación de culto dentro del indie español. Con una trayectoria activa desde 2006, su sonido sofisticado y profundamente atmosférico se mueve entre el rock, la psicodelia y la emoción contenida. En 2025 regresaron con el disco Todas las cosas buenas, que presentarán en Tenerife junto a los grandes temas de su repertorio.

Por su parte, Barry B se ha consolidado como una de las revelaciones más magnéticas de su generación. El proyecto de Gabriel Barriuso García, nacido en Aranda de Duero, comenzó su camino en 2019 explorando sonidos frescos junto a artistas como Rusowsky y Ralphie Choo, hasta encontrar su identidad definitiva en el rock. En 2024 lanzó su álbum debut Chato, que incluye el ya icónico tema Yo pensaba que me había tocado Dios junto a Carolina Durante, y en septiembre de 2025 publicó el EP Infancia mal calibrada, un proyecto que ha agotado entradas en cada fecha de su gira y que lo llevará a Phe Festival en 2026.

Cerrando este primer avance aparece el nombre del canario Choclock, alias de Sergio Bruno Miguel Delgado, uno de los artistas más versátiles de la escena musical isleña. Productor y cantante, ha destacado por su capacidad para fusionar géneros y conectar con el público desde una propuesta que se mueve entre el R&B en español y los sonidos urbanos contemporáneos. Desde sus inicios en el colectivo BNMP, Choclock ha construido una identidad sólida que lo convierte en una de las apuestas locales más interesantes del cartel.

Con este primer anuncio, Tenerife Phe Festival 2026 comienza a tomar forma y reafirma su compromiso con una programación diversa, cuidada y abierta a diferentes sensibilidades musicales. Puerto de la Cruz volverá a convertirse en punto de encuentro para artistas, público y cultura, en una edición que promete consolidar al festival como un referente imprescindible del calendario musical canario.

Ana Sofi W, una de las voces emergentes más frescas del pop actual en México, sorprende esta temporada navideña con “Mi Carta a Santa”, un single lanzado en 2024 que se aleja conscientemente de los villancicos tradicionales para proponer una visión mucho más íntima, moderna y emocional de la Navidad. Con este tema, la artista demuestra que las canciones navideñas también pueden hablar desde la cercanía, el romance y la sensibilidad de una nueva generación.

“Mi Carta a Santa” se mueve en un terreno pop delicado, con claros matices de R&B y bedroom pop. La producción es minimalista pero meticulosa, dejando espacio para que la voz dulce y melódica de Ana Sofi W sea la verdadera protagonista. Todo está pensado para crear una atmósfera cálida y envolvente, perfecta para los días de frío, luces suaves y momentos de introspección propios de estas fechas.

En lo lírico, la canción da un giro tierno y actual a la tradición de escribirle a Santa Claus. Aquí no hay listas de regalos materiales ni deseos superficiales: el mejor obsequio es compartir la Navidad con esa persona especial. La letra apuesta por lo sentimental y lo romántico, conectando con quienes entienden que la verdadera magia de estas fechas está en la compañía, el afecto y los vínculos que reconfortan.

El impacto del single no tardó en sentirse en redes sociales, especialmente en plataformas como TikTok e Instagram, donde “Mi Carta a Santa” se convirtió en banda sonora de numerosos contenidos navideños. Su estética relajada y “coquette”, junto con su sonido suave y acogedor, la han hecho ideal para acompañar vídeos de invierno, decoraciones, cafés calientes y momentos cotidianos cargados de nostalgia y ternura.

Ana Sofi W es una cantante y compositora mexicana que ha ido ganando cada vez más tracción gracias a la autenticidad de sus letras y a una identidad visual muy cuidada. Forma parte de la nueva ola del pop mexicano, con un sonido introspectivo que aborda el amor, el desamor y las pequeñas escenas de la vida diaria desde una mirada muy cercana a la Generación Z. Canciones como “Acapulco”, “Luces de la Ciudad” y “Cuando Te Veo” marcaron el inicio de su crecimiento artístico y la posicionaron como una artista con una sensibilidad muy definida.

Uno de sus rasgos más distintivos es su timbre de voz suave y aireado, que transmite una sensación de intimidad constante, como si cada canción fuera una confesión al oído. Además, Ana Sofi W se involucra activamente en el concepto visual de sus proyectos, cuidando cada detalle de su imagen y de sus videoclips para que música y estética dialoguen de forma coherente.

Con “Mi Carta a Santa”, Ana Sofi W no solo suma una canción navideña a su repertorio, sino que reafirma su capacidad para reinterpretar emociones clásicas desde un lenguaje sonoro actual, cercano y honesto, conectando con un público que busca autenticidad incluso en las tradiciones más conocidas.

“Mi Carta a Santa” ya se encuentra disponible para escuchar en plataformas digitales. Para más información sobre la artista y sus futuros proyectos, no dudes en seguirla a través de sus redes sociales.

Ruslana acaba de dar un paso decisivo en su trayectoria con el lanzamiento de “Las guapas no morimos de verdad”, un single publicado el 19 de diciembre de 2025 que marca un antes y un después en su carrera. Lejos de ser una canción más, el tema se presenta como una declaración profunda sobre la permanencia, la identidad y la necesidad de dejar huella incluso cuando todo parece quebrarse por dentro.

En “Las guapas no morimos de verdad”, Ruslana reflexiona sobre la fragilidad y la fuerza que conviven en una misma persona. La letra habla de golpes, de sentirse rota, pero también de esa “guapura” interior y artística que no desaparece, que trasciende el dolor y se niega a morir. Es una canción que abraza la vulnerabilidad sin renunciar a la determinación, convirtiéndose en un himno íntimo sobre seguir adelante y permanecer fiel a la propia esencia.

A nivel sonoro, el single supone una evolución clara de su pop-rock característico hacia un terreno más maduro y experimental. Las guitarras siguen presentes, pero ahora conviven con texturas electrónicas, una producción más cruda y una atmósfera que refuerza el carácter confesional del tema. Todo suena más directo, más honesto y menos complaciente, como si Ruslana estuviera decidida a mostrarse sin filtros.

El videoclip acompaña esta idea con una propuesta visual cargada de simbolismo. El cuerpo y el movimiento adquieren un papel protagonista, utilizando el baile como herramienta de catarsis y liberación emocional. Cada gesto, cada desplazamiento, funciona como una extensión del mensaje de la canción: romper, recomponerse y seguir existiendo desde un lugar más auténtico.

“Las guapas no morimos de verdad” es además el primer adelanto de Catarsis, el nuevo EP de Ruslana que verá la luz en febrero de 2026. Este proyecto llega apenas un año después de su álbum debut, Génesis (2024), y supone, según la propia artista, su trabajo más introspectivo y honesto hasta la fecha. Catarsis se perfila como el cierre de una etapa y el nacimiento definitivo de una Ruslana que ya no solo interpreta, sino que cuenta su propia historia desde la experiencia y la verdad emocional.

Nacida en Bielorrusia en 2005 como Ruslana Panchyshyna, aunque canaria de corazón y residente en Madrid, la artista se dio a conocer al gran público tras su paso por Operación Triunfo 2023, donde se convirtió en la finalista más joven de su edición y logró un tercer puesto. Su energía arrolladora, su actitud rockera y su versatilidad sobre el escenario la posicionaron rápidamente como una de las figuras más carismáticas de su generación. Influenciada por bandas como Måneskin y Coldplay, Ruslana ha sabido diferenciarse del pop urbano más comercial gracias a una identidad marcada por la guitarra eléctrica y la intensidad emocional.

De cara a los próximos meses, Ruslana presentará este nuevo EP en una mini gira exclusiva que pasará por Madrid, Valencia, Barcelona y Bilbao entre febrero y marzo de 2026, con varias fechas ya agotadas, confirmando el sólido momento que atraviesa su carrera.

“Las guapas no morimos de verdad” ya se encuentra disponible para escuchar en plataformas digitales. Si quieres seguir el recorrido artístico de Ruslana, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, conciertos y proyectos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

José Romero presenta “Cádiz”, su nuevo single lanzado en diciembre de 2025, una canción que nace desde el corazón y se convierte en una declaración de amor directa a su tierra. Natural de Barbate, el artista firma un tema profundamente personal en el que Cádiz no es solo un lugar, sino una forma de sentir, de vivir y de entender la música. “Hago canciones porque no sé vivir sin ellas”, afirma Romero, y en este lanzamiento esa idea se traduce en emoción, nostalgia y verdad.

“Cádiz” destaca por una letra evocadora y descriptiva que retrata la esencia de la llamada Tacita de Plata con imágenes cotidianas y poéticas. Versos como “Cádiz, tus calles suenan todavía a piano y sal” capturan la atmósfera única de la ciudad, ese equilibrio entre mar, luz y memoria que define a la provincia gaditana. La canción funciona como un paseo emocional por sus calles, sus sonidos y sus silencios, conectando tanto con quienes han nacido allí como con quienes sienten un vínculo especial con el sur.

En lo musical, el tema se mueve en una fusión elegante de pop con matices flamencos y rumba, un sonido muy reconocible de la Bahía de Cádiz. La producción apuesta por una instrumentación orgánica, fiel al estilo habitual del artista, donde la guitarra española adquiere un protagonismo especial y sostiene el peso emocional de la canción. Todo está pensado para transmitir cercanía, autenticidad y ese pulso sureño que invita tanto a la reflexión como a un baile suave y natural.

José Antonio Romero Reyes cuenta con una trayectoria extensa y respetada dentro de la escena andaluza. Multinstrumentista desde muy joven, comenzó su camino en la música como baterista, influenciado por su formación en el colegio Vicente Aleixandre de Barbate. A lo largo de los años ha evolucionado de forma constante, pasando por proyectos como Infussion y Habanalup, hasta encontrar en su etapa en solitario un sonido más personal y definido.

Su carrera está marcada también por colaboraciones de gran nivel, habiendo compartido escenario y experiencias con artistas como Carlos Baute, Amaral, India Martínez o Los Rebujitos. En trabajos recientes, como su anterior single “Lo que no hice yo”, ya mostraba una clara inclinación hacia el pop-rock y el afropop latino, una mezcla que sigue ampliando en “Cádiz”, pero con un enfoque aún más emocional y arraigado a su identidad.

Muy querido en su pueblo natal, José Romero suele grabar sus videoclips en localizaciones reales de la provincia de Cádiz, reforzando esa autenticidad que tanto valoran sus seguidores. Su música no busca artificios, sino reflejar lo que es y de dónde viene, convirtiendo cada canción en un testimonio honesto de su camino vital y artístico.

“Cádiz” ya se encuentra disponible para escuchar en plataformas digitales. Para más información sobre el artista y sus futuros proyectos, no dudes en seguirlo a través de sus redes sociales.

Desde Jaén y con una luz propia que empieza a abrirse camino con fuerza, Carmen Ranea presenta “Abriendo Puertas”, su nuevo single y una reinterpretación personal del clásico de Gloria Estefan. La artista convierte esta canción en una propuesta fresca y actual que dialoga con el Flamenco Pop contemporáneo desde la autenticidad, la alegría y el respeto a la raíz.

En “Abriendo Puertas”, Carmen Ranea logra un equilibrio natural entre la rumba tradicional y un sonido pop moderno y luminoso. Su voz, marcada por sus orígenes andaluces, imprime cercanía y emoción a una canción que funciona como algo más que un cover: es una declaración de intenciones. El tema transmite optimismo, movimiento y verdad, invitando al oyente a dejarse llevar por el ritmo mientras conecta con un mensaje universal de apertura, ilusión y nuevos comienzos.

El lanzamiento llega en un momento clave para la joven artista, que ha experimentado una gran acogida orgánica en redes sociales. Su frescura, naturalidad y carisma han cautivado a miles de personas, posicionando a Carmen Ranea como una de las voces emergentes a seguir muy de cerca en este 2025. Su música refleja a una artista que canta desde la honestidad, avanzando con humildad pero con la determinación de quien tiene algo genuino que contar.

Nacida en Bailén en 2008, Carmen Ranea comenzó a destacar desde muy joven en reconocidos talent shows como Idol Kids y La Voz Kids, donde formó parte del equipo de Aitana. Su estilo combina el pop actual con sutiles y elegantes matices flamencos, construyendo una identidad propia que emociona y conecta. A pesar de encontrarse en los inicios de su carrera, cada nuevo lanzamiento confirma su potencial y su capacidad para sorprender.

“Abriendo Puertas” simboliza ese momento vital y artístico en el que todo empieza a tomar forma. Una canción que abre caminos, suma energía positiva y consolida a Carmen Ranea como una artista con proyección y una voz capaz de iluminar el panorama del Flamenco Pop actual.

“Abriendo Puertas” ya se encuentra disponible para escuchar en plataformas digitales. Para más información sobre la artista y sus futuros proyectos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Eva Calyza da un paso decisivo en su evolución artística con el lanzamiento de “Divino Clvb”, el nuevo single que forma parte de su recién estrenado EP homónimo. Este trabajo nace con una intención clara: llevar algunas de las canciones más representativas de su álbum debut “Marca Divina” al terreno nocturno, transformando su esencia original en experiencias pensadas para la pista de baile, la oscuridad y la catarsis colectiva.

Tras adelantar este nuevo imaginario con “Esta Rein4 Clvb” y “Suficient3 Clvb”, la artista madrileña presenta ahora el proyecto completo, un EP que no se limita al ejercicio del remix, sino que propone una auténtica subversión emocional y estética. “La premisa era moldear la sensación que te produce la canción, cambiarla y crear una subversión de las expectativas”, explica Eva Calyza, dejando claro que “Divino Clvb” no busca repetir fórmulas, sino expandir significados.

Para dar forma a este universo nocturno, Eva ha contado con una cuidada selección de artistas y productoras a las que admira profundamente. Nombres como LEMUS y perlapreciosa en “Niña Qu3 Clvb”, lila sky y KARMA en “Esta Rein4 Clvb”, Claudia Allmang y detunedfreq en “Suficient3 Clvb”, o Salomelody en “Blanca Serpient3 Clvb”, aportan nuevas lecturas a las canciones, sumando capas emocionales y transformando por completo su envoltorio sonoro. Cada colaboración amplía el relato original, demostrando cómo una misma letra puede mutar al cambiar de contexto, ritmo y textura.

El resultado es un EP tan diverso como coherente, donde conviven electrónica, trance, neoperreo o incluso rumba, unidos por una misma intención expresiva. Eva Calyza ha querido que cada productor o DJ llevara la canción a su propio terreno, creando una mezcla de géneros que refleja tanto la pluralidad de la escena actual como la libertad creativa que define su proyecto. “Para mí era crucial que cada persona implicada hiciera la canción suya”, señala la artista, subrayando la importancia del diálogo creativo en este trabajo.

Esa misma atención al detalle se traslada al plano visual. Las portadas, nuevamente diseñadas por Blarck, reinterpretan uno de los símbolos más potentes de “Marca Divina”: los claveles blancos. En “Divino Clvb”, estas flores se transforman, adoptando nuevos colores y asociándose a cada canción como si brillaran en la oscuridad, reforzando la idea de este tránsito hacia un mundo nocturno, sensual y reivindicativo.

Más allá de lo musical, “Divino Clvb” es un EP cargado de mensajes empoderadores. Habla de la necesidad de luchar por los sueños dejando atrás desigualdades, de la rabia que provocan las mentiras, y del conflicto constante entre mostrar la identidad propia o ajustarse a las expectativas impuestas. Todo ello desde una mirada honesta, combativa y profundamente personal, que consolida a Eva Calyza como una de las voces más interesantes de la nueva escena alternativa.

Vinculada a la música desde pequeña, Eva Calyza debutó en 2021 con “La Tarara”, aunque fue en 2025 cuando publicó su primer larga duración, “Marca Divina”, un álbum que marcó un antes y un después en su trayectoria. Desde entonces, ha ido revisitando ese universo a través de remezclas que culminan ahora en “Divino Clvb”, un trabajo potente, coherente y con una fuerte identidad artística que promete seguir generando conversación en los próximos meses.

“Divino Clvb” ya se encuentra disponible para escuchar en plataformas digitales. Para conocer más sobre Eva Calyza y estar al tanto de sus próximos lanzamientos y proyectos, no dudes en seguirla a través de sus redes sociales.

Danilo Pira desata “Correr”, su nuevo single y el cuarto y último lanzamiento de un año marcado por la actividad constante, la introspección y la urgencia creativa. El músico y poeta bogotano firma una descarga de rock alternativo que funciona como banda sonora para ese punto exacto en el que el cuerpo pide tregua, pero el instinto obliga a seguir avanzando. Una canción que habla de perseverancia, de velocidad y de la decisión inquebrantable de no detenerse cuando la meta ya se intuye cerca.

“Correr” encapsula la adrenalina de seguir adelante pese al agotamiento, convirtiéndose en un manifiesto sonoro sobre la resistencia personal. La canción plantea una pregunta universal —qué queda cuando ya no hay margen para retroceder— y responde desde la acción, desde el movimiento constante y la fe en el propio impulso. Es un tema que conecta con cualquiera que haya sentido la presión del tiempo, la lucha interna o la necesidad urgente de escapar hacia la libertad.

Producida por David Guns junto al colectivo Kaleido Music Lab, “Correr” es una pieza de alta combustión. Su estructura se apoya en una batería implacable que marca el ritmo de una carrera nocturna, un bajo firme que funciona como el asfalto bajo los pies y guitarras eléctricas que cortan el aire con tensión y liberación. El resultado es una atmósfera urgente, directa y emocional, que evoca la energía expansiva de The War on Drugs y la crudeza poética del rock en español, adaptadas a una sensibilidad contemporánea.

Versos como “Vuelvo a correr, y el destino bajo mis pies, esta vez no tengo nada que perder” no funcionan solo como declaración lírica, sino como el motor emocional que ha impulsado a Danilo Pira durante todo 2025. La canción se convierte así en un mensaje de empoderamiento para quienes conviven con su propia dualidad, entre el miedo y la determinación, entre el cansancio y la necesidad de avanzar.

Para Danilo Pira, la música es una herramienta de análisis y catarsis. Músico, filmmaker y cronista del caos melódico de Bogotá, su obra disecciona la realidad a través del sonido, transformando la emoción cruda en reflexión y la reflexión en canciones. Tras una década componiendo y escribiendo para otros proyectos, su faceta solista se consolida como un laboratorio sonoro sin filtros, donde el rock alternativo y la atmósfera del trip-hop colisionan con la narrativa del rap y la cadencia del jazz, creando paisajes cinematográficos que invitan a ser habitados.

Con cada lanzamiento, y especialmente con la mirada puesta en su próximo álbum debut “Rompiendo Espejos”, Danilo Pira reafirma su identidad como una de las voces más honestas y enérgicas de la escena alternativa latinoamericana. “Correr” no solo cierra un ciclo prolífico de estrenos, sino que deja claro que su propuesta artística avanza sin frenos, impulsada por la necesidad de confrontar, romper y seguir.

Skyreaders presenta “Even When It’s Wrong”, un nuevo single que se adentra sin filtros en los territorios más oscuros del deseo y la dependencia emocional. Con una estética que se mueve entre el dark R&B y el alt-pop, la canción se construye como un retrato íntimo de esas relaciones a las que se vuelve incluso cuando se sabe que acabarán haciendo daño, una confesión nocturna pensada para corazones en conflicto y emociones que no encuentran salida.

“Even When It’s Wrong” habla de la adicción a un amor que consume, de la imposibilidad de soltar a alguien aunque la razón advierta del peligro. Skyreaders pone el foco en esas dinámicas tan reconocibles de los amores tóxicos y las situationships, donde la atracción pesa más que la lógica y cada reencuentro se convierte en un acto de rendición. La canción captura esa tensión constante entre el placer y la autodestrucción, envolviendo al oyente en una atmósfera densa, sensual y cargada de melancolía.

A nivel sonoro, el tema destaca por una producción cuidada y envolvente, con bases profundas, texturas nocturnas y una interpretación emocional que conecta de forma directa con quien escucha. El resultado es un track oscuro pero accesible, pensado tanto para escuchas introspectivas como para acompañar trayectos solitarios en coche de madrugada. Su carácter pegadizo y elegante sitúa a Skyreaders en una línea cercana a referentes del género como The Weeknd, dvsn o H.E.R., sin perder una identidad propia marcada por la honestidad emocional.

Con “Even When It’s Wrong”, Skyreaders reafirma su capacidad para transformar emociones complejas en canciones que dialogan con una generación acostumbrada a amar desde la contradicción. Un single que no juzga, sino que observa y acompaña, convirtiéndose en banda sonora de esos vínculos que duelen, pero de los que cuesta escapar.

“Even When It’s Wrong” ya se encuentra disponible para escuchar en plataformas digitales. Para más información sobre el artista y sus futuros proyectos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.