La música canaria vive un encuentro muy especial con el lanzamiento de “Culpable”, el nuevo single de K-Narias junto a st. Pedro, publicado el pasado 23 de enero de 2026. Esta colaboración reciente conecta a dos generaciones clave del panorama musical de las islas y da como resultado una canción cargada de emoción, honestidad y sensibilidad, donde el sonido tropical dialoga con una producción moderna y elegante.

“Culpable” se presenta como una balada urbana con tintes de bachata y merengue, una fusión que logra equilibrar la calidez de los ritmos clásicos con una estética actual. La canción invita a moverse suavemente, pero sobre todo a escuchar con atención una letra que pone el foco en el conflicto emocional de sentir algo inesperado por alguien nuevo cuando ya existe una relación previa. La pregunta que atraviesa el tema es clara y directa: por qué sentirse culpable por algo que no se eligió conscientemente, abordando el destino, el desamor y la necesidad de ser honestos con lo que se siente.

Este lanzamiento tiene un valor simbólico muy importante para K-Narias, ya que marca el inicio de una nueva etapa artística coincidiendo con la celebración de sus 20 años de trayectoria. Gara y Loida, consideradas las gemelas pioneras del género urbano en España y conocidas por éxitos históricos como “No te vistas que no vas”, se encuentran inmersas en un álbum aniversario titulado “80 entre las 2”, un proyecto en el que revisitan su legado y presentan nuevas canciones que reflejan su evolución, entre ellas este single.

La colaboración con st. Pedro aporta una dimensión especial al tema. Pedro Hernández, que se dio a conocer de forma masiva en el Benidorm Fest 2024 con su bolero “Dos Extraños”, se ha consolidado como una de las voces más elegantes del pop y el R&B actual. Su timbre aterciopelado y su capacidad para moverse con naturalidad entre la salsa, el R&B y los ritmos latinos tradicionales encajan de forma orgánica con la energía y la experiencia de K-Narias, creando una conexión artística que se siente natural y sincera.

El estribillo de “Culpable” resume la esencia emocional de la canción, hablando de promesas que se rompen, sentimientos que aparecen sin aviso y del miedo a ser responsable de un corazón roto. Es precisamente esa mezcla de vulnerabilidad y ritmo lo que convierte al tema en una propuesta ideal para quienes buscan canciones donde la letra tiene peso emocional sin renunciar a una base rítmica envolvente.

Con esta unión, K-Narias y st. Pedro no solo celebran la riqueza musical de Canarias, sino que demuestran que el diálogo entre generaciones puede dar lugar a canciones con identidad, profundidad y proyección. “Culpable” se siente como un punto de encuentro entre experiencia y frescura, tradición y presente.

“Culpable” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de K-Narias y st. Pedro, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Ann Seeza presenta su nuevo single “Dancing On Ashes”, una canción que marca el inicio de una nueva etapa creativa y que se perfila como uno de los lanzamientos más potentes de su trayectoria reciente. Concebido como un tema para soltarse y quemar el pasado, el single se apoya en un pulso EDM intenso y liberador, pensado para transformar la energía acumulada en movimiento, catarsis y renacimiento emocional.

“Dancing On Ashes” funciona como una declaración de intenciones dentro del universo artístico de Ann Seeza. La artista define el tema como uno de sus favoritos a nivel personal, una pieza creada para dejar atrás lo que ya no pesa y avanzar sin miedo. Su fuerza rítmica y su atmósfera envolvente conectan directamente con la pista de baile, pero sin perder la carga emocional que caracteriza toda su obra.

Este lanzamiento se enmarca dentro de “Ghostlight”, el nuevo álbum de Ann Seeza, descrito por la propia artista como la versión más completa y coherente de su sonido hasta la fecha. El disco refleja un momento vital en el que la oscuridad y la claridad conviven, explorando no el miedo en sí, sino lo que viene después: ese resplandor que permanece cuando todo lo demás se desvanece. “Ghostlight” es un trabajo que habla de supervivencia emocional, de lo que queda tras el derrumbe y de la belleza que puede surgir incluso en los escenarios más sombríos.

Musicalmente, el álbum transita entre el dark electropop, el synthpop y el EDM, con una producción a cargo de FMD (Fuchs / Marquesa / Delgado), el mismo equipo responsable de sus anteriores lanzamientos. La conexión creativa entre Ann Seeza y los productores ha permitido llevar el sonido un paso más allá, profundizando en texturas, atmósferas y matices sin perder una identidad sólida y reconocible a lo largo de todo el disco.

A nivel conceptual, “Ghostlight” explora temas como la soledad, el deseo, la lucha interna, los demonios emocionales y las conexiones fugaces. Cada canción forma parte de una narrativa visual y emocional que atraviesa el álbum, invitando al oyente a sumergirse en un universo tan oscuro como luminoso, donde la introspección convive con la energía electrónica.

Ann Seeza se ha consolidado como una cantante magnética dentro de la escena electropop y dark pop, reconocida por su poderosa voz y su capacidad para transmitir emociones profundas con una estética moderna y envolvente. Su sonido se define por sintetizadores densos, beats pulsantes y melodías himnóticas que construyen paisajes sonoros intensos, capaces de atrapar al oyente desde la primera escucha. Sus letras, cargadas de fuerza y reflexión, abordan el amor, la resiliencia y el autodescubrimiento desde una mirada honesta y contemporánea.

Con “Dancing On Ashes”, Ann Seeza no solo presenta un nuevo single, sino una invitación a bailar sobre lo que fue, a encontrar luz en las cenizas y a seguir avanzando con determinación y autenticidad.

“Dancing On Ashes” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Ann Seeza, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Juli Obregón es una de las artistas emergentes más destacadas del pop argentino actual y una figura cada vez más influyente dentro de la nueva generación de músicos del país. Originaria de Corrientes, su versatilidad como cantante, compositora, actriz y bailarina la ha llevado a construir una carrera sólida desde muy temprana edad, combinando talento, carisma y una clara evolución artística.

Su vínculo con la música comenzó prácticamente en la infancia. A los 6 años ya se presentaba en público y, con tan solo 12, sorprendió a miles de personas en festivales de su provincia natal, llegando incluso a emocionar a más de 25.000 asistentes en un gran evento donde recibió una ovación de pie. Antes de eso, con apenas 9 años, ya había mostrado su talento en la televisión nacional, dejando claro que su proyección iba mucho más allá de lo local.

Además de su potente voz, Juli Obregón es multiinstrumentista y domina la guitarra, el ukelele y el piano, herramientas que le permiten participar activamente en la construcción de su sonido y su universo creativo. Su estilo musical se mueve principalmente dentro del pop, pero con una evolución constante que incorpora influencias del pop-punk, el euro dance noventero y el pop argentino contemporáneo, logrando una propuesta fresca y reconocible.

A lo largo de su trayectoria, ha sido reconocida con el Premio Iberá a Mejor Artista y ha acumulado millones de reproducciones en plataformas digitales, posicionándose como una de las voces más representativas de la Generación Z. Actualmente, con 20 años, suma más de 250.000 seguidores en redes sociales y supera los 20 millones de streams, cifras que reflejan su conexión directa con el público joven.

Dentro de su discografía, el single “Deja Vu”, lanzado en una etapa previa a sus proyectos más recientes de 2025, ocupa un lugar especial. Aunque Juli ha cosechado éxitos como “Ya Fue”, “Una Trampa” e “Igual”, esta canción fue fundamental para definir su identidad artística. En ella, explora el desamor y la nostalgia desde una mirada honesta y emocional, conectando con vivencias adolescentes y juveniles que forman parte del imaginario de su audiencia.

“Deja Vu” se caracteriza por sus melodías pegajosas y una producción que resalta la capacidad vocal de Juli Obregón, manteniendo esa frescura que la distingue dentro de la escena nacional. La canción funciona como un reflejo de su sensibilidad artística y como un punto de inflexión que anticipaba el crecimiento que vendría después.

Paralelamente a su carrera musical, Juli continúa perfeccionándose como bailarina y actriz, integrando estas disciplinas en cada una de sus presentaciones y reforzando su perfil como artista integral. Con cada nuevo lanzamiento, sigue sorprendiendo y consolidando su lugar en la industria, demostrando que su proyección no es casual, sino el resultado de años de trabajo, formación y pasión.

“Deja Vu” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Juli Obregón, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El reconocido intérprete puertorriqueño Charlie Cruz, una de las voces más emblemáticas y respetadas de la salsa romántica, abre un nuevo capítulo en su trayectoria con el lanzamiento de su sencillo “Ella No Tiene La Culpa”. Este estreno no solo representa un nuevo tema, sino el inicio de una etapa renovada para un artista que consolidó su carrera mucho antes de la era del streaming, cuando la salsa dominaba la radio, los escenarios y el corazón del público.

Con clásicos que hoy forman parte del ADN del género como “Amarte es un Problema”, “Labios de Púrpura”, “Bombón de Azúcar” y “Grita Conmigo”, Charlie Cruz ha construido un legado que trasciende generaciones. Aunque suma millones de reproducciones en plataformas digitales, su verdadero impacto proviene de décadas de conexión auténtica con el público y de una presencia artística que ha sabido mantenerse vigente a lo largo del tiempo.

“Ella No Tiene La Culpa” es una salsa contemporánea que respira sensibilidad y evolución. La canción narra la historia de mujeres que, desde la inocencia emocional y el deseo genuino de amar, buscan estabilidad afectiva en un mundo que muchas veces las juzga sin comprender su vulnerabilidad. El tema transmite un mensaje empático y humanizado, resaltando la necesidad de sentirse amadas, valoradas y protegidas, y rompiendo con estigmas sociales que injustamente recaen sobre ellas.

La composición reúne a un equipo de autores de alto calibre: Héctor Marcano, Melissa Castejón, Luis Leal (Voz Veis), Andy Blue, junto al compositor y productor ganador del Latin Grammy Pablo Rodríguez, y el triple ganador del Latin Grammy Carlos Almarza, quien además participó en la producción musical y los arreglos. El resultado es una pieza sólida, elegante y emocionalmente poderosa, que fusiona la esencia romántica de Charlie Cruz con una sonoridad actual y competitiva dentro del mercado global de la salsa.

La dirección artística y producción ejecutiva de esta nueva etapa están a cargo de Héctor Marcano y Melissa Castejón, quienes han diseñado una propuesta moderna, coherente y profundamente conectada con las audiencias actuales, sin perder la identidad romántica, interpretativa y elegante que define al artista.

El sencillo también destaca por la participación de músicos de primer nivel internacional, incluyendo al virtuoso trompetista Yturvides Vilchez y a integrantes del equipo musical de Juan Luis Guerra y 4.40, como Juan B. De la Cruz. Su aporte eleva la producción a un estándar superior de excelencia, precisión y calidad interpretativa, consolidando el tema como un lanzamiento de alto impacto dentro del género.

En esta nueva fase profesional, Charlie Cruz se une a Gogo Music, compañía liderada por el experimentado manager Jorge “Gogo” Guadalupe, figura clave en el desarrollo de la música tropical y responsable de impulsar la carrera de artistas como Alex Bueno, Eddy Herrera, Quinito Méndez, Víctor Manuelle, Puerto Rican Power, Luis Vargas, Monchy & Alexandra, entre muchos otros. Esta alianza estratégica busca fortalecer la presencia del artista tanto en mercados tradicionales como emergentes.

La distribución del sencillo estará a cargo de Gogo Music LLC, con un enfoque estratégico en territorios donde la salsa mantiene una presencia sólida y un consumo activo, incluyendo Puerto Rico, Costa Rica, Venezuela, Ecuador, Colombia y diversas ciudades de Estados Unidos como Miami, Orlando, New York, New Jersey y Virginia, donde las comunidades latinas continúan impulsando la vigencia del género.

Con “Ella No Tiene La Culpa”, Charlie Cruz demuestra que su trayectoria sigue en constante movimiento. Su legado se funde con una propuesta musical actual, emocionalmente profunda y artísticamente impecable, reafirmando su lugar como una figura esencial de la salsa contemporánea y marcando el inicio de una etapa que promete nuevas conquistas, nuevas audiencias y un renovado reconocimiento internacional.

Mario Cassado nos presenta su nuevo single Let Me Love You, una canción de pop europeo con una fuerte identidad emocional donde el amor y el flamenco se dan la mano dentro de una producción actual, elegante y pensada para crecer en grandes escenarios. El tema destaca por su capacidad para conectar con el oyente desde lo íntimo, sin perder de vista una vocación internacional que apunta directamente a festivales y plataformas de gran alcance.

La pasión de Mario Cassado por la música nació desde muy pequeño y ha sido una constante a lo largo de su vida. Con tan solo 6 años debutó en el programa Amigos en la Noche de TVE, presentado por Isabel Pantoja, una experiencia que marcaría un antes y un después en su camino artístico. Aquel día conoció a David Civera, quien estaba a punto de representar a España en Eurovisión y que, con una frase que se convertiría en profecía, le dijo: “Mario, de mayor tienes que ir a Eurovisión”. Desde entonces, ese sueño ha acompañado cada paso de su carrera.

Con el paso de los años, Mario ha construido una formación artística sólida y multidisciplinar, estudiando canto, baile, interpretación, piano y cine, lo que le ha permitido desarrollar una propuesta escénica completa y versátil. Su talento lo ha llevado a participar en distintos programas de televisión en cadenas como Antena 3, Telecinco, Castilla-La Mancha TV y Telemadrid, ampliando su presencia mediática y consolidando su perfil como artista integral.

Paralelamente, ha llevado su arte más allá de las fronteras españolas, formando parte de musicales, espectáculos, cruceros y producciones en hoteles internacionales, con experiencias profesionales en países como Alemania, Dinamarca y Noruega. Este recorrido internacional ha enriquecido su visión artística y reforzado su conexión con el sonido pop europeo que ahora define su nuevo lanzamiento.

Con Let Me Love You, Mario Cassado se presenta al Benidorm Fest con la ilusión intacta de cumplir aquel sueño que nació en su infancia: representar a España en Eurovisión, siempre desde una reflexión consciente sobre el contexto político y ético del momento. Su propuesta combina emoción, raíces culturales y una clara ambición escénica, posicionándolo como un artista que mira al futuro sin olvidar de dónde viene.

“Let Me Love You” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Mario Cassado, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

NiNMARA nos presenta su nuevo single Love, una canción que se construye desde la emoción directa y la honestidad sonora, apostando por un mensaje universal que conecta con el oyente desde la primera escucha. Con una propuesta cuidada y sensible, el tema se mueve entre la intimidad y la fuerza expresiva, mostrando una identidad artística que pone el sentimiento en el centro y convierte cada nota en un espacio de encuentro.

Love nace como una declaración sincera, una canción pensada para acompañar, abrazar y resonar en quienes buscan reconocerse en la música. NiNMARA apuesta por una interpretación cercana y auténtica, dejando que la emoción fluya sin artificios innecesarios, lo que refuerza el carácter personal del single y lo convierte en una pieza con la que resulta fácil identificarse.

Este lanzamiento supone un paso firme dentro del recorrido artístico de NiNMARA, consolidando una propuesta que prioriza la conexión emocional y la verdad creativa. Love no solo funciona como una canción para escuchar, sino como una experiencia que invita a detenerse, sentir y dejarse llevar, reflejando una sensibilidad artística que promete seguir creciendo en futuros proyectos.

“Love” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de NiNMARA, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Melocos regresa con “Madrid”, una canción profundamente emocional que pone el foco en las despedidas inconclusas, el paso del tiempo y todo aquello que se queda suspendido en el aire cuando alguien se va. Disponible desde hoy, 23 de enero, en todas las plataformas digitales, el nuevo single convierte a la capital en escenario, refugio y metáfora de una historia que no termina de cerrarse.

“Madrid” habla de esa persona que se marcha, de las verdades que se confiesan cuando parece que ya es demasiado tarde y de lo fácil que sería volver a empezar si esa llamada llegara. A través de una narrativa sencilla pero cargada de emoción, la canción retrata ese instante en el que la ausencia transforma por completo el paisaje. Frases como “Madrid ya no es Madrid sin ti” convierten a la ciudad en un personaje más, testigo silencioso de un adiós que sigue doliendo.

Este lanzamiento abre una nueva etapa en la trayectoria de Melocos, consolidando su identidad sonora al mismo tiempo que explora nuevos matices en la composición y en la forma de contar historias. El tema ha sido compuesto por Jaime Terrón y producido por Tato Latorre, dando como resultado un sonido íntimo y luminoso que invita al recuerdo, a la melancolía y a la reflexión personal.

Fieles al estilo que marcó a toda una generación, Melocos vuelve a demostrar su sensibilidad y cercanía, así como su capacidad para describir emociones cotidianas que resultan universales. “Madrid” conecta con quienes han vivido una despedida que no terminó de cerrarse, una vuelta inesperada o un recuerdo que sigue presente con el paso de los años. Porque hay ciudades que cambian, sí, pero hay personas que las cambian todavía más.

“Madrid” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Melocos, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Zaira presenta “Querido Diario”, un nuevo single cargado de emoción y honestidad que funciona como una carta abierta a su pasado, a sus miedos y a la niña que un día soñó sin límites. La artista vuelve a demostrar su capacidad para conectar con el público a través de una letra directa y profundamente emocional, donde la vulnerabilidad se transforma en fuerza y aprendizaje.

Su relación con la música comenzó desde muy pequeña. Con tan solo 8 años, Zaira se dio a conocer en el programa Menuda Noche de Canal Sur, convirtiéndose rápidamente en una de las artistas más reconocidas del formato y participando en más de 150 emisiones. Aquella primera exposición no solo marcó el inicio de su carrera, sino también el nacimiento de un vínculo muy fuerte con el público, que ha crecido con ella a lo largo de los años.

A los 10 años dio el salto a la ficción participando en la película de Atresplayer Hoy quiero confesar, basada en la vida de Isabel Pantoja, y continuó su recorrido televisivo formando parte de programas como Fenómeno Fan en Canal Sur y Disney Channel, donde llegó hasta la fase de duelos. Estas experiencias tempranas moldearon a una artista que aprendió pronto lo que significaba perseguir un sueño, enfrentarse al miedo y levantarse tras cada caída.

Con el paso del tiempo, Zaira ha ido consolidando su camino en la música y ampliando su universo sonoro gracias a colaboraciones con artistas como Keen Levy, Luis Cortés, Daviles de Novelda, María Artés o Indara, sin perder nunca su esencia. Sus letras conectan de forma directa con quienes la escuchan, generando una identificación real y profunda. Sus seguidores no solo comparten sus canciones en redes sociales, sino que le hacen llegar mensajes contando cómo su música les ha acompañado y ayudado en momentos importantes de sus vidas.

En 2023, Zaira se une a Sound Blaster Records de la mano de Nerso y Scorpion, iniciando una nueva etapa profesional marcada por una mayor madurez artística y una narrativa cada vez más personal. “Querido Diario” es una muestra clara de ese crecimiento. La canción se presenta como un diálogo íntimo consigo misma, donde recuerda a la niña que escribía cartas al amor, reflexiona sobre las caídas que la obligaron a luchar y reivindica todas las historias que nadie podrá arrebatarle.

La letra avanza entre la nostalgia y la esperanza, recordando que la vida comienza cuando se pierde la cuenta y se empieza a amar de verdad, incluso cuando duele. Zaira canta sobre aprender de las heridas, construir murallas con las piedras del camino y brillar con luz propia, no como un acto de rebeldía, sino como una promesa personal. “Querido Diario” no es solo una canción, es un manifiesto de resiliencia, identidad y amor propio.

Con este lanzamiento, Zaira reafirma su lugar como una artista cercana, honesta y capaz de convertir su historia en refugio para muchos, demostrando que crecer también es aprender a mirarse con orgullo y sin miedo.

“Querido Diario” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Zaira, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

“Hijo de la Luna” ha sido siempre considerada una canción bella, casi etérea, instalada en el imaginario colectivo como una historia delicada y poética. Sin embargo, Fran Triguero ha decidido mirarla desde otro lugar. El artista independiente andaluz acaba de publicar una reinterpretación muy personal del clásico de Mecano, llevándolo a un terreno emocional y visual poco habitual, más cercano al cine que al pop, y revelando la parte más oscura, trágica y desgarradora del relato.

En esta nueva versión, Fran Triguero no busca embellecer la historia, sino subrayar su crudeza. La canción se transforma en un relato casi cinematográfico, donde la fatalidad, la soledad y el destino inevitable adquieren un peso narrativo mayor. Este cambio de enfoque ha comenzado a generar un notable movimiento orgánico en redes sociales, especialmente en formatos cortos, donde el vídeo está despertando debate y conversación precisamente por su valentía al romper con la lectura tradicional del tema.

Francisco Javier Triguero Olmo, conocido artísticamente como Fran Triguero, nació el 19 de septiembre de 1991 en Jaén y se ha consolidado como un cantautor con una fuerte capacidad para emocionar a través de letras honestas y melodías profundas. Su carrera se caracteriza por una notable versatilidad, que le ha permitido moverse con naturalidad tanto en la música comercial como en la composición de himnos deportivos de gran impacto emocional.

Su debut discográfico llegó en 2017 con el álbum Fran Triguero, un trabajo compuesto por diez temas originales y producido por Alejandro de Pinedo, conocido por su trabajo junto a artistas como Enrique Iglesias, Raphael, Rosa López o Pitingo. El disco recibió una excelente acogida, superando los cuatro millones de reproducciones en plataformas digitales. Su single debut, Infieles, acumuló más de 200.000 visualizaciones en YouTube y logró sonar en emisoras como Canal Fiesta Radio, Radio Nervión y Rumbera Sevilla. El álbum contó además con la colaboración de María Villalón en el tema Sin Tí.

En la actualidad, Fran Triguero se encuentra inmerso en su segundo proyecto discográfico, Funambulismo a Ciegas, que está presentando single a single, dejando ver una clara evolución artística y personal. A lo largo de los últimos años ha publicado canciones que han conectado profundamente con el público, como Paseando por Granada (Mi Claudia), una balada íntima producida por Santi Villar; Princesa Pasajera, cuyo videoclip estuvo protagonizado por Elena Olmos; Ayer fue Septiembre, cargada de nostalgia y grabada en las calles de Granada; La Lucha, una canción potente y emotiva que fue candidata al Benidorm Fest 2023; o 22 de Julio, que siguió consolidando este proyecto como una colección de historias honestas y emocionales.

En 2025, Fran ha continuado explorando emociones profundas con La Estación, una canción marcada por el dolor y la nostalgia, y La Vida es un Sueño, un homenaje conmovedor a su abuelo Antonio Olmo, fallecido en 2020 por COVID, donde transforma la pérdida en un canto a la memoria, el amor y la resiliencia.

Paralelamente a su carrera como cantautor, Fran Triguero se ha convertido en un referente nacional en la composición de himnos de fútbol, logrando un hito sin precedentes en España al firmar seis himnos oficiales, dos de ellos para celebraciones centenarias. Entre ellos destacan “100 Años de Ilusión” para el centenario del Real Jaén C.F., el Himno Oficial de la Unión Molinense, “Esparteros a Luchar” para el centenario del Club Deportivo Cieza y el Himno Oficial Jumilla Atlético, además de encontrarse actualmente trabajando en nuevos himnos para la UD Melilla y el Atlético Pulpileño. En todos ellos, Fran logra capturar la identidad, el orgullo y la pasión de los clubes en melodías épicas y memorables.

Con esta reinterpretación de “Hijo de la Luna”, Fran Triguero vuelve a demostrar su capacidad para revisitar historias conocidas desde una mirada propia, valiente y profundamente emocional, reafirmando su identidad artística y su compromiso con una narrativa honesta, incluso cuando esta resulta incómoda o trágica.

“Hijo de la Luna” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Fran Triguero, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

ATK Epop lanza “Pecados y Milagros”, un nuevo sencillo que une la intensidad interpretativa de Mara Vélez con el cante profundo y sobrio del cantaor gaditano Josele Vargas, dando forma a una propuesta que respeta la raíz del flamenco clásico y la expande hacia un territorio sonoro amplio, elegante y marcadamente cinematográfico. El resultado es una pieza poderosa, emocional y atemporal que confirma la inquietud artística del productor por seguir explorando nuevas lecturas del flamenco contemporáneo.

En “Pecados y Milagros”, ATK Epop firma una producción ambiciosa donde la tradición flamenca convive con una orquesta de gran carga emocional, arreglos sofisticados y una atmósfera que remite claramente al lenguaje del cine. Lejos de diluir la esencia del género, la engrandece, envolviendo las voces en un paisaje sonoro dramático, lleno de tensión, belleza y matices, que eleva la narrativa de la canción a otro plano.

La letra se mueve entre lo terrenal y lo espiritual, construyendo un relato donde cafés para curar el mal de amores, velitas encendidas, luces de colores y pasiones apagadas se convierten en símbolos de una relación marcada por la contradicción. Amor y dependencia, bendición y ruina, deseo y devoción se entrelazan constantemente, reflejando esa frontera difusa entre lo que salva y lo que condena. El estribillo, “soy la peor, la mejor de tus bendiciones”, resume a la perfección la dualidad emocional que atraviesa toda la canción.

Mara Vélez aporta una interpretación cargada de carácter, emoción y presencia, dotando a cada verso de una intensidad casi confesional. Su voz se mueve con naturalidad entre la fragilidad y la fuerza, sosteniendo el peso dramático de la historia. Por su parte, Josele Vargas ancla el tema en la tradición más pura del flamenco con un cante profundo, contenido y lleno de verdad, aportando el equilibrio perfecto entre raíz y emoción. Bajo la dirección y producción de ATK Epop, ambas voces dialogan con respeto, creando una tensión expresiva que mantiene al oyente atrapado de principio a fin.

Con “Pecados y Milagros”, ATK Epop continúa consolidando una línea artística que busca nuevas formas de entender el flamenco sin traicionar su esencia, ampliando su horizonte sonoro y demostrando que la tradición puede dialogar con la modernidad desde la elegancia, la emoción y la ambición creativa. Una obra que no solo se escucha, sino que se siente y se imagina, como una escena detenida en el tiempo.

“Pecados y Milagros” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de ATK Epop, Mara Vélez y Josele Vargas, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

El aclamado artista australiano Chet Faker vuelve a sumergirse en la emoción y la introspección con “Over You”, su nuevo single y último adelanto antes de la llegada de su próximo álbum “A Love For Strangers”, que verá la luz el 13 de febrero en plataformas digitales y el 24 de abril en formato físico. La canción continúa marcando el camino sonoro de un disco que se perfila como una de las entregas más personales y envolventes de su carrera reciente.

“Over You” es una inmersión hipnótica en los recuerdos agridulces de una relación que estaba predestinada a terminar. Sobre una base electrónica envolvente y translúcida, Chet Faker superpone su inconfundible y sincera voz, guiando al oyente hacia un estado de reminiscencia casi suspendido en el tiempo. El pulso electrónico sostiene la atmósfera mientras el estribillo emerge con fuerza, reflejando esa sensación de perderse en los recuerdos de algo que fue intenso, real y, al mismo tiempo, imposible de recuperar. Es la aceptación melancólica de lo vivido, sabiendo que no podrá repetirse.

Este nuevo tema funciona como una continuación natural de “Can You Swim?”, su anterior lanzamiento, una canción más sombría que mostraba una faceta vulnerable del artista frente al amor. Con “Over You”, Nick Murphy, el compositor, músico y productor ganador de premios ARIA detrás del proyecto Chet Faker, sigue construyendo el universo emocional y sonoro de “A Love For Strangers”, un disco que se mueve entre la electrónica íntima, la honestidad lírica y una producción cuidada al detalle.

El origen de este nuevo álbum está profundamente ligado a un proceso de redescubrimiento personal que Chet Faker experimentó tras el décimo aniversario de su influyente debut “Built on Glass”, un trabajo que marcó un antes y un después en su carrera. Desde entonces, su trayectoria ha estado definida por una creatividad inquieta y sin etiquetas, alternando lanzamientos bajo su nombre real, Nick Murphy, como el aclamado proyecto instrumental “Music for Silence”, y colaboraciones con artistas de la talla de Flume o Marcus Marr. “A Love For Strangers” confirma que su necesidad de explorar nuevos territorios musicales sigue más viva que nunca.

Desde que comenzara su ascenso en 2011, cuando su música se hizo viral incluso antes de que ese concepto fuera habitual, Nick Murphy ha construido un camino único hacia el éxito. Su primer EP como Chet Faker, “Thinking in Textures”, le valió los premios a Artista Revelación del Año y Mejor Single o EP Independiente en los Australian Independent Records Awards, consolidando su reputación como uno de los nombres más prometedores de la escena. Poco después, su versión de “No Diggity” de Blackstreet alcanzó una difusión masiva al aparecer en un anuncio de la Super Bowl, y su álbum debut “Built on Glass” debutó en el número uno de las listas, impulsado por canciones como “Gold” y “Talk Is Cheap”, esta última coronada como número uno en la Hottest 100 de Triple J. Aquel lanzamiento le otorgó cinco premios ARIA y confirmó su impacto global.

Con más de mil millones de reproducciones acumuladas y una carrera marcada por el riesgo artístico y la evolución constante, Chet Faker ha sabido reinventarse sin perder su esencia. En 2021 cerró un nuevo ciclo con “Hotel Surrender”, un álbum que incluyó el exitoso single “Low” y reafirmó la vigencia de su proyecto. Ahora, con “Over You” y la inminente llegada de “A Love For Strangers”, el artista australiano vuelve a demostrar que su exploración musical está lejos de agotarse.

“Over You” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Chet Faker, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Cris Imaz continúa construyendo con paso firme el camino hacia su nuevo álbum con el lanzamiento de “Vuela”, un single cargado de simbolismo, sensibilidad y verdad que vuelve a poner en valor su mirada artística y humana. Con esta nueva canción, ya disponible en plataformas digitales, la cantautora nos acerca un poco más a “Creciente”, un trabajo inminente que promete consolidar una de las propuestas más honestas y orgánicas del pop-folk actual.

2025 está siendo un año especialmente intenso y fértil para Cris Imaz, que ha ido desvelando poco a poco las distintas caras de su próximo disco a través de varios adelantos. A lo largo de los últimos meses han visto la luz “Limbo” junto a Marc Wile, “Me aburro”, “manzanilla y miel” con nats y “Paula”, cada uno aportando nuevos matices a su universo sonoro. Ahora, con “Vuela”, la artista da un paso más y lo hace con una canción profundamente emotiva, dedicada a todas esas abuelas que rompen las reglas impuestas, desafían lo que se espera de ellas y se liberan de ataduras para vivir con plenitud.

“Vuela” nace de una pregunta tan sencilla como universal: cómo ser joven para siempre. Una cuestión a la que la propia Cris Imaz responde desde la experiencia y la reflexión, recordándonos que la juventud no tiene que ver con la edad, sino con no perder nunca la curiosidad ni las ganas de probar cosas nuevas. Esa idea atraviesa toda la canción, convirtiéndola en un homenaje a quienes se atreven a vivir sin pedir permiso, volando por encima de los límites sociales.

Este nuevo single vuelve a acercarnos al espíritu de “Creciente”, un álbum en el que la compositora reflexiona sobre el ritmo frenético en el que vivimos y la importancia de habitar el presente. Grabado y producido por Álvaro Navarro, guitarrista de Pedro Pastor y productor de proyectos como Las Nietas de Charli o La Pena, el disco apuesta por un sonido orgánico y cálido, con instrumentos acústicos y un especial protagonismo de las armonías vocales, elementos que definen la esencia artística de Cris Imaz. Un trabajo que supone un gran paso tanto a nivel personal como creativo.

Con un sonido pop-folk muy reconocible, Cris Imaz ha hecho de sus canciones un espacio donde convertir lo adverso en verso. En su directo y en sus grabaciones se rodea de músicos que enriquecen su propuesta, como los chelos de Blanca Sevi, las guitarras de IreNeblina y la percusión de Shadday López, combinando reflexiones cotidianas con arreglos delicados y una cuidada arquitectura vocal.

Su trayectoria comenzó en 2021 con el EP “Empezar a vivir”, un debut íntimo y especial que le permitió conectar rápidamente con el público y llamar la atención del sector profesional. En 2023 fue una de las tres cantautoras finalistas del Tour Music Fest, entre más de 21.000 artistas emergentes de toda Europa, y en octubre de 2025 fue finalista por la Fundación Miguel Ríos para actuar en el Teatro Caja Sonora de Granada, confirmando su proyección y crecimiento constante.

Ahora, Cris Imaz se prepara para dar un nuevo paso decisivo en su carrera con la llegada de “Creciente”, un álbum del que “Vuela” ya forma parte y que se perfila como una obra coherente, valiente y profundamente conectada con su forma de entender la música y la vida.

“Vuela” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Cris Imaz, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Víctor Martín comienza el nuevo año reafirmando su lugar como una de las voces más sensibles y prometedoras de la música popular actual con el lanzamiento de “Más”, una canción delicada, profunda y emocional que funciona como carta de presentación de todo lo que está por venir. Producido por Josemi Carmona, el tema marca el inicio de una nueva etapa creativa en la que la honestidad, la elegancia sonora y la emoción vuelven a situarse en el centro.

Considerado aire nuevo dentro del panorama musical de nuestro país, Víctor Martín destaca por una energía luminosa que conecta con la tradición sin dejar de mirar hacia adelante. Graduado con honores en Professional Music por la prestigiosa Berklee College of Music de Boston, su propuesta bebe de referentes claros pero reinterpretados con personalidad propia: la claridad emocional de Antonio Vega, la cercanía poética de Jorge Drexler, la sensibilidad armónica de un Jacob Collier menos barroco y la esencia melódica de un John Mayer en su versión más íntima.

Tras el impacto de su álbum debut Veintitantos, que supuso una declaración de intenciones y un retrato generacional cargado de matices, Víctor abre su 2026 con “Más”, una composición donde pop, raíz, jazz y soft rock californiano se funden con naturalidad. El resultado es una canción que respira identidad y que se presenta como un soplo de esperanza en un panorama musical a menudo previsible, reivindicando la necesidad de emoción, sutileza y profundidad.

Con la guitarra como aliada y la producción exquisita de Josemi Carmona, Víctor Martín se expone sin artificios y canta en primera persona a la duda constante frente a un futuro cada vez más incierto. Frases como “quiero más de lo que tengo, más de lo que sé tener” resumen el espíritu de la canción y revelan a un artista más poético, más melódico y más maduro, consolidado como un cantautor sólido que domina el género con absoluta naturalidad.

Víctor Martín es sinceridad, honestidad y carisma. Su música, por herencia creativa y talento propio, apunta alto y con paso firme. “Más” no es un punto de llegada, sino el inicio de algo mayor, una confirmación de que su camino artístico sigue creciendo en calidad, emoción y verdad.

“Más” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Víctor Martín, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Sergio Hortelano inicia una nueva etapa artística con el lanzamiento de “Feliz sin ti”, un single que marca un giro claro en su sonido y en su actitud creativa. Con una base pop latino electrónica, más bailable y luminosa, el artista apuesta por la superación, el optimismo y las ganas de disfrutar, sin perder la honestidad que ha caracterizado su trayectoria desde sus inicios. Tras un regreso firme a la música en 2023 y una evolución constante como compositor e intérprete, Sergio se encuentra en un momento de crecimiento, exploración y conexión directa con el público. En esta entrevista, profundizamos en el significado de “Feliz sin ti”, su camino hasta aquí y todo lo que está por venir.

“Feliz sin ti” supone un cambio claro de sonido respecto a tus trabajos anteriores. ¿En qué momento sentiste que necesitabas dar este giro hacia un pop latino electrónico más bailable y enérgico?
Cuando acabé el año pasado la promoción de Soñando fuerte, pensé que era el momento de escribir y componer una nueva canción, pero tenía que ser algo diferente a lo que estaba haciendo hasta ahora, tanto en sonido como en letra. Tenía ganas de algo más movido, para hacer bailar a la gente, y de ahí ha salido “Feliz sin ti”.

La canción habla de superar una ruptura desde una actitud positiva y liberadora. ¿Qué parte de esta historia nace de una experiencia personal y qué parte surge desde la reflexión artística?
Los artistas muchas veces hablamos en las letras de las canciones de nuestra propia vida, pero también hay veces que podemos hablar para otros. Este tema en concreto no es una historia personal mía, sino que lo es de alguien cercano a mí, de un amigo.

Has compuesto íntegramente tanto la letra como la música del single. ¿Cómo fue el proceso creativo de “Feliz sin ti” y qué emociones te acompañaron mientras lo escribías?
Yo tenía ganas de hacer un tema movido, pero a la vez un tema que no fuera de mi propia vida, ya que los dos temas anteriores prácticamente hablaban de mí. Se me cruzó la historia de mi amigo con algo que le pasó y así empezó la letra. Al verle tan decaído y triste quise animarle y pensé que era el momento de hacer un tema cañero.

A diferencia de otros temas más introspectivos de tu repertorio, aquí transmites alegría y optimismo. ¿Fue un reto expresar el desamor desde un lugar más luminoso?
Yo creo que para los artistas es más fácil cantar letras que salen del corazón que cantar otras historias que no son de tu propia vida, pero para mí también era un reto asumir y crear una historia que le pudiera pasar a otra persona. Con este tema he querido innovar tanto en la música, con un sonido diferente a lo que estaba haciendo anteriormente, como en la historia de la letra.

Empezaste en la música muy joven, con solo 17 años, y viviste una primera etapa intensa de escenarios y aprendizaje. Mirando atrás, ¿qué crees que aprendiste en esos años que hoy sigue siendo clave en tu carrera?
Creo que la lucha, la constancia y el sacrificio. Todo eso lo empecé a aprender con 17 años y hoy, ya con unos cuantos años más, me doy cuenta de que todo sigue igual. Lo que pasa es que ahora ya todo lo que hago lo disfruto; antes era diferente.

Tras ese primer ciclo, decidiste hacer un parón largo en tu trayectoria. ¿Qué te llevó a tomar esa decisión y qué cambió en ti durante ese tiempo fuera de la música?
Tuve un parón musical de varios años por desilusión con la música. Por aquel entonces yo era muy joven y pensaba que todo era súper fácil. Cuando me di cuenta de que no iba a poder vivir de la música, se me vino el mundo abajo y decidí parar un tiempo para pensar y reflexionar. Pero a todo el mundo al que le gusta algo, aunque pare un tiempo, al final tiene que volver, porque es lo que más te llena en la vida. Así fue. Ahora, desde que me levanto hasta que me acuesto, solo pienso en música. Es lo que me hace fuerte y lo que me hace vivir; sin la música no sé qué podría ser de mí.

Tu regreso en 2023 fue muy activo, con concursos, radio, televisión y nuevos singles. ¿Cómo viviste ese reencuentro con la música después de tantos años?
Lo viví con mucha ilusión. Todo lo que hacía intentaba disfrutarlo al máximo, como si fuera la última vez que me subiera a un escenario.

Desde “Quisiera” hasta “Soñando fuerte” y ahora “Feliz sin ti”, se percibe una evolución constante. ¿Cómo definirías tu crecimiento artístico en estos últimos años?
Quien me conoce de hace unos años seguramente haya notado el cambio, tanto en la música como en el estilo musical. Soy un artista polivalente, me gustan muchos estilos y por eso intento cambiar. Sobre todo, lo que estoy intentando es dar con el estilo musical que más me pega, con el que más seguro me siento y con el que más feliz soy. Creo que estoy llegando a ese punto y ahora mismo estoy haciendo lo que realmente me gusta.

“Soñando fuerte” era un tema muy personal sobre tu día a día. ¿Qué relación existe entre esa canción y la actitud vital que hoy refleja “Feliz sin ti”?
Con “Soñando fuerte” lo que quería era que la gente me conociera, mostrar cuál era mi día a día. Ahora que quienes me siguen ya me conocen un poquito más, tenía ganas de hablarle directamente a la gente, y que alguien se sienta identificado con este tema también me hace muy feliz.

Has actuado en diferentes escenarios, pero los conciertos en tu ciudad natal, Móstoles, parecen tener un significado especial. ¿Qué representan para ti esos directos en casa?
Cantar en mi ciudad, en mi pueblo, es lo que siempre he soñado durante toda mi vida. Ver en las fiestas a todos los artistas famosos que venían y pensar: “¿Algún día estaré ahí?”. Poder realizar ahora ese sueño es muy bonito. Estar con toda mi gente, con mi familia y mis vecinos, es algo impresionante que no se puede expresar con palabras.

En esta nueva etapa, ¿qué importancia le das a conectar con el público a través del baile y la energía positiva que transmite tu música?
He llegado a un punto en mi vida en el que lo que me apetece es pasármelo bien y que la gente también disfrute con mis canciones.

Tus dos últimos trabajos han contado con videoclip. ¿Qué papel juega lo visual en tu proyecto artístico y cómo te gusta complementar la música con la imagen?
Creo que las dos cosas juegan un papel muy importante actualmente en la música, y sobre todo para los cantantes emergentes como yo. Es fundamental tanto lo visual como lo que se escucha, para poner cara y voz al artista. Eso también hace que me pueda seguir mucha más gente.

Has logrado que tu música suene en radios de España y también en Argentina. ¿Cómo vives esa proyección internacional y qué te aporta como artista?
Para mí es algo muy importante, porque muchas veces hay un dicho que siempre repito: nadie es profeta en su tierra, y eso tiene mucha verdad. A veces se valora más a los artistas fuera que dentro de su propia casa. Así que quién sabe, si aquí no doy el pelotazo, lo mismo puedo darlo fuera, jeje.

De cara al futuro, ¿qué puede esperar el público de Sergio Hortelano en cuanto a nuevos lanzamientos y sonidos tras “Feliz sin ti”?
Estoy en un momento en el que me quiero pasar bien, disfrutar con el público y hacer bailar mucho, porque es lo que me llena actualmente y lo que quiero hacer.

Si tuvieras que definir esta etapa actual de tu carrera con una sola idea o emoción, ¿cuál sería y por qué crees que es el momento más importante de tu camino hasta ahora?
Definiría esta etapa con la palabra lucha. Es algo que llevo haciendo toda mi vida: luchar por lo que más quiero, y hasta que no lo consiga no voy a parar.

Después de liderar el ranking global de TikTok y alcanzar el Top 3 de Shazam a nivel mundial con “Dame Un Grrr”, Fantomel y Kate Linn regresan con un nuevo movimiento diseñado para trascender fronteras. Su nueva apuesta se titula “Elástico” y reúne a tres nombres clave de la escena internacional: Willy William, Ben Cristovao y Jombriel.

Lejos de ser una colaboración puntual, “Elástico” funciona como un auténtico punto de encuentro entre escenas, culturas y públicos diversos. El resultado es un tema de alta energía que combina ritmos de latin pop con producción electrónica y una estructura pensada para conectar tanto en la pista de baile como en las plataformas digitales.

El peso internacional del proyecto se apoya en la identidad y trayectoria de cada uno de sus protagonistas. Willy William, responsable de algunos de los mayores éxitos globales de la última década, aporta su pulso rítmico inconfundible. Fantomel y Kate Linn refuerzan el componente viral que ya los ha convertido en habituales de los charts sociales. Ben Cristovao suma la fuerza de uno de los artistas más influyentes de Europa Central, mientras que Jombriel representa a la nueva generación latina que está ganando terreno con fuerza en el streaming global.

La dimensión visual también juega un papel clave en este lanzamiento. El videoclip de “Elástico”, rodado en Tenerife a principios de 2026, apuesta por una estética futurista en la que conviven moda urbana, coreografías marcadas y una narrativa pensada para el consumo rápido y compartible, alineada con los códigos actuales de TikTok y Reels.

El estreno llega acompañado de una estrategia centrada en redes sociales, con challenges de contenido generado por usuarios, activaciones junto a creadores digitales y eventos de presentación tematizados, reforzando desde el primer momento la vocación viral del proyecto.

Compuesta de forma conjunta por los propios artistas y sus equipos, “Elástico” se presenta como un tema claramente orientado al mercado internacional, con potencial para encajar en playlists editoriales de Latin Pop, Dance y Electronic, y para consolidar el salto definitivo de Fantomel y Kate Linn como nombres recurrentes dentro del circuito global.