El cantante, actor y productor Ivan Salmon vuelve a emocionar con su nuevo single “Kiss Me”, una intensa y delicada colaboración junto al actor e influencer Ruoteng Zhan. Esta canción narra con honestidad y sensibilidad los tormentos de un amor imposible, marcado por una pasión incontrolable y una separación inevitable.
“Kiss Me” no es solo una canción, sino también el tema principal de The Last Kiss, la serie producida por el propio Ivan Salmon, donde ambos artistas comparten pantalla y llevan esta historia de deseo y renuncia al terreno audiovisual. La química entre Ivan y Ruoteng es tan palpable, tanto en la canción como en la serie, que no ha tardado en desatar rumores entre sus fans sobre una posible relación en la vida real. Aunque ninguno de los dos ha confirmado nada, el misterio sigue alimentando las conversaciones en redes sociales y foros de sus seguidores.
Musicalmente, “Kiss Me” se mueve entre una producción elegante y minimalista que deja espacio a las voces, cargadas de emoción y matices, y una melodía envolvente que acompaña la historia de amor prohibido. La interpretación de ambos artistas transmite la urgencia y la fragilidad de una relación que, aunque intensa, está condenada a terminar. Es una canción que logra ser íntima y universal al mismo tiempo.
Para Ivan Salmon, este single representa una nueva faceta en su carrera artística, reafirmando su capacidad para contar historias que conectan desde lo humano y lo emocional, tanto en la música como en la pantalla. Además, la colaboración con Ruoteng Zhan, quien debuta como cantante en este proyecto, ha sido uno de los puntos más comentados por el público, destacando la naturalidad y complicidad que ambos demuestran.
“Kiss Me” promete convertirse en uno de los temas imprescindibles para quienes buscan canciones que hablen de amores intensos y difíciles. Para seguir las novedades de Ivan Salmon, sus próximos proyectos y nuevas colaboraciones, no olvides seguirlo en sus redes sociales.
El artista colombiano JoanJo acaba de estrenar “California”, una canción pop cargada de frescura, romanticismo y nostalgia, que promete convertirse en la banda sonora perfecta para quienes alguna vez vivieron un amor de verano. Con una vibra soñadora y un sonido que recuerda al pop emocional de los 2010’s, el tema captura la intensidad y la magia de esos momentos breves, pero inolvidables, que marcan para siempre.
Inspirada en una experiencia personal que el propio JoanJo vivió el año pasado en Los Ángeles, “California” relata una historia fugaz pero significativa, una conexión que, aunque corta, dejó huella en su vida. El artista comparte: “Escribí esta canción inspirado en una experiencia real. Fue algo intenso, bonito y muy adolescente, de esos recuerdos que uno guarda porque sabe que no se repiten”.
Con un mood veraniego, juvenil y romántico, la canción invita a dejarse llevar por la nostalgia y a revivir ese tipo de historias que solo ocurren una vez. Musicalmente, JoanJo fusiona melodías pegajosas, atmósferas cálidas y una producción cuidada que evoca a referentes del pop fresco y sentimental de principios de los 2010’s, consolidando así su identidad sonora.
“California” no solo es un single, sino también el punto de partida de un EP que JoanJo irá presentando a lo largo del año. Cada canción contará una historia distinta, con un amor diferente como protagonista, y servirá como un diario personal en el que el artista compartirá sus vivencias y emociones con total honestidad. “Quiero que este proyecto hable de los distintos tipos de amor que he sentido, desde lo más bonito hasta lo más doloroso, pero siempre desde un lugar real”, comenta.
Como artista independiente, este lanzamiento representa un paso crucial en su carrera, reafirmando su compromiso por contar historias desde su propia voz y conectar con un público que busca canciones sinceras, con las que identificarse.
“California” ya está disponible en plataformas digitales, y promete acompañar a más de uno en sus momentos de nostalgia y verano eterno. Para no perderte las próximas historias y lanzamientos de JoanJo, puedes seguirlo en sus redes sociales.
La escena musical rumana se llena de emoción con el lanzamiento de “Prin București”, la nueva colaboración entre Magda Ignat y la reconocida estrella del pop Ioana Ignat. Esta conmovedora balada pop, cargada de sensibilidad y honestidad lírica, se convierte en un nuevo capítulo para ambas artistas, quienes han sabido capturar en esta canción la esencia de las despedidas inevitables y la búsqueda de un futuro propio.
Con una trayectoria que la ha posicionado como una de las cantautoras más influyentes de Rumanía, Ioana Ignat continúa demostrando su capacidad de conmover a través de letras que conectan con lo más profundo de sus oyentes. Acumulando éxitos como “Doar pe a ta”, “Nu mă uita” y “In palma ta”, y con más de 400 millones de reproducciones en YouTube y 28 millones de streams en Spotify, Ioana mantiene intacta su capacidad de emocionar y sorprender.
Por su parte, Magda Ignat sigue consolidando su nombre dentro de la música pop contemporánea rumana. Con sencillos como “Inainte de tine”, “Iubirea de sine” y “Oriunde ai fi”, Magda se ha ganado el reconocimiento del público gracias a su estilo emocional y letras introspectivas, que en “Prin București” brillan con una madurez y autenticidad notables.
La canción, narrada desde la perspectiva de alguien que decide dejar atrás una relación y emprender un nuevo rumbo en la vida, captura con delicadeza el dolor de la separación y la esperanza de reencontrarse en el futuro. Con una melodía envolvente y una interpretación vocal cargada de matices, Magda y Ioana tejen una historia universal sobre el amor, la distancia y las oportunidades que esperan más allá de los kilómetros.
El tema se ve reforzado por su letra conmovedora con un estribillo que resuena con quienes alguna vez han tenido que decir adiós.
“Prin București” ya está disponible en plataformas digitales, donde rápidamente ha comenzado a acumular reproducciones y elogios de sus seguidores. Además, tanto Magda Ignat como Ioana Ignat mantienen una presencia activa en sus redes sociales, donde comparten novedades, contenido exclusivo y adelantos de sus próximos proyectos.
Con esta colaboración, ambas artistas no solo demuestran la potencia de sus voces y su talento como compositoras, sino que también celebran la capacidad de la música para narrar las historias más íntimas y conectar con quienes viven, sienten y sueñan desde distintos rincones del mundo.
La música de Ximena Sariñana siempre se ha considerado vanguardista y disruptiva, y su nuevo EP 'Rompe' es una muestra más de su esencia, donde ha querido reunir cuatro canciones que recalcan el particular estilo de la artista mexicana, quien no teme en romper lo establecido a través de su sonido. Entre los temas inéditos incluidos encontramos “Nada”, “Fiesta en mi habitación” y, liderando este lanzamiento, “Rompe”, el cual llegará con un visualizer que reúne imágenes del íntimo showcase en el que Ximena Sariñana presentó por primera vez en vivo esta producción.
“Rompe es la explosión en todas sus formas: letras que confiesan quién soy y lo que pienso sin pena, y sonidos que representan como siempre soñé sonar; abrazada por mis amigos que me ayudaron a llegar hasta aquí: Juan Pablo Vega, Mike y Gio como productores y escritores, y Nate Campany, Marcus Andersson y Chris Lyon en la parte autoral. Además, todo esto desde un lugar que me conecta con mi infancia y mi amor por la música, que es El Desierto. Rompe es el segundo EP de esta trilogía, el volcán activo y al rojo vivo, aceptándose en el caos y la destrucción”, comentó Ximena sobre este lanzamiento.
Estos nuevos temas se suman al éxito del primer adelanto de este EP “Chispa roja”, que ya suma más de 1.3 millones de reproducciones en plataformas, además de llegar en medio del Rompe US Tour, una ambiciosa gira que la artista mexicana ya ha empezado por varias ciudades de Estados Unidos, donde la cantante refuerza su posición como una de las voces femeninas más influyentes de la música en español actual, y que muy pronto podremos ver de nuevo por España.
Elena Rose sorprende nuevamente con una colaboración tan inesperada como profundamente necesaria “Carteras Chinas”, una cumbia pop romántica que une a la perfección su sensibilidad lírica con el inconfundible estilo de Camilo y la esencia de Los Ángeles Azules. Un segundo lanzamiento en lo que va de año de la artista venezolana, que da como resultado una oda moderna al amor verdadero, un homenaje a esos amores que florecen desde la sencillez y lo cotidiano.
Este nuevo tema, llega como un bálsamo musical invitando a todo el que la escuche a dejarse llevar y abrir su corazón sin miedo, atravesando nuevas generaciones y diferentes estilos musicales. El videoclip, grabado entre Miami y México, refleja esta dualidad de mundos que se entrelazan entre sí, mientras que en Miami, Camilo y Elena Rose comparten momentos llenos de ternura, en México, Los Ángeles Azules también se unen a Elena para imprimir su sello único en escenas que respiran la cultura popular del país.
Paralelamente a esto, Elena Rose se prepara para una intensa temporada de conciertos en España, donde ya ha sido confirmada como una de las artistas principales en varios de los festivales más esperados del verano 2025. Entre ellos destaca su participación en el Morriña Fest, que este año se perfila como uno de los eventos musicales más importantes en Galicia, así como en el Boombastic Festival, que celebrará su edición más ambiciosa hasta la fecha con paradas en la Costa del Sol y Asturias.
El artista Lenuar continúa desplegando su universo sonoro con “Me Aloca”, el segundo adelanto de su EP En lo que Dura la Noche, un proyecto que mezcla deseo, fiesta y contradicción emocional en una noche que se transforma.
“Me Aloca” es un reggaetón con tintes electrónicos que habla de la obsesión y el enganche emocional desde un enfoque directo. Producido por BAJOCERO X, el tema representa ese punto de la relación donde el deseo lo consume todo, marcando el tramo más agresivo y pasional del EP.
Me Aloca es bailable, pero intensa; oscura, pero adictiva. Lenuar combina letras pegadizas con una producción que sube de nivel con cada compás.
El EP, que se irá desvelando tema a tema, arranca con “Intro”, una pieza que resume el viaje emocional y musical del proyecto, y continuará con “Intimidad”, una canción de pop electrónico, prevista para las próximas semanas. Cada canción representa un dicotomía de una relación intensa y de una noche que se desborda, transitando del lo-fi pop al reggaetón, y de ahí a la electrónica más envolvente.
“Me Aloca” ya está disponible en todas las plataformas digitales. El EP En lo que Dura la Noche construye una narrativa que también visibiliza realidades LGTBIQ+ dentro del panorama musical urbano actual, con un enfoque artístico, honesto y sin filtros en cuyos visuales el baile cobra un papel principal.
La música que conecta con el alma no conoce fronteras, y eso es exactamente lo que propone Keriah con Far Beyond, su nuevo single que ya está disponible en plataformas digitales. Este lanzamiento marca un nuevo capítulo para este proyecto internacional, que destaca por sus grandes voces, excelente vibra y la capacidad de transportar a sus oyentes a través de un viaje sonoro lleno de emociones.
Desde sus inicios, Keriah ha apostado por crear música que trascienda lo superficial y hable directamente a los sentimientos. Far Beyond es un reflejo de ese propósito: una canción que invita a dejarse llevar, a mirar más allá de lo evidente y a reconectar con lo que verdaderamente importa en la vida. Con una interpretación vocal conmovedora y una producción envolvente, el tema es un canto a la esperanza, los sueños y la búsqueda personal.
Para la vocalista del proyecto, este lanzamiento tiene un significado muy especial. “Siempre me ha gustado cantar; creo que aprendí a cantar antes de aprender a hablar. La música ha estado conmigo en cada etapa de mi vida, y estoy muy agradecida por ello. Puede salvarnos en los momentos difíciles y acompañarnos en los más felices”, comparte emocionada. Esa conexión vital con la música es justamente lo que se siente en cada nota de Far Beyond, una pieza construida con pasión, sinceridad y amor por el arte.
Keriah es mucho más que un proyecto musical: es una declaración de principios y un espacio creativo donde las emociones se convierten en canciones. La energía de Far Beyond lo deja claro, mezclando matices de pop atmosférico y soul moderno, con una interpretación vocal que emociona y cautiva desde el primer acorde.
El single se suma al catálogo de esta propuesta internacional que continúa creciendo y conquistando nuevos públicos. Disponible en plataformas digitales, Far Beyond es el primer adelanto de lo que promete ser una serie de lanzamientos que seguirán explorando las diferentes emociones humanas a través de la música.
Para conocer más sobre Keriah y sus próximos proyectos, puedes seguir todas sus novedades en sus redes sociales. Con Far Beyond, el proyecto reafirma su compromiso de crear música que inspire, acompañe y toque el corazón de quienes la escuchan. Sin duda, una propuesta que merece ser descubierta.
La escena urbana internacional recibe hoy una de sus propuestas más frescas y prometedoras. N3WYRKLA, la nueva voz que está dando de qué hablar en el circuito R&B y hip-hop alternativo, ha lanzado Plastic Cup, el primer single oficial de su esperado álbum debut. Disponible ya en plataformas digitales, la canción también llega acompañada de un videoclip que refleja a la perfección la vibra nocturna y emocional del tema.
Anunciada por primera vez en el popular canal Club Shay Shay de Shannon Sharpe, Plastic Cup captura con honestidad brutal esos momentos de tentación en la madrugada, cuando los impulsos ganan a la razón y los sentimientos no resueltos vuelven a tocar la puerta. Entre tragos, mensajes a deshoras y verdades a medias, N3WYRKLA se adentra en el caos emocional de las relaciones modernas, donde el orgullo, la inseguridad y el deseo se cruzan en una danza peligrosa.
Con una producción envolvente, líneas melódicas hipnóticas y una letra que desarma con su sinceridad, Plastic Cup es una radiografía de la generación que prefiere evadir conversaciones sobrias y se entrega a lo que no puede definir a plena luz del día. "Sober conversations don’t make no sense / Take a couple hits and I’m back at 4am with you", canta N3WYRKLA en uno de los versos más reveladores del track.
La artista, que también estará acompañando a FERG en su próxima gira The Darold Tour, demuestra con este lanzamiento que su proyecto va más allá de los clichés y busca explorar las complejidades emocionales de su generación desde una óptica cruda, íntima y muy real.
Además de su estreno en plataformas digitales, Plastic Cup ha iniciado esta semana su campaña en radio urbana en Estados Unidos y Reino Unido, con impacto oficial desde el 21 de abril, una clara muestra del interés que N3WYRKLA está generando a nivel internacional.
Para quienes aún no la conocen, N3WYRKLA es mucho más que una nueva voz: es una narradora de las noches largas, los mensajes que nunca debieron enviarse y las verdades que solo se dicen entre copas. Su primer álbum, cuyo título aún se mantiene en reserva, promete ser uno de los debuts más comentados del año.
Plastic Cup ya está disponible en plataformas digitales, y para no perderse ninguna novedad sobre su música y próximos proyectos, pueden seguirla en sus redes sociales. N3WYRKLA ha llegado para quedarse, y este primer adelanto es apenas el principio.
Desde Luxemburgo para el mundo, el dúo pop NesseCity hace su esperado debut con Little Wonders, su primer single oficial que ya está disponible en plataformas digitales. La canción, cargada de sensibilidad y frescura, celebra esos pequeños detalles que a menudo pasan desapercibidos, pero que son capaces de brindarnos luz incluso en los días más grises.
Formado en 2023, NesseCity está compuesto por Pamela en la voz y Marco en la guitarra. Esta pareja artística italo-luxemburguesa ofrece un sonido pop melódico que abraza letras en inglés, italiano y francés, creando así una propuesta única que conecta con públicos de diferentes rincones y culturas. Little Wonders es apenas el inicio de una historia musical que promete emocionar y acompañar a sus oyentes a través de universos sonoros donde las emociones cotidianas cobran protagonismo.
La historia de NesseCity comenzó en noviembre de 2022, cuando Pamela y Marco cruzaron caminos y descubrieron una afinidad creativa inmediata. Esa chispa inicial se transformó rápidamente en una colaboración armoniosa, que en pocos meses los llevó a escribir sus primeras composiciones originales y a conquistar escenarios con actuaciones íntimas y llenas de honestidad.
Little Wonders refleja a la perfección el espíritu del proyecto: una invitación a mirar a nuestro alrededor y valorar todo aquello que nos regala pequeñas alegrías y esperanza. Con una melodía luminosa y una interpretación vocal emotiva, la canción se convierte en un refugio sonoro que nos recuerda la importancia de encontrar belleza en los detalles cotidianos.
El dúo, que combina sus raíces culturales para construir una identidad musical genuina, continúa trabajando en nuevas composiciones que formarán parte de su repertorio multilingüe y emocionalmente profundo. NesseCity aspira a seguir traspasando fronteras, compartiendo historias y sentimientos que, aunque personales, resuenan de manera universal.
Little Wonders ya está disponible en plataformas digitales, y para quienes deseen seguir de cerca su trayectoria y descubrir sus próximos proyectos, pueden encontrarlos en sus redes sociales. Con este primer lanzamiento, NesseCity no solo celebra el inicio de una nueva etapa artística, sino también la belleza de todo aquello que, aunque pequeño, puede cambiar nuestros días.
Retumba la Tierra es la voz de una tierra que tiembla, que nos recuerda con fuerza la huella que dejamos en ella, pero también es un canto de esperanza: una invitación a reconectar, sanar y cuidar lo que aún podemos salvar, así describe el quinteto Calle Mambo esta poderosa canción.
Retumba la Tierra es la segunda canción que nos comparte Calle Mambo y es parte del que será su tercer álbum homónimo.
Se trata de una pieza rica en elementos musicales que les son propios al sonido del grupo que combina instrumentos y estructuras de los géneros tradicionales festivos de latinoamerica en un marco electrónico donde incluyen también raggas y fusiones únicas.
En Retumba la Tierra escuchamos gaita colombiana, ronrroco, cuatro venezolano, timbales, congas y percusión menor, bajo, tiple colombiano, cajónes y samples.
Para Calle Mambo este single no solo le da nombre a su tercer álbum que saldrá el 6 de junio, sino que además marca el pulso de todo su viaje musical fusionando sus raíces latinoamericanas con los sonidos ancestrales y los beats actuales.
Las letras de las canciones, como es el caso de Retumba la Tierra son llamados sociales, culturales, reflexivos, ambientales como es el caso de esta pieza.
La Peregrina, el primer sencillo que conocimos del grupo, nos habla de las rutas cuesta arriba, llena de riesgos de muchas mujeres cabezas de familia que en condiciones apremiantes salen a buscar el susutento familiar, esas peregrinas del mundo.
Retumba la Tierra se detiene en la reflexion del entorno ambiental, en la destrucción de pachamama:
¡Retumba la tierra! El sol que te quema, los bosques en llamas, se abren las venas. ¡Retumba la tierra! El agua se acaba, reclama el ecosistema. ¡Retumba la tierra! Son miles de vidas, sin salida, tierra herida.
El arte del sencillo es una gran y elocuente imagen que representa una figura ancestral conectada con la tierra, “simboliza un poco nuestra relación con la naturaleza y nuestro impacto sobre ella” comenta el quinteto chileno.
Retumba la Tierra tiene un video tan poderoso como la canción pues es una actuación en vivo y se vibra la energía que una canción como ésta nos comparte.
¿Qué pasa cuando empiezas a sospechar que tu pareja te engaña… y resulta que el que sobra en esa historia eres tú? Así de directo, así de real es “El Instinto”, el nuevo single de Campillo, que ya puedes escuchar en todas las plataformas digitales.
El compositor, productor y cantante bogotano vuelve a dejar su sello con una canción que mezcla pop anglo con letras de esas que te remueven por dentro. Y es que Campillo sabe cómo contar historias cotidianas con las que cualquiera podría identificarse.
En esta ocasión, “El Instinto”, que se estrenó el pasado 25 de abril, narra esa situación incómoda (y tristemente común) en la que empiezas a notar que algo no cuadra… y terminas dándote cuenta de que en realidad tú eras la tercera persona en la relación. Con frases como “El instinto nunca se equivoca, tengo claro que yo soy el plan B”, el tema habla de esas señales que, aunque a veces ignoramos, siempre acaban saliendo a la luz.
Y como no podía faltar, el single viene acompañado de un videoclip que plasma la historia con un enfoque irónico, fresco y lleno de detalles que elevan aún más el mensaje de la canción.
Si todavía no lo has escuchado, dale play ya en tus plataformas digitales favoritas y sigue de cerca todo lo que Campillo se trae entre manos en sus redes sociales. Porque si algo tiene claro este artista, es que las verdades duelen menos cuando se cantan.
Con la fuerza contenida del atardecer que anuncia una tormenta, Jardín di Trío presenta su nuevo sencillo, "Septiembre", una canción que condensa la intensidad de los cambios vitales con una crudeza emocional que no deja indiferente.
"Septiembre" es un reflejo de ese espíritu: introspectiva, intensa y empática. Una canción que acompaña como un espejo, en esos momentos en que “seguir hacia delante mirando hacia otra parte” es el único camino posible.
"Septiembre" no es solo una fecha en el calendario; es el símbolo de todos esos giros de guion que nos exige la vida. El trío barcelonés, formado por César Bonastra, Siscu García y Javier Nieto, transforma esa transición entre estaciones —del verano al otoño, del descanso a la rutina, del pasado a lo incierto— en una poderosa declaración de intenciones. A través de versos como "necesito tiempo para ser valiente y afrontar las curvas que vendrán", la banda abraza la vulnerabilidad como una forma de coraje.
Musicalmente, "Septiembre" se mueve con soltura entre el indie rock, el grunge y el rock alternativo en español, con ese sello característico que han definido como “hard indie for hard days”. Las guitarras eléctricas cobran protagonismo en un arreglo que va in crescendo, mientras el bajo y la batería construyen una base sólida, casi ritual, sobre la que se erige la voz, al borde del quiebre emocional.
El origen de Jardín di Trío se remonta a 2020, en plena pandemia, cuando las conexiones previas entre sus integrantes se convirtieron en una necesidad creativa. Desde entonces, el grupo ha defendido una propuesta honesta, auto-producida y profundamente emocional. Su EP debut homónimo "Jardín di Trío" (2021), y el más reciente “Donde nunca nadie” (2024), han sido gestados con la misma filosofía: crear desde lo íntimo, sin artificios, pero con toda la contundencia de una banda que tiene algo que decir.
La sevillana Marta Quintero vuelve a emocionarnos con ‘Vuelvo a Ser Yo’, su nuevo single ya disponible en plataformas digitales, una canción con la que cualquiera puede sentirse identificado en algún momento de su vida. Con una trayectoria impecable y una voz que atraviesa generaciones, la artista andaluza reafirma su lugar en la música española con este tema cargado de sentimiento, superación y verdad.
El single, editado bajo el sello Ocean Music, ha contado con la producción musical de Marko Katier, en Blaw El Estudio, aportando al tema una sonoridad actual pero fiel al estilo intimista y emocional de Marta. La composición lleva la firma de Juan Carlos Campos, Jesús Linde y Miguel Vilches, tres autores que han sabido captar en letra y melodía ese momento de renacimiento personal que todos, en mayor o menor medida, hemos vivido alguna vez.
‘Vuelvo a Ser Yo’ llega acompañado de un videoclip dirigido por Jose David Gómez para 90 Milímetros, que pone imagen a la historia de una mujer que, tras momentos de oscuridad y pérdida, vuelve a encontrarse consigo misma, con su esencia y con la fuerza que siempre llevó dentro. Un relato visual sencillo pero directo, que conecta con el mensaje universal de la canción.
La carrera de Marta Quintero es una de las más sólidas y respetadas de la música popular española. Nacida en Sevilla en 1982, con apenas 8 años ya pedía formarse en canto, y a los 15 grabó su primer disco, Una cantaora. A partir de ahí, éxitos como Llama de amor, Te sigo amando, Besos de miel, Encerrada en libertad o La culpa no la tengo yo, han marcado su trayectoria, colaborando con artistas como El Barrio, Antonio Caballero o Ecos del Rocío, y demostrando una capacidad única para emocionarnos con cada interpretación.
Tras trabajos como Cómo estar sin ti, Música en la intimidad, Mariposas o el single Tú tienes la culpa, Marta Quintero renueva su propuesta con ‘Vuelvo a Ser Yo’, una canción que no solo es un regreso a su mejor versión, sino una invitación a que cada oyente reconecte consigo mismo y se permita volver a empezar.
Ya puedes escuchar ‘Vuelvo a Ser Yo’ en todas las plataformas digitales y seguir el día a día de Marta Quintero y sus próximos proyectos a través de sus redes sociales. Un regreso esperado que confirma que hay artistas cuya voz y autenticidad jamás pasan de moda.
La escena urbana española suma una nueva joya con el lanzamiento de ‘No Love’, el primer álbum de Caluu C., ya disponible en plataformas digitales. La artista, criada en Fuerteventura (Canarias) y con una proyección internacional imparable, entrega en este trabajo su versión más honesta, versátil y mística hasta la fecha.
Caluu C. ha construido su carrera a base de constancia, talento natural y una capacidad innata para fusionar géneros como pop, reggaetón, bachata y mambo, sin perder su esencia. Este nuevo disco no es la excepción: ‘No Love’ es un recorrido emocional y musical donde la artista plasma desamores, empoderamiento, sensualidad y libertad, todo envuelto en un sonido contemporáneo, fresco y con esa vibra casi hipnótica que la caracteriza.
La canaria viene de firmar hitos importantes en su trayectoria. Temas como PEÓN, junto a Dani J, superaron el millón de reproducciones en Spotify, mientras que colaboraciones como MEXXX con el chileno NineTeen Elevenn afianzaron su propuesta internacional. Además, sorprendió al público con LUNA, un tema de trance producido por BENGRO, demostrando que no hay género que se le resista.
A comienzos de este año, Caluu C. abrió el 2025 con CORA BLINDAO, un explosivo single junto a THORLONDON y Juanjo Monserrat, conocido por su trabajo en éxitos como Tacones Rojos de Sebastián Yatra. Poco después, su primer EP colaborativo, BOXXXITO, logró superar las 100.000 reproducciones en Spotify, confirmando su capacidad para innovar y conectar con diferentes públicos.
‘No Love’ llega en un momento clave para la artista. Con más de 30 canciones publicadas, 250.000 oyentes en Spotify en el último año y 500.000 visitas en YouTube, Caluu C. se afianza como una de las voces más prometedoras y originales del género urbano en España y Latinoamérica.
Este primer álbum cuenta con colaboraciones potentes y una producción cuidada al detalle, donde cada tema aporta una pieza al universo sonoro que Caluu C. ha construido a lo largo de su carrera. Más que un disco, es una declaración de intenciones: una artista que no necesita etiquetas, que experimenta, se emociona y hace de cada canción una experiencia única.
Para conocer más sobre Caluu C., descubrir los detalles de ‘No Love’ y no perderse sus próximos lanzamientos y proyectos, puedes seguirla en sus redes sociales y escuchar su música en todas las plataformas digitales.
La nueva era de Caluu C. ha comenzado, y promete no dejar a nadie indiferente.
La artista y referente del colectivo LGTBIQ+ Lucía de la Puerta ha estrenado su primer álbum, ‘A lo callao’, un trabajo valiente, íntimo y directo que ya está disponible en plataformas digitales. Con 13 canciones que abordan el amor, el sexo, la amistad y sus momentos más difíciles, Lucía se desnuda emocionalmente y ofrece a su público un viaje por su 2024 personal, cargado de mensajes ocultos y significados que solo los más atentos sabrán descifrar.
‘A lo callao’ no es solo un disco, es también un juego. Como ha explicado la propia Lucía, el título del álbum responde a tres motivos muy personales. El primero, porque —como muchos artistas— ella ha trabajado en silencio durante meses, en la sombra, para luego mostrar al mundo su obra ya terminada. El segundo, porque una de las primeras canciones que compuso en su vida se llamaba precisamente así, y ahora, con algunos cambios, ha encontrado su lugar natural dentro del disco. Y el tercero, quizá el más profundo, porque a lo largo de 2024 Lucía ha optado por guardarse muchas cosas, por procesar emociones en privado y gestionar sus propios procesos sin hacer demasiado ruido.
"No he contado nada, y este disco es una forma de ver quién ha estado atento, quién sabe encajar las piezas del puzzle de mi año. He querido dejar pistas, hacer un guiño a quienes de verdad me han seguido y entienden de dónde viene cada letra y cada historia", confesó la cantante en una entrevista reciente.
Con una legión de seguidores fieles que la han acompañado desde sus primeros pasos en sus redes sociales, Lucía se ha ganado un hueco en la nueva escena musical por su autenticidad, su cercanía y su capacidad para hablar de temas universales desde su propia experiencia. A finales de 2023 sorprendió con su primer single, que cosechó un éxito inmediato, y desde entonces su carrera no ha hecho más que crecer.
Ahora, con ‘A lo callao’, la artista madrileña demuestra que está dispuesta a seguir dejando huella. Los 13 temas del disco atraviesan diferentes estados emocionales y estilos, siempre conservando esa esencia que la hace única: letras honestas, mensajes sin disfrazar y una sensibilidad que conecta con quien la escucha desde el primer verso.
Lucía de la Puerta se consolida además como una de las voces más potentes y representativas del colectivo LGTBIQ+ en España y Latinoamérica, con una comunidad de seguidores que cruza fronteras y celebra su éxito como propio.
El álbum ya se encuentra disponible en plataformas digitales y es, sin duda, una de las propuestas más personales y emocionantes de este 2025. Para conocer más sobre la artista y estar al tanto de sus próximos lanzamientos, proyectos y conciertos, no dudes en seguirla en sus redes sociales.
Lucía ha llegado para quedarse, y este disco es solo el principio.
La joven artista madrileña Clara Lema sigue consolidando su camino en la escena musical emergente con el lanzamiento de su nuevo single, "Me Confunde(s)", ya disponible en plataformas digitales. A sus 20 años, Clara continúa demostrando que su frescura, sinceridad y cercanía son sus mayores señas de identidad.
Tras el debut con SATURNO en diciembre de 2024 y la publicación de Mírame en febrero de este año, la cantante y compositora presenta ahora un tema que, según sus propias palabras, ha sido el que más ha disfrutado crear hasta el momento. "Me Confunde(s)" es una canción que mantiene el sello de Clara: letras de tú a tú, sin rodeos ni artificios, contadas como una charla con una amiga, con la naturalidad que la caracteriza.
En este nuevo single, Clara explora una historia de esas que todos hemos vivido alguna vez: cuando alguien aparece, se va, vuelve y al final solo deja una sensación de confusión emocional. Un relato directo, envuelto en una producción pop moderna y ligera, que refleja esa montaña rusa sentimental con la que resulta fácil identificarse.
Clara Lema comenzó su relación con la música a los cinco años, cuando aprendió a tocar el violín, y más adelante el piano. Aunque ha estado vinculada al arte desde pequeña, se considera una novata en lo profesional, aprendiendo cada día y descubriendo nuevas formas de componer y producir. En este tiempo ha dejado claro que lo suyo no es seguir una fórmula, sino hablar desde la honestidad y conectar con quien la escucha.
Aunque su zona de confort está en el pop, Clara ya ha comenzado a experimentar con otros estilos y tiene en mente proyectos que incluyen tintes de reggaetón y trap, géneros que irá desvelando próximamente. De hecho, este verano tiene previsto meterse de lleno en la creación de su primer EP y en colaboraciones con otros artistas emergentes de la escena nacional.
Influenciada por artistas como Pole., Enol o Mafalda Cardenal, Clara bebe de esa forma de contar las cosas sin disfrazarlas, de manera emocional, pero cercana. Cada canción suya es una fotografía de su proceso, y eso la convierte en una artista real, natural y en constante evolución.
"Me Confunde(s)" ya se puede escuchar en plataformas digitales y promete ser uno de los temas más destacados de su primera etapa artística. Para no perderte nada de lo que está por venir y enterarte de sus próximos lanzamientos, colaboraciones y conciertos, puedes seguir a Clara Lema en sus redes sociales.
¿Cuántas veces has cerrado una puerta para no volver? ¿Cuántas veces has sentido que, en realidad, nunca hubo nada? Entonces haces la maleta, tomas un taxi y te vas de ese lugar que ya no te hace feliz. Así arranca la premisa de “Taxista”, el nuevo single de Gynebra, que desde hoy ya está disponible en plataformas digitales.
La cantante y compositora valenciana vuelve a demostrar su capacidad de convertir emociones cotidianas en canciones con identidad propia. Esta vez lo hace fusionando mambo y bachata en una historia de desamor marcada por un ex llamado “Cucaracho” y una taxista que aparece como inesperada salvación.
El videoclip, grabado de nuevo en el emblemático paisaje natural de El Saler (Valencia), es un tributo visual al cine español más icónico. Con guiños a Pedro Almodóvar y su inolvidable “Mujeres al borde de un ataque de nervios” y su famoso Mambotaxi (ahora conducido por una mujer), y también a la mítica escena de Penélope Cruz en “Jamón, Jamón” recorriendo una carretera desértica, Gynebra construye un universo visual y musical cargado de simbolismo y referencias que conectan con su audiencia.
A sus 21 años, Gynebra continúa dejando huella en la escena musical nacional. La artista, que lleva vinculada al arte desde los 8 años, se ha caracterizado por su versatilidad y valentía a la hora de hablar de sus emociones. Navega con naturalidad entre géneros como urbano, pop, reguetón y ritmos latinos, y ha sabido construir un espacio propio donde la música sirve como refugio emocional.
Con un primer disco en el mercado, “8 PEKADOS”, y reconocimientos como su candidatura a los Premios Goya 24 por la canción “Juntos” (compuesta para el documental “Dolor Impune” en la lucha contra el bullying) o su elección como Newcomer 2024 por VEVO España, Gynebra es ya una de las voces emergentes más prometedoras del panorama musical.
Además de su carrera musical, Gynebra destaca por su compromiso social como presidenta y fundadora de “KUKI”, una asociación dedicada a ayudar a niños y niñas enfermos o en riesgo de exclusión social a través del arte y la música.
“Taxista” ya puede escucharse en plataformas digitales, una canción para quienes necesitan cerrar puertas y atreverse a subirse a un taxi sin mirar atrás.
Para más información sobre Gynebra y sus próximos proyectos, síguela en sus redes sociales.
La artista catalana Laura West regresa con fuerza y sin miedo a mostrarse vulnerable en “Quien Soy Cuando Nadie Mira”, su nuevo EP que ya está disponible en plataformas digitales. Este trabajo no es solo un álbum; es una experiencia sensorial, emocional y reflexiva que invita al oyente a sumergirse en sus propios claroscuros.
Desde su primer track, Laura West nos conduce a un universo sonoro etéreo, casi celestial, que poco a poco se ve envuelto por una narrativa más cruda y visceral. “Es un viaje introspectivo que empieza en un mundo ideal, pero pronto la realidad te obliga a mirar hacia dentro y enfrentarte a tus miedos”, cuenta la artista. El sonido evoluciona al ritmo de la historia, con una producción que pasa de paisajes sonoros delicados a beats enérgicos y oscuros, reflejando las batallas internas que todos, en algún momento, vivimos en silencio.
Para este proyecto, Laura West ha contado con la colaboración de voces femeninas potentes como Carmen Lillo (Madrid) y Laura Gibert (Cataluña), así como con productores destacados del circuito urbano y alternativo como KFE, Scotty DK, Franklin Dam y CCF Sounds, entre otros. Juntos, han creado un EP que trasciende géneros y etiquetas, fusionando pop electrónico, urban experimental y momentos de introspección pura.
Entre los temas más destacados del EP se encuentra “Caramelo”, una canción que se ha convertido en un verdadero himno moderno sobre la dualidad entre la imagen pública y las inseguridades personales. “Habla de cómo el ideal de belleza se convierte en una prisión emocional”, explica West. Con una producción de pop oscuro y beats contundentes, la canción conecta con una generación hiperconectada y obsesionada con las apariencias, ofreciendo un espacio sonoro para el autoconocimiento y la aceptación.
El videoclip de “Caramelo”, grabado, dirigido y editado por Fabricio Jiménez de Fames Lab, acompaña perfectamente la estética y el mensaje del tema, con una propuesta visual intensa y llena de simbolismo.
Laura West, también conocida como Westie, nació en Girona y ha sabido labrarse un nombre en la escena urbana nacional, llevando su sonido pop-electrónico a un terreno experimental y emocionalmente auténtico. Cantante, compositora, productora, ghostwriter y pianista, ha convertido su proyecto en un fenómeno en vivo gracias a su potente show junto a sus bailarinas, las Westies. Han recorrido escenarios como Sala Apolo de Barcelona, Negrita Music Festival, Holika, y han abierto conciertos para artistas como Bad Gyal, RVFV y próximamente para RELS B.
“Quien Soy Cuando Nadie Mira” confirma a Laura West como una de las voces más personales y honestas de la nueva generación de pop experimental con alma urbana. Un proyecto que, más allá de las etiquetas, se siente y se vive.
Ya disponible en todas las plataformas digitales. Para más información sobre Laura West, sus shows y próximos lanzamientos, síguela en sus redes sociales y no te pierdas lo que está por venir.
"Laura West, conocida artísticamente como WESTIE, es una artista multifacética que ha sabido fusionar el pop con sonidos electrónicos y urbanos, creando una identidad única en la escena musical. Su último EP, 'QUIEN SOY CUANDO NADIE MIRA', es un viaje introspectivo que oscila entre la luz y la sombra, explorando temas profundos como el autoconocimiento y las relaciones interpersonales. Con colaboraciones destacadas y una propuesta escénica enérgica, Laura se consolida como una voz fresca y auténtica. En esta entrevista, nos adentramos en su proceso creativo, sus influencias y los mensajes detrás de su música."
"QUIEN SOY CUANDO NADIE MIRA" es un EP muy personal. ¿Qué momento o experiencia detonó la creación de este proyecto?
Sinceramente, el año pasado atravesé un momento muy difícil, tanto a nivel personal como creativo. Pero fue precisamente esa crisis la que me impulsó a dar vida a este proyecto desde cero. Me apetecía crear un álbum en el que pudiera mostrar mi vulnerabilidad al mundo y, al mismo tiempo, hacer un ejercicio de introspección mientras lo creaba.
El EP comienza en un mundo idílico y luego desciende a sonidos más oscuros. ¿Cómo decidiste esta estructura narrativa?
Quería plasmar con total honestidad cómo me sentía en ese momento. Siempre me he sentido rodeada por una sociedad muy superficial, y fue justo hace un año, durante una temporada en la que pasaba muchos días sola en casa, sin ganas de socializar, cuando empezaron a aflorar mis sombras. Empecé a cuestionarme cosas que nunca antes me había planteado. Por eso me gustó la idea de que el proyecto empezara en un lugar idílico —como si fuera el cielo— y, acto seguido, cayera a la tierra, donde empezaría a afrontar todos los problemas más “terrenales”.
Colaboraste con artistas como Carmen Lillo y Laura Gibert, y productores como KFE y Scotty DK. ¿Cómo influyeron en el sonido final del proyecto?
En este proyecto he tenido el privilegio de colaborar con amigas y con algunos de los productores más talentosos de la industria. Todos ellos son personas increíblemente creativas que han aportado una riqueza inmensa al proyecto. Compartimos el mismo impulso por experimentar y jugar con los sonidos, y creo que juntos hemos conseguido una mezcla muy bien equilibrada.
Normalmente me cuesta colaborar con otros artistas, especialmente en un proyecto tan personal en el que hablo abiertamente de mis propios traumas. Pero tanto Carmen como Laura han sabido entender el concepto a la perfección, y para mí es un verdadero regalo que hayan querido aportar su voz y sensibilidad a algo tan especial para mi.
"Caramelo" habla de la dualidad entre la imagen perfecta y las inseguridades. ¿Cómo fue el proceso de escribir una canción tan honesta?
Todo empezó un día en terapia, cuando mi psicólogo me preguntó: ¿Tienes autoestima? Yo le respondí que sí, que al mirarme al espejo me gustaba lo que veía. Entonces me dijo que no hablaba de mi exterior, sino de mi interior. Y fue en ese momento cuando me di cuenta de que mi autoestima era mucho más frágil de lo que pensaba. Siempre he intentado alcanzar una cierta perfección externa, pero al mismo tiempo he buscado constantemente la validación de los demás, sintiéndome insegura en muchas ocasiones. Esta canción nace de esa reflexión, y plantea una pregunta esencial: ¿Nos estamos dando valor, solo por como nos vemos por fuera?
Tu música mezcla pop, electrónica y urbano. ¿Cómo defines tu evolución sonora desde tus inicios hasta ahora?
Siempre me ha atraído la música experimental y he intentado integrarla en mis canciones. Aun así, siento que con el tiempo mi sonido se ha ido definiendo cada vez más, encontrando así una identidad más madura y equilibrada. Tengo la suerte de escuchar música en distintos estilos y en varios idiomas, lo que me permite descubrir constantemente nuevos recursos que luego incorporo a mi propio proyecto.
¿Qué representa para ti el nombre WESTIE, tanto en tu música como en tu identidad?
En realidad, este nombre no lo creé de forma consciente, fue surgiendo poco a poco… y hoy en día me encanta. Siempre me he considerado una persona vergonzosa, algo antisocial y bastante insegura. Pero cuando aparece este alter ego, siento que me transformo. Es como si el hecho de tener un nombre artístico me permitiera salir de mí misma y actuar sin tanto juicio. Me da libertad para expresarme sin las barreras que a veces me impone mi parte más tímida.
Tus shows son conocidos por su alta energía y coreografías con las Westies. ¿Cómo surgió la idea de integrar el baile como parte esencial de tu arte?
Me encanta el arte en todas sus formas, y poder expresar lo que dicen mis canciones a través del baile es algo muy especial para mí. Me ayuda a conectar aún más con lo que estoy cantando, especialmente en los directos. En estos nuevos shows estoy incorporando acting y atrezzo, con la intención de que el público pueda sumergirse en mi universo creativo. Además, tengo que confesar que subirme al escenario con mis bailarinas —que también son mis amigas— me da una seguridad enorme. Me ayuda a estar más tranquila. Compartir esto con ellas lo hace aún más significativo: son recuerdos que nos van a acompañar siempre.
Has sido telonera de artistas como Bad Gyal y RVFV. ¿Qué aprendiste de esas experiencias y cómo influyen en tu propio escenario?
He tenido la oportunidad de cantar en lugares espectaculares, pero justo has mencionado los dos conciertos que más he disfrutado hasta ahora. La energía del público fue increíble y me sentí conectada a tope. Vengo de actuar en espacios muy pequeños, y todas esas experiencias me han servido como preparación para escenarios más grandes. Además, he aprendido muchísimo observando otros directos, siempre estoy dándole vueltas a cómo puedo seguir mejorando el mío.
Cantar en este tipo de eventos te forma de verdad: aprendes a sonorizarte bien, hablar con los técnicos de sonido, manejar lo que ocurre en el backstage y a adaptarte a cualquier imprevisto.
¿Cómo fue actuar en festivales como el Negrita Music Festival o el Holika? ¿Qué diferencia hay entre un festival y un concierto en sala?
Acabas de mencionar el mejor año de mi vida. Poder actuar en escenarios con tanta repercusión ha sido una auténtica locura. He tenido la oportunidad de viajar, de descubrir rincones y culturas únicas de este país, reírme a carcajadas con mi equipo y, sobre todo, crecer muchísimo como artista.
Los festivales te dan una visibilidad enorme, mucho mayor que un concierto en una sala privada, pero también conllevan el riesgo de enfrentarte a un público que quizá no conecte con tu música. Además, el tiempo de actuación suele ser más limitado, y no siempre puedes mostrar todas las capas de tu proyecto. En cambio, los conciertos en sala son mucho más íntimos y personales, pero el poder formar parte de un festival tan grande y de todo lo que conlleva, es una experiencia espectacular. Quien viene, lo hace porque realmente quiere escucharte, y esa conexión es muy especial.
Si tuviera que elegir… sinceramente, no sabría con cuál quedarme. Cada formato tiene su magia y también sus retos.
Además de cantar, eres compositora, productora y ghostwriter. ¿Cómo equilibras todos estos roles?
Al final todo es música y lo acabo incorporando en mi proyecto. Ahora mismo, estoy co-produciendo la mayoría de temas que voy a sacar después del álbum y estoy muy orgullosa de mi avance con la producción, ya que a veces estoy por la calle y me viene una idea y me voy directa a casa con el Ableton, no me hace falta pedir hora de estudio con un productor!!
¿Hay algún artista o género que te haya inspirado especialmente en este último EP?
Hay demasiados artistas… ya que he sacado recursos de muchísimos sitios distintos, pero si que a nivel sonoro te diría Rosalía, Fred Again…, Judeline, Artemas, emtre otros.
¿Qué mensaje quieres que lleven tus fans después de escuchar "QUIEN SOY CUANDO NADIE MIRA"?
Sé que para ellas soy una persona muy cercana, pero también reconozco que me cuesta abrirme del todo y dejarme conocer en profundidad. Con este álbum quiero regalarles una parte de mí, una que quizá nunca había mostrado del todo. A través de estas canciones podrán entender todo lo que viví y sentí el año pasado.
También quiero que sepan que ellas son una de las razones por las que sigo haciendo música. Me encantaría que este proyecto lo hagan suyo, que lo sientan cercano, y que pueda acompañarlas —como banda sonora— en muchas de sus propias historias.
El título del EP sugiere una exploración de la identidad. ¿Crees que la música te ha ayudado a entenderte mejor a ti misma?
Sin duda, he dedicado muchísimo tiempo a la música; ahora mismo es donde enfoco toda mi energía. Ese tiempo lo he aprovechado para hacer introspección y reconectar con las ganas y la ilusión que me impulsaron a empezar en este camino.
Siempre digo que, al escuchar la música de un artista, puedes intuir su personalidad y su forma de ver la vida en el momento en que creó ese trabajo.
Finalmente, ¿qué viene para Laura West? ¿Hay algún sueño musical o colaboración que te gustaría cumplir próximamente?
Mucha música. No quiero adelantar demasiado, pero tengo casi otro álbum terminado y, sinceramente, creo que es de lo mejor que he hecho hasta ahora.
Me encantaría seguir creciendo, darme a conocer aún más y poder ir a tocar con mi equipo por todo España. A nivel de Catalunya, uno de mis sueños sería colaborar con Julieta, y a nivel estatal, con artistas como Oddliquor, Judeline, Belén Aguilera o Soge Culebra.
A veces la vida diaria puede parecernos monótona, sin color, insípida. Para ese tipo de ocasiones siempre viene bien redescubrir el placer de existir con esas canciones que te llevan a escenarios surreales donde la fiesta nocturna es infinita, esas vibras sonoras donde las aventuras citadinas y los encuentros pasionales ponen a latir el corazón a tope. Algo así como esa energía ochentera que transmitieran grandes temas como Lets Dance (David Bowie), This Must Be the Place (Talking Heads) y ahora Thunderbolt, de la banda sandieguina Atomic Sexies.
Fundada en la primavera de 2022 en San Diego, California, la banda Atomic Sexies es de esos proyectos que saben que la música es demasiado hermosa para reprimirla en un solo estilo, algo que dejan muy claro en su nueva entrega musical Thunderbolt. Con un estilo musical energizante que mezcla géneros como el rock pop británico, el glam, las vibras bailables de los 80s y letras que te motivarán a lanzarte por una aventura nocturna, el nuevo sencillo de los Atomic Sexies te transportará a esos años previos al Internet, cuando el estilo y los pasos de baile en la disco eran lo más importante.
Su portada es la primera puerta de entrada a esta dimensión, con un estilo que nos remite a los videojuegos de arcadia y los colores vaporwave, mientras que el sonido de Thunderbolt refleja exactamente lo que sus autores se propusieron que fuese: una carta de amor a David Bowie, influenciada por su era glam de Ziggy Stardust, así como algo de T.Rex y Talking Heads, en una mezcla de ritmos bailables y pegajosos.
Mezclada en Londres por Cameron Craig —productor que ha trabajado con artistas como Adele, Amy Winehouse, Tine Turner, Pulp— y masterizada en los mismísimos Abbey Road Studios —sí, los mismos donde los Beatles grabaran su legendario álbum— por Geoff Pesche —Gorillaz, Coldplay, Blur—, el tercer sencillo de Atomic Sexies sigue preparando el terreno para el lanzamiento de su próximo disco, del que ya han liberado previamente los temas Pleasure #5 y In Between y que verá la luz este 2025, en lo que promete ser un viaje musical atrevido y heterogéneo de eclecticismo sonoro que cautivará al público mexicano. De momento podemos ir adelantando la experiencia con Thunderbolt, disponible en plataformas digitales a partir del 25 de abril.
Además de este lanzamiento y tras su última visita a México en Noviembre del 2024, Atomic Sexies alista su regreso a los escenarios en este 2025, listos para dar una serie de shows en la capital del país y en distintas ciudades, mismos que estarán anunciando próximamente en sus redes sociales.
La cantante y compositora Nereida presenta “Timeless”, una canción que nace desde lo más profundo de su corazón y se convierte en una conversación íntima con el tiempo, los recuerdos y las emociones que se resisten a desaparecer. Este nuevo single, ya disponible en plataformas digitales, muestra a una artista en estado puro, apostando por la sinceridad, la nostalgia y la sensibilidad como protagonistas.
“Timeless” surge de un momento de reflexión personal. Según cuenta Nereida, “Es una de las canciones más personales que he escrito. Nació en un instante de nostalgia por lo que fui y lo que soy ahora. Empecé a cuestionarme cómo el tiempo y los recuerdos transforman lo que sentimos. Me di cuenta de que hay cosas que permanecen, aunque todo lo demás cambie.”
La canción, compuesta junto al productor y compositor Álvaro Heredia (heerzo), ofrece una producción minimalista y cuidada, diseñada para no robarle espacio a la voz ni a la letra. Cada acorde funciona como un susurro, como un paisaje sonoro que acompaña sin interrumpir el relato emocional de la artista. “Quise que todo fuera lo más simple e íntimo posible, que la producción abrazara la voz y permitiera que las palabras respiraran”, explicó Nereida.
“Timeless” no solo es una canción, sino una reflexión en forma de música sobre los vínculos invisibles que nos atan a momentos, a personas y a versiones antiguas de nosotros mismos. La letra habla desde esa voz interior que todos reconocemos: la que se aferra a ciertos recuerdos, que nos lleva a preguntarnos qué permanece cuando todo a nuestro alrededor parece cambiar.
Nereida consigue transmitir esa mezcla de añoranza y serenidad con una interpretación vocal delicada, cargada de matices y honestidad. Su voz flota sobre la producción, construyendo un espacio sonoro que invita al oyente a detenerse, escuchar y encontrarse con sus propios recuerdos.
Este lanzamiento marca un punto importante en la carrera de Nereida, quien continúa consolidándose como una artista capaz de emocionar y conectar a través de la sencillez y la verdad. “Para mí, esta canción es como dejar una carta abierta al tiempo, a todo lo que fue y lo que sigue siendo dentro de mí”, comenta.
“Timeless” ya puede escucharse en todas las plataformas digitales, y promete convertirse en uno de esos temas que acompañan momentos de introspección y calma. Para más información sobre Nereida y sus futuros proyectos, no dudes en seguirla en sus redes sociales y descubrir la música que vendrá.
Una canción que no pasa, porque algunas emociones, como los abrazos del recuerdo, son atemporales.
La cantautora Catalina Zaya presenta su nuevo single “Te Abrazo”, una balada pop luminosa y emotiva que invita a sentir la calidez de un abrazo que no ata, sino que libera. Más que una canción, “Te Abrazo” es una caricia musical que sumerge al oyente en una atmósfera de ternura, vuelo emocional y libertad interior.
Con una producción moderna y delicada, y una interpretación vocal que equilibra vulnerabilidad y fortaleza, Catalina Zaya explora el amor desde su gesto más sincero: el abrazo. Un contacto que, lejos de retener, impulsa a volar. “Imaginé qué le diría a alguien a quien no podía dejar ir. Y entendí que a veces no hace falta decir nada. Solo abrazarlo… no para sujetarlo, sino para dejarlo ir, y volar con él”, confesó la artista en una entrevista exclusiva.
El videoclip de “Te Abrazo” fue filmado en los paisajes de ensueño de Cartagena, Colombia, incluyendo la paradisiaca Isla Tierra Bomba y el imponente Castillo de San Felipe de Barajas. Un auténtico poema visual que narra una historia de amor y libertad entre puestas de sol, brisas caribeñas y siluetas dibujadas bajo cielos infinitos.
Cada escena refleja la emoción de la canción: abrazos que no necesitan palabras, miradas que hablan y momentos de calma compartida. Según Catalina Zaya, “Necesitaba un lugar con viento, agua y luz… todo lo que te hace sentir libre. Cartagena tiene alma. Respira historia y amor.”
Organizar el rodaje desde Dubái, con un equipo seleccionado a distancia y un viaje de casi 24 horas vía Ámsterdam, supuso un reto logístico. Pero como en todo buen proyecto que nace desde lo auténtico, las dificultades se transformaron en aciertos. Incluso una tormenta que obligó a cambiar de ubicación en la isla derivó en una playa perfecta con la ciudad al fondo.
En pantalla, la acompaña Alex Vasquez, modelo, bailarín y tiktoker colombiano, seleccionado no solo por su imagen, sino por la química y la confianza que requería la historia. “Fue mi primera experiencia real actuando, no posando, y con él fue natural. Sentir y vivir el momento.”
El estilismo y la dirección artística apuestan por lo esencial: ropa ligera, tejidos al viento, maquillaje mínimo. Un solo vestido combinado con distintos bañadores acompañó a Catalina Zaya entre escenas de fortaleza y playa. Movimientos suaves, como respiraciones, para mantener la esencia natural de la historia.
Para la artista, este lanzamiento significa “simplicidad, sinceridad y calidez”. Un recordatorio de que el amor no hay que controlarlo, sino vivirlo. “Si alguien ve el video y siente ganas de abrazar a quien ama, entonces hicimos todo bien”, expresó.
“Te Abrazo” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a todos a sumarse a esta experiencia emocional y tropical. Para más información sobre Catalina Zaya y sus futuros proyectos, no olvides seguirla en sus redes sociales y ser parte de su viaje lleno de música, romance y sabor caribeño.
El músico y compositor Mark J SOLER ha anunciado el lanzamiento de su nueva obra instrumental “Hanami”, una delicada pieza de tres minutos que captura la fugacidad y el esplendor de la primavera en su máxima expresión. Inspirada en un paseo primaveral entre cerezos en flor junto al histórico Château de Versailles, esta creación es un tributo sonoro a la naturaleza y al arte de contemplarla.
“Hanami”, que toma su nombre de la tradicional costumbre japonesa de observar y disfrutar la floración de los cerezos, nació de un instante de asombro vivido por el artista en el Arboretum, un rincón poco conocido de naturaleza silvestre junto a los jardines del palacio. Según relata Mark J SOLER, “Tomé un par de fotos con el móvil, pero enseguida lo guardé. Me quedé allí, simplemente mirando. Quería absorber de verdad ese momento. Ya en el estudio, intenté trasladar esa sensación exacta a la música.”
El resultado es una composición instrumental que envuelve con melodías suaves y una atmósfera serena, invitando al oyente a detenerse, respirar y reconectar con el presente. “Hanami” funciona como una pausa sonora, un instante de calma y reflexión en medio del ruido cotidiano, y a la vez, un homenaje a la belleza que, como los pétalos de un cerezo, solo permanece un instante.
Disponible ya en plataformas digitales, esta pieza promete convertirse en la banda sonora ideal para aquellos que buscan momentos de introspección o sencillamente dejarse llevar por la poesía de la naturaleza.
Para más información sobre Mark J SOLER y sus futuros proyectos, puedes seguirle en sus redes sociales y descubrir las próximas sorpresas que prepara este talentoso compositor.
La escena musical latinoamericana sigue sumando voces auténticas y potentes, y una de las que más está dando que hablar es la de Caro Abadía. La artista panameña acaba de estrenar su nuevo single “Feel Me”, una canción que no solo invita a bailar, sino que también conecta con las emociones y reivindica el amor propio.
Con una propuesta fresca que fusiona el pop urbano con sonidos actuales y letras cargadas de fuerza, Caro se posiciona como una de las promesas más firmes de la nueva generación de artistas latinoamericanas. En “Feel Me”, su inconfundible voz se mezcla con una producción impecable a cargo de Bomber Music, creando un tema que promete convertirse en favorito de playlists y pistas de baile.
La letra y composición, firmadas por la propia Caro Abadía, transmiten un mensaje de autenticidad y valentía, invitando a escuchar el corazón y dejarse llevar. “Es una canción para que la gente se reconecte consigo misma, para recordar que no hay nada más poderoso que sentirte libre, dueño de tu historia y de tu energía”, comenta la artista.
“Feel Me” ya está disponible en plataformas digitales, donde los seguidores de Caro podrán disfrutar de este nuevo capítulo en su carrera. Además, quienes quieran estar al tanto de sus próximos lanzamientos, presentaciones y novedades, pueden seguirla a través de sus redes sociales, donde la artista mantiene una activa comunicación con su comunidad de fans.
Desde Panamá para el mundo, Caro Abadía confirma con este lanzamiento que su música ha llegado para quedarse, y que su mensaje de empoderamiento y conexión emocional seguirá resonando fuerte en cada canción.
La cantante sonorense Ingrid Contreras regresa este 2025 con un tema cargado de sentimiento y elegancia: “Dime”, una balada pop que promete tocar fibras profundas y convertirse en favorita entre los amantes de las canciones que hablan al corazón. Ya disponible en plataformas digitales, este nuevo sencillo confirma a Ingrid como una de las voces más auténticas y sensibles de la escena actual.
Originaria de Ciudad Obregón, Sonora, Ingrid Contreras ha construido su camino en la música como en un verdadero cuento de hadas. "Siempre fue mi meta lanzarme algún día como solista, pero no estaba tocando puertas. Pensaba que si era para mí, de alguna manera se iba a atravesar en mi camino. Y así sucedió", confiesa la artista de 28 años, que desde su debut ha dejado una marca muy personal dentro del género mariachi-pop y balada-pop.
“Dime” es una pieza íntima y melancólica, compuesta por Héctor León, Cesar Franco y Carlos Daniel Tomas, y producida por Saul Escoboza, que permite a Ingrid desplegar toda la potencia y calidez de su voz. La letra, cargada de preguntas sin resolver en una relación marcada por el silencio y la distancia emocional, encuentra en su interpretación la mezcla perfecta entre delicadeza y fuerza interpretativa, elementos que ya son parte esencial del sello de la cantante.
Desde su aparición en la escena musical, Ingrid Contreras ha sabido conquistar al público y la crítica. A finales de 2020, su sencillo “A quién quiero engañar” fue seleccionado para formar parte de la banda sonora de la telenovela de Televisa Quererlo Todo. Un año más tarde, su talento fue reconocido en los Premios Juventud 2021, donde recibió nominaciones en las categorías “La Nueva Generación Regional Mexicano” y “Mejor Canción Mariachi-Ranchera” por su éxito “Pobre Corazón”.
Con “Dime”, Ingrid vuelve a demostrar que su versatilidad y capacidad para conectar con las emociones del público siguen creciendo. La canción mantiene esa esencia romántica que la caracteriza, pero con una producción contemporánea que envuelve cada verso en arreglos elegantes y atmósferas envolventes, consolidando su propuesta como una de las más frescas y emotivas del pop en español.
La canción ya puede disfrutarse en todas las plataformas digitales, y la artista invita a sus seguidores a no perderse este nuevo capítulo de su carrera, además de mantenerse al tanto de próximos lanzamientos y presentaciones a través de sus redes sociales.
Ingrid Contreras reafirma con este lanzamiento que sigue escribiendo su propio cuento de hadas en la música, uno donde cada canción es un reflejo sincero de su voz y su corazón.
Después de la cálida recepción de Violeta,Andrés Volkovpresenta “Fragilidad”, una composición que continúa explorando el universo sonoro del mariachi desde nuevos territorios. En esta ocasión, la canción incorpora elementos de salsa para dar forma a una reflexión profunda sobre la vulnerabilidad y la masculinidad.
La letra de “Fragilidad” ofrece una mirada crítica a los mandatos tradicionales de la masculinidad, donde la fuerza se asocia con la frialdad y las convicciones suelen generar confusión. Construida a partir de voces que heredan prácticas y creencias a lo largo de generaciones, la música refuerza esta narrativa: el mariachi funge como punto de partida para un arreglo que evoluciona hacia una sección de salsa enérgica, con el piano como detonante rítmico y emocional.
Grabada de forma independiente por Andrés Volkov, Juan José Espinoza y Ed Crimson, la canción destaca por su ensamble multicultural y su enfoque artesanal. “Fragilidad” es un adelanto más del álbum Hombre Nuevo, una ópera rock donde el mariachi dialoga con géneros como el bolero, el jazz y el rock.
La canción fue escrita por Andrés Volkov, quien también comparte la producción con Juan José Espinoza y Ed Crimson. El arreglo fue realizado entre Volkov y Espinoza, quien además interpreta guitarras y vihuelas, y aporta coros junto a Jorge Rivera, también contrabajista. Las percusiones estuvieron a cargo de Balam Sarellano y Gabriel Rodríguez; Luis Sánchez grabó las trompetas, Emerson Escobar los violines, y David Morales el piano que impulsa la sección de salsa. La presentación de su nuevo disco "Hombre Nuevo" será el próximo miércoles 25 de junio en Foro Cultural Hilvana a las 18:00 hrs. Los boletos se podrán adquirir en Passline y en el foro.
El colectivo musical Soul de Vienne vuelve a sorprender con su más reciente lanzamiento “Globalization”, un tema que refleja a la perfección la esencia de este innovador proyecto dirigido por Roman Schleischitz. Disponible ya en plataformas digitales, la canción es una verdadera travesía sonora que fusiona géneros y culturas en una sinfonía moderna, rompiendo las barreras tradicionales de estilo y territorio.
“Globalization” es mucho más que un simple tema musical; es una declaración artística que celebra la diversidad cultural y musical del mundo actual. Fieles a su sello distintivo, Soul de Vienne ofrece una producción donde conviven influencias de jazz, world music, electrónica y matices contemporáneos, tejidas con precisión en una obra que resulta tan sofisticada como accesible.
Al frente de esta propuesta se encuentra Roman Schleischitz, compositor y productor con una vasta experiencia en la creación de proyectos sonoros únicos. Schleischitz ha sabido consolidar a Soul de Vienne como un colectivo flexible y vanguardista, que adapta su alineación de músicos a cada proyecto, garantizando así la excelencia y frescura de cada nueva obra.
En “Globalization”, esta filosofía creativa alcanza una de sus más brillantes expresiones. El tema se apoya en arreglos dinámicos e innovadores, combinando instrumentos acústicos con elementos electrónicos y recursos vocales que refuerzan su mensaje de unidad y apertura cultural. La pieza consigue transportar al oyente por diferentes paisajes sonoros, conectando las tradiciones musicales de distintas latitudes en un lenguaje común.
Desde sus inicios, Soul de Vienne ha apostado por reinterpretar y crear música con un enfoque multidisciplinario, y este nuevo single reafirma su compromiso con esa visión. La capacidad del colectivo para moverse con solvencia entre la interpretación clásica, los ritmos contemporáneos y las influencias globales, ha convertido a este proyecto en uno de los referentes de la experimentación musical actual.
“Globalization” se suma así al repertorio de una agrupación que no deja de explorar y reinventarse, ofreciendo a su audiencia experiencias sonoras tan técnicas como emotivas, en escenarios que van desde pequeños espacios íntimos hasta grandes auditorios internacionales.
El colectivo invita a sus seguidores y nuevos oyentes a descubrir esta obra y sumarse a su viaje musical a través de plataformas digitales. Para conocer más sobre Soul de Vienne, sus próximas presentaciones y lanzamientos, se puede visitar su página oficial: www.souldevienne.com.
Una vez más, Soul de Vienne demuestra que la música no entiende de fronteras, y que cuando se combinan talento, visión y respeto por la diversidad, el resultado es simplemente extraordinario.
Este 2025 arranca con ritmo veraniego gracias a Juls Del Real y Mitchell Stuurman, quienes acaban de estrenar su nuevo single “Sé Que Me Buscarás”, una canción que promete ser la banda sonora de las pistas de baile y las tardes junto al mar. Se trata de un tema pop dance con alma tropical, que combina la calidez vocal de Juls y la frescura de una melodía que invita a bailar y dejarse llevar.
“Sé Que Me Buscarás” es mucho más que una canción bailable. Desde su inicio, el tema atrapa con un beat alegre y envolvente que, en su segundo verso, se descompone en un cálido synth tropical que transporta al oyente a un atardecer en la playa, con las olas rompiendo de fondo y una copa en la mano. Juls, con letra en español, ofrece una interpretación luminosa y positiva, pensada para contagiar buen ánimo y levantar el espíritu.
Lo curioso de este lanzamiento es que Juls Del Real, artista madrileña nacida en 1992, y Mitchell Stuurman, productor holandés de Alkmaar, aún no se conocen en persona. Se conectaron por internet cuando Mitchell envió un demo a Juls, quien quedó encantada con la idea y no dudó en colaborar. A pesar de trabajar a distancia, desde sus respectivos hogares en España y Holanda, ambos disfrutaron al máximo la experiencia, logrando una química musical que se refleja en este vibrante single.
Juls Del Real lleva años recorriendo escenarios icónicos de Madrid como Opium, Joy Slava, Búho Real, Fulanita de Tal, Marula Café y Moe Club. Desde los 18 años ha compuesto para cine y series, y en 2019 lanzó su primer EP Segunda vida. En 2022 sorprendió con Puticlista, una parodia crítica, y en 2023 con Paridas, un tema festivo que celebraba la amistad. Este año, además de “Sé Que Me Buscarás”, se prepara para lanzar Conexión, una canción pop que aborda las dificultades para establecer relaciones sentimentales en la era digital.
Por su parte, Mitchell Stuurman ha construido su estilo mezclando Dance, Pop, Tropical House y Trance, influenciado por bandas como U2 y productores como Kygo. Tras años tocando la guitarra y formando parte de bandas locales, decidió adentrarse en la producción musical, enfocándose en melodías y ritmos que transmiten emoción y energía. Este verano, Mitchell también presentará dos nuevos singles: Love is all you need y One touch.
“Sé Que Me Buscarás” ya está disponible en plataformas digitales, lista para sumarse a las playlists de quienes buscan una canción que los haga bailar y disfrutar del verano.
Para más información sobre Juls Del Real y Mitchell Stuurman y sus futuros proyectos, puedes seguirlos en sus redes sociales. ¡Prepárate, porque esta colaboración promete ser solo el inicio de una gran conexión musical!
El artista madrileño afincado en París Diego El Kinki, conocido por su innovadora fusión de flamenco electrónico y jazz electrónico, acaba de lanzar su nuevo single "Zapatilla", en colaboración con la talentosa cantante y guitarrista cubana Clo Inspiración. Se trata de un proyecto especial, concebido como una canción veraniega con un ritmo contagioso que busca conquistar al público latino y más allá, sin perder la esencia flamenca.
"Zapatilla" nace de la experimentación de Diego El Kinki con el compás de bulería (6/8 o 3/4), reinterpretado con un groove cercano al dembow del reggaetón, pero manteniendo la cadencia flamenca. "Quería crear algo comercial, que sonase fresco y pegadizo, pero sin abandonar la raíz de la bulería", explica el artista.
La colaboración con Clo Inspiración añade un toque único al tema: su voz poderosa y su estilo ecléctico, con influencias salseras y rockeras, le dan una energía vibrante. "Clo aportó esa frescura que buscaba, uniendo lo cubano con lo flamenco de una manera natural", destaca Diego.
Aunque Diego El Kinki es reconocido por proyectos como El Último Grito (uno de los primeros grupos de flamenco electrónico) o Flamenco Machine!, "Zapatilla" surge como una idea independiente y más accesible. "No es nuestro proyecto principal, pero queríamos probar algo diferente, un tema que invite a bailar sin etiquetas", comenta.
El artista, que lleva dos décadas en París, ha explorado diversas vertientes de la música electrónica, desde el jazz en proyectos como Eurobeat Gamba hasta el pop experimental en Palos que quieran. Sin embargo, con este single, busca un impacto global: "La idea es que suene en cualquier parte, desde una fiesta en La Habana hasta un club en Berlín".
"Zapatilla" ya está disponible en todas las plataformas digitales, marcando el inicio de lo que podría ser un nuevo subgénero bautizado por el propio artista como "Zapatilla". Con su ritmo adictivo y su fusión de culturas, el tema promete convertirse en una de las sorpresas musicales del verano.
Para seguir las novedades de Diego El Kinki y sus futuros proyectos, no dejes de seguirlo en sus redes sociales y visitar su página web oficial: www.elkinki.net.
El artista madrileño Aaron Marqués, conocido por su habilidad para fusionar el flamenco con ritmos urbanos, acaba de lanzar su nuevo single "No podemos ser amigos", una colaboración junto al productor Kick Key y bajo el sello de Dimelo Hifi. Esta nueva canción promete ser un éxito en las pistas de baile, recuperando la esencia del reggaetón de antaño con un toque fresco y contemporáneo.
Aaron Marqués, de raíces andaluzas, ha sabido consolidarse en la escena musical con un estilo versátil que abarca desde el trap hasta la bachata, pasando por el merengue y el rap. Inició su carrera con temas como "Tú Perfume", donde mezclaba el flamenco con sonidos urbanos, y desde entonces no ha dejado de sorprender con colaboraciones innovadoras y ritmos contagiosos.
Con "No podemos ser amigos", Marqués demuestra una vez más su capacidad para reinventarse, apostando por un reggaetón pegajoso y directo, ideal tanto para el público más nostálgico como para las nuevas generaciones.
Producido por Kick Key, conocido por su trabajo en el género urbano, este tema combina percusiones envolventes, bajos potentes y letras intensas que hablan de una relación imposible. La química entre Marqués y Kick Key se hace evidente en cada compás, creando una canción que invita al movimiento desde el primer segundo.
"No podemos ser amigos" ya está disponible en todas las plataformas digitales, incluyendo Spotify, Apple Music, YouTube Music y Amazon Music, entre otras. Los seguidores del artista pueden esperar un videoclip próximamente, así como más sorpresas en su agenda musical.
Para estar al tanto de los próximos lanzamientos y proyectos de Aaron Marqués, no olvides seguirle en sus redes sociales. Con una carrera en ascenso y una creatividad sin límites, este artista promete seguir dejando huella en la industria musical.
El artista multidisciplinar ATK Epop se une con la emergente cantante Amaia Pop para lanzar “El Alquimista”, una balada pop envolvente que explora el acto creativo como un proceso casi místico, de transformación y revelación.
Con una producción delicada y atmósferas etéreas, “El Alquimista” se sumerge en una narrativa poética donde la figura del alquimista —mitad criatura marina, mitad ser de luz— encarna el deseo de crear algo desde lo más profundo. La voz de Amaia Pop brilla en un registro íntimo, emocional, mientras ATK Epop aporta una visión lírica cargada de simbolismo y emoción.
“Pide un reino que sea de ella / Pide una canción que venga de dentro” — canta el estribillo, como una invocación al arte, a la inspiración que nace desde lo invisible.
La canción relata un encuentro casi divino, una visión en la bruma de un amanecer, que despierta un proceso alquímico: la creación de algo nuevo, frágil y poderoso a la vez. La fusión de ambos artistas da como resultado una obra delicada pero firme, donde lo humano y lo fantástico se entrelazan.
Con este single, ATK Epop y Amaia Pop continuan una etapa creativa, apostando por la emoción pura, la lírica introspectiva y una producción cuidada que no teme a la pausa ni al silencio.
El joven y prolífico artista británico Zachary Mason presenta su noveno sencillo, el cautivador "Madness Gladness", una canción con una historia de perseverancia y evolución sonora. Concebida originalmente en septiembre de 2021 y revisitada en dos ocasiones antes de encontrar su forma definitiva a principios de 2025, esta pieza invita al oyente a un ensueño embriagador, donde el romance se entrelaza con una profunda reflexión.
"Madness Gladness" abraza un sonido rico en reverberación, transportando al oyente a un paisaje onírico de texturas suaves y atmósferas envolventes. La letra narra la historia de un personaje ficticio subyugado por la fuerza avasalladora del amor, una emoción capaz de desatar tanto la locura como una inmensa alegría en su interior.
Si bien Zachary Mason reconoce que este tema se aleja ligeramente de las sonoridades más rockeras que algunos de sus seguidores esperaban tras prometer lanzamientos con mayor inclinación hacia ese género, "Madness Gladness" no abandona por completo sus raíces. El suave rock y el folk rock se erigen como sólidos pilares que sustentan el sonido dominante del dream pop, creando una amalgama sonora fascinante y llena de matices.
La canción cuenta con la destacada participación de Nate Barnes en la batería, aportando una base rítmica excepcional, y el sublime bajo de John Thomasson, bajista de la reconocida banda Little Big Town, que añade una profundidad melódica envolvente. La mezcla y masterización corrieron a cargo de Derrick Lin desde su estudio en Hong Kong, quien ya ha colaborado con Zachary en cinco de sus recientes sencillos, consolidando una fructífera relación artística. "Madness Gladness" se erige así como la decimocuarta canción publicada por Zachary Mason, marcando un nuevo hito en su creciente trayectoria musical.
Zachary Mason, cuyo nombre real es Daniel Macintyre, es un artista de 27 años afincado en Guildford, Surrey (Reino Unido). Desde la primavera de 2021, ha demostrado una sorprendente prolificidad creativa, generando alrededor de 200 demos en un equipo de grabación que le regaló un familiar. Su versatilidad musical le permite explorar diversos géneros, utilizando tanto guitarras acústicas y eléctricas como teclados.
Su talento ha sido reconocido por influyentes medios como Rolling Stone En Español, 1111CR3W, Cage Riot y SPIN Magazine, donde fue entrevistado a principios de 2025. Su reciente sencillo "I Wish Humans Were Made In A Factory…" alcanzó el puesto número 13 en las listas de Groover, mientras que "I’ll Get Through" se posicionó en los puestos 41 y 93 de las listas de radio indie en 2024. Algunas de sus composiciones han sido seleccionadas para los catálogos de prestigiosas compañías de sincronización como la estadounidense YTINIFNI Pictures y la brasileña Relva Music. Entre sus artistas favoritos se encuentran leyendas de la música como Neil Young, Bob Dylan, Leonard Cohen y The Beatles, influencias que se filtran sutilmente en su ecléctico sonido.
Desde el lanzamiento de su primer sencillo, "Special People", el 1 de julio de 2023, Zachary Mason ha publicado un total de 14 canciones, incluyendo su álbum debut "Songs". Su dedicación y talento lo han convertido en una figura prometedora en la escena musical independiente.
El evocador single "Madness Gladness" ya está disponible en streaming en plataformas digitales. Para no perderse las próximas melodías y proyectos de este talentoso artista, síguelo en sus redes sociales. Sumérgete en el onírico universo sonoro de Zachary Mason y déjate llevar por la dulce locura de "Madness Gladness".
El cantautor Manuel Padron Ríos nos sumerge en la esencia atemporal del Mare Nostrum con su nuevo y evocador sencillo: "Mediterráneo en la Piel". A través de una íntima historia de amor, el artista nos regala una ventana a la vida que palpita en sus costas, un universo donde las edades se difuminan, las modas son pasajeras y el corazón late al unísono con el vaivén de las olas.
"Su Mediterráneo es como el de muchos otros", confiesa el propio Manuel Padron. Un crisol de "mil edades, con mil modas, mil corazones", un lienzo donde se han quedado grabados incontables besos, impregnado del sabor salino de la brisa marina y el incesante ir y venir de las olas. Un lugar mágico que ha hechizado a innumerables almas a lo largo de la historia, sintiendo bajo su influjo la misma conexión profunda y visceral.
En este nuevo trabajo, donde Manuel Padron asume los roles de artista principal, productor, compositor y letrista, se percibe una autenticidad palpable. Cada nota, cada palabra, parece emanar directamente de las profundidades de su ser, transmitiendo una conexión personal y arraigada con el paisaje y las emociones que evoca el Mediterráneo.
El videoclip que acompaña a "Mediterráneo en la Piel" se convierte en una poderosa herramienta narrativa, visualizando la historia de amor del autor como un reflejo de la vida que fluye en este enclave único. No se trata de una única edad, moda o corazón, sino de la suma de todos ellos, entrelazados por el hilo conductor de un sentimiento universal que resuena en cada rincón de la costa mediterránea.
Con este lanzamiento, Manuel Padron nos invita a detenernos y sentir la magia que emana de este mar milenario, a recordar aquellos besos que quedaron suspendidos en el aire, el aroma inconfundible de la sal y el hipnótico sonido de las olas que han sido testigos silenciosos de innumerables historias de amor y vida. "Mediterráneo en la Piel" se presenta como una caricia sonora, una invitación a reconectar con nuestras propias vivencias y emociones ligadas a este espacio geográfico y sentimental.
El nuevo single, "Mediterráneo en la Piel", ya está disponible en streaming en plataformas digitales. Para sumergirse aún más en el universo artístico de Manuel Padron Ríos y estar al tanto de sus próximos proyectos, no duden en seguirlo en sus redes sociales. Déjense envolver por la brisa melódica y la profunda sensibilidad de "Mediterráneo en la Piel".
La escena musical emergente recibe con fuerza a Nessa May, la talentosa artista originaria de Guinea Ecuatorial y afincada en Mánchester, quien acaba de lanzar su nuevo y vibrante single: "Flou". Este tema, un potente adelanto de su esperado EP "I Want it All" disponible desde este mes de abril, irrumpe con una enérgica mezcla de rap y dembow, posicionándose como un firme candidato a convertirse en el himno indiscutible de las próximas fiestas estivales.
"Flou" es pura adrenalina sonora, una creación conjunta de Nessa May y Duncan, del reconocido sello SAFO Music Group. La letra de la canción nace de vivencias personales y de una frase recurrente que ha acompañado a la artista a lo largo de su camino: “tienes mucho flow, pero no creas que vas a llegar lejos”. Lejos de amilanarse, Nessa transforma estas palabras en un poderoso manifiesto musical, demostrando con cada ritmo y cada verso que cada paso la acerca con determinación a la realización de sus sueños.
Con influencias directas del reguetón, el dembow y el rap –géneros que marcaron su crecimiento musical–, Nessa May tenía claro que su carta de presentación debía ser contundente, con una presencia arrolladora y unos tambores que definieran su identidad sonora. Durante la co-producción del tema, su directriz a Duncan fue clara y concisa: "I want drums, a lot of them". De esta visión nació "Flou", una canción que encapsula a la perfección su estilo, su desbordante energía y su marcada personalidad artística. Este lanzamiento no solo presenta un nuevo single, sino que también consolida la identidad musical de Nessa May, marcando una prometedora continuidad en la escena con un sonido nítido, potente y lleno de carácter.
En sus propias palabras, Nessa May describe el nacimiento de "Flou" como un momento perfecto: "Escribí esta canción en el momento perfecto. Era verano de 2024 y aunque era la primera vez que trabajaba con un productor extranjero, cuando me preguntó qué quería hacer, lo tuve claro: quería que se me oyera. El ruido y los tambores son parte de la música africana y me recuerdan también a la música latina con la que crecí. La letra está inspirada en mi entorno y en la película ‘Poor Things’, que me abrió los ojos: como Bella, yo también puedo crecer y ser la artista que quiero ser. Esta canción es todo lo que quería: ruidosa, bailable, alegre y natural. Espero que quien la escuche la disfrute y la baile tanto como yo disfruté creándola."
El single "Flou" vio la luz el pasado 18 de abril de 2025, abriendo el camino para el lanzamiento de su primer EP, "I Want it All", que incluye tres temas más.
Nacida en Guinea Ecuatorial, Nessa May vivió dos décadas en España antes de establecerse en Mánchester. Su incursión en la música se produjo con el single "Ahora Que Te Tengo", con el que conquistó el concurso de Neox. En 2021, su talento fue reconocido con una beca de la SGAE, destacando su valiosa contribución a la música popular. Su propuesta sonora fusiona con maestría afrobeat, pop y rap, con letras que fluyen entre el español y el inglés, creando una experiencia auditiva envolvente y única. Sus actuaciones en vivo son un derroche de energía, influenciadas por su sólida formación como bailarina profesional, aportando un dinamismo electrizante a cada espectáculo. Actualmente, Nessa May desarrolla su carrera artística en Londres, trabajando con SAFO Music Group y presentando al mundo su primer EP, "I Want it All".
El electrizante single "Flou" ya está disponible en streaming en plataformas digitales. Para no perderse ningún detalle sobre el universo musical de Nessa May y sus futuros proyectos, síguela en sus redes sociales. ¡Prepárense para dejarse llevar por el "Flou" y vivir un verano lleno de ritmo y energía!
La artista hispano-francesa Marta Cancela continúa deleitándonos con su universo musical sincero y lleno de luz, presentando su esperado tercer sencillo: "Bailando en la Playa". Tras el dulce sabor de "Traguito de café" y la emotiva profundidad de "Corazón errante", Cancela nos invita ahora a un viaje sonoro vibrante de sol, ritmo y una contagiosa esperanza.
Con una sensibilidad que evoca la escritura de cartas al corazón, Marta Cancela crea canciones que trascienden la melodía para convertirse en mensajes de optimismo. "Bailando en la playa" es precisamente eso: una oda a la ligereza recuperada, a esos instantes mágicos donde la música tiene el poder de evaporar las preocupaciones y nos impulsa a danzar como si nada más importara.
Este nuevo tema despliega una energía pop irresistible, impulsada por el enérgico trío de guitarra, bajo y batería. Un sutil soplo de rumba se entrelaza en la melodía, mientras la cálida voz de Marta Cancela nos envuelve, creando una atmósfera donde, de repente, la vida se siente mucho más dulce y llevadera.
Fiel a su estilo, Marta Cancela utiliza cada una de sus canciones como una invitación a detenernos, a respirar profundamente y a mantener viva la fe en el futuro. "Bailando en la playa" no es la excepción; se presenta como un auténtico rayo de sol que irradia desde nuestros auriculares, listo para iluminar cualquier momento del día.
Para no perderse ninguna novedad sobre la artista y sus próximos proyectos musicales, no duden en seguirla en sus redes sociales. ¡Prepárense para dejarse llevar por el ritmo y la alegría de Marta Cancela este verano!
Sugarcrush con su nuevo single, nos dan su particular visión sobre la Movida Madrileña, con más sombras que luces según ellos. Fieles a su estilo punk/pop y letras irreventes presentan un nuevo hit para disfrutar en cualquier festival veraniego.
La banda manchega Sugarcrush a base de temas y directos en salas y festivales de todo el país, han conseguido hacerse un hueco en el panorama musical con una propuesta diferente dentro de Indie Rock, catalogados ellos mismos como "El fentanilo del Indie Español".
Una de las bandas más polémicas y transgresoras del Indie Español anuncian además fechas para esta primavera: concretamente en Sevilla, Club Mutante el 26 de Abril y en Madrid , Sala La Corriente del Golfo el 10 de Mayo, dentro del ciclo La Removida . Las entradas para ambos eventos están ya a la venta.
Sugarcrush son Kike (batería), Carlos (bajo) y Juanjo (voz y guitarra). Llevan haciendo canciones desde 2017. Dicen que son precursores del trans-yeyé y que hacen garage-pop- noventero. Ambas cosas son perfectamente compatibles. En cualquier caso, su universo musical siempre es la representación de un verano de nuestra infancia comiendo un frigo-pié mientras en la tele ponían el Grand Prix. Eso es algo muy bonito.
No dejan a nadie indiferente en sus conciertos, enamorando a su público y provocando la mayor de todas las fiestas, donde consiguen que todos sus fans terminen coreando sus letras y bailando. Hits incontestables y letras revolucionarias desde el costumbrismo más agresivo.
Sugarcrush presentaron en 2023 su tercer larga duración de título “Bohemian Rhapsody 2” con el que se afianzaron definitivamente como una de las bandas más destacables de la actual escena independiente.
Desde entonces van desgranando singles como el presente “Canción de Pop”, del que será su próximo larga duración a presentar este 2025.
Después de su paso en 2024 por festivales como el Cooltural, Sonorama Ribera, Oasis Sound , el VID o Pulpop siguen cerrando fechas para salas y festivales en 2025.
Sugarcrush se han consolidado como una de las grandes bandas de Indie en España.
La escena musical en español se enriquece con el lanzamiento de "Volvería", el nuevo sencillo que une el talento de la carismática cantautora dominicana Karla Breu y el reconocido artista mexicano Juan Solo. Esta colaboración promete cautivar a los oyentes con una melodía envolvente y una letra que explora las profundidades del anhelo y la persistente esperanza de un reencuentro.
Karla Breu, con tan solo 27 años, ha demostrado ser una fuerza imparable en la música latina desde su llegada a México en 2018. Con cinco sencillos escalando posiciones en los charts y el éxito rotundo de "Te Prometo" en 2021, la artista ha consolidado su lugar como una voz fresca y auténtica. Su álbum homónimo, compuesto íntegramente por ella, recibió una cálida acogida, y su participación como invitada especial en la gira de Camila la llevó a escenarios emblemáticos de Estados Unidos. Tras un exitoso debut en solitario en el Lunario del Auditorio Nacional en 2022, Breu continúa expandiendo su universo musical con esta esperada colaboración.
Por su parte, Juan Solo es un cantautor con una trayectoria sólida y un profundo arraigo en el público mexicano y latinoamericano. Desde sus inicios en redes sociales con "Querido Corazón" hasta su triunfo en Viña del Mar en 2012, Solo ha construido una carrera llena de éxitos y presentaciones en recintos importantes. Con seis producciones discográficas a su nombre y colaboraciones con artistas de renombre, su sensibilidad lírica y su capacidad interpretativa lo han convertido en un referente del pop melódico. Su incursión en el teatro musical, con roles protagónicos en obras como "Hoy no me puedo levantar" y "Mentiras", demuestran su versatilidad artística.
"Volvería" nace de la pluma de Juan Solo, Diana Santos y Diego Castro, quienes han tejido una letra cargada de emoción y sinceridad. La producción musical, a cargo del talentoso Xavier López Miranda, crea una atmósfera sonora que realza la química vocal entre Karla Breu y Juan Solo. La grabación, realizada en Estudios Noviembre por Gilberto Rabiela, captura la esencia íntima y melancólica de la canción.
La combinación de las voces de Karla Breu y Juan Solo resulta magnética. Sus interpretaciones se complementan a la perfección, transmitiendo la dualidad de sentimientos que evoca la letra: el recuerdo vívido de un amor pasado y la latente esperanza de que ese "volvería" se convierta en realidad. La canción se presenta como un diálogo interno y externo sobre la dificultad de dejar ir y la fuerza del deseo.
"Volvería" ya se encuentra disponible en streaming en plataformas digitales. Para seguir de cerca la carrera de Karla Breu y Juan Solo, y estar al tanto de sus próximos proyectos, no duden en visitar sus redes sociales. Este nuevo sencillo promete resonar en el corazón de quienes han experimentado la incertidumbre del después y la persistente melodía de la esperanza.
La polifacética cantante y compositora Carolyn Dodd, quien cautivó al público en la aclamada serie "Get Shorty", regresa al panorama musical con su nuevo y conmovedor sencillo titulado "Window". Desde que se mudó de Louisville, Kentucky, a Los Ángeles junto a su familia a la temprana edad de siete años en busca de una carrera actoral, Dodd descubrió una profunda pasión por la música que ahora la impulsa a compartir su voz y sus historias con el mundo.
"Window" se erige como una ventana lírica al alma de Dodd, desvelando las complejidades de una joven adulta inmersa en la búsqueda incesante de conexión y lidiando con el peso de las expectativas personales y ajenas. La canción, escrita por la propia Carolyn Dodd, nos sumerge en un viaje emocional donde la vulnerabilidad se entrelaza con la honestidad cruda.
La producción, mezcla y masterización corrieron a cargo del talentoso Richard Emery, quien ha sabido crear una atmósfera sonora envolvente y emotiva que complementa a la perfección la intensidad de la letra. La batería, magistralmente interpretada por Aaron Sterling, aporta una base rítmica sólida y sensible a la vez. El lanzamiento se realiza bajo el sello one brain records, marcando un nuevo capítulo en la trayectoria musical de la artista.
Las letras de "Window" resuenan con una sinceridad palpable. Versos como "Losing my sleep and my patience now" o "Now I'm begging a stranger to love me" exponen la fragilidad y la desesperación que a menudo acompañan la juventud en su camino hacia el autodescubrimiento y el amor. La canción no rehúye la oscuridad, sino que la abraza para encontrar en ella una forma de expresión auténtica y relatable para una generación que se ve reflejada en estas luchas internas.
Dodd, quien ha estado escribiendo canciones desde los siete años, demuestra una madurez lírica sorprendente. Sus composiciones no solo narran historias, sino que también se convierten en un eco de los sentimientos y las inquietudes de una generación que navega por las turbulentas aguas del amor y la identidad.
"Window" ya está disponible en streaming en plataformas digitales. Para no perderse ninguna novedad sobre Carolyn Dodd y sus futuros proyectos, se invita a sus seguidores a seguirla en sus redes sociales. Este nuevo single es una muestra del talento multifacético de Carolyn Dodd, consolidándola como una artista a tener en cuenta tanto en la pantalla como en el escenario musical.
Laura Rizzotto, la talentosa y premiada cantautora de origen letón y brasileño radicada en Los Ángeles, California, regresa a la escena musical con su nuevo y pegadizo sencillo titulado "EASY". Con una trayectoria que la ha llevado desde firmar con Universal Music Brasil a los 17 años hasta compartir escenario con estrellas de la talla de Demi Lovato, Colbie Caillat y Rosanne Cash, Rizzotto continúa consolidándose como una artista independiente con una voz única y una propuesta musical cautivadora.
La versatilidad de Laura Rizzotto la ha llevado a colaborar con el legendario maestro ganador del Grammy Eumir Deodato y a trabajar como coach vocal de portugués para la superestrella global Jennifer Lopez. Su talento la llevó a representar a Letonia en el Festival de la Canción de Eurovisión 2018, el mayor evento musical del mundo, donde interpretó su canción original "Funny Girl" para una audiencia de casi 200 millones de espectadores. Al año siguiente, la artista brasileñahizo historia al convertirse en la primera artista en lanzar una nueva canción con una actuación en formato holograma, un hito que le valió una mención en la revista Forbes.
"EASY" es una composición en la que Laura Rizzotto une fuerzas creativas con Josh Shpak y Pera Krstajic, quienes también participan en la producción del tema junto a la propia Laura. La mezcla estuvo a cargo de Pablo San Martin en Esoteric Studios y la masterización fue realizada por Jett Galindo. La canción explora la sensación de liberación y ligereza tras una relación que ya no aportaba bienestar. Con una melodía pegadiza y una letra directa, "EASY" transmite un mensaje de empoderamiento y la sorpresa de descubrir lo sencillo que puede ser dejar atrás lo que ya no funciona.
La letra, con versos como "Didn’t think I could go so long without you babe / Never thought I would let you go for my own sake" (No pensé que podría pasar tanto tiempo sin ti, cariño / Nunca pensé que te dejaría ir por mi propio bien), refleja una honestidad brutal sobre el proceso de desapego. El estribillo, "I wish I knew before I cut this off / That it would be so easy / Heavy like a ton of bricks, but I brushed you off / Like a feather so breezy" (Ojalá lo hubiera sabido antes de cortar esto / Que sería tan fácil / Pesado como una tonelada de ladrillos, pero te sacudí / Como una pluma tan ligera), encapsula la sorpresa y el alivio de encontrar la libertad.
"EASY", el nuevo sencillo de Laura Rizzotto, ya se encuentra disponible en streaming en plataformas digitales. No te pierdas la oportunidad de disfrutar de este himno de independencia y seguir los próximos pasos de esta talentosa artista a través de sus redes sociales. Prepárate para contagiarte de la ligereza y el positivismo de "EASY".
El artista puertorriqueño Emyoz lanza su esperado EP titulado “Eloquence”, una propuesta musical fresca, atrevida y cargada de ritmos que te harán moverte sin parar. Bajo la producción de Diamond, Emyoz presenta un proyecto que marca una nueva etapa en su carrera, combinando letras contundentes con sonidos innovadores que fusionan el pop con elementos de la música disco y electrónica.
El primer sencillo promocional, “Inevitable”, es un tema explosivo que busca convertirse en el favorito de los fans y en un himno para las pistas de baile. Con una energía vibrante y una producción impecable, Emyoz se perfila como una de las nuevas voces más prometedoras del género.
“Este EP es un viaje musical. Quisimos explorar sonidos diferentes en cada tema, pero manteniendo siempre nuestra esencia. ´Inevitable´ es sólo una muestra de lo que venimos a hacer”, expresó Emyoz.
“Eloquence” ya está disponible en todas las plataformas digitales. El EP incluye varias canciones que reflejan la versatilidad de Emyoz como intérprete, y cada una cuenta con una identidad única, mostrando su evolución artística y su compromiso con ofrecer música de calidad.
