Gio del Barrio presenta “Raíz”, su nuevo sencillo y una pieza que nace desde el lugar más íntimo y personal que puede habitar un artista: la observación de sus propios hijos mientras juegan y sueñan. El tema, que surge de la pureza de esas miradas infantiles, se despliega como un regalo de un padre a sus hijos, una forma de acercarlos al mundo de la música y, con suerte, hacer que la amen tanto como él.

La canción tuvo un origen espontáneo y fresco. El riff de guitarra que la sustenta surgió mientras Gio improvisaba un día cualquiera, sin buscarlo, sin forzarlo. Esa naturalidad inicial se ha mantenido a lo largo de todo el tema, impregnando cada nota con la misma libertad con la que los niños juegan cuando nadie los observa. La letra, por su parte, nació directamente de la contemplación de sus hijos en movimiento, de esa capacidad que tienen para habitar mundos imaginarios con una entrega total.

“Raíz” es, en esencia, una canción sobre los orígenes, sobre aquello que nos sostiene y nos define incluso cuando crecemos y nos alejamos. La letra busca ser diferente, alejarse de los lugares comunes para conectar con una audiencia universal a través de la honestidad más básica. Habla de esa conexión fundamental que existe entre padres e hijos, de la transmisión de valores, de la música como herencia emocional.

El videoclip que acompaña al sencillo incorpora un elemento especialmente significativo: los hijos de Gio aparecen en su versión animada, preservando ese espíritu ligero y lleno de imaginación que inspiró la canción desde el principio. La decisión de animarlos responde al deseo de proteger su intimidad sin renunciar a hacerlos partícipes de un proyecto que, al fin y al cabo, está dedicado a ellos. Las imágenes animadas refuerzan esa atmósfera de sueño y fantasía que atraviesa todo el tema.

Gio del Barrio construye así una propuesta que trasciende lo meramente musical para convertirse en un testimonio vital. “Raíz” no es solo una canción; es un documento, una cápsula del tiempo que captura un momento de paternidad consciente y de amor en estado puro. Es la prueba de que la música puede ser muchas cosas a la vez: arte, juego, legado y, sobre todo, una forma de decir “te quiero” sin necesidad de usar esas palabras.

El artista se muestra disponible para proporcionar cualquier material adicional o detalle que pueda ser necesario, consciente de que esta canción, por su carácter tan personal, puede despertar el interés de quienes buscan en la música algo más que entretenimiento.

“Raíz” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de ternura y frescura que Gio del Barrio ha sabido capturar con la sensibilidad de quien observa a sus hijos jugar y entiende que ahí, en ese momento aparentemente trivial, está todo lo que realmente importa. Una canción para padres, para hijos y para todos aquellos que alguna vez han sido niños y recuerdan la magia de aquellos días.

Pk Project, el proyecto musical del productor Peter, presenta “Me Mulata”, el nuevo sencillo que forma parte de su cuarto álbum de estudio, un trabajo que reúne once emociones rastreadas alrededor del mundo. El disco, titulado “World Tracker”, se despliega como un viaje sonoro que atraviesa géneros y continentes, desde el dance y el house más potentes hasta atmósferas espaciales y vibraciones jazzy, invitando al oyente a perderse en el ritmo.

El álbum arranca con “World Tracker”, un tema que funciona como carta de presentación del sonido global que define el proyecto. Rápido y fluido, fusiona jazz y techno con una naturalidad sorprendente, demostrando que géneros aparentemente opuestos pueden encontrar un territorio común cuando la sensibilidad musical es la guía. La canción establece el tono de lo que está por venir: un recorrido sin fronteras donde cada pista ofrece una experiencia única.

“Stuck In A Dream” se adentra en territorios de R&B con vocación jazzy, una reflexión sonora sobre esos sueños que necesitan un empujón para hacerse realidad. “Heavy Load” cambia radicalmente de registro y se presenta como un gran tren de vapor en marcha, combinando disco, house y rock en una mezcla diseñada para mover el cuerpo sin remedio. La energía es arrolladora, la invitación al movimiento, irresistible.

El viaje continúa con “Aurora Says No”, otra incursión en el espacio exterior con un groove hipnótico, y “Brooklyn Techno”, un tema dance fresco que juega con la sonoridad del nombre más que con una referencia geográfica concreta. “Dogma Of The 80’s” aporta una capa de melancolía poderosa, combinando cuerdas clásicas con bases disco para evocar tiempos pasados con una mirada profundamente emocional.

“Low Gravity” propone un pequeño viaje al espacio, una pausa para días perezosos donde dejarse llevar. “Stranded In Jamaica” recupera la tradición del Steady-Rock jamaicano con vibras positivas que invitan a la celebración. Y “Song For Goska” emerge como uno de los momentos más personales del disco: dedicado a una mujer polaca enamorada del jazz, el tema es un homenaje en forma de melodía que captura la esencia de ese amor compartido por la música.

“Carried Away” transporta al oyente a un cielo azul y jazzy, mientras que “Condor's Groove” cierra el álbum con una propuesta fresca que combina vibraciones andinas con sensaciones relajadas de isla, un final perfecto para un viaje que ha recorrido el mundo sin moverse del estudio.

“Me Mulata”, el sencillo destacado, se inserta en este universo con personalidad propia, aunque la información disponible no detalla específicamente sus características. Lo que sí queda claro es que el álbum completo es una declaración de intenciones: Pk Project no se conforma con un solo género, sino que busca tender puentes entre tradiciones musicales diversas para crear algo nuevo.

Detrás de este proyecto está Peter, un músico que se define a sí mismo con una frase que resume toda una filosofía: “demasiado viejo para el rock'n'roll, pero demasiado joven para morir”. Amante de la batería, su verdadera vocación siempre fue ser productor musical. En 2016, cuando los ordenadores alcanzaron la potencia necesaria, decidió que era el momento de hacer realidad ese sueño. Así nació Pk Project.

El primer paso fue asegurar una identidad única, comprobando que los dominios pk-project.com y pk-project.de estuvieran disponibles. El primer año lo dedicó a familiarizarse con las herramientas digitales y a crear sus primeras canciones. Aunque tenía experiencia en grabación y mezcla analógica, el mundo digital le ofreció la posibilidad de crear música sin necesidad de grandes equipos técnicos, democratizando el proceso creativo y permitiéndole experimentar sin límites.

Como proyecto de estudio, Pk Project busca mezclar géneros como la electrónica y el dance con elementos de músicas latinas o africanas, incorporando instrumentos tradicionales y clásicos. El R&B y el funk también tienen un lugar destacado en esta propuesta que aspira a sonar como una banda real tocando con groove y profundidad. Todo ello, además, mezclado para ser escuchado en grandes altavoces, porque la música de Pk Project está pensada para sentirse en el cuerpo tanto como en el alma.

La artista española Caluu C. y el cantante dominicano J Capell presentan “QUIERO”, su nuevo sencillo y una propuesta vibrante cargada de ritmo que promete marcar un antes y un después en sus respectivas trayectorias. Producido por Kilo Beats, el tema se despliega como una fusión potente de sonidos urbanos actuales con una energía contagiosa que atrapa desde los primeros compases, destacando por su fuerza, frescura y una química artística que eleva esta colaboración a un nivel internacional.

La canción nace del encuentro entre dos mundos musicales que, aunque geográficamente distantes, encuentran un territorio común en la intensidad y la pasión por el género urbano. La voz de Caluu C., con su personalidad arrolladora y su carácter auténtico, se entrelaza con el flow versátil de J Capell, creando un diálogo sonoro que traspasa fronteras y conecta con una audiencia global. El estribillo, directo y pegadizo, se instala en la memoria desde la primera escucha, invitando a corear ese “QUIERO” que funciona como declaración de intenciones y como grito compartido.

J Capell ha logrado viralizar varias de sus canciones en países como Francia y Guinea, consolidándose como una figura clave dentro de la nueva ola urbana internacional. Su versatilidad y proyección global lo posicionan como uno de los talentos dominicanos con mayor impacto fuera de su país, capaz de adaptarse a distintos estilos sin perder la esencia que lo define. Su participación en “QUIERO” aporta una dimensión internacional que enriquece la propuesta y la sitúa en un mapa más amplio.

Por su parte, Caluu C. continúa demostrando por qué es una de las artistas españolas con mayor crecimiento dentro de la escena actual. Con éxitos que han logrado viralizarse y una presencia única que combina personalidad, carácter y autenticidad, la cantante sigue construyendo una identidad artística sólida y diferenciada. Esta colaboración ha sido interpretada como un movimiento estratégico y ambicioso que podría marcar un punto de inflexión en su carrera, abriéndole puertas más allá de nuestras fronteras y consolidando su nombre en el panorama internacional.

El videoclip de “QUIERO” fue rodado en Madrid y producido por Yourbercover, aportando una estética pasional, elegante y de gran calidad visual que refuerza la intensidad del tema. Las imágenes, cuidadosamente compuestas, funcionan como una extensión natural de la música, creando una experiencia inmersiva donde cada plano subraya la emoción que la letra transmite. La propuesta audiovisual acompaña perfectamente la fuerza emocional y rítmica de la canción, consolidando el lanzamiento como una apuesta integral y cuidada al detalle.

La producción de Kilo Beats merece una mención especial. El productor ha sabido construir una base sonora que sostiene el pulso del tema sin eclipsar nunca a las voces, permitiendo que la química entre los dos artistas fluya con naturalidad. Los graves contundentes, los sintetizadores envolventes y los ritmos bailables se combinan para crear una atmósfera que invita al movimiento y a la celebración.

Con “QUIERO”, Caluu C. y J Capell presentan una colaboración de alto impacto que combina talento, visión internacional y una producción sólida, reafirmando su lugar en la escena urbana actual. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa energía compartida que solo surge cuando dos artistas se encuentran en el momento justo y con la canción adecuada. Una apuesta que confirma que la música no entiende de fronteras y que, cuando la química funciona, el resultado puede ser explosivo.

El artista urbano Dalex presenta “Honguito”, su nuevo sencillo y una colaboración de alto calibre junto al reconocido cantante Farruko. El tema, que ya está disponible en todas las plataformas digitales, fusiona el reguetón con el R&B para dar como resultado un sonido moderno y envolvente que reafirma el estilo melódico y sensual que ha caracterizado al cantante dentro del género urbano. Este lanzamiento marca oficialmente el arranque de una nueva etapa en su carrera, ahora bajo el sello Serving Sounds, con el que apuesta por una evolución sonora más madura, competitiva e internacional.

La canción se despliega con un ritmo pegadizo que atrapa desde los primeros compases. La producción, cuidada y actual, envuelve la voz de Dalex en una atmósfera que respira sensualidad sin renunciar a la contundencia rítmica del reguetón. La colaboración con Farruko aporta una dimensión adicional al tema, sumando la experiencia y el flow de uno de los nombres más consolidados de la escena urbana internacional. Juntos construyen un diálogo vocal que fluye con naturalidad, demostrando la química artística que surge cuando dos talentos se encuentran en el estudio.

“Esta canción con Farruko es el arranque de algo muy grande”, ha expresado Dalex sobre este lanzamiento. Sus palabras reflejan la importancia que concede a esta colaboración, concebida como el primer paso de una nueva fase creativa que promete traer importantes novedades en los próximos meses. El artista ha preparado una serie de lanzamientos que incluyen colaboraciones con artistas de alcance internacional, tras un 2024 en el que trabajó junto a Justin Quiles, Sech, Lenny Tavárez y Dímelo Flow en el proyecto “The Academy: Segunda Misión”.

El estreno viene acompañado de un videoclip dirigido por Motta y grabado en las calles de Colombia. La estética visual, cuidada y vibrante, complementa a la perfección la energía seductora del tema, trasladando a imágenes esa mezcla de deseo y ritmo que atraviesa la canción. Las calles colombianas se convierten en el escenario perfecto para una historia de atracción y complicidad que refuerza el mensaje de la letra.

Pedro David Daleccio, conocido artísticamente como Dalex, es uno de los artistas latinos de música urbana y reguetón más influyentes y destacados de la actualidad. Su irrupción a nivel internacional llegó en 2018 con el éxito “Pa’ Mi” Remix junto a Rafa Pabón, un tema que alcanzó el puesto número 1 en el Global Viral 50 de Spotify en 17 países y el número 1 en el Top 100 de Apple Music en 4 países. La canción fue certificada 3x Platino por la RIAA y nombrada por Rolling Stone como una de las “Songs You Need to Know”. Poco después, Billboard lo reconocía como nuevo “Latin Artist on the Rise”.

En mayo de 2019, Dalex lanzó su primer álbum de estudio, “Climaxxx”, que permaneció durante 34 semanas consecutivas en la lista Latin Rhythm Albums de Billboard y fue nombrado por la revista Vibe como uno de los “Best Latinx Albums 2019”. El disco alcanzó la posición 13 en Billboard Top Latin Albums, consolidando su presencia en la escena global.

En 2021 presentó “Unisex”, un álbum que llegó al número 10 en Latin Rhythm Albums de Billboard y al número 14 en Latin Albums Chart. Además, alcanzó el número 2 en Top Albums Latin de iTunes y el número 7 en la lista general de Top Albums en todos los géneros, demostrando su capacidad para conectar con audiencias masivas sin perder su esencia.

En 2023, Dalex estrenó el EP “Reggaetón Sex”, continuando con su exploración de los sonidos urbanos y del reguetón. Y en 2024, como ya se ha mencionado, participó en “The Academy: Segunda Misión” junto a Justin Quiles, Sech, Lenny Tavárez y Dímelo Flow, un proyecto que consolidó aún más su estatus dentro de la escena musical latina.

Ahora, con “Honguito”, Dalex inicia una nueva etapa que promete llevar su carrera a cotas aún más altas. Bajo el paraguas de Serving Sounds, el artista se prepara para conquistar nuevos territorios y seguir demostrando por qué es considerado una de las voces más importantes del latin R&B contemporáneo.

“Honguito” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de sensualidad y ritmo que Dalex y Farruko han sabido construir con oficio y sensibilidad. Una canción para quienes entienden que la música urbana, cuando se hace bien, puede ser mucho más que un simple entretenimiento: puede ser también una declaración de intenciones.

Desde Bayamón, Puerto Rico, surge una de las nuevas voces que está comenzando a llamar la atención dentro del movimiento urbano. Yovng Manota, conocido como “La mano que más pesa”, es un artista boricua de apenas 20 años, criado entre Puerto Rico y Orlando, Florida, que está construyendo un sonido auténtico capaz de conectar con una generación que busca música real, sin filtros ni artificios. Con el lanzamiento de “Ojos Rojos”, su nuevo sencillo, el joven cantante da el pistoletazo de salida a una nueva etapa en su carrera, respaldado por el sello Gogo Music, y se posiciona como uno de los talentos a seguir dentro de la nueva ola urbana.

“Ojos Rojos” aborda ese amor que cuesta soltar, esas noches sin dormir en las que los recuerdos persisten y la atracción sigue viva aunque el orgullo diga lo contrario. La canción se sumerge en la complejidad de los sentimientos que se niegan a desaparecer, en esa mezcla de nostalgia y deseo que muchos han experimentado pero pocos expresan con tanta claridad. El coro, honesto y directo, captura a la perfección esa dualidad emocional, convirtiendo el tema en un himno para quienes han amado y sufrido a partes iguales.

La producción mantiene una atmósfera nocturna y sensual, con un sonido que fusiona el reguetón con matices de hip-hop, creando una vibra íntima pero intensa que envuelve al oyente y lo transporta a ese territorio donde la razón y el corazón pelean sin tregua. Cada elemento sonoro está cuidado al detalle para sostener la emoción que la letra transmite, logrando un equilibrio difícil entre la contundencia rítmica y la delicadeza de los sentimientos.

Yovng Manota comenzó a grabar a los 17 años desde su propio espacio, sin grandes recursos pero con una mentalidad clara y una disciplina constante. Su crecimiento ha sido orgánico, fruto del trabajo y la perseverancia. A los 18, sus temas empezaron a circular con fuerza en redes sociales gracias a su forma directa de escribir, su entrega emocional y esa autenticidad que rápidamente conectó con miles de jóvenes que se sintieron identificados con sus letras. Su estilo nace de influencias del reguetón clásico y el hip-hop de los 2000, pero logra llevarlo a un territorio propio, con un delivery limpio y una narrativa que convierte cada canción en una experiencia visual.

Su reciente firma con el sello disquero Gogo Music marca un antes y un después en su carrera. Esta alianza apuesta por el desarrollo estructurado de su propuesta y su proyección tanto dentro como fuera de Puerto Rico, brindándole las herramientas necesarias para que su talento pueda llegar más lejos sin perder la esencia que lo define.

El apodo de “La mano que más pesa” no es casualidad. Cada verso que escribe tiene intención, emoción y una carga real que se siente genuina. Yovng Manota no busca ser uno más dentro del movimiento; su objetivo es representar a su generación con honestidad, crear un sonido que perdure y construir una carrera sólida basada en identidad y consistencia. No le interesan las métricas vacías ni las tendencias pasajeras; prefiere ir paso a paso, construyendo sobre cimientos firmes.

Con “Ojos Rojos”, una propuesta emocional y una estructura profesional detrás de su desarrollo, Yovng Manota da un paso al frente y demuestra que tiene mucho que ofrecer. El tema ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de noches sin sueño y amores que pesan más de lo que deberían. Una canción para quienes entienden que, a veces, lo más difícil no es amar, sino aprender a soltar lo que ya no nos hace bien. La invitación es a seguirlo en sus redes como @yovngmanota y descubrir por qué su mano empieza a pesar en la escena urbana.

La cantautora costarricense Melany Cubero estrena “Invisible”, su segundo álbum de estudio, un trabajo conceptual de ocho canciones que explora todo aquello que no se ve pero nos sostiene. El disco, disponible desde el 20 de febrero de 2026, sumerge al oyente en una atmósfera envolvente que transita por los territorios del pop, el soul y el R&B, fusionando elementos electrónicos con interpretaciones vocales que oscilan entre la intimidad más delicada y la potencia más arrolladora.

El álbum se despliega como una invitación a la introspección, a mirar hacia dentro y reconocer esas fuerzas invisibles que nos mantienen en pie incluso cuando todo parece derrumbarse. Con una producción cuidada que privilegia los matices y las texturas sonoras, “Invisible” construye un universo propio donde lo etéreo y lo tangible se encuentran, donde la música se convierte en vehículo para explorar las emociones que no siempre encuentran palabras.

Con este lanzamiento, la artista fortalece su posicionamiento dentro de la nueva escena alternativa centroamericana, apostando por una identidad musical que incorpora mensajes más luminosos sin perder la profundidad que la caracteriza. La propuesta estética acompaña el concepto: una narrativa visual sutil y minimalista que remite a lo etéreo, creando una experiencia integral donde cada elemento —sonido, imagen, texto— dialoga en armonía.

La pasión innata de Melany Cubero por el arte la llevó por el camino de la música, convirtiéndose en cantante, compositora y productora de su propio concepto. Con una voz prodigiosa e imponente, letras profundas y melodías creativas, revela de manera misteriosa algunos de sus sentimientos más íntimos. Amante del soul y el R&B, ha dejado que sus canciones fluyan bajo el modelo de intérpretes y compositores brillantes como Mariah Carey, Fiona Apple, Amy Winehouse y otros referentes que han marcado su formación artística.

Su primer trabajo discográfico fue “Oscura Luz”, un LP de once canciones lanzado en 2016 que ya apuntaba las cualidades que desarrollarían más adelante. Le siguió “O.L.V.A. (Deluxe)”, un EP publicado en 2019 que recopilaba remixes y nuevas versiones de algunas de sus composiciones, mostrando una evolución en su sonido y una voluntad de experimentación que ahora encuentra su culminación en “Invisible”.

“Invisible” se presenta como una obra conceptual en el sentido más profundo del término. Las ocho canciones que lo componen están unidas por un hilo conductor temático y sonoro que las convierte en piezas de un mosaico mayor, pero cada una puede ser disfrutada también de manera independiente. La producción, cuidada al detalle, crea atmósferas que envuelven al oyente y lo transportan a ese espacio interior donde las certezas se desdibujan y las preguntas más importantes encuentran eco.

Con este álbum, Melany Cubero se posiciona como una artista con proyección regional, capaz de construir universos estéticos propios y de conectar con una audiencia que valora la autenticidad, la introspección y la innovación sonora. “Invisible” se convierte así en una obra adaptable a playlists de pop alternativo, electrónica indie y propuestas femeninas emergentes en Latinoamérica, demostrando que la música centroamericana tiene mucho que decir en el panorama contemporáneo.

El disco ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en ese viaje hacia lo invisible que Melany Cubero ha construido con sensibilidad y oficio. Una obra para quienes entienden que lo más importante, a menudo, no se ve.

El pasado 19 de febrero, Natalia Lacunza recaló en Paral·lel 62, la sala anteriormente conocida como BARTS, en la que fue la quinta parada de su actual gira de salas, iniciada el 15 de enero en la Sala Capitol de Santiago de Compostela. La cita, además, formaba parte del Banco Mediolanum Festival Mil·lenni, consolidando la noche como uno de los eventos destacados del ciclo barcelonés. A sus lados, como ya es costumbre, estuvieron Teresa Gutiérrez, más conocida artísticamente como Ganges, a los teclados y Paula Ruiz, alias Paula Mira, al bajo. Las tres colaboran de forma estable desde 2020 y se han convertido en una pieza clave para trasladar al escenario la identidad sonora de sus canciones.

Desde el primer minuto quedó claro que no sería un concierto al uso. Sin largas pausas ni discursos extensos salvo un brindis con el público, la cantante apostó por un formato muy directo: canción tras canción, sin apenas tregua, dejando que la música fuese el verdadero canal de comunicación con el público que llenaba su teléfono móvil de manera constante con clips de canciones de la artista. El repertorio arrancó con un claro protagonismo de su último trabajo, N2STAL5IA, cuyos temas fueron desgranándose con intensidad, marcando el pulso inicial del concierto.

A medida que avanzaba el concierto, Natalia Lacunza fue equilibrando el setlist con canciones más reconocidas de etapas anteriores, logrando que la sala coreara con la misma fuerza tanto lo nuevo como lo ya consolidado. La estructura del show estuvo medida al detalle: un arranque directo, seguido de tramos más calmados que permitieron bajar revoluciones pero sin perder atención. Fue en ese tramo medio donde se produjo uno de los momentos de mayor conexión emocional, con la interpretación de Otro culito, coreada con complicidad por un público entregado, si bien canciones como Cuestión de suerte son temas que siempre hacen animar al público. 

La recta final llegó por todo lo alto cuando sonó PREFIERO, tema para el que Natalia Lacunza invitó al escenario a María Escarmiento. La aparición desató la euforia colectiva: la pista, completamente llena, estalló en saltos y gritos, todos los móviles se alzaron al aire en función grabado, convirtiendo el cierre en una auténtica celebración compartida que recordar.

Lo que quedó patente es que Natalia Lacunza ha encontrado una fórmula sólida y que funciona sobre el escenario, y que Barcelona es lugar de éxito para ella. La cantante combina distintos ritmos y tempos, jugando con la brevedad característica de las canciones actuales, sin renunciar a espacios donde desplegar matices vocales, íntimos y emocionales pero con letras juveniles y cercanas. Mantener la atención constante de un público mayoritariamente joven no es tarea sencilla, pero la artista demuestra dominar ese equilibrio entre inmediatez y construcción de atmósferas. En Paral·lel 62, volvió a confirmarlo.

Artículo de Eva Ladevesa (twitter.com/miviajemusical) para ElFiesta.es

La agrupación musical Zircon Skyeband anuncia el lanzamiento a nivel mundial de su nuevo EP, “Catch A Falling Star”, ya disponible en todas las principales plataformas de streaming. Este trabajo de cinco canciones, publicado el pasado 31 de enero de 2026, sumerge al oyente en paisajes sonoros cautivadores donde las voces vibrantes, las melodías de trompeta y los impresionantes riffs de guitarra se combinan para crear una atmósfera de calidez y alegría contagiosa.

El EP se despliega como un viaje musical que demuestra la notable habilidad de la banda para infundir pasión y destreza en cada interpretación. Desde la pista que da título al trabajo, “Catch A Falling Star”, irradia una calidez juguetona que invita a cantar a pleno pulmón. Las voces principales hipnotizan mientras los coros brillan en un intercambio lúdico con el ritmo, creando una experiencia musical irresistible que atrapa desde la primera escucha.

Uno de los momentos más destacados del EP es su versión de “Careless Whisper”, el clásico originalmente lanzado por Wham! (George Michael y Andrew Ridgeley). La reinterpretación de Zircon Skyeband brilla con creatividad y presenta algunos giros sonoros inesperados, junto a una sección final adicional que resulta puro deleite. Una muestra de cómo la banda consigue honrar el original mientras imprime su sello personal, convirtiendo el tema en algo fresco y sorprendente.

Pero no todo son versiones. Zircon Skyeband también está construyendo un legado significativo con sus composiciones originales, como demuestra “Rather Walk Beside You”. Este tema presenta su característico sonido despojado pero elegante, rebosante de emoción genuina, un estilo inconfundible y una narrativa lírica auténtica que bebe directamente de la vida real. Una canción que funciona como declaración de principios y como ejemplo de hacia dónde quiere ir la banda.

El tema “I Saw the Light” se erige como otro de los momentos cumbre del EP. Un experto de la industria lo resumió a la perfección: “Con sus melodías soñadoras, expresión sincera y una producción brillante, 'I Saw The Light' es un retrato profundo de la revelación del amor que permanece en el oyente mucho después de que la última nota ha sonado”. Una descripción que captura la esencia de una canción que trasciende lo meramente auditivo para convertirse en experiencia emocional.

La versión de “Cut Across Shorty” demuestra la versatilidad de la banda y su capacidad para atraer a oyentes de todo el mundo con un clásico querido, maravillosamente reimaginado. Una muestra más de cómo Zircon Skyeband está creando su propio espacio dentro del universo musical con sus reinterpretaciones imaginativas de temas conocidos, cada una imbuida de su atractivo único.

Zircon Skyeband está generando un impacto creciente en la escena musical, dejando una huella duradera con sus melodías hipnóticas, armonías brillantes, letras sinceras y ritmos innovadores. Su presencia se extiende también al ámbito visual, con una creciente base de seguidores en YouTube gracias a sus creativos videoclips. Con el lanzamiento del video para “Catch A Falling Star”, la banda completa ahora una impresionante lista de trece vídeos, una colección que convierte a oyentes ocasionales en seguidores devotos, fotograma a fotograma.

Las entrañables historias que construyen en cada entrega visual refuerzan la conexión con un público que valora la autenticidad y el cuidado artesanal. Una forma de entender la música como experiencia integral, donde el sonido y la imagen dialogan en igualdad de condiciones.

“Catch A Falling Star” ya está disponible para streaming en Spotify, Apple Music, Amazon Music, YouTube y todas las plataformas donde los amantes de la música deseen descubrirlo. Una invitación a dejarse llevar por las vibrantes texturas sonoras de una banda que demuestra, tema tras tema, que su capacidad para crear aventuras musicales inolvidables es verdaderamente mágica. Los interesados en mantenerse conectados con todas las novedades de Zircon Skyeband pueden seguirles en Facebook para acceder a avances exclusivos y ser los primeros en escuchar la inspiración que está por venir.

AKIBA' LKIMISTE, el proyecto del artista independiente originario de Valencia, España, presenta “DU ROCK DU SEXE”, su nuevo sencillo y una propuesta que abraza una energía mucho más cruda y directa de lo que nos tenía acostumbrados. El tema, lanzado bajo la denominación CUAL by AKIBA'LKIMISTE, refuerza la imagen de un creador que no teme mezclar idiomas, conceptos provocativos y actitud transgresora, manteniéndose fiel a su filosofía de independencia creativa absoluta.

La canción se despliega como un estallido de autenticidad. Tal y como su título anticipa, “DU ROCK DU SEXE” apuesta por una energía rockera y sin concesiones, alejándose de los territorios más melódicos y emocionales que el artista ha explorado en otras entregas como “Reviens”. Aquí hay una actitud diferente, más desafiante, más física, que conecta con la esencia más primaria del rock y lo fusiona con esa identidad personal que atraviesa toda su obra.

AKIBA' LKIMISTE se define como autor, compositor e intérprete, y su propuesta musical es difícil de encasillar en un solo género. Se mueve con comodidad entre el latin pop y el rock oriental, construyendo un universo sonoro propio que bebe de múltiples influencias pero suena a algo nuevo. Sus letras, principalmente en francés a pesar de sus raíces españolas, aportan una capa adicional de originalidad a una propuesta que ya de por sí desafía cualquier intento de clasificación sencilla.

Detrás de este proyecto hay un artista totalmente autodidacta que gestiona él mismo todo su proceso creativo, desde la composición hasta la producción. Esa independencia radical le otorga una libertad poco común en la escena actual: la de seguir sus impulsos sin tener que rendir cuentas a nadie, la de explorar territorios arriesgados sin miedo al fracaso comercial. “DU ROCK DU SEXE” es precisamente eso: una canción que nace desde el impulso, desde la necesidad de expresar algo que no admite medias tintas.

El artista utiliza la denominación CUAL by AKIBA'LKIMISTE para ciertos lanzamientos o directos, una suerte de sello personal que distingue sus propuestas más experimentales o transgresoras. Este single se enmarca dentro de esa línea, mostrando una faceta más descarnada de un creador que ya había dado muestras de su versatilidad en otras entregas.

Si “UN” funcionaba como una declaración de identidad y un homenaje a su vínculo vital con la música, y “Reviens” exploraba ese rock oriental con matices de pop latino, “DU ROCK DU SEXE” viene a completar el retrato de un artista poliédrico que no se conforma con repetir fórmulas. Su versión en vivo de “Phœnix” ya había mostrado su capacidad interpretativa sobre el escenario, pero este nuevo tema apunta más alto: quiere ser un puñetazo sobre la mesa, una afirmación de presencia.

AKIBA' LKIMISTE está construyendo su base de seguidores desde la honestidad y la autogestión, un camino lento pero sólido que le otorga un aire muy auténtico en la escena actual. En un mundo donde a menudo se prioriza la estrategia sobre la verdad, su propuesta resuena con quienes buscan algo diferente, algo que no suene a prefabricado.

La banda malagueña Efecto Mariposa presenta “Querencia”, una de las canciones incluidas en su álbum “40:04” editado en 2009, que ahora recupera en una nueva versión con la colaboración de Shuarma, vocalista de Elefantes. Este lanzamiento no solo supone un reencuentro artístico entre dos de las voces más emblemáticas del pop español, sino que también funciona como aperitivo de lo que será la celebración de sus 219.000 horas de vuelo, el próximo disco conmemorativo de sus 25 años de trayectoria que verá la luz en abril.

“Querencia” está dedicada a esa persona en la que siempre encontramos consuelo, esa que incondicionalmente está a tu lado, sobre todo cuando más necesitamos sanarnos, pero también con la que deseas compartir los momentos bonitos. La canción, que originalmente formaba parte del repertorio del grupo, adquiere en esta nueva versión una dimensión especial gracias al encuentro de dos sensibilidades que comparten una misma forma de entender la música como vehículo de emociones.

No es la primera vez que ambas voces se cruzan. Ya lo hicieron en “Problema existencial” no hace tanto tiempo, y ha sido maravilloso que Shuarma haya querido estar de nuevo con ellos, esta vez celebrando las 219.000 horas de vuelo. La banda confiesa sentir admiración total por Elefantes y por Shuarma por la forma que tiene de emocionar con su voz y personalidad interpretando, además de ser preciosa la amistad que siguen forjando a día de hoy gracias a la música.

Por su parte, Shuarma cuenta cómo ha sido la colaboración en “Querencia”: “Hace un tiempo me llamaron mis amigos de Efecto Mariposa para pedirme si quería colaborar con ellos en la canción, cosa que me hizo mucha ilusión. A mí me gustan mucho sus canciones; creo que tienen canciones de pop, no sé, sencillamente perfectas, melodías maravillosas. Y, además, los aprecio personalmente muchísimo”. Sus palabras reflejan la naturalidad con la que surge este encuentro, fruto del respeto mutuo y de una amistad que la música ha ido consolidando con los años.

Este lanzamiento anticipa la llegada de “219.000 Horas de Vuelo”, el nuevo disco con el que Efecto Mariposa celebrará sus 25 años de carrera. El álbum verá la luz en el mes de abril y promete reunir canciones emocionantes y emocionales que ya forman parte del imaginario colectivo de nuestro país, que exhiben esa característica fragilidad que sabiamente compatibilizan con un músculo sonoro lleno de unos estribillos coloristas que refuerzan su grandeza.

Efecto Mariposa es, sin duda, uno de los principales exponentes del pop adulto, fresco, inteligente y de impecable factura. Sus singles cuentan con más de 15 millones de reproducciones en las principales plataformas digitales y sus videos superan el millón de visitas, haciendo evidente que la banda es un referente del pop en lengua castellana cuya música trasciende fronteras.

La celebración tendrá su momento culminante en directo. El próximo 22 de mayo, Efecto Mariposa presentará “219.000 Horas de Vuelo” en La Sala del Movistar Arena de Madrid, un concierto que promete repasar lo mejor de su trayectoria y celebrar un cuarto de siglo de música compartida. Las entradas ya están disponibles para este evento que se perfila como una cita ineludible para los amantes del pop de calidad.

Además de esta fecha, la gira de aniversario llevará a la banda por distintos puntos de la geografía española. El 11 de enero estarán en Palencia, el 6 de febrero en el Invernia Fest de Pontevedra, el 14 de marzo en Puerto Llano, el 4 de abril en el Festival de Jávea (Alicante), y el 22 de mayo en Madrid. Una extensa serie de conciertos que acercará su música a los seguidores de toda España.

“Querencia” ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de consuelo y complicidad que Efecto Mariposa y Shuarma han sabido construir. Una canción para quienes entienden que la música, cuando es auténtica, puede ser el mejor refugio en los momentos difíciles y la mejor compañía en los días felices.

Tras “Las Damas y el vagabundo”, el tema con el que participó en el Benidorm Fest 2026 de la mano de Julia Medina y que mantiene su posición octava en el top viral de España, María León estrena “Culpable”, su primer sencillo en solitario. Se trata de una canción que aborda el empoderamiento femenino desde una perspectiva íntima y poderosa, mostrando las distintas versiones de una misma que es necesario dejar atrás para colocarse en el primer lugar.

El tema, compuesto por la propia María León junto a Sofía Thompson y Ole Aguilar, cuenta además con la producción de esta última. Bajo este contexto, “Culpable” despliega una historia intensa sobre las facetas que uno mismo tiene que sacrificar para poder alcanzar la libertad. Con una letra ingeniosa y muy directa, la canción enseña la fuerza interna necesaria para evolucionar ante un amor complicado: “Culpable, así me declaro yo, culpable, porque nunca he estado mejor, culpable, de escapar de mi prisión, culpable, culpable, culpable. Tuve que matar las versiones de mí, volverme a amar para sobrevivir”.

El estribillo funciona como una declaración de principios, como un acto de asumir la responsabilidad sobre la propia liberación. No hay victimismo ni autocompasión; hay la certeza de que, a veces, para avanzar hay que tomar decisiones difíciles, incluso si eso implica dejar atrás partes de uno mismo que ya no sirven. Esa mirada, la de quien se hace cargo de su destino y acepta las consecuencias de sus elecciones, convierte la canción en un himno para todas aquellas personas que han tenido que reconstruirse desde los cimientos.

El lanzamiento viene acompañado de un imponente videoclip grabado en México bajo la dirección de Vecerra. En él, vemos a María León interpretar “Culpable” mientras aparecen tres versiones distintas de la artista, representando las diferentes facetas narradas en la historia. Un recurso visual que refuerza la idea central del tema: la multiplicidad de identidades que habitan en cada persona y la necesidad de integrarlas o despedirse de ellas para seguir creciendo.

Esta canción llega en un gran momento para María León, ya que deja ver su imponente evolución conservando lo mejor de su esencia y su poderoso estilo, a través de los cuales ha conquistado a todos sus fanáticos dentro y fuera de México. Una evolución que no es casualidad, sino el resultado de una trayectoria sólida construida sobre los escenarios y en los estudios de grabación a lo largo de más de dos décadas.

María Elizabeth León Herrera nació un 14 de febrero en Guadalajara, Jalisco. A los cinco años comenzó sus estudios de piano y un año después escribió “Mamá”, su primera composición. A la par de la música, inició sus estudios de ballet a los tres años, complementándolos después con danza contemporánea y jazz. En su adolescencia, movida por su deseo de hacer comedia musical, su madre la impulsó a audicionar para Pop Star, el reality show de Televisa en el que resultó una de las cinco ganadoras.

En 2003 se convirtió en vocalista de Playa Limbo, una experiencia que le permitió comenzar a imaginar y preparar su lanzamiento como solista. En 2014 hizo su debut teatral en el exitoso musical “Hoy No Me Puedo Levantar”, al que ingresó interpretando el personaje de Ana para, cinco meses después, convertirse en María, la protagonista de la historia. Ese mismo año se coronó como ganadora del reality show “Bailando Por Un Sueño”, plataforma en la que pudo exhibir sus grandes dotes como bailarina.

Su carrera sobre los escenarios del teatro musical continuó con su participación en “Chicago”, donde dio vida a Roxie Hart. Posteriormente se puso nuevamente bajo la piel de María en “Hoy No Me Puedo Levantar… Hasta Siempre”, actuación con la que fue galardonada en los Premios Metropolitanos de Teatro como Mejor Actriz Principal en un Musical, convirtiéndose en la primera actriz en ser nominada dos veces en la misma terna gracias a su trabajo en “Chicago”, puesta que fue galardonada con el premio a Mejor Obra Musical. En 2023 volvió al teatro formando parte de algunas funciones de “Mentiras El Musical”, donde dio vida a Lupita, y como Sandy, la icónica protagonista de “Vaselina Timbiriche”.

En 2016 anunció su salida de Playa Limbo para lanzarse como solista. Desde entonces ha publicado dos producciones discográficas: la primera, un EP llamado “Inquebrantable”, y la segunda, un álbum de estudio lanzado en 2022 titulado “Alquimia”. Ha participado en importantes programas de televisión, siendo coach en La Voz Kids 2022, campeona de Mira Quién Baila en la cadena Univisión de Estados Unidos, juez en Pequeños Gigantes 2020 y, ese mismo año, ganadora de ¿Quién es la Máscara?

En julio de 2023 dio a conocer “Hola, me llamo María”, un exitoso sencillo con el que regresó al género pop, seguido de “Ayer Lloré”, al que añadió un toque urbano y un dance video que aportó un sonido movido al lanzamiento. En ese mismo mes se estrenó la cinta “Wish” de Disney Pictures, donde prestó su voz a la princesa Asha.

Su segundo disco solista incluye éxitos como “Pedir permiso” con Edwin Luna y la Trakalosa de Monterrey, “Mudanza de hormiga” con Gloria Trevi, “Alquimia” con Rubén Albarrán y la Bruja de Texcoco, y “Te quedas sin mí” con Yuri, entre otras grandes personalidades.

Comenzó 2024 con presentaciones de “Vaselina” en la República Mexicana, concluyendo con su participación como Lupita en “Mentiras”. En 2025 dio a conocer un nuevo concepto al lado de Yahir, con quien siempre ha compartido una química inigualable. Bajo el nombre de “Fuego”, lanzaron temas inéditos así como un cover de “Hoy tengo ganas de ti”, el tema de Alejandro Fernández que se convirtió en la canción principal de la serie de Netflix “Pecados Inconfesables”. La gira Fuego ha visitado ya muchos estados de la República Mexicana y logró el sold out en el Teatro Metropólitan de la Ciudad de México.

“Culpable” ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa declaración de libertad y autovaloración que María León ha sabido construir con la honestidad y la potencia que la caracterizan. Una canción para quienes entienden que, a veces, la única salida es mirarse al espejo y declararse culpable de quererse por fin.

El reconocido artista sevillano Nolasco anuncia el lanzamiento de “Tienes sed”, el tercer single y último adelanto de su próximo álbum “Henko”, que verá la luz el próximo 20 de marzo. Este nuevo sencillo, que ya está disponible en todas las plataformas digitales, viene acompañado del estreno de un videoclip oficial en el canal de YouTube del artista, completando así el tríptico de presentación de un disco que promete ser uno de los más personales y arriesgados de su carrera.

“Tienes sed” se presenta como la carta más transgresora del proyecto “Henko”. En ella, Nolasco fusiona una base de rumba-tango con ritmos y sonidos de Break hop de los años 70, creando un collage sonoro que resulta a la vez vintage y moderno, urbano y profundamente sureño. La producción, a cargo del propio Nolasco con Víctor Rosa como ayudante, refleja la búsqueda constante de un artista que lleva más de veinte años redefiniendo su sonido sin perder nunca su esencia.

“’Tienes sed’ es una canción sobre la química y el cuidado”, explica Nolasco. “Habla de esa conexión especial entre dos personas, de la elegancia en el detalle y de regar el jardín del cariño. Musicalmente, quería que sonara como un tema de los 70 encontrado en una cinta perdida, pero con el pulso de hoy. Es uno de los cortes más arriesgados y personales del disco”. Sus palabras desvelan la intención de una pieza que mira al pasado con nostalgia pero late con la energía del presente.

La letra, cargada de metáforas a compás, gira en torno a la sed compartida y la intuición del deseo, culminando en el verso que da título al tema: “Tienes sed de mi ser, yo lo sé, lo presiento…”. Una declaración que funciona como un juego de complicidades, como un reconocimiento tácito de esa atracción que no necesita palabras para manifestarse.

“Tienes sed” es el tercer single de un álbum que ya ha mostrado dos caras muy diferentes: la versión flamenca y mediterránea de “Mi historia entre tus dedos”, lanzada en noviembre de 2025, y la rumba luminosa y vital de “Las leyes del destino”, publicada en enero de 2026. Con este nuevo lanzamiento, Nolasco completa el tríptico de adelantos que definen el universo diverso y cohesionado de “Henko”, cuyo lanzamiento está previsto para el próximo 20 de marzo.

El álbum, cuyo título hace referencia al concepto japonés de cambio transformacional, promete ser un viaje íntimo a través de once canciones que exploran el flamenco, el pop, el rock y fusiones inesperadas, grabado entre estudios de Sevilla y Cádiz y escenarios únicos como el Castillo de San Sebastián. Un trabajo que profundiza en la idea de transformación personal y que se perfila como una obra fundamental en su discografía.

Nacido en El Viso del Alcor en 1976, Nolasco comenzó su carrera actuando en pequeñas salas, primero como percusionista y luego como vocalista y compositor. En 2007 lanzó su primer disco, “Como te dé la gana”, que lo catapultó a la escena nacional con éxitos como “Las cosas pequeñitas”. Desde entonces, ha construido una carrera sólida y única, caracterizada por la fusión de flamenco, pop, rock y sonidos electrónicos.

Con más de 1.200 conciertos a sus espaldas, Nolasco ha seguido explorando nuevos horizontes musicales. Discos como “12 noches en blanco y un final por escribir” (2008), “Off” (2010), “El color de la felicidad” (2012), “Nuevos atardeceres” (2013) y “Fuego en el cielo” (2017) han consolidado su estilo personal. Su último trabajo, “Petricor” (2023), lo mostró en su faceta más madura, fusionando géneros como el folk y la electrónica, y colaborando con artistas de la talla de Cherisse Osei y Diego Carrasco. Un disco inspirado en los olores y sensaciones que conectó profundamente con su público gracias a su versatilidad y autenticidad.

Ahora, inmerso en la presentación de su noveno álbum, Nolasco sigue manteniendo la ilusión y la energía que lo han acompañado desde el principio, demostrando que su conexión con el público y su capacidad para reinventarse siguen siendo el motor de su carrera.

Para presentar “Henko” en directo, el artista sevillano ha anunciado las primeras fechas de una gira que promete llevar su nueva música a los escenarios más emblemáticos. El 10 de abril actuará en el Cartuja Center de Sevilla, el 11 de abril en la Sala Góngora de Córdoba y el 19 de abril en la sala Galileo Galilei de Madrid, con más fechas aún por confirmar. Una oportunidad única para disfrutar en vivo de un artista que entiende el directo como el territorio natural donde sus canciones cobran todo su sentido.

La artista Sole Giménez anuncia este 20 de febrero el lanzamiento de “Ser Humano”, el primer adelanto de su nuevo trabajo discográfico, previsto para publicarse en primavera. Tras la edición de su último disco “¡Celebración!”, grabado en directo en el Palau de les Arts de Valencia y con el que celebró cuatro décadas de trayectoria musical, la regresa con una canción inédita que pone el foco en la esencia del ser humano y en aquello que nos une como especie.

La canción, escrita por Pedro Guerra y compuesta y producida por Pablo Cebrián, se despliega como una invitación a la reflexión en un mundo cada vez más acelerado y deshumanizado. “Ser Humano” reivindica los valores que nos definen en positivo: la empatía, la sensibilidad, la capacidad de amar, de cuidar y de construir juntos. En un tiempo marcado por la distancia y el individualismo, el tema propone una pausa, un recordatorio de que estamos hechos para compartir y para dar lo mejor de nosotros mismos.

Sole Giménez confiesa que la primera vez que escuchó la canción se emocionó profundamente. “Sentí que era una canción necesaria, sobre todo en estos tiempos, porque pone en valor la dignidad del ser humano, aquello que nos distingue en positivo, que nos iguala y nos une. Tenemos tanto de bueno que es triste ver que se nos olvida y nos distanciamos cuando realmente estamos hechos para compartir, para dar lo mejor de nosotros mismos, pues es ahí donde de verdad brilla nuestra humanidad. Darle voz y que sea la primera canción que presentamos de este nuevo disco me hace inmensamente feliz”, explica la artista, resumiendo en sus palabras la emoción que atraviesa todo el tema.

El videoclip que acompaña a la canción ha sido rodado en la sierra de Madrid bajo la dirección de David Labajos. El paisaje se convierte en un escenario de gran fuerza visual, combinando naturaleza y simbolismo para subrayar el carácter reflexivo de la pieza. Las imágenes, cuidadosamente compuestas, funcionan como una extensión natural de la música, creando una experiencia inmersiva que invita a la contemplación y al recogimiento.

Este primer adelanto marca el inicio de una nueva etapa artística para Sole Giménez. Un proyecto de canciones inéditas que verá la luz en primavera y que promete seguir profundizando en la emoción, la honestidad y la conexión con el público que siempre han definido su carrera. Además, este nuevo trabajo irá acompañado de una extensa gira que recorrerá las principales capitales españolas. Valencia es la primera fecha confirmada y será en el Palau de Les Arts el próximo 5 de julio, un escenario especialmente significativo para la artista y para quienes han seguido su trayectoria a lo largo de los años.

Con “Ser Humano”, Sole Giménez demuestra una vez más que la música puede ser mucho más que entretenimiento: puede ser también un espacio de encuentro, un lugar desde el que recordar lo que realmente importa. La canción ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa reflexión compartida sobre nuestra humanidad y sobre todo aquello que, a pesar de las diferencias, nos sigue uniendo. Las entradas para su concierto en Valencia ya están disponibles a través de su página web www.solegimenez.com.

La joven cantante Amalia, artista ucraniana residente en Valencia, presenta “Happy in Mind”, su nuevo sencillo y una pieza de pop cálido y edificante construida en torno a una idea tan sencilla como poderosa: la felicidad nace desde dentro. Con su suave positividad, su melodía pegadiza y su mensaje limpio y directo, la canción trae una ligereza refrescante a quien la escucha, invitando a conectar con esa fuente interna de bienestar que todos llevamos dentro.

El tema se despliega como un estallido de luz y energía positiva. Desde los primeros compases, la producción de dance-pop contemporáneo envuelve al oyente en una atmósfera vibrante y optimista, mientras la voz clara y sincera de Amalia transmite con naturalidad ese mensaje de empoderamiento personal. El estribillo, memorable y contagioso, se instala en la memoria desde la primera escucha, convirtiendo la canción en un himno generacional para quienes buscan en la música un espacio de alegría y afirmación.

“Happy in Mind” no es solo una canción; es una declaración de principios. En un mundo a menudo dominado por la prisa y la ansiedad, el tema propone una pausa luminosa, un recordatorio de que la felicidad no es algo que se encuentra fuera, sino algo que se cultiva dentro de uno mismo. Esa idea, expresada con la frescura y la sinceridad propias de una artista joven pero con las ideas muy claras, resuena con fuerza en un público que busca en la música no solo entretenimiento, sino también guía y consuelo.

Amalia es una joven cantante ucraniana que ha encontrado en Valencia su hogar y el lugar desde el que construir su carrera musical. Con una trayectoria que combina lanzamientos de pop contemporáneo con actuaciones en directo en festivales y eventos culturales, la artista va consolidando paso a paso su presencia en la escena. Su música fusiona el sonido pop internacional con un fuerte deseo de inspirar confianza, positividad y fortaleza interior en los oyentes más jóvenes, convirtiéndola en una voz a tener en cuenta dentro del género.

Su propuesta artística se aleja de la complejidad innecesaria para centrarse en lo esencial: melodías que atrapan, mensajes que calan y una interpretación honesta que conecta sin necesidad de artificios. “Happy in Mind” es un ejemplo perfecto de esa filosofía: una canción que suena fresca, que se disfruta de principio a fin y que deja en quien la escucha una sensación de bienestar que perdura más allá de sus tres minutos de duración.

El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de luz y positividad que Amalia ha sabido construir con la sensibilidad de quien entiende la música como un puente hacia lo mejor de nosotros mismos. Una canción para bailar, para sonreír y para recordar que, al final, la felicidad siempre ha estado donde tenía que estar: en nuestra propia mente.

DELHATRIBU, artista que emerge desde la escritura y la poesía para dar el salto a la música tras años componiendo para otros, presenta “Una droga que se te parezca”, su nuevo sencillo y una pieza que fusiona el rap con el pop latino y la balada suave con una sensibilidad lírica muy cuidada. Se trata de una canción donde los versos elaborados y la profundidad del contenido ocupan el centro de la escena, demostrando que, cuando se viene del mundo de la palabra escrita, la fuerza de una canción reside precisamente en lo que se dice y en cómo se dice.

El tema se despliega con una honestidad que atrapa desde los primeros compases. La introducción, además, rinde tributo al mítico tema de The Police, un guiño que conecta la propuesta con la tradición del rock clásico antes de adentrarse en territorios más urbanos y contemporáneos. Esa mezcla de referencias, esa capacidad para transitar entre mundos aparentemente alejados, define a la perfección la identidad de un artista que no se siente cómodo en una sola etiqueta y prefiere explorar las fronteras entre géneros.

La letra es, sin duda, el corazón de la canción. Construida con el oficio de quien ha dedicado años a la escritura y la poesía, cada verso está medido, cada palabra elegida con cuidado, cada imagen pensada para resonar en quien escucha. La metáfora central —esa droga que se le parece a la persona amada— funciona como un hilo conductor que atraviesa todo el tema, explorando la adicción emocional, la dependencia afectiva y la dificultad de soltar aquello que, aunque nos haga daño, no podemos dejar de desear. No es una mirada complaciente ni un romanticismo fácil; hay en ella una hondura que invita a la reflexión y al reconocimiento de las propias contradicciones.

Después de varios años escribiendo canciones para otros artistas de diferentes géneros, DELHATRIBU ha decidido dar el paso de lanzar su propio proyecto. Un álbum donde fusiona el rap y el hip hop con otros estilos, creando un universo sonoro personal que bebe de múltiples influencias pero suena a algo nuevo. Si hubiera que destacar algo de este trabajo, serían sin duda las letras, el contenido, porque vienen de un lugar de honestidad y oficio que no se improvisa.

“Una droga que se te parezca” es el primer avance de ese camino que empieza a recorrer. Una canción que nace desde la humildad de quien se sabe empezando, pero también desde la seguridad de quien tiene algo que decir y sabe cómo decirlo. El artista confía en que guste, y pone toda su ilusión en este lanzamiento que marca el inicio de una nueva etapa.

El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa mezcla de ritmos y palabras que DELHATRIBU ha construido con mimo y sensibilidad. Una canción para quienes buscan en la música no solo melodía, sino también sustancia, verdad y poesía urbana.