La joven artista española Lucía Baizán continúa afianzando su lugar en el panorama del pop nacional con el lanzamiento de “Y pienso en ti”, un single que revela una faceta más íntima y emocional dentro de su aún joven pero prometedora carrera. Tras el impulso vitalista de “Colores”, publicado en el verano de 2024, esta nueva canción marca un giro hacia un registro más maduro y sensible, donde la emoción y la nostalgia toman el protagonismo.

Natural de San Fernando, Cádiz, Lucía Baizán comenzó a mostrar su talento desde muy pequeña, cuando con apenas seis años se animó a cantar de manera espontánea una canción de Pablo Alborán durante la comunión de su hermana. Desde entonces, la música ha sido una constante en su vida, una pasión que combina con su interés por el mundo de la moda y la expresión artística en distintas formas.

El gran público comenzó a conocerla gracias a su paso por programas de talento televisivos como Idol Kids y, especialmente, La Voz Kids 2023, donde formó parte del equipo de Rosario Flores y logró llegar hasta las semifinales. En el programa destacó por su sensibilidad interpretativa y su capacidad para transmitir emociones profundas, sobre todo en baladas, cualidad que hoy se reafirma en “Y pienso en ti”.

La canción, compuesta y producida por Alejandro Oneto, con producción musical y audiovisual a cargo de Rec Planet, se mueve dentro del pop romántico y melódico, con una estructura que prioriza la voz y la interpretación por encima de los arreglos complejos. El tema aborda la nostalgia y el recuerdo persistente de una persona especial tras una ruptura o una ausencia, construyendo un clima agridulce en el que Lucía demuestra un notable control emocional y vocal para su edad.

“Y pienso en ti” refleja una evolución clara en el sonido de la artista, que se apoya en un pop español con sutiles tintes andaluces, sello que se ha convertido en una de sus señas de identidad. Habitualmente, Lucía trabaja con compositores y productores de la escena gaditana, lo que aporta a sus canciones una cercanía especial y una producción cuidada, pensada para realzar la emoción y la honestidad del mensaje.

La recepción del single ha sido muy positiva entre su base de fans, mayoritariamente joven, que ha conectado rápidamente con la letra y el tono emocional de la canción. Este respaldo refuerza la percepción de Lucía Baizán como una de las promesas más sólidas del pop español surgidas de los formatos de talent show, capaz de construir una identidad propia más allá de la televisión.

Como dato curioso, la propia Lucía ha compartido en diversas entrevistas que su madre es su mayor crítica y su jurado personal más exigente, acompañándola en el proceso creativo y ayudándola a elegir las canciones que mejor encajan con su estilo y personalidad artística. Un apoyo cercano que se percibe en la coherencia y sinceridad de cada nuevo paso que da en su carrera.

“Y pienso en ti” ya se encuentra disponible para escuchar en Youtube, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Lucía Baizán, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

La cantautora argentina Angela Lucia lanza su nuevo single “Lluvia en la Ciudad”, una obra sensible y luminosa que surge de un instante cotidiano cargado de emoción: un sofocante sábado de enero, una tormenta de verano y un momento de profunda introspección. De esa combinación nace una canción que la propia artista define como “una canción arcoíris”, capaz de transformar lo denso en color y lo íntimo en refugio sonoro.

“Lluvia en la Ciudad” se construye desde la honestidad creativa y el pulso emocional. La música, la letra, la voz y las guitarras llevan la firma de Angela Lucia, mientras que la batería, el bajo y los arreglos estuvieron a cargo de Ezequiel González, quien además se ocupó de la grabación, mezcla y masterización en Estudio Nómade, en Bell Ville, Córdoba. El resultado es una canción que fluye con naturalidad, envolviendo al oyente en una atmósfera introspectiva que dialoga con la lluvia, el calor y los pensamientos que aparecen cuando el tiempo parece detenerse.

La trayectoria de Angela Lucia es extensa y profundamente ligada a la música argentina y latinoamericana. Nacida un 13 de diciembre en Alvear, Corrientes, se radicó en la provincia de Córdoba siendo muy pequeña, lugar donde creció y reside actualmente. Desde temprana edad fue cautivada por la música, influenciada por los ritmos folklóricos y las melodías latinas que sus padres sembraron en ella y que desde entonces ha llevado consigo, expresándolos sobre los escenarios desde 1993.

Con un crisol de influencias y una marcada identidad artística, Angela Lucia fue dando forma a sus propias composiciones, volcando en ellas la pasión que define su camino. En 2004 lanzó su primer material discográfico, “Reflejo Interior”, donde se animó a presentar tres canciones de su autoría. Ese compromiso con la música la llevó a obtener importantes reconocimientos, como el primer premio en la Final Provincial Pre-Baradero en 2005 y, en 2010, el triunfo en el certamen EINDER-SADAIC en Villa María.

En 2012 presentó la canción “Él No Es Tú” junto a su videoclip oficial realizado por Comunidad El Palenque, en el marco del Festival Nacional e Internacional de Cosquín. Su recorrido continuó creciendo y en 2014 obtuvo el primer premio en el Festival Nacional del Oro Blanco, en Canals, Córdoba. En 2017 lanzó el disco “Destino Inmensidad”, que reúne composiciones propias y canciones del cancionero popular argentino y latinoamericano, trabajo que presentó en conferencia de prensa en el Festival de Cosquín 2018 junto al videoclip de la zamba “La Estrella”.

En los años siguientes, su actividad no se detuvo. En junio de 2019 publicó el videoclip de “Niño Alado”, lo que la llevó a participar en diversos programas de la televisión cordobesa. Entre 2021 y 2023 lanzó varios sencillos, entre ellos “Conexión”, en colaboración con el artista venezolano LuisetozA, y el “Himno Talleres Canary” en versión acústica, adaptación del himno al Club Talleres de Córdoba para el Club Deportivo Talleres Canary de las Islas Canarias. En 2024, al cumplirse 20 años de su lanzamiento original, publicó finalmente en plataformas digitales su primer disco “Reflejo Interior”.

El 19 de diciembre de 2025, Angela Lucia sumó a su discografía “Lluvia en la Ciudad”, una canción que sintetiza su búsqueda constante de nuevas experiencias, su sensibilidad artística y su manera de trenzar palabras y melodías con el pulso de la vida cotidiana. El single se presenta como una nueva muestra de una artista en permanente movimiento, fiel a su esencia y abierta a seguir explorando emociones a través de la música.

“Lluvia en la Ciudad” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Angela Lucia, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Fernando Ramos rompe el silencio discográfico con el lanzamiento de “Sálvame”, un single de pop-rock visceral que funciona como una válvula de escape frente a una lucha interior profunda. La canción marca el inicio de una nueva etapa creativa en la trayectoria del artista, quien vuelve a la primera línea con una propuesta honesta, directa y emocionalmente descarnada, fiel a la esencia del rock que siempre ha definido su camino.

“Sálvame” se adentra en los rincones más oscuros de la mente, abordando la fragilidad, el desborde emocional y la necesidad de redención a través de la música. Con una lírica cruda y sin rodeos, la canción se convierte en un relato de vulnerabilidad absoluta, donde frases como “Exorcizar, dejar salir esos demonios que hay en mí” sintetizan el espíritu de una obra que no busca solo entretener, sino acompañar y servir de catarsis a quienes han sentido que todo se desmorona.

La fuerza del tema se apoya en una instrumentación potente y una interpretación vocal cargada de urgencia, que transita entre la sensación de caída al “abismo” y la esperanza de una “oración” lanzada al aire. La producción construye una atmósfera de tensión constante que estalla en un estribillo pensado para ser gritado, compartido y vivido con intensidad, reforzando ese carácter liberador que atraviesa toda la canción. En palabras del propio artista, “Sálvame es hablar cuando la incomunicación nos gana la partida. Es reconocer que estamos perdidos y tener el valor de pedir una mano”.

El lanzamiento de este single también invita a mirar hacia atrás en la extensa trayectoria de Fernando Ramos, una carrera forjada a base de perseverancia y pasión por la música. Sus primeros pasos llegaron junto a la banda Los Cucas, formada con amigos del instituto y bautizada como un claro homenaje a The Beatles, sus grandes ídolos de entonces. Aquellos inicios estuvieron marcados por la precariedad, los conciertos mal pagados, los ensayos autofinanciados y los constantes rechazos de la industria, en una época en la que aún no existía el euro y abrirse camino en Madrid suponía un desafío constante.

La persistencia dio sus frutos cuando Los Cucas firmaron con Sony Music, etapa en la que Fernando Ramos vivió algunos de los mayores hitos de su carrera, como el disco de oro con El ser humano es raro y el número uno en Los 40 Principales con La última carta. Sin embargo, como ocurre en muchas bandas, el proyecto llegó a su fin y Fernando decidió iniciar un nuevo rumbo artístico.

Ese siguiente capítulo tomó forma con 4 Bajo Cero, grupo en el que asumió no solo la composición y la guitarra, sino también el rol de vocalista principal. Aquel salto al frente supuso un reto personal que terminó convirtiéndose en una auténtica escuela como cantante. Con esta banda publicó un single con Universal Music y un LP con el sello de Paco Ortega, El Pescador de Estrellas, además de recorrer España en una gira que, aunque no tuvo un gran impacto mediático, fue clave en su crecimiento artístico.

Con la crisis de la industria discográfica golpeando con fuerza al pop-rock no indie, Fernando Ramos optó por reinventarse y buscar un camino que le permitiera seguir viviendo de la música. Así nacieron dos proyectos que siguen activos hasta hoy: su escuela de música Islamúsica y la banda de versiones Retroversión, iniciativas que le han permitido mantenerse sobre los escenarios y en contacto constante con el público.

Ahora, con “Sálvame”, Fernando Ramos inicia un nuevo capítulo en solitario, decidido a hacer la música que realmente le apetece y a disfrutar del proceso acompañado por su banda en directo. Esta etapa llega, además, coincidiendo con la celebración de sus 25 años como profesional, un recorrido que se verá reflejado en sus próximos conciertos, donde presentará un repertorio que funcionará como una auténtica antología de su carrera.

“Sálvame” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Fernando Ramos, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, directos o nuevos proyectos musicales, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

La cantautora chilena Emilia Borlone continúa revelando el universo sonoro y emocional de su próximo LP debut con el lanzamiento de “Mil Veces”, cuarto single de este trabajo discográfico que verá la luz en el mes de mayo. Con esta nueva entrega, la artista profundiza en una narrativa íntima y honesta que consolida su identidad musical y refuerza el carácter sensible de su propuesta.

“Mil Veces” es una balada indie/pop delicada y cálida que pone el foco en el amor bonito, ese vínculo capaz de atravesar los momentos oscuros y transformarse en refugio. A través de una sonoridad orgánica y análoga, la canción envuelve al oyente en una atmósfera de nostalgia y ternura, destacando por su cercanía emocional y su autenticidad. La interpretación de Emilia transmite gratitud y luz, celebrando la posibilidad de volver a elegir a esa persona especial una y otra vez, bajo la premisa de que el amor sincero y sano sí existe.

El concepto visual y narrativo que acompaña al single gira en torno a la idea de la luz en medio del caos. La naturaleza, la ternura cotidiana y esos pequeños espacios que se visitan a diario para sentirse mejor funcionan como metáfora de cómo alguien puede convertirse en un sostén emocional, transformando lo difícil en un lugar seguro y luminoso. “Mil Veces” retrata así la belleza de lo simple y la fuerza que puede tener el amor cuando se vive desde la calma y la complicidad.

Este lanzamiento llega tras una reciente presentación de Emilia Borlone en el Foro del Tejedor, donde interpretó algunos de sus singles ya conocidos como Quisiera Borrar, Quédate Adentro y La Joya, además de adelantos próximos a estrenarse, incluyendo “Mil Veces”. El concierto contó con la participación de invitados como Pehuenche y Madame Récamier, y se vivió como una noche íntima y honesta, con Emilia acompañada por tres músicos en escena, generando una conexión cercana y una sinergia especial con el público.

Emilia Borlone es cantante, compositora y actriz chilena, radicada en México desde 2022. Su propuesta artística fusiona una fuerte sensibilidad lírica con sonoridades indie y pop latino, buscando conectar con quienes han atravesado historias de amor, pérdida y resiliencia. Con una sólida formación en teatro musical, ha desarrollado una carrera integral como actriz, cantante y compositora en distintas obras escénicas, antes de iniciar su camino como solista con el lanzamiento de su primer EP Rota en 2022.

Durante 2023 realizó su primera gira por México, presentándose en ciudades como Ciudad de México, Monterrey, Guadalajara, Querétaro, León, San Luis Potosí y Puebla. Ese mismo año lanzó su segundo EP, Diario Paraíso, una colección de seis canciones que exploran el amor propio y la reconexión interior, y fue invitada por la Embajada de Chile en México para representar a su país en el Festival Ceiba, en Tabasco. En 2024 publicó Rico Dolor, un compilado de tres canciones producido por Javier Barría y mezclado por Julián Bernal, donde profundiza aún más en su estilo emocional y narrativo.

Actualmente, Emilia Borlone se encuentra trabajando en su primer LP, un álbum de 11 canciones con un sonido íntimo, orgánico y poderoso, grabado en Estudio Novena de Ciudad de México junto a Claudio Reyes y Felipe Castro. Los primeros adelantos de este esperado disco son Quisiera Borrar, Quédate Adentro, La Joya y Mil Veces. El álbum estará listo en el mes de mayo y tendrá su presentación oficial en junio, marcando un nuevo y decisivo capítulo en la carrera de la artista.

“Mil Veces” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Emilia Borlone, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Dr. Torralvo suma un nuevo capítulo a su proyecto discográfico Hechizo Elemental con el lanzamiento de “Perdóname”, el sexto tema revelado de este álbum que continúa consolidando una propuesta de rock en español cruda, directa y profundamente emocional. La canción se presenta como una descarga potente que aborda el acto de pedir perdón sin garantías, sin la comodidad de la redención ni la promesa de un final reparador.

“Perdóname” gira en torno a la idea de volver una y otra vez, incluso sabiendo que algo quedó roto. La letra se mueve entre la súplica y la memoria, sosteniendo una tensión constante que evita cualquier cierre fácil. No hay promesas de cambio ni certezas de salvación, solo la necesidad de regresar aun cuando la herida sigue abierta. Esa ambigüedad emocional es uno de los pilares del tema, que apuesta por mostrar el conflicto tal como es, sin maquillajes ni moralejas.

En lo musical, la canción se apoya en guitarras contundentes y una base sólida que refuerza su carácter nocturno y visceral. La interpretación vocal es intensa, directa y sin adornos, transmitiendo una carga emocional que acompaña el peso de la letra y acentúa esa sensación de urgencia y fragilidad contenida. El resultado es un tema que no busca agradar desde lo cómodo, sino conectar desde lo real y lo incómodo.

Con este sexto lanzamiento, Dr. Torralvo continúa dando forma al universo de Hechizo Elemental, un proyecto que se define por la honestidad emocional, las letras frontales y una clara preferencia por la tensión auténtica antes que por el romanticismo complaciente. El álbum se va revelando como un recorrido por estados emocionales intensos, donde cada canción funciona como una pieza de un mismo hechizo sonoro.

Detrás de Dr. Torralvo se encuentra Javier Torralvo, oncólogo y músico, nacido en Colombia y radicado actualmente en Suiza. Esta doble identidad, científica y artística, convive en un proyecto que entiende la música como un espacio de catarsis y expresión profunda. Su propuesta se inscribe dentro del rock en español, con claras influencias de bandas icónicas de los años noventa y referentes como Héroes del Silencio, tanto en la fuerza instrumental como en la densidad emocional de sus composiciones.

El imaginario de Dr. Torralvo se construye desde un rock que atraviesa la piel, enciende los sentidos y despierta emociones intensas. Cada acorde funciona como un conjuro y cada verso como un fuego que no se apaga, dando forma a canciones que laten, resisten y buscan dejar marca. “Perdóname” se suma así a un repertorio que no teme explorar el dolor, la contradicción y la vulnerabilidad desde una mirada honesta y sin concesiones.

“Perdóname” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Dr. Torralvo, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Tras un año y medio de pausa creativa, La Pegatina vuelve a escena con energías renovadas y una nueva canción, “Siempre nos tienes aquí”, un tema llamado a convertirse en uno de los grandes himnos de su trayectoria. El grupo regresa fiel a esa esencia festiva que les ha llevado a convertirse en un fenómeno internacional, pero lo hace desde una mirada más madura, consciente y cargada de significado, sin perder ni un ápice de su espíritu colectivo.

“Siempre nos tienes aquí” es el primer adelanto de una nueva etapa artística que pone en el centro la vida compartida. La canción se presenta como un canto a la amistad, a la comunidad y a esos vínculos que se construyen en el día a día, en los barrios, en las fiestas populares y en los viajes que acaban transformándose en historias para toda la vida. La Pegatina reivindica la importancia de las personas que caminan a tu lado, por encima del ruido, las apariencias o las prisas, con un mensaje directo, cercano y profundamente humano.

El tema invita a reírse de las propias contradicciones, a vivir el presente con intensidad y a disfrutar sin reservas, recordando que la vida sucede aquí y ahora. Con su inconfundible mezcla de ritmos contagiosos, letras luminosas y una energía que se expande en grupo, La Pegatina vuelve a demostrar que su música va mucho más allá de la fiesta: es un espacio de encuentro, de celebración compartida y de sentimiento de pertenencia.

Este nuevo single marca además el punto de partida de su próximo proyecto discográfico, titulado “Fuegos del Barrio”, un trabajo que promete seguir explorando esa conexión entre lo colectivo y lo emocional que ha definido a la banda desde sus inicios. El lanzamiento del álbum vendrá acompañado de una ambiciosa gira internacional a lo largo de 2026, que llevará a La Pegatina por Estados Unidos, México, Francia, Países Bajos y un extenso recorrido por España.

El tour arrancará en marzo con fechas en ciudades como Miami, Toluca y Puebla, además de su participación en el festival Tecate Pa’l Norte, uno de los encuentros musicales más importantes de Latinoamérica. Tras esta primera etapa americana, la banda regresará a Europa para seguir desplegando su energía en escenarios clave, incluyendo una doble cita en La Riviera de Madrid. El recorrido combinará grandes salas, festivales emblemáticos y algunas de las citas imprescindibles del verano, donde La Pegatina volverá a convertir cada concierto en una auténtica celebración colectiva.

Con “Siempre nos tienes aquí”, La Pegatina reafirma su compromiso con una forma de entender la música como refugio, punto de encuentro y motor de alegría compartida, demostrando que, incluso tras una pausa, su capacidad para unir a la gente sigue intacta.

“Siempre nos tienes aquí” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de La Pegatina, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, conciertos, videoclips y proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales. Las entradas para su nueva gira ya están a la venta en www.lapegatina.com.

India Martínez es, desde hace años, una de las voces más reconocibles y respetadas de la música española. Nacida en Córdoba, la artista ha sabido construir una trayectoria sólida y coherente basada en una fusión muy personal entre el flamenco más puro, el pop étnico y sonoridades de raíz árabe y latina. Apodada con justicia como “la voz del sentimiento”, su forma de cantar conecta directamente con la emoción, el compromiso y la verdad, tres pilares que vuelven a cobrar todo su sentido en “Niño sin miedo”.

Este tema no es una canción más dentro de su repertorio. “Niño sin miedo” nace ligada a la banda sonora del documental Las huellas de el-Tarajal y se convierte en un grito de esperanza frente a una de las realidades más duras de nuestro tiempo: la crisis migratoria y, especialmente, la situación de los niños que cruzan fronteras huyendo de la violencia, la pobreza o la guerra. Desde el primer verso, la canción interpela al oyente y le obliga a mirar de frente una realidad que muchas veces se prefiere ignorar.

Uno de los elementos más sobrecogedores de la pieza es la colaboración con el Coro ArteSí, formado por niños y jóvenes vinculados a la ONG Olvidados. La unión de la voz desgarradora y llena de matices de India Martínez con las voces blancas, puras y frágiles del coro genera un contraste emocional que pone los pelos de punta. No hay artificio ni grandilocuencia, solo verdad, sensibilidad y un mensaje que golpea directamente en el pecho.

La letra de “Niño sin miedo” habla de la inocencia perdida, de la infancia que se ve obligada a madurar demasiado pronto y de la necesidad urgente de construir un mundo sin barreras físicas ni mentales. Versos como “Niño sin miedo, que no sabe de fronteras” resumen a la perfección la intención de la obra: recordar que, por encima de ideologías, políticas o discursos, está la humanidad y el derecho de todos los niños a vivir sin miedo.

Fiel a su forma de entender la música, India Martínez vuelve a demostrar que el arte también puede ser una herramienta de transformación social. No es casual que los beneficios y la visibilidad de este proyecto estén vinculados a causas humanitarias, apoyando a refugiados y familias en situación de extrema vulnerabilidad. En este sentido, la canción no solo se escucha, se siente y se comparte como un acto de conciencia colectiva.

A lo largo de su carrera, reconocida con nominaciones a los Latin Grammy y galardonada con un Goya por la canción principal de la película El Niño, India Martínez ha mostrado un compromiso constante con las emociones reales y los temas que importan. “Niño sin miedo” se suma a ese legado como una de sus obras más honestas y necesarias, una pieza que invita a parar, escuchar y mirar al otro con empatía.

“Niño sin miedo” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de India Martínez, estar al tanto de sus próximos proyectos y conocer más sobre su compromiso social y musical, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

EQS Música presenta “Roto”, el nuevo sencillo de Vinny Rivera junto a DerekVinci, una colaboración que eleva la bachata contemporánea a un plano más intenso, romántico y sofisticado. El bachatero internacional continúa consolidando su proyección global con una canción que combina sensibilidad, desamor y una producción moderna pensada para conectar con el público desde la primera escucha.

“Roto” es una bachata potente y emocional que habla de la vulnerabilidad que deja una relación quebrada, de esas heridas que no siempre se ven, pero que se sienten con fuerza. Vinny Rivera interpreta la letra con una honestidad palpable, transmitiendo el dolor, la nostalgia y la entrega emocional que caracterizan al género, pero llevándolos a un contexto actual y elegante que dialoga con nuevas audiencias.

La producción, firmada por DerekVinci, destaca por su solidez instrumental, arreglos cuidados y una atmósfera envolvente que potencia cada matiz de la voz. El equilibrio entre tradición y modernidad se convierte en uno de los grandes aciertos del tema, reforzando la identidad de Vinny Rivera dentro de la bachata contemporánea y demostrando que el género sigue evolucionando sin perder su esencia romántica.

Este lanzamiento también subraya el compromiso de EQS Música con la calidad artística y la proyección internacional de la música tropical, apostando por propuestas que respetan las raíces del género mientras exploran nuevos caminos sonoros. Con “Roto”, Vinny Rivera continúa expandiendo su carrera a nivel global, reafirmando su lugar como una de las voces a seguir dentro de la bachata actual.

“Roto” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Vinny Rivera y DerekVinci, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, colaboraciones y nuevos proyectos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

ATK Epop y Amaia Pop unen de nuevo fuerzas para dar forma a “Geometría del amor”, un álbum que funciona como un recorrido emocional por distintas maneras de amar, recordar y aceptar el paso del tiempo. A lo largo de ocho canciones, el proyecto despliega un universo donde el pop emocional, el synth pop, el indie pop y sorprendentes guiños a la raíz latina conviven con naturalidad, consolidando la complicidad artística entre la cantante y el productor.

El disco se construye como un viaje sentimental en el que cada tema representa una forma distinta de sentir. ATK Epop firma una producción elegante y versátil que se adapta al relato de cada canción sin perder coherencia. Desde el synth pop emocional de “Astronauta en tu corazón” y “Mecánico corazón”, hasta la madurez reflexiva que atraviesa “Llegando al final”, pasando por la sensibilidad directa de “Sentimental”, el álbum avanza con un pulso íntimo y sincero. Uno de los giros más llamativos llega con “Que no” y “Afortunado”, dos canciones que incorporan un imaginario mariachi y una raíz latina que amplían el universo sonoro del proyecto sin romper su equilibrio.

El tema que da nombre al disco, “Geometría del amor”, ocupa un lugar central tanto a nivel conceptual como emocional. Esta canción, que cierra el segundo trabajo de Amaia Pop junto a ATK Epop, resume la filosofía del álbum con una apuesta clara por la sencillez como forma de verdad. Con guitarras de Davi Sanz y un sonido indie pop relajado, el tema se aleja del dramatismo romántico para hablar de un amor estable, constante y casi matemático, donde el sentimiento no necesita crecer ni demostrarse para existir. Frases como “Yo te quiero igual / no te quiero más” se convierten en una declaración honesta que abraza la calma, la complicidad y la certeza frente a los excesos emocionales.

La producción acompaña este mensaje con una instrumentación ligera, atmósferas cálidas y una interpretación vocal cercana que refuerza la sensación de intimidad y equilibrio emocional. Todo en “Geometría del amor” parece estar medido al milímetro para que la emoción fluya sin artificios, dejando espacio a la experiencia y al reconocimiento personal del oyente.

Con este trabajo, ATK Epop y Amaia Pop firman un disco coherente, sensible y diverso, en el que cada canción es una pieza distinta de un mismo puzle emocional. Un álbum que entiende el amor desde la experiencia, la honestidad y el paso del tiempo, y que confirma la solidez de una colaboración artística que sigue creciendo con naturalidad.

“Geometría del amor” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de ATK Epop y Amaia Pop, estar al tanto de sus próximos lanzamientos y proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Laia Alcolea vuelve a escena con “Mentiras”, su nuevo single y primer lanzamiento tras la publicación de su debut discográfico El amor no debería doler. Con esta canción, la artista no solo retoma el relato emocional iniciado en su primer trabajo, sino que lo expande hacia territorios más oscuros, arriesgados y conceptuales, consolidando una identidad sonora cada vez más personal, valiente y contundente.

“Mentiras” se construye como un reguetón oscuro y visceral, alejado de los códigos convencionales del género. La producción se apoya en un paisaje sonoro denso y sofisticado donde conviven orquestas y pianos con sintetizadores de corte techno, diseños propios de la música experimental y la fuerza rítmica del reguetón contemporáneo. El resultado es una tensión constante entre lo orgánico y lo digital, entre lo clásico y lo electrónico, que sitúa la canción en un espacio fronterizo y profundamente emocional. En este cruce de lenguajes resuenan influencias de productores como Arca o Sega Bodega, referentes de una electrónica transgresora que prioriza la emoción y el riesgo creativo.

En el plano conceptual, “Mentiras” funciona como una declaración directa y sin concesiones. La canción pone en el centro la necesidad de decir la verdad en un contexto dominado por la mentira, reivindicando la intuición como esa señal interna que alerta de que algo no va bien incluso antes de poder nombrarlo. Laia explora ese territorio ambiguo entre la herida y la lucidez, entre el dolor y una forma de justicia emocional, donde la verdad aparece como la única herramienta capaz de enfrentarse a la falsedad y devolver el control a quien ha sido vulnerado.

Este nuevo single marca el inicio de una etapa creativa más radical tanto en el sonido como en el discurso. Con “Mentiras”, Laia Alcolea reafirma su voluntad de crear música que incomode, que cuestione y que atraviese, abriendo una nueva narrativa artística que promete seguir profundizando en los límites entre lo íntimo, lo emocional y lo político.

Además, el próximo 13 de febrero la artista presentará oficialmente en directo su primer trabajo, El amor no debería doler, en un concierto muy especial en el Café Berlín. Una cita clave que supone un punto de inflexión en su carrera y una oportunidad para experimentar en vivo la intensidad y la honestidad de un proyecto que no deja indiferente. Puedes comprar tu entrada aquí.

Mami K presenta “Tigresa”, un nuevo single que se mueve con soltura entre el urbano latino y el reggaetón, apostando por una energía intensa, actitud firme y un ritmo diseñado para dominar la pista de baile. La canción se construye desde una vibra de club actual, con un enfoque más oscuro y controlado, donde cada golpe rítmico refuerza un mensaje de poder femenino, seguridad y presencia.

“Tigresa” no es solo un tema para bailar, sino una declaración de identidad. A través de una producción contundente y envolvente, Mami K canaliza la fuerza, el instinto y la determinación que simboliza el título del single. La canción conecta con la estética del perreo contemporáneo, pero lo hace desde un lugar consciente, elegante y cargado de intención, lo que la convierte en una propuesta ideal para playlists de reggaetón, urbano latino y voces femeninas que marcan carácter.

El lanzamiento ya ha comenzado a generar una respuesta orgánica notable por parte del público, especialmente en redes sociales. En TikTok, uno de los vídeos vinculados al tema ha superado los 6.000 likes, un dato que refleja un interés real y creciente por la propuesta de la artista, así como la capacidad del single para conectar de forma natural con nuevas audiencias.

Mami K es una artista puertorriqueña que explora el perreo y la música urbana latina a través del movimiento, el ritmo y la identidad. Manteniendo su identidad personal en un segundo plano, su proyecto se centra en el sonido y la atmósfera, priorizando una estética cuidada y una energía de club que se siente tan física como emocional. Esta decisión refuerza el misterio y la fuerza de su propuesta, dejando que la música hable por sí misma.

“Tigresa” forma parte de una nueva etapa creativa que se inició con el single “PERREO” y que continuará desarrollándose con próximos lanzamientos en los que Mami K irá mostrando diferentes facetas de su sonido. Cada entrega amplía su universo artístico, consolidando una narrativa propia dentro del panorama urbano latino actual.

“Tigresa” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Mami K, estar al tanto de sus próximos lanzamientos y descubrir hacia dónde evoluciona su sonido, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

The Merchant’s Last Coin es una canción narrativa que se adentra en los territorios más sombríos de la ambición humana, la identidad y el coste emocional de perseguir el éxito sin límites. Concebida como una balada folk oscura, la pieza construye un relato poderoso y simbólico que funciona como una parábola contemporánea sobre todo aquello que se pierde cuando el deseo de prosperar se convierte en obsesión.

La historia gira en torno a un mercader que realiza un pacto faustiano con Mammon, figura asociada a la riqueza y la codicia. A cambio de oro y prosperidad material, el protagonista comienza a entregar sus recuerdos más valiosos, uno a uno, sin ser plenamente consciente de las consecuencias. El viaje narrativo arranca con su primera transacción, cuando vende “la canción de mi madre por un cofre de oro tan fuerte”, y avanza hacia pérdidas cada vez más íntimas y devastadoras, hasta que no queda nada salvo el eco frío del metal en salones vacíos.

A lo largo de la canción, la letra se apoya en una imaginería rica y evocadora que refuerza su carga simbólica. Balanzas doradas, lenguas de plata, rostros que se desvanecen y cadenas que se cuentan una a una construyen un universo visual cargado de significado, donde el brillo del oro contrasta con la progresiva desaparición de la memoria, la identidad y los vínculos afectivos. Cada imagen actúa como un recordatorio de que el verdadero valor no siempre se mide en riqueza material.

Musicalmente, The Merchant’s Last Coin envuelve esta historia en una atmósfera densa e íntima, propia del folk oscuro, permitiendo que el peso del relato sea el verdadero protagonista. La sencillez instrumental refuerza la sensación de vacío que crece a medida que el mercader acumula riquezas pero pierde aquello que le daba sentido a su existencia.

Más allá de su narrativa, la canción plantea una pregunta directa al oyente: qué estamos dispuestos a sacrificar en nombre del éxito y si el precio que pagamos merece realmente la recompensa. En ese sentido, The Merchant’s Last Coin no solo cuenta una historia ajena, sino que invita a una reflexión profunda y universal sobre las prioridades, la ambición y el valor de la memoria y la identidad en un mundo obsesionado con el logro y la apariencia.

Paula Koops se ha consolidado como una de las figuras más brillantes y reconocibles del llamado nuevo pop español, una generación de artistas que ha sabido recuperar la energía del pop-rock de los años 2000 para adaptarlo al lenguaje, la estética y las emociones de la Generación Z. Con una propuesta directa, divertida y cargada de honestidad emocional, la artista madrileña ha logrado conectar con un público joven que se reconoce en sus letras y en su forma de contar el amor y el desamor sin filtros.

Su salto a la popularidad llegó impulsado por una fuerte presencia en redes sociales, especialmente en TikTok, donde su carisma y cercanía hicieron que su música se viralizara rápidamente. Desde entonces, Paula Koops ha construido una identidad muy definida, tanto sonora como visual. Su estilo bebe del pop energético y melódico, con estribillos pegadizos y letras que hablan de relaciones, rupturas y contradicciones emocionales, todo ello acompañado de una estética inspirada en el instituto americano y el universo cheerleader, una experiencia que ella misma vivió durante su etapa de estudios en Inglaterra.

A lo largo de los últimos años, Paula ha encadenado una serie de éxitos que la han colocado en primera línea del panorama nacional. Canciones como “Línea 7”, “Odio que te quiero” junto a Marmi o “b.o.b.o” se han convertido en auténticos himnos generacionales. En 2024 dio un paso clave en su carrera con el lanzamiento de su primer álbum de estudio, MOTEL, un trabajo que consolidó su discurso artístico e incluyó colaboraciones destacadas como la de Ruslana, ampliando aún más su alcance y visibilidad.

Dentro de este contexto, Barcelona ocupa un lugar muy especial en la trayectoria de Paula Koops. Aunque no se trata solo de un título o una canción aislada, la relación de la artista con la ciudad condal se ha ido fortaleciendo a través de los años, especialmente gracias a sus directos y a una base de fans extremadamente fiel. Barcelona se ha convertido en uno de sus mercados más sólidos, una ciudad donde sus conciertos suelen colgar el cartel de entradas agotadas en cuestión de horas y donde su “familia”, como ella llama a sus seguidores, responde de forma masiva a cada convocatoria.

Esta conexión se ha visto reforzada durante su Novia del Año Tour y con la presentación de MOTEL, giras en las que Barcelona ha sido una parada clave. En sus conciertos en la ciudad, Paula Koops ha contado en varias ocasiones con invitados especiales de la escena catalana, como Miki Núñez, con quien comparte la canción “La Mitad”, o el propio Marmi, reforzando ese vínculo artístico y emocional con el público local. De cara a 2025 y 2026, la artista ya tiene programadas nuevas fechas importantes en Barcelona, incluyendo conciertos en salas emblemáticas como la Sala Apolo y participaciones en festivales de verano, confirmando que su relación con la ciudad sigue creciendo.

La canción “Barcelona” refleja precisamente ese lazo emocional, convirtiendo la ciudad en escenario y refugio tras una historia de amor que aún deja huella. A través de una letra íntima y nostálgica, Paula Koops narra la necesidad de cambiar de entorno para intentar olvidar, aunque el recuerdo persista. Barcelona aparece como un lugar donde nadie menciona a esa persona ausente, pero donde, paradójicamente, se piensa todavía un poco más. El tema conecta con cualquiera que haya buscado en una ciudad nueva la distancia suficiente para sanar, sin conseguir desprenderse del todo de lo vivido.

Con “Barcelona”, Paula Koops vuelve a demostrar su capacidad para transformar experiencias personales en canciones universales, manteniendo ese equilibrio entre ligereza pop y carga emocional que define su propuesta. Su éxito no es casual: responde a una forma honesta de contar historias, a una estética reconocible y a una conexión real con su público, que la ha convertido en una de las artistas imprescindibles del pop actual en español.

“Barcelona” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Paula Koops, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, conciertos, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

David Adavi presenta “Poison (Barcelona Fever)”, un nuevo single que reafirma su identidad dentro del latin dance-pop y que ya se perfila como una de esas canciones diseñadas para sonar alto en noches interminables, pistas de baile y playlists de verano. El tema, ya disponible en todas las plataformas digitales, destila una energía nocturna intensa, marcada por la sensualidad, el ritmo y ese magnetismo peligroso que nace cuando dos miradas se cruzan bajo luces de neón.

Extraído de su álbum “Sweet Sins”, también disponible en streaming, “Poison (Barcelona Fever)” es una declaración de amor a la ciudad de Barcelona y a todo lo que representa su vida nocturna: calor, música a todo volumen, cuerpos en movimiento y una atracción casi inevitable que juega con el riesgo y el deseo. La canción captura ese instante en el que la noche parece no tener fin y todo puede pasar, convirtiendo la experiencia urbana en un relato sonoro vibrante y adictivo.

Uno de los grandes aciertos del single es su carácter multicultural. David Adavi combina inglés con español, catalán y hebreo, reflejando una visión cosmopolita del pop actual y conectando con una generación que vive la música sin fronteras ni etiquetas. Esta mezcla de idiomas no solo aporta personalidad al tema, sino que refuerza su espíritu europeo y global, alineado con las nuevas tendencias del pop bailable.

La producción, a cargo de FMD (Fuchs/Marquesa/Delgado), apuesta por un sonido moderno, pulido y altamente bailable, donde los beats latinos se fusionan con una base dance-pop pensada para el club. El lanzamiento llega además acompañado de contenido exclusivo que amplía el universo del single: el Sagittopia Remix, una versión especialmente orientada a la pista de baile, y “White Light”, un bonus track inédito que no forma parte del álbum y que muestra otra faceta del proyecto.

Con “Poison (Barcelona Fever)”, David Adavi consolida una propuesta que combina sensualidad, ritmo y una narrativa urbana muy reconocible, posicionándose como una voz fresca dentro del pop latino europeo. El tema no solo invita a bailar, sino también a dejarse llevar por esa fiebre nocturna que convierte cada ciudad en un escenario lleno de tentaciones.

“Poison (Barcelona Fever)” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de David Adavi, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, remixes y nuevos proyectos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Ainoa Blanco y Anton Blanco vuelven a encontrarse musicalmente en “Caminito de estrellas”, una colaboración que reafirma la fuerza y la química artística de dos de los nombres más reconocibles del flamenco fusión actual. Ambos artistas han consolidado una presencia muy sólida dentro del panorama musical gracias a su capacidad para unir las raíces flamencas con el pop melódico y los ritmos urbanos y latinos, acumulando millones de visualizaciones en plataformas digitales y una comunidad de seguidores cada vez más fiel.

Aunque cada uno desarrolla su carrera de manera individual, sus colaboraciones se han convertido en un punto de referencia para quienes disfrutan del flamenco contemporáneo. Anton Blanco es conocido por su voz profunda y por su talento para reinterpretar canciones populares desde una sensibilidad flamenca y rumbera muy personal. Temas como “Dame” lo han posicionado como un artista habitual dentro del circuito de la fusión, siempre aportando una carga emocional muy marcada en cada interpretación. Por su parte, Ainoa Blanco destaca por una versatilidad notable, moviéndose con naturalidad entre el flamenco, la bachata y el pop, y conectando con el público a través de canciones como “Palabras de papel” o “La Trampa”, además de versiones que transforman éxitos actuales en relatos íntimos y llenos de sentimiento.

“Caminito de estrellas”, lanzada a finales de enero de 2026, es una de sus colaboraciones más celebradas hasta la fecha. La canción mezcla la esencia del flamenco con una producción pop romántica, creando una atmósfera cálida y cercana que acompaña una letra concebida como una auténtica declaración de amor. A través de metáforas celestiales y un lenguaje poético, el tema habla de una conexión profunda entre dos personas destinadas a encontrarse, utilizando imágenes como dibujar un caminito de estrellas o la alineación de los planetas para expresar la intensidad del vínculo.

Frases como “hoy te voy a pintar un caminito de estrellas para que tú sigas mi huella” o “se van a alinear los planetas porque tú eres mi meta” refuerzan ese tono íntimo y apasionado que define la canción. Las voces de Ainoa y Anton se entrelazan con naturalidad, potenciando la emoción del mensaje y demostrando una vez más por qué su unión artística funciona de manera tan orgánica.

El videoclip oficial ha tenido una gran acogida desde su estreno, destacando por una estética cuidada y una puesta en escena que refuerza el carácter romántico del tema. La imagen acompaña al sentimiento, mostrando a ambos artistas en un registro cercano y sincero, en línea con la sensibilidad que transmiten en sus interpretaciones.

Para quienes descubran ahora esta colaboración, existen otros trabajos conjuntos que confirman la afinidad musical entre Ainoa Blanco y Anton Blanco. Uno de los más destacados es su versión de “Vuela muy alto”, original de Jerry Rivera, donde transforman una salsa clásica en una balada flamenca cargada de emoción, demostrando su habilidad para reinterpretar géneros sin perder identidad.

Ainoa y Anton representan a una nueva generación de artistas que mantienen vivas las raíces del flamenco mientras las fusionan con los sonidos que dominan las listas actuales. “Caminito de estrellas” se presenta además como una canción ideal para dedicar, especialmente en fechas cercanas a San Valentín, gracias a su mensaje directo, romántico y universal.

Si quieres seguir el recorrido artístico de Ainoa Blanco y Anton Blanco, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.