Los artistas Billy Manhattan y Wuicho Kun unen fuerzas en “Rewind”, su nuevo sencillo que mezcla lo mejor del pop con el sierreño y sutiles matices del regional mexicano, dando como resultado una propuesta fresca, auténtica y cargada de sentimiento. La canción ya está disponible en plataformas digitales.

“Rewind” nace como un viaje sonoro y emocional hacia el pasado. A través de versos llenos de nostalgia y melodías profundas, el tema retrata la vulnerabilidad que surge al extrañar a alguien y el dolor de arrepentirse por no tener a esa persona a tu lado. La letra captura la manera en que la rutina cambia, el silencio pesa y el vacío se hace presente cuando desaparece quien completaba cada rincón de la vida.

“Queríamos hacer un tema que sonara actual, pero que también llevara el alma de la música regional. ‘Rewind’ es ese botón que uno desearía tener para volver atrás, pero también es un recordatorio de lo que significa perder y aprender”, comparten los artistas.

Este lanzamiento marca un nuevo capítulo en la carrera de ambos músicos, consolidándolos como una dupla capaz de romper fronteras sonoras y emocionales. La fusión de estilos y la autenticidad en la interpretación convierten a “Rewind” en una pieza que conecta directamente con quienes han vivido la ausencia de alguien especial.

Billy Manhattan está conformado por Bryan, Giovanny y Abdiel, tres cantautores, compositores y productores reconocidos por su trabajo con figuras destacadas de la escena regional mexicana y alternativa, incluyendo colaboraciones con Calle 24, Los Del Limit, Andry Kiddos y Alto Linaje.

Por su parte, Wuicho Kun, nombre artístico de Luis Ángel Rodríguez, es originario de Tenancingo de Degollado, Estado de México, y se ha consolidado como una de las voces más frescas y auténticas de la nueva escena alternativa mexicana. Su música explora lo íntimo y melancólico, fusionando folk, pop y elementos experimentales.

“Rewind” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Billy Manhattan y Wuicho Kun, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

El Movistar Arena fue testigo del momento más importante en la carrera de Andy Rivera, quien celebró su primer concierto en solitario con un sold out y un show que superó las cuatro horas. Bajo el nombre “Un Día a la Vez”, el artista pereirano reunió a más de 11 invitados especiales y a más de 14 mil seguidores que corearon su repertorio completo.

El evento inició con la presentación del grupo Golpe a Golpe, dando paso a un emotivo video en el que Andy Rivera compartió parte de su proceso personal y su lucha contra la depresión. De esa experiencia nació la inspiración del espectáculo, una invitación a vivir y superar los retos cotidianos.

‘‘El 18 de octubre del 2025 se quedará tatuado en mi alma para siempre, después de más de una década de dedicarme a la música, por fin pude ver materializado un sueño que siempre tuve, estar junto a más de 10 mil personas maravillosas, ver un Movistar Arena lleno, compartiendo, cantando y siendo feliz conmigo.’’ - Expresó el artista.

El concierto abrió con “Espina de rosas”, marcando el inicio de una noche en la que sonaron sus éxitos y colaboraciones. En el escenario lo acompañaron artistas como Ñejo, Nio García, Luigi 21 Plus, Maisak, Juan Duque, Sonyk El Dragón, Noriel, Baby Rasta & Gringo, Tavo, Valka y Lenin Ramírez dejando a los asistentes del evento encantados con cada interpretación.

En medio de esas colaboraciones, Andy Rivera sorprendió presentando a J. Andy, un artista emergente que cumplió el sueño de cantar en un escenario de gran formato. Con el apoyo del influenciador Julián Pinilla (El Chico de la Ruana), el joven artista interpretó el clásico urbano “Down”, demostrando su talento ante el público y agradeciendo a todos aquellos que hicieron parte de esto.

La noche también tuvo espacio para los momentos más emotivos e íntimos del artista, comenzando con la aparición de su madre, Luz Galeano, a la que le interpretó el sencillo ‘‘Tú Siempre Estás’’, transmitiendo nostalgia y amor con esta canción hacia ella. Además, del show con su padre, Jhonny Rivera, con quien compartió temas como “Alguien me gusta”, “Mi decisión” y “El intenso” y el romántico momento junto a la creadora Ximena Castaño, más conocida como Xime Mua.

El cierre llegó con un show de luces y los sencillos: “Salgamos” y “Te Pintaron Pajaritos”, dos himnos que marcaron la conexión del artista con su público. La versatilidad musical fue protagonista, gracias a su talento al fusionar reggaetón, salsa, bachata, regional mexicana y vallenato en un recorrido por los distintos sonidos que han acompañado la trayectoria del artista

Con esta fecha, el artista cierra una noche histórica de la mano de su casa disquera Rimas Music y reafirma su posición como uno de los artistas más consolidados en el género urbano en Colombia.

La artista y productora china Lexie Liu vuelve a redefinir su sonido y su identidad artística con “X”, el tema principal de su nuevo EP TEENAGE RAMBLE, un proyecto lanzado en octubre de 2025 que marca un punto de inflexión en su carrera: su primer trabajo completamente en inglés.

Fiel a su espíritu camaleónico y vanguardista, Lexie Liu construye en “X” un universo sonoro que rinde homenaje a las estrellas del pop de los 2000, pero lo hace desde una mirada fresca, moderna y empoderada. La canción combina el dance-pop con una estética indie y nostálgica, evocando los días del pop adolescente pero con la madurez emocional y la fuerza visual que caracterizan a la artista.

En la composición y producción de “X” participaron nombres destacados como Trinidad Cardona, Tom Demac, AOBeats y el productor nicopop, junto a la propia Lexie Liu, quien continúa consolidándose como una creadora integral. Su letra, escrita por Liu y Cardona, es un manifiesto de independencia y autovaloración, con frases como “I’ll never be your girl” y “Believe me I’m that girl” que resumen el espíritu del tema: una declaración de libertad tras romper con un amor que ya no tiene poder sobre ella.

El videoclip oficial, descrito como un “visual de alta energía”, eleva el mensaje con coreografías intensas y una estética cinematográfica que mezcla rebeldía, estilo y confianza. En él, Lexie se presenta como una figura que brilla entre la melancolía y la determinación, simbolizando el cierre de un ciclo emocional y el comienzo de una nueva etapa artística.

El EP TEENAGE RAMBLE, al que pertenece “X”, ha sido descrito como un “diario sónico de la vida de una chica moderna”. A través de sus canciones, Lexie explora temas de juventud, desilusión, autodescubrimiento y poder femenino, todo bajo una producción impecable que fusiona influencias de la cultura pop global con su propio sello experimental.

Con este lanzamiento, Lexie Liu confirma su lugar entre las voces más influyentes del pop alternativo internacional, demostrando una vez más su capacidad para reinventarse y conectar con nuevas audiencias sin perder autenticidad.

“X” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Lexie Liu, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El fenómeno argentino K4OS da un nuevo paso en su meteórico ascenso con el lanzamiento de 4EVER, el tema principal de su primer álbum homónimo, una producción que llega para consolidar la esencia del grupo y reafirmar su lugar como pioneras del estilo K-pop en Latinoamérica. Formado por Mariana Taurozzi (Tau), Inés Civit (Ine), Mercedes Bitzer (Mechi) y Lynette Ladelfa (Lily), el cuarteto propone un universo sonoro vibrante, visualmente impactante y emocionalmente conectado con su generación.

Tras el éxito de sus anteriores sencillos Caos, Extra y Mente en Blanco, K4OS vuelve con una propuesta más madura y cinematográfica. 4EVER es mucho más que una canción: es una declaración de identidad, de reencuentro y de unión. En ella, las cuatro integrantes se reafirman como artistas completas —cantautoras, bailarinas y actrices— que entienden la música como un lenguaje total.

Con un sonido pop que fusiona influencias del K-pop con la frescura del pop argentino, 4EVER combina ritmos electrónicos, armonías vocales precisas y una energía emocional que conecta con el espíritu de su público, los llamados K4OTICOS. La letra del tema explora el destino, la amistad y la fuerza del vínculo que las une, un mensaje que resuena con quienes encuentran en K4OS un espejo de autenticidad, crecimiento y poder femenino.

El lanzamiento vino acompañado de un Short Film Oficial, una producción visual de alto impacto en la que las integrantes se reencuentran en un cine, siguiendo un misterioso hallazgo que las lleva a reconectar entre sí. Este cortometraje, que mezcla elementos de drama y fantasía, refuerza la narrativa emocional del álbum y simboliza el renacer del grupo bajo una nueva etapa creativa.

Cada integrante tiene un papel esencial dentro del universo K4OS: Tau, como líder y voz principal, representa la fuerza y el equilibrio; Ine, con su voz cálida y expresiva, aporta profundidad; Mechi añade versatilidad y dinamismo interpretativo; mientras que Lily, la más joven y bailarina principal, encarna la energía y el espíritu libre del grupo. Juntas, forman un equipo artístico cohesionado que combina talento, disciplina y una estética cuidada, fusionando el ADN del K-pop con la identidad argentina contemporánea.

Con 4EVER, K4OS no solo entrega un nuevo himno generacional, sino que también marca un antes y un después en la historia del pop hecho en Argentina. Su propuesta, que conjuga coreografías elaboradas, mensajes introspectivos y una puesta visual de nivel internacional, refleja la evolución de una banda que nació del deseo de romper moldes y crear un espacio propio dentro de la música latina.

4EVER ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de K4OS, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlas muy de cerca a través de sus redes sociales.

El talento guatemalteco se expande una vez más con el lanzamiento de Una Oportunidad, el nuevo sencillo de Jay Music junto a Isa Santizo, una colaboración que fusiona la calidez tropical de la cumbia con la potencia rítmica del reggaetón. Esta propuesta, bautizada como cumbiatón, no solo representa una evolución en el panorama urbano centroamericano, sino también un ejemplo de cómo las nuevas generaciones de artistas guatemaltecos están redefiniendo el sonido latino desde sus raíces.

Con una energía vibrante y un mensaje esperanzador, Una Oportunidad invita a disfrutar, a dejar atrás el pasado y abrir el corazón a nuevas posibilidades. La química entre Jay Music e Isa Santizo se percibe desde los primeros compases: sus voces se complementan con naturalidad, creando un diálogo musical entre lo romántico y lo festivo. La letra, llena de sentimiento y optimismo, encuentra su fuerza en un ritmo que atrapa al oyente y lo impulsa a moverse, recordando que siempre hay espacio para volver a intentarlo, tanto en el amor como en la vida.

El tema fue producido por el talentoso Juanfer Herrera, quien aporta su toque distintivo en la mezcla de sonidos tradicionales y urbanos, logrando una pieza moderna, fresca y con identidad propia. Su trabajo resalta la riqueza rítmica de la cumbia, sin perder la energía explosiva del reggaetón contemporáneo, un balance que consolida a Una Oportunidad como un himno perfecto para las pistas de baile y las noches de fiesta.

A nivel visual, el sencillo viene acompañado por un videoclip oficial dirigido por El Robótico y realizado por la productora Robot Vision. El video plasma la esencia de la canción a través de una estética colorida, escenarios dinámicos y una narrativa que refleja el mensaje de conexión, segundas oportunidades y complicidad entre los protagonistas. La propuesta audiovisual complementa la energía del tema con una producción moderna que proyecta el talento guatemalteco hacia un público internacional.

Con este lanzamiento, Jay Music consolida su versatilidad como artista urbano capaz de explorar nuevos ritmos sin perder su autenticidad, mientras que Isa Santizo reafirma su crecimiento como una de las voces femeninas más prometedoras del panorama musical actual. Juntos, demuestran que la música hecha en Guatemala puede cruzar fronteras, conectando culturas y emociones a través del ritmo y la pasión.

Una Oportunidad ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Jay Music e Isa Santizo, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

La cantautora barcelonesa Clara Olóndriz, una de las voces más sensibles y prometedoras del indie pop español, regresa con fuerza y autenticidad con el lanzamiento de su nuevo single Dolor, disponible desde el 17 de octubre. Radicada actualmente en la Marina Alta (Alicante), la artista nos invita a un viaje hacia lo más profundo del ser con una canción que, fiel a su esencia, combina emoción, reflexión y una vulnerabilidad desarmante.

Dolor es un tema que nos devuelve a lo esencial, a ese espacio interior donde no hay máscaras ni fachadas. Con una letra directa y honesta, Clara Olóndriz reflexiona sobre la necesidad de reconectar con lo auténtico en un mundo donde la apariencia parece tener más peso que la verdad. En su propia voz, el dolor no se presenta como castigo, sino como un recordatorio de lo que somos cuando dejamos de fingir.

El tema, compuesto por la propia Clara Olóndriz y producido en Atomic Studio, combina delicadeza y fuerza en un equilibrio que se ha convertido en sello de su estilo. La canción despliega una atmósfera emocional que crece desde lo íntimo hasta lo épico, acompañada por una interpretación vocal que oscila entre la fragilidad y la determinación. En sus versos —“Dolor por ser quien no eres, dolor / sabor amargo por callar tu voz”—, la artista se desnuda emocionalmente y lanza una poderosa invitación a la autenticidad y al autoconocimiento.

Tras el éxito de su EP El Salto y los singles Ruiseñor y Corona de Rey —este último reconocido con el Premio Latino 2025 a Mejor Mensaje en Canción Pop—, Clara continúa expandiendo su universo sonoro con Dolor. Su capacidad para unir poesía, introspección y melodía le permite construir canciones que dialogan directamente con las emociones del oyente, consolidando su lugar dentro del panorama indie nacional.

El lanzamiento viene acompañado de un lyric video producido por la propia artista, una pieza visual sencilla pero profundamente simbólica, donde las palabras adquieren vida y se convierten en reflejo de emociones compartidas. En él, la voz de Clara se funde con imágenes minimalistas que ponen el foco en el mensaje y en la necesidad de regresar a lo esencial: a la “esencia sin tanto papel, el brillo crudo de la piel”.

Con Dolor, Clara Olóndriz nos recuerda que la vulnerabilidad no es debilidad, sino una forma de verdad. La canción es una oda a la autenticidad en tiempos de apariencias, un acto de resistencia emocional frente al artificio. Su mensaje es claro: lo real, tarde o temprano, siempre vuelve.

Dolor ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Clara Olóndriz, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El próximo 20 de junio de 2026, el Escenario Mundo de Rock in Rio Lisboa vibrará al ritmo de la superestrella global Katy Perry, quien promete convertir su regreso a la capital portuguesa en uno de los momentos más esperados del festival. Con su característico derroche de color, espectáculo y energía, la artista estadounidense ofrecerá un show cargado de hits, emociones y fantasía pop, consolidando su estatus como uno de los íconos más queridos del panorama musical internacional.

Acompañando a Perry en esta cita inolvidable estarán Pedro Sampaio, uno de los fenómenos más potentes de la música brasileña actual, y Calema, el dúo que ha conquistado el mundo lusófono con su carisma y su inconfundible mezcla de pop, soul y raíces africanas. La combinación de estos artistas convertirá el primer día del festival en una auténtica celebración de diversidad, ritmo y conexión cultural.

El 20 de junio será oficialmente el Día Pop de Rock in Rio Lisboa 2026: una jornada pensada para disfrutar en familia, donde diferentes generaciones podrán reunirse para cantar, bailar y compartir la magia de la música en directo. El cartel unirá la dulzura y el espectáculo de Katy Perry, la energía explosiva de Pedro Sampaio, el magnetismo de Calema y la frescura de NAPA, una de las bandas portuguesas más prometedoras de la nueva generación.

Además, el festival anuncia grandes novedades de cara a su 11.ª edición. Tras el éxito de los últimos años, Super Bock refuerza su alianza con Rock in Rio transformando el Palco Tejo en el Escenario Super Bock, un espacio que celebrará la fusión entre talentos, culturas y sonidos nacionales e internacionales. Los madeirenses NAPA serán los primeros artistas confirmados en este nuevo escenario, consolidando la presencia del talento portugués en el festival más importante de la región.

Pero Rock in Rio Lisboa 2026 no solo sorprenderá sobre el escenario: el cielo de la capital también será parte del espectáculo. El festival estrenará The Flight, un show aéreo inédito creado especialmente para esta edición. Cada día, entre las 20:00 y las 21:00, cinco aeronaves Yak-52 pilotadas por el equipo luso-español Yakstars, uno de los conjuntos acrobáticos más reconocidos del mundo, transformarán el firmamento lisboeta en un lienzo en movimiento. Con una banda sonora original, pirotecnia diurna y humo de colores, este ballet aéreo ofrecerá una experiencia visual única con el río Tajo y el Puente Vasco da Gama como telón de fondo.

Con estos anuncios, Rock in Rio Lisboa 2026 se prepara para una edición histórica que promete emociones a flor de piel, innovación artística y una celebración inolvidable de la música en todas sus formas. Y en el centro de todo, Katy Perry, lista para iluminar Lisboa y convertir el Día Pop en una fiesta mundial.

La artista internacional Sam Cord, originaria de Colombia, vuelve a brillar con fuerza en la escena musical con el lanzamiento de su más reciente proyecto, Procesos. Este nuevo tema de género dancehall, producido por el reconocido productor panameño Dakalii, combina ritmo, energía y un mensaje profundo sobre el valor de la perseverancia y el crecimiento personal.

Procesos nace de la propia historia de la artista, convirtiéndose en un reflejo sincero de los retos y aprendizajes que ha enfrentado en su camino hacia el éxito. A través de su letra, Sam Cord comparte una perspectiva inspiradora sobre la importancia de mantenerse firme frente a las dificultades y de cuidar siempre a las personas que te acompañan en el recorrido. Su voz, llena de carácter y sensibilidad, se entrelaza con una producción moderna y envolvente que mezcla influencias del Caribe con sonidos urbanos contemporáneos.

El videoclip oficial, realizado por la productora Vibes Records, complementa a la perfección la esencia del tema. En él, Sam Cord despliega su fuerza escénica junto a los bailarines Kharen Dayánna Riascos, Linda Fernanda Tique y Levys D’Aaron Medina, quienes aportan dinamismo y estilo con una coreografía vibrante creada por Juan José Marín Hincapié. La pieza audiovisual, colorida y llena de energía, traduce visualmente la transformación personal y emocional que transmite la canción.

Con este lanzamiento, Sam Cord se propone conquistar públicos en El Salvador, Argentina, Estados Unidos, Reino Unido, Brasil, Colombia, República Dominicana y otros países de América Latina. Su meta es clara: consolidarse como una de las voces emergentes más prometedoras de la nueva generación latina, con una propuesta que combina autenticidad, carisma y una visión artística global.

Procesos ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Sam Cord, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Con el lanzamiento de Dalai Lama, HANIMAMI da un paso más dentro del universo que comenzó a construir con Fake Prada, su EP debut. La artista birracial vuelve a desafiar los límites entre lo espiritual y lo sensual, entre lo místico y lo urbano, con una canción que vibra como un mantra en medio del club. Dalai Lama no busca respuestas: las provoca.

En este nuevo tema, HANIMAMI retoma el pulso híbrido que ya caracteriza su propuesta. Entre percusiones árabes, beats electrónicos y una cadencia que oscila entre el reggaetón introspectivo y la electrónica ritual, la artista convierte el deseo en oración y la pista de baile en un templo. Su voz, etérea y poderosa, se eleva entre capas de sintetizadores para invocar una energía que es tanto terrenal como divina.

Fiel a su visión de “reescribir lo real desde la diáspora”, HANIMAMI utiliza Dalai Lama como un espejo de su identidad. A medio camino entre el norte de África y la periferia europea, su música se nutre de raíces profundas y de un presente en constante transformación. Lo sagrado y lo profano conviven sin conflicto, porque para ella no hay contradicción entre el placer y la fe.

Con este lanzamiento, HANIMAMI reafirma su lugar como una de las voces más singulares de la nueva escena alternativa iberoárabe. Dalai Lama es un llamado a la iluminación desde el cuerpo, una invitación a dejarse poseer por el ritmo y a entender la espiritualidad como una forma de resistencia y de libertad.

Dalai Lama ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de HANIMAMI, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Carlos Rivera vuelve a conmover al público con “Almas”, su nuevo single lanzado en octubre de 2025, una de las canciones más íntimas y profundas de toda su trayectoria. Con esta composición, el artista mexicano rinde un homenaje lleno de amor y memoria a su padre, recordando que hay lazos que nunca se rompen, ni siquiera cuando la vida obliga a decir adiós.

Originario de Huamantla, Tlaxcala, Carlos Rivera ha construido una carrera impecable gracias a su talento, disciplina y sensibilidad artística. Desde sus primeros pasos en escenarios locales, su voz y presencia han conquistado audiencias dentro y fuera de México. Su discografía, marcada por álbumes como Carlos Rivera, Mexicano, El Hubiera No Existe, Yo Creo, Guerra, Leyendas, Sincerándome y ¿Qué Significa el Amor?, ha sido la plataforma de una propuesta musical auténtica, íntima y emocional.

Además de su trabajo en la música, ha brillado en el teatro musical al interpretar a Simba en El Rey León tanto en México como en España, donde realizó más de mil funciones, consolidando su versatilidad artística. Como compositor, ha escrito gran parte de su repertorio, impregnando cada canción con su visión, emociones y vivencias, lo que le ha permitido conectar profundamente con el público a lo largo de los años.

“Almas” fue escrita junto a José Luis Roma y nace desde un lugar profundamente personal: la pérdida de su padre. Con versos como “Y aunque llore y vuelva a llorar, nunca va a ser suficiente ni será”, la canción expresa la tristeza desgarradora de la ausencia, pero también la permanencia del amor como fuerza que trasciende el tiempo y la vida. Con una interpretación vocal cargada de emoción y una producción sobria que realza cada palabra, Rivera logra convertir el dolor en una obra de arte luminosa.

Este lanzamiento también marca el inicio de una nueva etapa musical para el artista, ya que “Almas” será parte de su próximo álbum de estudio. El tema se perfila como una de las piezas centrales de este proyecto, no solo por su significado personal, sino por la manera en que logra resonar con quienes han vivido una pérdida similar.

Fiel a su esencia, Carlos Rivera entrega no solo una canción, sino un testimonio de amor incondicional, de vínculos que permanecen más allá del tiempo y de las palabras. Con “Almas”, vuelve a recordarle al mundo por qué es uno de los intérpretes más queridos y respetados de su generación.

“Almas” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Carlos Rivera, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Olga Lucía Vives presenta “Pensar Al Revés”, un lanzamiento que marca un nuevo capítulo en su ascendente carrera como solista. La artista colombiana, reconocida por su autenticidad y su potente sensibilidad interpretativa, vuelve a cautivar con una canción que explora la autocrítica, el amor y la imperfección humana desde una mirada profundamente honesta.

La intérprete, compositora y actriz ha construido un camino sólido en la música y el entretenimiento. Su voz se dio a conocer como una de las integrantes del exitoso grupo pop Ventino, y más tarde conquistó nuevos espacios al ser parte del elenco de la película Encanto de Disney, dando voz a la protagonista en el doblaje latino y participando en la banda sonora. Su talento como compositora también la ha llevado a firmar canciones para otros artistas, como Quiero que me odies de Andrés Cepeda y la canción principal de la serie Medusa de Netflix.

En 2025 Olga dio un giro artístico decisivo al iniciar su etapa solista con Veneno, un tema que reveló su fuerza y evolución personal. A este debut le siguieron Si No Te Quise y Amiga, consolidándola como una de las voces femeninas más prometedoras y auténticas de la escena musical hispanoamericana. Su versatilidad y sensibilidad artística le han permitido compartir escenario con grandes figuras, entre ellas Carlos Vives, en conciertos inolvidables en Santa Marta.

“Pensar Al Revés” continúa esta senda con una propuesta íntima y emocional. A través de su letra, la canción revela a una mujer que, con total franqueza, reconoce sus errores en una relación amorosa: despistes, olvidos y torpezas que no nacen de la falta de amor, sino de su manera distinta de sentir y vivir. Con versos como “Si se me escapa algo otra vez, no pienses que es por falta de interés”, Olga expone con claridad el miedo a perder a alguien por no saber amar como el otro espera.

La canción combina una interpretación vocal cargada de sentimiento con una producción pop elegante y sutil, en la que la vulnerabilidad se convierte en el centro del relato. “Pensar Al Revés” es, en esencia, un retrato sensible de cómo a veces el amor se ve atravesado por la imperfección humana, pero también por la voluntad de seguir intentando.

Olga Lucía Vives, con su autenticidad y entrega, reafirma con este lanzamiento que su propuesta artística va más allá de lo musical: es una invitación a reconocerse, aceptarse y amar desde la honestidad. Próximamente, la artista llevará esta nueva etapa de su carrera a escenarios internacionales, con actividades en México, Perú y Ecuador como parte de su proyección global.

“Pensar Al Revés” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Olga Lucía Vives, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

La cantautora venezolana Joaquina continúa consolidándose como una de las voces más destacadas de la nueva generación del pop en español. Con apenas 21 años, la ganadora del Latin Grammy a Mejor Artista Nuevo en 2023 sorprende nuevamente con “Los 41”, un tema pop-rock afilado, irónico y cargado de energía, que convierte una decepción amorosa en una poderosa declaración generacional.

Nacida en Caracas en 2004 y criada en Miami, Joaquina ha demostrado desde sus inicios un talento innato para componer letras honestas, directas y emocionalmente complejas. Tras el éxito de su álbum al romper la burbuja, la artista regresa con este nuevo sencillo, en el que combina su característico estilo pop con tintes de rock, una producción vibrante y una actitud desafiante que invita a la reflexión tanto como al desahogo.

“Los 41” nació de una conversación cargada de sarcasmo sobre una relación en la que la otra persona insistía en que “no quería nada serio”, aunque Joaquina intuía que, en realidad, simplemente “no quería nada con ella”. De ese diálogo surge una letra afilada y con mucho humor, que desmonta los comportamientos inmaduros y evasivos de ciertos hombres contemporáneos. La artista los describe como “niños eternos”, incapaces de asumir compromisos reales y emocionalmente dependientes de la figura materna.

Frases como “Tal vez mamá te doblará la ropa hasta que cumplas los 41” encapsulan perfectamente ese espíritu: una crítica generacional disfrazada de ironía, en la que la artista desnuda su desilusión con mordacidad, lucidez y una buena dosis de sarcasmo. Más allá del desamor, “Los 41” es un himno sobre la liberación emocional y la importancia de aceptar la verdad —por dura que sea— para seguir adelante con dignidad y humor.

La canción despliega una producción enérgica, guiada por guitarras y una percusión poderosa, que refuerzan el carácter rebelde y contestatario del mensaje. Joaquina combina vulnerabilidad y fuerza con una madurez sorprendente, confirmando que su talento trasciende edades y etiquetas. En poco tiempo, ha logrado posicionarse como una de las compositoras más influyentes de la nueva ola del pop latino, gracias a su capacidad de transformar experiencias personales en mensajes universales con los que su público se identifica de inmediato.

“Los 41” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Joaquina, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

La banda mexicana TREEM, una de las propuestas más sólidas y prometedoras del rock alternativo en español, estrena “Espero”, un sencillo cargado de emoción que combina la fuerza característica del rock con la sutileza melódica del indie contemporáneo. Con este lanzamiento, el grupo reafirma su identidad sonora y su lugar dentro de la nueva generación del rock latinoamericano.

Fundada en 2016 por Julio Durán, TREEM ha crecido a través de una búsqueda constante por explorar nuevas texturas, sonidos y emociones que conectan con un público cada vez más amplio. Con casi 500.000 reproducciones en Spotify y dos nominaciones a los Monster Music Awards, la agrupación consolida su proyección en la escena alternativa, demostrando que su propuesta trasciende fronteras y etiquetas.

“Espero” representa un momento de madurez artística y emocional para la banda. La canción aborda la espera como un espacio íntimo donde el amor, el tiempo y la distancia se entrelazan con el autodescubrimiento. “Esperamos que la gente sienta esta canción como un respiro, una pausa en medio del ruido. Habla de esperar por algo o alguien, pero también de encontrarse a uno mismo en ese proceso”, comparte Julio Durán, fundador y vocalista del grupo.

La batería del tema fue grabada por Toni Mateos, reconocido músico español que ha trabajado con artistas de talla internacional como Alejandro Sanz y Sergio Dalma, además de formar parte del programa La Voz España. Su aporte rítmico aporta una fuerza elegante y precisa que potencia la intensidad emocional de la canción.

Con influencias que van desde Caifanes, Héroes del Silencio y Enanitos Verdes hasta referentes internacionales contemporáneos, TREEM ha desarrollado un sonido propio que combina melancolía, energía y autenticidad. “Espero” es el cuarto sencillo original de la banda y llega como una declaración artística clara: la música de TREEM no solo pertenece a una escena, sino que construye un puente entre generaciones y sensibilidades.

“Espero” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de TREEM, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Con una mezcla intensa de ritmos urbanos y letras que apuntan directo al corazón, el cantante, compositor y productor dominicano-estadounidense Dariel Amant lanza su nuevo sencillo “Ando y Busco”, una propuesta musical que se aleja de lo convencional para hablar sin rodeos de uno de esos momentos que muchos prefieren callar. 

El tema explora los matices de una relación paralela, ese terreno delicado en el que dos personas se encuentran fuera de sus vínculos formales, sabiendo que lo que viven no es sostenible, pero tampoco fácil de dejar. Con una base urbana cargada de ritmo y tensión emocional, "Ando y Busco" pone sobre la mesa una conversación incómoda pero necesaria. 

El personaje en la canción se planta firme, ya no quiere ser el secreto, pero también disfruta al máximo de esta situación llena de pasión. Con esta producción, el artista demuestra una vez más su capacidad para convertir situaciones cotidianas en piezas musicales con peso narrativo. "Ando y Busco" no es solo un tema para sonar en las plataformas, sino una invitación a mirar de frente esas decisiones que a veces se toman en la sombra. 

Este nuevo sencillo también marca un momento importante en la evolución musical de Dariel. Con un sonido más pulido, un enfoque más maduro y una narrativa clara, el artista urbano sigue consolidando su estilo, que combina la sensualidad del género con un fondo emocional cada vez más trabajado. El nombre artístico de Dariel no es casualidad. “Amant”, que en francés significa "amante", define no solo su estética sino su propuesta completa. Su música celebra el amor en todas sus formas, el romántico, el carnal, el confuso, el que duele, el que libera. 

Así como el corazón de un amante se abre a la vulnerabilidad, las propuestas de Dariel desnudan su alma, sin miedo al juicio, con la convicción de que ser honesto también es un acto de valentía. Sus raíces dominicanas y su vida en Nueva Jersey le han dado una mirada cultural amplia, que se refleja en su sonido, una fusión de R&B latino, Hip Hop y Pop que lo posiciona como pionero de una nueva ola urbana más introspectiva y emocional.  

El artista vigués Álex Cassen vuelve a conquistar con su sensibilidad única y su estilo inconfundible. Tras abrirse camino en la música con su EP debut Las cartas sobre la mesa (febrero de 2025), presenta “Culpable”, un nuevo sencillo que combina pop con reminiscencias funky y que funciona como adelanto de su primer álbum de estudio, previsto para 2026. Con esta canción, Cassen abre un nuevo capítulo en su trayectoria, manteniendo intacta su capacidad para narrar emociones profundas desde una perspectiva íntima y directa.

“Culpable” es un retrato sonoro de la fuerza del deseo y la intensidad de un amor prohibido. Con ritmo, frescura y un estribillo pegadizo, el tema se sumerge en esa tensión entre lo que se quiere y lo que no debería ocurrir, dibujando escenas tan cinematográficas como cercanas. La letra, cargada de imágenes sensoriales y momentos precisos —un coche caro, una canción de Queen sonando en la radio, la noche como cómplice— logra transmitir la atracción inevitable entre dos personas que saben que su historia está condenada, pero deciden vivirla igual.

Nacido en Vigo, Álex Cassen es un artista que ha hecho de la honestidad su sello personal. Antes de lanzarse a la música, publicó dos poemarios —Golondrinos (2022) y Algia (2023)— en los que ya dejaba entrever su capacidad para poner en palabras emociones complejas. Su salto al ámbito musical ha sido natural: desde pequeño siente una profunda pasión por este lenguaje artístico, y en su propuesta combina elementos electrónicos con melodías pop muy pegadizas, sin atarse a un solo género. Cada canción suya parte de vivencias personales, pero logra convertirse en una historia universal con la que muchos pueden sentirse identificados.

En “Culpable”, la voz de Cassen navega entre la confesión y la rendición, con frases que se clavan: “Soy culpable de soñar con bailes, pero nunca has intentado despertarme”. La producción, fresca y elegante, sostiene el pulso de la canción, potenciando la tensión entre el deseo y la certeza de que el final es inevitable. Esta dualidad es precisamente una de las grandes fortalezas de su escritura y de su propuesta musical.

Con este single, Álex Cassen se reafirma como una de las voces emergentes más interesantes de la escena pop actual, combinando sensibilidad lírica, una estética cuidada y un sonido contemporáneo que atrapa desde la primera escucha.

“Culpable” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Álex Cassen, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

La música no entiende de edades ni de límites, y Virtualcoverparty es prueba viva de ello. A sus 70 años, este artista autodidacta ha emprendido una nueva aventura musical que combina su pasión de toda la vida por el pop y el rock clásico con las posibilidades creativas que ofrece la tecnología actual. Su más reciente lanzamiento, “You are not in my heart”, es un homenaje profundamente personal a Dua Lipa y a la huella emocional que dejó en él su concierto en el Royal Albert Hall de Londres en 2024.

La historia de Virtualcoverparty comenzó cuando tenía solo diez años, con una guitarra acústica y una curiosidad inagotable. Formado de manera autodidacta, se dedicó a explorar los sonidos del pop y rock de los años 70 y 80, una época que marcaría su sensibilidad artística. Durante muchos años vivió la música como un apasionado amateur, mientras su carrera profesional transcurría en otro ámbito. Pero la irrupción de la tecnología le dio una nueva herramienta: la posibilidad de unir sus dos pasiones —la informática y la música— y convertirlas en un proyecto creativo sólido.

“You are not in my heart” forma parte de un álbum compuesto por tres canciones originales dedicadas a Dua Lipa, una artista que para Virtualcoverparty representa inspiración, superación y autenticidad. A través de esta canción, busca transmitir la emoción vivida durante aquel concierto londinense, un momento que describe como profundamente transformador. El tema no es simplemente un tributo a su carrera musical, sino también a la persona que hay detrás de la estrella, destacando su carisma y la conexión especial que logra con su público.

Este proyecto, nacido de la admiración y de un impulso artístico renovado, marca también la evolución personal del artista. Tras años versionando clásicos, Virtualcoverparty ha dado el salto a la composición y producción originales, demostrando que nunca es tarde para explorar nuevos horizontes creativos. Su historia es la de un “adolescente maduro” que no teme comenzar de nuevo y compartir con el mundo su pasión por la música.

“You are not in my heart” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Virtualcoverparty, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

El cantautor chileno Mr Don vuelve a irrumpir en la escena musical con el lanzamiento de su nuevo álbum Yugo Desigual, una producción de gran nivel realizada junto al prestigioso productor DerekVinci y respaldada por EQS Música, la discográfica número uno en bachata. Este lanzamiento no solo consolida su posición como una de las voces más potentes del género, sino que reafirma su apuesta por una propuesta musical fresca, auténtica y profundamente emocional.

Yugo Desigual es un viaje por el universo de las emociones humanas. A lo largo de sus canciones, el álbum explora el delicado equilibrio entre la ternura del amor y la crudeza del desamor; entre la euforia del deseo, la nostalgia por lo perdido, la reconciliación, el dolor y la esperanza. Cada pista está construida con la intención de conectar directamente con el corazón del oyente, ya sea a través de letras honestas, cargadas de sentimiento, o de melodías que invitan a bailar, llorar o simplemente dejarse llevar.

El trabajo de DerekVinci en la producción se percibe en cada detalle: arreglos precisos, sonoridad impecable, mezclas limpias que respetan la esencia más pura de la bachata tradicional, pero con toques modernos que le dan un carácter distintivo. Juntos, Mr. Don y DerekVinci han creado un álbum que se mueve entre la elegancia melódica y la intensidad emocional, en el que los contrastes se sienten naturales y poderosos.

En Yugo Desigual, Mr Don apuesta por letras directas y sin filtros, donde la vulnerabilidad no es una debilidad, sino una declaración de fuerza. Sus canciones son relatos sinceros que reflejan historias de amor y desamor, de despedidas que duelen, reencuentros inesperados y pasiones intensas. Esta honestidad lírica, sumada a su estilo vocal inconfundible, le ha permitido convertirse en uno de los artistas más queridos de la nueva generación de bachateros.

La participación de EQS Música en este proyecto no es menor. Además de ofrecer respaldo institucional, la discográfica brinda una plataforma internacional para que Yugo Desigual llegue a oyentes de toda América Latina, Estados Unidos y Europa, ampliando el alcance de la música de Mr Don y fortaleciendo su proyección global.

Este álbum representa un punto de inflexión en su carrera: no solo es un trabajo esperado por su público, sino también una declaración artística que reafirma su identidad. Mr Don logra capturar la esencia romántica de la bachata, pero también la moderniza, llevándola a nuevas generaciones sin traicionar sus raíces.

Con Yugo Desigual, el artista chileno se muestra más maduro, más personal y más decidido que nunca. Una obra que promete quedarse en el corazón de quienes aman la bachata y buscan canciones que hablen con el alma.

La primera girl band argentina de K-Pop vuelve a revolucionar la escena musical con su más reciente sencillo, “Té Kila”, una propuesta explosiva que fusiona el ritmo, la actitud y la estética coreana con letras en español y una energía festiva que promete convertirse en uno de los hits del año. K4OS, integrado por Mariana Taurozzi “Tau” (líder y voz principal), Inés Civit “Ine” (vocalista), Mercedes Bitzer “Mechi” (vocalista) y Lynette Ladelfa “Lily” (bailarina principal), reafirma con este lanzamiento su lugar como pioneras del K-Pop en Argentina y en toda la comunidad hispanohablante.

“Té Kila” llega con la fuerza de un beat urbano contagioso y una producción impecable, fiel al sello del grupo. Su propuesta se nutre de coreografías precisas, un estribillo pegadizo y una puesta en escena visual de alto impacto que remite directamente a la sofisticación característica del K-Pop, pero con identidad latina. El juego de palabras en el título —“Té Kila” / “Tequila”— esconde un mensaje más profundo: transformar el dolor en libertad a través de la música, el baile y la celebración.

La letra aborda el desahogo y la sanación emocional desde un lugar festivo y empoderado. Frases como “Salen las heridas te queman la garganta, y esta vida chat / Pero con un beso se me ay ay ay / Lima y una botella sana todas tus penas” encapsulan a la perfección la idea de dejar atrás las penas y sumergirse en un instante de liberación. En ese equilibrio entre intensidad emocional y diversión radica gran parte de la fuerza de K4OS.

Desde su formación en 2023, el grupo ha sabido construir una base sólida de fans a través de TikTok y otras plataformas, convirtiéndose en un fenómeno digital. Su single debut “Caos” marcó el inicio de una nueva etapa para el pop argentino, abriendo camino a un sonido híbrido que algunos ya llaman A-Pop. Con lanzamientos como “Extra” y “Mente en blanco”, K4OS ha demostrado que su propuesta no es una moda pasajera, sino un proyecto sólido que combina disciplina artística, creatividad y visión internacional.

“Té Kila”, lanzado en octubre de 2025, consolida esta identidad: un puente entre culturas, con el magnetismo del K-Pop y la calidez de la lengua española. El videoclip, que acompaña al sencillo, ha generado gran repercusión en redes sociales y YouTube, confirmando la creciente popularidad del grupo y su impacto entre el público joven.

“Té Kila” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de K4OS, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlas muy de cerca a través de sus redes sociales.

Uniendo a tres potencias de la música latina contemporánea, Mau y Ricky, Luísa Sonza y Big One lanzan el single “Tocando Madera”.  La canción, que mezcla funk brasileño, reggaetón y pop, celebra la conexión cultural entre Venezuela, Brasil y Argentina, y promete conquistar tanto las pistas de baile como las tendencias en toda América Latina.

Inspirada en la expresión popular “tocar madera” —utilizada para alejar la mala suerte—, la canción retrata una noche inolvidable, de esas que uno quisiera repetir: “estoy tocando madera pa que esto vuelva a pasar”, dicen sus versos. La producción está a cargo del argentino Big One, responsable de éxitos de artistas como Emilia, Tini, María Becerra, Lali y FMK, incorporando arreglos modernos, ritmos marcados y una atmósfera bailable. Cantada en español y portugués, “Tocando Madera” evidencia la colaboración creativa entre los artistas.

“Luísa es nuestra primera colaboración con una artista de Brasil, aunque ya habíamos escrito canciones que los brasileños conocen. Estamos muy emocionados de sumar su talento a nuestra carrera. Con Big One mezclamos funk con merengue; tenemos una química increíble creando música juntos, y esta canción nació en una tarde en Miami”, comparte el dúo.

“Fui a Argentina a comienzos de año para promocionar Motinha 2.0, y allí surgió la oportunidad de grabar Tocando Madera con Mau y Ricky, a quienes ya conocía y adoro. La invitación vino de Big One, que también conocía, y nos metimos directo al estudio. Escribí mi parte, fue genial. La canción es animada y tiene esa mezcla de ritmos de ambos países”, comparte Luísa Sonza.

“Si hay algo que siempre me inspiró, fue fusionar sonidos de distintos lugares, y esta colaboración con Mau, Ricky y Luísa fue perfecta para eso. Logramos unir sus estilos en el funk brasileño, en una canción que tiene mucha energía y alma. ¡Espero que disfruten esta canción tanto como nosotros disfrutamos crearla!”, comenta Big One.

El exitoso dúo venezolano Mau y Ricky, con más de 5 mil millones de streams, ganadores de múltiples discos de platino y nominados repetidas veces a los Latin Grammy viven inmersos en la música desde la infancia. Mau y Ricky marcaron su entrada en 2014, coescribiendo grandes éxitos globales como Vente Pa’ Ca de Ricky Martin y Maluma, Sin Pijama de Becky G & Natti Natasha—esta última certificada con 13 diamantes en Latinoamérica y destacada en la lista de Rolling Stone de las “100 Mejores Canciones de Reggaetón de Todos los Tiempos” o para otros grandes artistas como Anitta o Karol G. Su trayectoria habla por sí sola de su innegable talento e influencia en la industria musical. Con Tocando Madera desembarcan por primera vez en Brasil de la mano de Luísa Sonza con la intención de dejar huella.

Por su parte, Big One, uno de los productores más influyentes de la música argentina actual, es conocido por crear hits que trascienden fronteras y consolidan la fuerza de la nueva generación del pop latino.

Esta colaboración refuerza la expansión internacional de Luísa Sonza. A sus 27 años, la artista acumula más de 3 mil millones de streams en plataformas digitales y ha sido nominada tres veces al Grammy Latino. Elegida como la cantante pop número uno de Spotify Brasil durante tres años consecutivos, Luísa ostenta el récord del mayor debut en la historia de Spotify Brasil con su álbum más reciente, Escândalo Íntimo, que alcanzó 15,6 millones de streams en 24 horas y generó éxitos como “Penhasco 2”, “Chico” y “Sagrado Profano”. Con una trayectoria marcada por colaboraciones internacionales con artistas como Mariah Carey, Joe Jonas, Demi Lovato, Katy Perry, Marshmello, Tokischa, Emilia y Sofía Reyes, Luísa se consolida como una de las voces más importantes del pop brasileño a nivel global. 

En “Tocando Madera”, los tres artistas construyen un puente sonoro entre países, transmitiendo a través de la música el espíritu vibrante y multicultural que define la nueva era del pop latino.

La joven artista catalana Poncelam continúa consolidando su propuesta dentro del panorama urbano español con “Pausa”, un nuevo sencillo que refleja con fuerza la madurez artística y personal que ha ido construyendo desde sus inicios. Nacida como Irene Poncela Martínez en El Prat de Llobregat (Barcelona) en 2004, la cantante, compositora y productora ha desarrollado un estilo propio en el que confluyen géneros como el R&B, el hip-hop, el soul, el pop y ecos del jazz, una influencia que proviene de sus estudios en el Conservatori del Liceu y de la escena musical francesa.

“Pausa” es un viaje dividido en dos atmósferas sonoras que dialogan entre sí: una más oscura, íntima y contenida, y otra más luminosa, abierta y esperanzadora. Este contraste no es casual. La canción surge de un proceso de introspección profunda, en el que Poncelam detiene el ritmo vertiginoso de su vida para conectar con su propia voz, replantearse su camino y encontrar claridad en medio del ruido. El título no solo alude a un momento de respiro, sino a la decisión consciente de cerrar una etapa para iniciar otra con más madurez y determinación.

Desde su debut en 2019, Poncelam ha sabido destacar por la autenticidad de su propuesta. Con tres EPs a sus espaldas —Lágrima de Ángel (2022), Vértigo (2023) y Besos, Irene (2024)— y varios sencillos que se han viralizado, la artista ha explorado temas como el amor, la familia, la ambición, la incertidumbre y la relación con la industria musical, siempre desde una sensibilidad honesta y sin adornos. Su historia personal también está marcada por una fuerte conexión familiar con la música: su padre, Ángel Poncela, fue teclista del emblemático grupo Fórmula V, una herencia que ha influido profundamente en su pasión creativa.

“Pausa” se presenta así como uno de los lanzamientos más representativos de Poncelam hasta la fecha, anticipando la nueva etapa que marcará su esperado álbum debut, No Certificada, previsto para 2025. Es una invitación a mirar hacia adentro y a abrazar los contrastes que conforman la identidad artística de una de las voces emergentes más prometedoras del pop urbano español.

“Pausa” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Poncelam, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.