La superestrella internacional Halsey continúa su imparable trayectoria con el lanzamiento de su nuevo y anticipado single, "Drive". La artista, certificada con diamante y nominada al GRAMMY®, demuestra una vez más por qué es una de las fuerzas más innovadoras y resonantes en la música contemporánea, consolidando un legado que acumula más de 50 mil millones de streams y 75 millones de sencillos certificados por la RIAA.

Este nuevo lanzamiento llega en un momento de efervescencia creativa y éxito comercial sin precedentes para Halsey. Su álbum más reciente, The Great Impersonator (2024), debutó en el Nº1 de las listas Billboard Top Rock & Alternative y Top Alternative Albums, extendiendo una racha impecable de álbumes número uno que incluye obras aclamadas por la crítica como If I Can’t Have Love, I Want Power (2021), Hopeless Fountain Kingdom (2017) y el icónico Badlands (2015). Este último permanece como uno de los únicos álbumes en la historia en el que cada canción ha sido certificada como Oro, Platino o Multi-Platino.

El 2025 se ha erigido como un año definitivo. Halsey acaba de concluir su gira más exitosa hasta la fecha, el For My Last Trick Tour, catalogada por Variety como “una de las giras pop más ambiciosas del año”. Pero la artista no se detiene. El próximo 29 de agosto de 2025, los fans podrán sumergirse de nuevo en su obra seminal con el lanzamiento de BADLANDS: Decade Edition Anthology, un homenaje que anticipa la monumental Back To Badlands Tour (2025-2026), una gira que promete ser un viaje épico a través de su discografía.

"Drive" emerge como el faro de esta nueva era, una muestra del poder evolutivo de Halsey para conectar con audiencias globales a través de letras crudas y producción innovadora.

Más allá de la música, el impacto de Halsey como icono cultural y empresaria es igual de profundo. En 2021, fundó about-face, una línea de maquillaje rompedora que celebra la belleza imperfecta y que se ha posicionado como una de las marcas de cosméticos de más rápido crecimiento. Recientemente, anunció el desarrollo de una serie de televisión para Amazon MGM Studios, que ella misma ha creado y está escribiendo. Su talento literario ya está confirmado: su colección de poesía I Would Leave Me If I Could alcanzó la lista de mejores vendidos de The New York Times. Su influencia le ha valido reconocimientos como ser nombrada una de las 100 personas más influyentes por TIME y recibir el Hal David Starlight Award del Salón de la Fama de los Compositores.

"Drive" ya está disponible en todas las plataformas digitales. Para seguir de cerca el viaje musical de Halsey y estar al tanto de todos sus proyectos futuros, puedes seguirla en sus redes sociales.

Tras conquistar el mundo con su 28.º álbum de estudio "MAD!", los eternamente creativos Ron y Russell Mael lanzan el primer EP de su ilustre carrera.

«No queríamos que la locura (Mad!ness) terminara y, animados por la fenomenal acogida de "MAD!", nos retiramos rápidamente pero con intensidad al estudio para grabar una novedad en Sparks: un EP», afirma la banda. «"MADDER!", un complemento del álbum, con cuatro canciones, y es para todos aquellos que aún no están lo suficientemente locos (mad). Esperamos que estas nuevas canciones os lleven a un lugar aún más loco (madder)».

El lanzamiento mundial de "MADDER!" será el 3 de octubre, aunque las copias físicas  estarán a la venta para los fans durante la gira norteamericana de Sparks, que se realizará este mes de septiembre. Pero a partir de hoy ya está disponible el primer avance del EP, "Porcupine". Esta es una canción sobre la obsesión de un hombre por una joven que posee, según Sparks, una personalidad espinosa. Esta historia desarrolla sobre una estrofa con un riff de órgano muy contagioso da paso a unas guitarras pesadas y con fuerza en el estribillo. «Es un puercoespín», canta Russell. ¿Es esta una metáfora o algo mucho más inquietante?

Las otras canciones del EP son "Fantasize", "Mess Up" y "They!". Todo este nuevo material sigue el espíritu pionero del álbum "MAD!", que fue recibido con muy buenas críticas, incluyendo calificaciones de cinco estrellas de Record Collector («...una prueba más de su genio») y el Daily Telegraph («El estándar de oro del pop alternativo»).

La reciente gira europea de Sparks, que hizo una parada por España en el Bilbao BBK Live, incluyó la habitual selección ecléctica de la obra de los hermanos Mael, acompañada de una impresionante producción. Esta también ha sido un éxito rotundo, con el medio inglés Louder Than War describiendo el espectáculo como: «cien minutos de canciones pop enérgicas y emocionantes que abarcan medio siglo». 

Ron Mael (teclados) y su hermano menor Russell (voz) nacieron y crecieron en Los Ángeles. Inicialmente grabaron bajo los nombres Urban Renewal Project y Halfnelson, antes de adoptar el nombre Sparks en 1972. Aunque fueron apoyados por Todd Rundgren y firmaron con el representante de Bob Dylan, Albert Grossman, su estilo único no tuvo gran acogida en Estados Unidos. El éxito llegó cuando se mudaron a Londres, donde triunfaron en 1974 con el icónico sencillo “This Town Ain’t Big Enough For Both Of Us”, desatando la Sparksmanía en el Reino Unido.

A lo largo de las décadas, Sparks ha sido sinónimo de innovación artística, explorando géneros como el art-glam ("Kimono My House", 1974), el neo-charleston ("Indiscreet", 1975, producido por Tony Visconti), el nu-disco ("No.1 In Heaven", 1979, con Giorgio Moroder), el synthpop ("Gratuitous Sax & Senseless Violins", 1994) y la ópera experimental ("Lil’ Beethoven", 2002). Lo constante en su obra ha sido el ingenio de las letras de Ron, la complejidad de sus arreglos y el falsete celestial de Russell.

Su popularidad ha sido impredecible, con éxitos aislados como “When I’m With You”, que encabezó las listas francesas en 1980, o “When Do I Get To Sing My Way?”, que alcanzó el Top 10 en Alemania en 1994. En Estados Unidos, encontraron reconocimiento tardío en los años 80, aunque su culto de seguidores nunca los abandonó. Sparks ha influido profundamente en generaciones de artistas como Joy Division, Duran Duran, Depeche Mode, Björk y Beck. Según Jack Antonoff, “toda la música pop es Sparks reorganizada”. En los últimos años, han regresado al Top 10 del Reino Unido con álbumes como "Hippopotamus" (2017), "A Steady Drip, Drip, Drip" (2020) y "The Girl Is Crying in Her Latte" (2023).

La banda de Toledo Balkan Bomba, conocida por su explosivo cóctel de sonidos balkan-ska, acaba de lanzar su nuevo trabajo discográfico. Se trata del EP "El que quiera peces que se moje el culo", un título que refleja a la perfección la actitud desinhibida y festiva que caracteriza a la formación.

Fundada en 2017, Balkan Bomba se consolidó desde un inicio como un "artefacto lírico, sonoro y detonante". Tras sus álbumes «Xplosivodka» (2017) y «Psychotrip» (2020), la banda regresa en 2025 con seis nuevos temas que potencian una de sus señas de identidad: las letras en castellano. Estos cortes se transforman en auténticos himnos gracias a sus melodías enormemente pegadizas, diseñadas para el baile colectivo.

Sin embargo, el grupo no abandona su esencia multicultural. El nuevo EP mantiene ese toque lingüístico que les caracteriza, incorporando letras en francés e inglés, y fusionando diversos estilos musicales en una propuesta cohesionada y energética. Esta diversidad demuestra la precisión de una banda que funciona como una máquina musical perfectamente engrasada.

Con una trayectoria que los ha llevado a prestigiosos festivales nacionales e internacionales como Viñarock, Iboga Festival o Boomtown Fest (Reino Unido), Balkan Bomba ha cementado su fama como un live act irresistible, una invitación directa al desenfreno extremo donde la fiesta es la prioridad.

El EP "El que quiera peces que se moje el culo" ya está disponible en todas las plataformas digitales. Para seguir de cerca el tour de presentación y los futuros proyectos de la banda, puedes seguirla en sus redes sociales.

La artista soul Bijou acaba de lanzar su nuevo y esperado single, "Moon", una pieza musical que funciona como un faro de vulnerabilidad y fuerza. La canción sumerge al oyente en un paseo introspectivo durante una noche de alma en vela, guiado únicamente por una luz interior.

Con una voz grave, desarmada y cargada de una raw emotion (emoción cruda) característica, Bijou ofrece una narrativa sonora que transita entre el repliegue íntimo y la resistencia silenciosa. "Moon" es la crónica de una errancia lúcida, un viaje personal que explora la sombra con una sorprendente y conmovedora dulzura. La producción, minimalista pero profundamente vibrante, teje con maestría un paisaje de sonidos electrónicos y acústicos que sirve de base perfecta para su potente y sensible voz, creando un murmuro obstinado que se queda grabado en la memoria del que lo escucha.

Las influencias de la artista, que bebe de leyendas como Lauryn Hill, Bob Marley y Rihanna, son palpables en su capacidad para fusionar géneros con audacia. En "Moon", se aprecia la profundidad espiritual de Hill, la grace soul de Arlo Parks y la belleza despojada y etérea de una Sevdaliza. El resultado es una canción que es a la vez íntima e insumisa, un grito de libertad y autenticidad que no necesita alzar la voz para demostrar su poder.

Este lanzamiento llega tras un año 2024 marcado por una significativa colaboración: Bijou unió su talento y energía soul al universo atemporal y genre-bending del icónico grupo francés Nouvelle Vague. Esta colaboración no hizo sino reforzar el perfil de una artista en clara ascensión, cuya profundidad emocional y libertad artística no pasan desapercibidas.

"Moon" ya está disponible en todas las plataformas digitales. Para seguir de cerca el viaje musical de Bijou y estar al tanto de sus próximos proyectos y lanzamientos, puedes seguirla en sus redes sociales.

El fenómeno del flamenco urbano regresa con un tema irresistible que fusiona la esencia gitana con ritmos modernos, consolidando su lugar en lo más alto del panorama musical.

Don José, el artista de flamenco urbano que ha conquistado las redes sociales, acaba de lanzar su nuevo single, “Moviendo El Cu”. Esta canción es una explosión de energía que combina la fuerza del flamenco tradicional con sonidos urbanos modernos, creando una propuesta fresca y vibrante que invita al baile desde los primeros compases. Con un estilo gitano auténtico y un ritmo contagioso, el tema promete ser el próximo himno de las fiestas y reuniones.

No es la primera vez que Don José logra captar la atención del público. Su anterior éxito, “Entre Copas” (también conocido como “A Chulería No Me Ganas Tú”), se convirtió en un fenómeno viral en TikTok, con más de 50.000 videos creados por seguidores y posicionándose en el Top 3 de videos virales en España. Además, en solo dos meses, la canción superó las 500.000 reproducciones en plataformas digitales, demostrando su enorme conexión con la audiencia.

La versatilidad de Don José es una de sus mayores fortalezas. Con un catálogo que abarca múltiples géneros, ha refinado un estilo único donde sus raíces flamencas se entrelazan con su pasión por lo urbano. Grandes éxitos como “Gitana”, “Como Yo No Hay Dos Remix” o “Pon Reggaeton” acumulan millones de visitas y reflejan su capacidad para innovar sin perder autenticidad.

Más allá de la música, Don José también destaca en el mundo de la moda. Ha sido imagen de marcas internacionales como Bluemarble Paris y Tacho Basic, compartiendo cartel con celebridades del calibre de Maluma, Rosalía o Rauw Alejandro. Su influencia trasciende así lo musical para convertirse en un referente de estilo y tendencia.

Como artista independiente y autodidacta, Don José es el creador integral de sus canciones: desde la escritura de las letras hasta la producción en su propio estudio. Su dedicación y talento le han permitido construir una carrera sólida y resonante, sin depender de grandes sellos discográficos.

“Moviendo El Cu” ya está disponible en todas las plataformas digitales. Para seguir de cerca los próximos pasos de Don José y estar al tanto de sus futuros proyectos y conciertos, no dudes en seguirle en sus redes sociales.

Las artistas Nazaret Navarro y Saray Jiménez han aunado talento y versatilidad para presentar su nuevo single en colaboración, "No te Enamores". Se trata de una revisión en clave moderna del mítico tema de La Húngara, uno de los grandes himnos del flamenco pop de la década de los 2000, que ahora regresa con arreglos frescos y un estilo renovado para conectar con una nueva generación de amantes del flamenco fusión.

La producción, a cargo de Manu Sánchez, y la composición original de Francisco Carmona son la base sobre la que las dos cantantes construyen una versión llena de personalidad. Navarro, la cordobesa que se despidió temporalmente de las sevillanas para explorar el pop flamenco con éxito en temas como "Desnudando Mi Alma", aporta su estilo fresco y renovado. Por su parte, Jiménez, la voz jerezana con una trayectoria de más de 20 años conocida por éxitos como "Tu Cara" junto a Galván Real, imprime su característica garra y sentimiento, fruto de su larga experiencia en escenarios y su dominio del flamenco urbano.

Juntas, logran una simbiosis perfecta: la potencia vocal y la autenticidad de Saray se entrelazan con la dulzura y modernidad de Nazaret, dando como resultado una interpretación poderosa y llena de matices que honra la esencia del original al tiempo que le aporta una nueva vida.

Este single representa un emocionante punto de encuentro para ambas en sus respectivas evoluciones artísticas. Nazaret Navarro se encuentra inmersa en su nuevo proyecto, "Penúltimo Intento", bajo la dirección de Manú Sánchez, mientras continúa su colaboración con su productor de siempre, José Mª Fayos. Saray Jiménez, por su parte, prepara el lanzamiento de su próximo single en solitario, "Soledad".

"No te Enamores" ya está disponible en todas las plataformas digitales. Para seguir de cerca el futuro de Nazaret Navarro y Saray Jiménez, así como sus próximos proyectos, puedes seguirlas en sus redes sociales.

La sensación global de la música mexicana, Xavi, sorprende a sus fans con “Niña Mala”, su primera colaboración con el artista español Omar Montes. Grabado durante el verano en Madrid, el tema fusiona la pasión intensa del flamenco con los característicos corridos románticos de Xavi, creando un distintivo himno de flamenco regional mexicanizado.

La letra, juguetona y cautivadora, relata la historia de un romance complicado, mientras refleja la innegable química musical entre ambos artistas. Este lanzamiento se suma a la creciente lista de colaboraciones internacionales de Xavi, que ya incluye a Manuel Turizo, Kapo, Belinda, Neton Vega y más.

Junto a “Niña Mala”, Xavi continúa promocionando su sencillo “Bien Pedos”, recientemente destacado en la lista Latin Summer Anthems de NPR, mientras consolida su posición como una de las voces más versátiles y solicitadas de la música mexicana.

Representando una ola de artistas en el mundo de la música mexicana, el cantautor de 20 años Xavi llega con un sonido refrescante que refleja las diferentes culturas en las que creció - incluyendo R&B, pop y urbano, todo mezclado con sonidos de música mexicana. Ha tenido un comienzo de año increíble, consiguiendo el número 1 en la lista Global 200 de Spotify con su exitoso sencillo “La Diabla”. Después de haber acumulado más de 200 millones de reproducciones en todo el mundo, la canción también ha encabezado las listas de radio Latin Airplay esta semana y se ha colocado en la lista Hot 100 de Billboard. Es el primer artista mexicano-estadounidense que consigue el primer puesto con una canción en solitario y ha batido el récord de ser el único artista mexicano-estadounidense con dos canciones en solitario (“La Diabla” y “La Victima”) en el Top 10 mundial de Spotify. “La Diabla” de Xavi es ahora la canción latina en solitario que más tiempo lleva en el número 1 de la historia de Spotify, superando a “MONACO” de Bad Bunny.

Tras lanzar música de forma independiente, el artista de Phoenix, AZ, llamó la atención de los ejecutivos de Interscope, que lo descubrieron a través de las redes sociales y el resto es historia. Además de posicionarse en las listas de Estados Unidos, Xavi alcanzó el número 1 en las listas de radio latinas y mexicanas con “La Diabla” en enero y ha sido considerado por publicaciones como Rolling Stone, Billboard, NPR y otras como “uno de los artistas más prometedores de la música mexicana” (Rolling Stone). En abril, embarcó en su primera gira como cabeza de cartel, con 26 conciertos en Estados Unidos, Ciudad de México y Guadalajara, en los que vendió más de 45.000 entradas. La gira de presentación fue un gran éxito para el joven artista, que también llevó su eléctrico espectáculo en vivo en Sueños Music Festival de Chicago, IL, en una de sus primeras actuaciones en un festival. Ahora, con el lanzamiento de su álbum de debut, Xavi está aquí para mostrar la excelencia artística y un estilo de interpretación magnético para seguir impulsando el género de los corridos.

Los aclamados artistas puertorriqueños Guaynaa y Farruko lanzaron el sencillo “Hasta el sol de hoy”, un vibrante cover que rinde homenaje a la icónica canción originalmente interpretada por Edgar Joel y Anthony Colón. El sencillo, que marca un hito en la nueva etapa de corte tropical de Guaynaa, ya está disponible en las principales plataformas, incluyendo Spotify, YouTube, Apple Music, SoundCloud y Amazon Music.

“Hasta el sol de hoy” es una fusión de géneros, anclada en el latin/salsa, que promete cautivar a los amantes de la música con su ritmo contagioso y su profundo respeto por el material original.

Guaynaa ha elegido la legendaria pieza como parte de una serie de homenajes a los grandes clásicos del género tropical, para honrar y mantener viva la esencia de obras icónicas. Se trata de una transición única del reguetón a la salsa, donde el artista demuestra su dominio de cualquier género.

“Es más que un cover; es una celebración de la música que nos ha marcado y una oportunidad para reintroducir un clásico a nuevas generaciones, siempre con el mayor respeto por la obra y el talento de Edgar Joel”, afirmó Guaynaa sobre el lanzamiento. El artista se mostró feliz por la colaboración de Farruko y porque los reguetoneros se atrevan a hacer salsa con él y disfruten ese género.

La colaboración entre Guaynaa y Farruko surgió de un encuentro espontáneo, donde ambos artistas compartían sus nuevas propuestas musicales. En ese momento, Farruko se sintió atraído por la esencia de la canción y la visión de Guaynaa, decidiendo aportar su inconfundible estilo al proyecto.

Con “Hasta el sol de hoy”, el artista demuestra su versatilidad y su compromiso con la riqueza cultural de la música latina. Guaynaa también anunció recientemente un concierto muy especial en Puerto Rico, en el Coca Cola Music Hall, el próximo 12 de octubre, donde presentará un nuevo formato que refleja su renovada imagen y reinvención artística. Además, incluirá una serie de homenajes y covers a grandes referentes de la salsa.

Guaynaa, cantante puertorriqueño reconocido por aportar frescura y humor a la música urbana latina. Saltó a la fama internacional con su éxito viral de 2018 “Rebota”, que ingresó a la lista Billboard Hot Latin Songs en 2019. Desde entonces ha seguido evolucionando su sonido bajo el sello Universal Music Latino. Con su estilo juguetón y presentaciones enérgicas, Guaynaa se ha convertido en una de las voces más distintivas de la escena actual del reguetón y el rap latino, con dominio absoluto lo mismo para la salsa que para la cumbia, en piezas complejas de interpretar.

Farruko, cantante puertorriqueño reconocido por su versatilidad dentro del reguetón y la música urbana latina. Alcanzó fama internacional con éxitos como “6 AM”, junto a J Balvin y el fenómeno global “Pepas”, consolidándose como una de las figuras más influyentes de la escena. Con su capacidad para fusionar géneros y reinventarse, Farruko ha marcado tendencia en la música latina contemporánea.

El amor, el deseo y la confusión colisionan en el nuevo y embriagador single de BETS, titulado "Jenny". La canción, un relato sonoro de un affair parisino intenso pero desorientador, ya ha recibido el aplauso de la crítica especializada, con la influyente publicación Noisey resumiendo su esencia en una contundente frase: "Lust in the streets, music to our ears" (Lujuria en las calles, música para nuestros oídos).

"Jenny" se sumerge en la psique de quien se encuentra atrapada en la dualidad de una relación ambigua. Las letras, cargadas de melancolía y una belleza cruda, exploran la sensación de vivir "entre dos lugares" que equivalen a "ningún espacio en absoluto". La narrativa gira en torno a una figura enigmática, Jenny, que representa un amor intenso pero distante, un romance que te hace cuestionar todo: "Desde tu cama vi tan lejos / que ni siquiera sé quién eres / Mi amor parisino".

La producción musical sirve como el lienzo perfecto para esta historia. BETS construye una atmósfera dream-pop y sensual, con bases electrónicas que envuelven y una línea vocal que flota entre la confesión íntima y el desapego, reflejando perfectamente la contradicción emocional de la letra. El puente, con sus líneas "Desde que ella adormeció mi corazón / Desde que nos enamoramos / Desde que lo destrozaste / Lo puse en una canción", revela el acto catártico que da origen al tema.

Pero "Jenny" es una experiencia audiovisual completa. El video, dirigido por el talentoso Andrew Brooke y con la participación estelar de Jade Lennes y Camille Ninat, es una pieza cinematográfica que complementa y amplifica la canción. Las imágenes, capturadas con una estética que mezcla lo vintage con lo moderno, transportan al espectador directamente a las calles de París, convirtiendo la ciudad en un personaje más de esta historia de amor y desencuentro.

Con "Jenny", BETS no solo lanza una canción; ofrece un mood, una sensación, un recuerdo vago de algo que pudo ser y no fue. Es la banda sonora perfecta para esos amores que se viven con intensidad pero se desvanecen en la niebla de la distancia y la incomunicación, encapsulando la frustración y la fascinación de una conexión que permanece justo fuera de nuestro alcance comprensivo.

El single "Jenny" ya está disponible en plataformas digitales. Para seguir de cerca el viaje artístico de BETS y estar al tanto de sus próximos proyectos, síguela en sus redes sociales.

La escena musical internacional vibra con el lanzamiento del tan esperado single y EP debut, "Sweat And Pray", del aclamado guitarrista y vocalista Jimi Fiano. Este trabajo no es solo una colección de canciones; es la culminación de una carrera de más de treinta años, una declaración de intenciones y el inicio de un nuevo y poderoso capítulo para un artista que ha sido pilar del rock en South Florida y cuyo talento ha resonado a nivel nacional.

Fiano, un nombre familiar para los amantes del rock clásico y el sonido sureño, ha forjado su reputación a fuego lento. No es un novato, sino un veterano curtido en los escenarios y estudios de grabación más exigentes. Su currículo habla por sí mismo: ha compartido línea de crédito y actuado junto a leyendas como Bad Company, Foghat, Night Ranger, Mitch Ryder y Cameo. Esta experiencia se filtra en cada nota de "Sweat And Pray", un tema que combina la raíz cruda y auténtica del rock clásico con un brillo moderno y una pasión palpable.

La canción es un viaje sonoro que exhibe las señas de identidad de Fiano: riffs de guitarra ardientes y llenos de feeling, voces soulful que transmiten autenticidad y una presencia escénica que, incluso a través del audio, se siente comandante. "Sweat And Pray" (Sudar y Rezar) sugiere una narrativa de trabajo duro, fe y redención, temas universales que Fiano canaliza con una intensidad convincente.

"Este EP representa mi viaje, toda la energía, las horas y la devoción que he invertido en la música", comenta Fiano sobre su obra. "'Sweat And Pray' es sobre la pasión y la perseverancia. Es la esencia de todo por lo que he trabajado y estoy increíblemente emocionado de compartir esta nueva etapa con mis seguidores".

La recepción no se ha hecho esperar. El EP homónimo, "Sweat and Pray", está ganando una tracción significativa en emisoras de radio de todo el mundo, desde los Estados Unidos hasta Europa, demostrando que el poder de un buen rock bien interpretado no conoce fronteras. Para sus seguidores, el disco ya está disponible en todas las plataformas de streaming digitales principales.

Pero para Jimi Fiano, la música siempre ha sido una experiencia en vivo. Por ello, el lanzamiento de este EP es solo el preludio de lo que viene después: una gira electrizante. Conocido por sus actuaciones explosivas y llenas de carisma, Fiano promete llevar la esencia de "Sweat And Pray" a los escenarios, convirtiendo cada concierto en un evento único e inmersivo.

"Ver a Jimi en vivo es más que un concierto; es una experiencia", afirma un promotor que ha trabajado con él. "Tiene la rara capacidad de conectar con cada persona en la audiencia, haciendo que un recinto grande se sienta íntimo. Con este nuevo material, su show promete ser aún más potente."

Con una carrera construida sobre la pasión, la autenticidad y un talento en bruto, Jimi Fiano no solo presenta un nuevo single; reclama su lugar en el panorama del rock contemporáneo con la autoridad de un maestro. "Sweat And Pray" es el himno de un hombre que ha sudado la camiseta por la música y ahora ofrece el fruto de su esfuerzo para que todos lo celebremos.

El EP "Sweat and Pray" de Jimi Fiano ya está disponible en todas las plataformas digitales. Prepárense para la gira y experimenten el renacer de una leyenda.

El artista Rockvyn acaba de lanzar su nuevo single, "Lovgorithm", una potente crítica musical a las aplicaciones de citas y la creciente digitalización de las relaciones humanas. La canción, descrita como un himno de rock moderno, ya está disponible en todas las plataformas digitales.

Desde su línea inicial, "Primero te muestran una cara / luego te muestran un nombre / luego te dicen que es el destino — pero todo es solo un juego", el tema establece una postura crítica sin ambages. "Lovgorithm" se caracteriza por sus guitarras abrasadoras, coros antológicos y una energía que canaliza la rabia y la frustración de una generación que anhela conexiones auténticas en un mundo de perfiles digitales.

El estribillo de la canción, "No swipe, no spark / No fire in the dark" (Sin swipe, no hay chispa / Sin fuego en la oscuridad), funciona como un gancho instantáneo y un manifiesto contra la superficialidad de las relaciones mediadas por algoritmos.

Con una duración precisa de 3:19, el tema está optimizado para su difusión radiofónica y su consumo en streaming. Rockvyn, conocido por su sonido introspectivo y atmosférico, adopta aquí un estilo más explosivo y directo para transmitir su mensaje de rebelión contra la deshumanización del amor.

El cantante y compositor motrileño convierte la nostalgia de la despedida en una emotiva balada que mezcla pop contemporáneo con sonidos acústicos, disponible ya en todas las plataformas.

Motril, España – Hezu Romero, el artista granadino que comenzó su carrera musical de manera autodidacta tocando la guitarra española en su barrio, acaba de lanzar su nuevo single titulado “500 KM”, una pieza íntima y personal que narra las emociones que vivía cada vez que debía separarse de su pareja, residente en Valencia, para regresar a su Motril natal.

La canción, que funciona como un diario sonoro de esos viajes de despedida, refleja la evolución artística de Romero y su capacidad para transformar vivencias cotidianas en historias universales. Con una producción moderna que no renuncia a la calidez acústica de sus inicios, “500 KM” combina melodías nostálgicas con una letra sincera que conecta directamente con quienes han experimentado el amor a distancia.

“Cada kilómetro que me alejaba de Valencia era un viaje emocional”, comenta Hezu. “Esta canción es un homenaje a esos momentos de soledad en la carretera, pero también a la certeza de que el amor supera cualquier distancia”.

El tema no solo confirma el crecimiento de Hezu Romero como compositor, sino también su madurez productiva. Tras formarse en producción musical y lanzar su primer tema en solitario en febrero de 2022, el artista ha publicado nueve canciones en menos de un año, consolidando un sonido propio que bebe tanto de la tradición musical española como del pop actual.

“500 KM” ya está disponible en todas las plataformas digitales. Los seguidores del artista pueden seguir de cerca sus próximos proyectos y fechas de conciertos a través de sus redes sociales.

SOULFÍA, ganadora de los premios Pulsar como Mejor Artista Nueva y Mejor Artista de Música Urbana, acaba de lanzar su nuevo single “na de na”, una track que profundiza en su característica fusión de géneros y en su capacidad para convertir vivencias personales en himnos generacionales.

La canción, cargada de emotividad y actitud, desmonta las falsas promesas de una relación basada en la fantasía. Con versos contundentes como “Montaste una película de que tú eras diferente” y un estribillo que se clava en la memoria (“Na de na / Na de na nada / Mas allá / De tu piel para mi no hay na nada”), SOULFÍA construye un relato de empoderamiento frente al engaño.

La producción mantiene el sello distintivo de la artista: beats sensuales que se entrelazan con melodías de neo soul y letras afiladas que destilan tanto vulnerabilidad como fuerza. “na de na” es una muestra más de la evolución de una artista que ha sabido conectar con un público masivo sin renunciar a su esencia más íntima.

Con este lanzamiento, SOULFÍA reafirma el talento que ya había dejado claro en trabajos anteriores como el EP “Génesis” y el disco “Brujerías de cantina”, proyectos que le valieron el reconocimiento unánime de la crítica y sus seguidores.

“na de na” ya está disponible en todas las plataformas digitales. Para estar al tanto de los próximos proyectos y presentaciones de SOULFÍA, síguela en sus redes sociales.

El panorama de la canción de autor en español tiene un nombre nuevo que resuena con fuerza: Maela Ferrero. Con apenas 20 años, esta joven compositora ha demostrado una madurez artística inusual, que la llevó primero a ser finalista en el prestigioso Certamen Nacional de Canción de Autor y, más recientemente, a alzarse victoriosa en el concurso televisivo de Castilla-La Mancha "Mamá Quiero Ser Artista" junto a Luisda. Ahora, tras consolidar su presencia con incontables actuaciones, Ferrero se prepara para dar su próximo gran paso: el lanzamiento de su nuevo single, "Bandera Blanca".

La canción, que ya ha sido presentada en sus intimistas conciertos, es un fiel reflejo del universo musical que Maela está construyendo. Con letra y música propias, "Bandera Blanca" es un viaje sensorial donde las emociones y las historias honestas toman el protagonismo. La producción, a cargo de Alberto Vela, sabe acompañar con delicadeza la voz serena y expresiva de Ferrero, creando una atmósfera acogedora que sumerge al oyente en su mundo.

Un sello distintivo en la obra de Maela Ferrero es la omnipresencia del mar. No como un simple escenario, sino como un elemento narrativo más, casi un personaje que influye en sus historias. En "Bandera Blanca", este ambiente marino vuelve a tomar un peso fundamental, tejiendo una metáfora extensa sobre la calma tras la tormenta, la rendición pacífica o la búsqueda de paz interior. Su música, por tanto, no solo se escucha; se siente y se visualiza, transportando a playas tranquilas y atardeceres serenos.

Maela no es una artista de estudio. Su talento florece en el cara a cara con el público. Actualmente inmersa en una ronda de conciertos en las salas más emblemáticas de Madrid, ya ha conseguido un hito envidiable: el SOLD OUT en sus dos primeros conciertos en venues tan significativas como Búho Real y Libertad8. Estos éxitos no hacen más que confirmar la conexión única que ha sabido construir con su audiencia, una relación de complicidad y honestidad que sienta las bases de una trayectoria sólida y prometedora.

Maela, natural de Madrid, ha consolidado su carrera en la capital sin olvidar el lugar que la vio nacer profesionalmente, la televisión de Castilla-La Mancha, donde es una figura frecuente y donde todo comenzó.

Para aquellos que aún no han tenido la oportunidad de verla en vivo o para los que quieren revivir la experiencia, la artista tiene confirmado un nuevo concierto. Será el próximo viernes 3 de octubre a las 21:00 horas en la Sala Búho Real de Madrid. Un evento que, tras el éxito de la primera vez, promete volver a llenarse de la magia íntima que caracteriza sus shows.

"Bandera Blanca" ya está disponible en todas las plataformas digitales. Para seguir de cerca el camino de esta increíble artista y estar al tanto de todos sus futuros proyectos y lanzamientos, puedes seguirla en sus redes sociales.

El artista venezolano LUISBY inicia una nueva y audaz etapa musical con el lanzamiento de su más reciente sencillo, “Un Año”, una vibrante fusión de ritmos afrobeat y esencia tropical que rinde homenaje a la fortaleza y belleza de las mujeres de su país natal.

Con una energía contagiosa y una conexión única con su público, LUISBY consolida su versatilidad artística en este tema que marca un antes y después en su carrera. “Un Año” no es solo una canción bailable; es un emotivo reconocimiento sonoro que combina percusiones irresistibles con una letra conmovedora, diseñada para convertirse en el himno del verano.

“Este tema representa un paso importante para mí. Quise explorar nuevos sonidos y llevar un pedazo de mi tierra a través de ritmos que nos hagan bailar y sentirnos bien”, comentó LUISBY. “La recepción de #LaMantilla ha sido increíble, y su apoyo me motiva a seguir creando música que conecte con la gente”.

Desde enero de este año, LUISBY ha mantenido una agenda imparable de lanzamientos, demostrando su compromiso con la escena musical y con sus seguidores. Su crecimiento es evidente: llena escenarios en vivo y ha incrementado su relevancia tanto en Miami como en Venezuela, mercados donde su presencia artística no deja de expandirse.

El futuro del talentoso venezolano se vislumbra prometedor. Actualmente, se encuentran en preparación colaboraciones internacionales que elevarán su propuesta musical a un nuevo nivel, posicionándolo como una de las voces más dinámicas y con mayor proyección de la música latina actual.

“Un Año” ya está disponible en todas las plataformas digitales. Para conocer más sobre LUISBY y estar al tanto de sus próximos proyectos y presentaciones, síguelo en sus redes sociales.

El cantante bachatero Johandy ha logrado un nuevo hito en su carrera artística con su reciente gira por la West Coast de Estados Unidos, bajo el respaldo de la discográfica EQS Música un recorrido que lo llevó a presentarse en ciudades clave como Los Ángeles, Pomona, Healdsburg y San Diego, donde fue recibido con entusiasmo por cientos de fanáticos que corearon cada una de sus canciones.

La gira no solo marcó una serie de presentaciones exitosas, sino que representó un momento decisivo en el crecimiento internacional de Johandy, quien se ha ido posicionando como una de las voces más frescas y prometedoras dentro de la industria de la bachata. Su estilo, cargado de sentimiento y energía, ha sabido conectar con un público diverso que valora tanto la tradición del género como la innovación que el artista propone en cada una de sus producciones.

En cada ciudad, la respuesta del público superó las expectativas. Desde la calidez de los escenarios más íntimos en Pomona y Healdsburg, hasta la vibrante energía de Los Ángeles y San Diego, Johandy logró conquistar audiencias que, aunque en muchos casos eran nuevas para su música, salieron convencidas del talento y autenticidad del artista. Este fenómeno refleja el poder universal de la bachata y cómo, en manos de intérpretes como él, sigue rompiendo fronteras culturales y generacionales.

La gira también consolidó la relevancia de sus más recientes lanzamientos musicales, los cuales han tenido una gran aceptación en plataformas digitales y radios especializadas. Con letras cargadas de romanticismo, arreglos modernos y un sello vocal inconfundible, Johandy ha sabido darle frescura al género sin perder la esencia que lo caracteriza. Este balance ha sido clave para captar tanto al público joven que busca novedades, como a los amantes de la bachata tradicional que encuentran en él un digno representante.

Más allá de los números y la recepción de cada show, lo que se percibe con claridad es que Johandy está construyendo una trayectoria sólida. Su paso por la Costa Oeste norteamericana no solo fue un escaparate para su talento, sino también un testimonio de la expansión de la bachata como género global. El impacto de esta gira, sumado a la constancia de su trabajo, abre la puerta a nuevos escenarios internacionales y lo coloca en la mira de productores, promotores y colegas de la industria que reconocen en él a un artista en pleno ascenso.

Con esta experiencia, Johandy reafirma que la música no conoce límites y que su voz seguirá cruzando fronteras. El Its Undeniable Tour 2025 no es solo un logro en su agenda de conciertos, sino un símbolo de crecimiento, conexión y proyección internacional que marca un antes y un después en su carrera artística.

Amann & The Wayward Sons no dejan de sumar kilómetros y méritos. La banda comandada por Pablo Amann ha puesto ya en circulación "The Drifter", el tercer single avanzado de lo que será su quinto álbum de estudio, un trabajo conmemorativo por su décimo aniversario que verá la luz a principios de 2026.

En esta nueva entrega, los bilbaínos afianzan esa exploración sonora que se ha convertido en su seña de identidad. "The Drifter" es una poderosa muestra de la maestría con la que el grupo funde el Blues, el Rock y el Soul, incorporando esta vez atmósferas propias del Hard Rock y la Psicodelia para crear un viaje introspectivo de una profundidad inusual. La canción explora el significado de vivir por y para la música, capturando la esencia del nómada y el vagabundo a través de una narrativa en primera persona que reflexiona sobre el autodescubrimiento y la búsqueda de un lugar al que pertenecer.

Las letras, cargadas de emotividad, expresan sentimientos de desarraigo y una lucha interna, enfatizando la idea de una búsqueda perpetua de identidad. La música, magistralmente producida por Emi Bares y grabada en Submarino Records de Bilbao, teje un ambiente sonoro envolvente que complementa a la perfección esta reflexión personal, demostrando que el proyecto va disparado hacia arriba.

"The Drifter" es un tema que destaca por la potencia de una formación perfectamente engrasada. Pablo Amann lidera con su guitarra y su voz principal, mientras Israel Santamaría aporta una base de teclados y coros esencial. La sección rítmica, con Jon Ander Madina en el bajo y Txema Arana en la batería —ambos en coros—, proporciona una base sólida y contundente que dota a la canción de su característico groove.

Mientras los fans disfrutan de este nuevo adelanto, Amann & The Wayward Sons continúan sumando fechas a su exitoso "Shake It Like Hell Tour 2025”, la gira europea que promociona "When The Day Goes Slow”, su último trabajo discográfico publicado hasta la fecha. La banda demuestra así un ritmo imparable, tanto en la carretera como en el estudio, añadiendo kilómetros a sus espaldas y preparando lo que será, sin duda, uno de los discos más relevantes de su carrera.

Fran Cruz presenta “Corazón decente”, segundo anticipo de “Lo Que Soy”, su álbum debut en solitario que verá la luz a finales de año. Este trabajo, marca el inicio de una nueva etapa artística tras más de 30 años de carrera recorriendo escenarios por toda Europa, un bagaje musical marcado por la versatilidad con un proyecto sólido que se apoya en la autenticidad.

Con el lanzamiento de “No Puedo”, primer single del debut en solitario del artista sevillano, el solista profundizaba de forma directa en el maltrato psicológico; ahora, con el sencillo “Corazón decente”, el artista reseña un autorretrato honesto y descarnado, reconoce defectos, excesos y contradicciones, pero también se reivindica como alguien con integridad, a través de versos que mezclan orgullo y vulnerabilidad, Fran Cruz expone la vida de un soñador, hedonista y luchador que, pese a la incomprensión, los resentimientos, y el paso del tiempo, sigue buscando dejar un legado humilde pero auténtico.

En esencia, es la confesión de alguien que aprendió a golpes, que vivió intensamente, y que hoy se define con franqueza como un hombre imperfecto, pero genuino. Las canciones de “Lo Que Soy”, con una temática que se aproxima sin tapujos a lo trascendental, comparte vivencias, heridas y reflexiones con letras realmente honestas y una producción musical cuidada al detalle.

A lo largo de su amplia carrera musical, Fran Cruz ha formado parte de bandas emblemáticas del panorama sevillano entre la década de los 90 y los 2000, como Pancho y los Villa y La madre que los parió; con ambas, llegó a grabar un álbum. Esa experiencia colectiva ha forjado su identidad artística que ahora se manifiesta con voz propia debutando como solista.

“Lo Que Soy”, ha sido grabado entre Suiza y España, y en él, el sevillano asume un papel multifacético: productor, programador, guitarrista, bajista y vocalista. Cuentas con colaboraciones de músicos internacionales como el guitarrista británico Jack Gardiner y el teclista holandés Tom Ansink, quienes aportan una dimensión única al disco. Una sinergia que se traduce en una entrega extraordinaria con influencias eclécticas pero equilibradas.

Musicalmente, Fran Cruz se nutre de la música anglosajona que marcó sus inicios, al igual que conecta con compositores como Bach, Mozart o Rachmaninoff, puesto que tiene una sólida formación clásica que logra durante sus estudios de violín en el conservatorio; un hecho que imprime profundidad, sensibilidad y una visión singular a sus canciones.

Dos generaciones, dos trayectorias dispares y una misma pasión: la música. Álvaro Soler, el embajador global del pop latino con más de cinco mil millones de streams y 150 discos de oro y platino, se alía con la joven sensación sevillana Marta Santos en un dueto que promete conquistar el verano: "Lo Que Pasó, Pasó". Esta colaboración no es solo un cruce de caminos, sino un feliz encuentro entre la experiencia de un gigante de la escena internacional y la frescura de una artista que ha conquistado las redes desde la autenticidad.

La canción, una mezcla irresistible de la energía latina característica de Soler y la vulnerabilidad vocal de Santos, se presenta como un himno sobre el perdón, la reconciliación y la valentía de dar otra oportunidad al amor. Con una base acústica contemporánea que evoluciona hacia un ritmo vibrante y apto para las pistas de baile, "Lo Que Pasó, Pasó" encapsula a la perfección la esencia de la nueva ola del pop en español.

La letra, poética y llena de metáforas, habla de un amor que merece ser reescrito. Frases como "En la siguiente vida sería carpintero / Pa' hacerte una casita en una esquinita en el cielo" o "¿Y si cambiamos la historia? / ¿Y si lo hacemos mejor?" reflejan un anhelo universal por enmendar los errores del pasado, un sentimiento que ambos artistas interpretan con una química palpable.

Para Álvaro Soler, este lanzamiento forma parte de su nueva etapa, que él mismo describe como "audaz, moderna, madura y curiosa". Tras años de éxito incontestable, el artista multinstrumentista y coproductor de sus temas sigue evolucionando su sonido, explorando nuevas texturas sin perder la esencia que le ha convertido en un fenómeno global.

Por su parte, Marta Santos, la joven de Villanueva del Río y Minas que comenzó grabando covers con su guitarra y su móvil, vive un sueño. De acumular millones de reproducciones con sus versiones y su éxito original "Algo Sencillito" (disco de oro), a firmar con Warner Music Spain y ahora, compartir créditos con uno de los artistas latinos más importantes de Europa. Su voz, dulce y llena de sentimiento, se entrelaza a la perfección con la de Soler, demostrando que su talento está a la altura de las grandes ligas.

"Lo Que Pasó, Pasó" es más que una canción; es una declaración de intenciones, un recordatorio de que las mejores historias a veces merecen un segundo capítulo. Ya está disponible en todas las plataformas digitales. Para no perderse ningún detalle de este emocionante lanzamiento y los futuros proyectos de Álvaro Soler o Marta Santos, síguelos en sus redes sociales.

María Parrado, la voz prodigio que conquistó España en 'La Voz Kids' y que no ha dejado de crecer desde entonces, presenta su nuevo single: “Hasta que el sol se apague”. Se trata de una emotiva canción que habla de un amor que quiere durar para siempre, hasta el fin de los tiempos, reflejando la madurez artística de una cantante que ha sabido evolucionar desde sus inicios televisivos hasta convertirse en una de las voces más prometedoras del pop español.

La canción, una balada pop con una producción impecable y melodías contagiosas, muestra a una María Parrado más segura que nunca, con una voz que transmite una emocionalidad arrolladora. La letra, que habla de vivir el amor intensamente y de no querer que se acabe "hasta que el sol se apague y la luna se encienda", conecta directamente con el público que ha seguido su trayectoria desde que ganara la primera edición del talent show en 2014, en el equipo de Malú.

Con una carrera que comenzó cuando era apenas una niña, María Parrado (Chiclana de la Frontera, 2001) ha ido sumando éxitos y experiencias que la han llevado a trabajar con algunos de los nombres más importantes de la música española. Desde su disco tributo a Pablo Alborán –que alcanzó el disco de oro en pocas semanas– hasta su álbum "Abril" (2016) o "Alas" (2018), donde colaboró con artistas como Antonio José o Cepeda.

En 2022, con "Conmigo", la artista demostró una evolución notable, no solo como intérprete, sino también como compositora, coescribiendo temas junto a Diego Cantero (Funambulista), Andrés Suárez, Carlos Ares y Gonzalo Hermida, entre otros. Ahora, con “Hasta que el sol se apague”, María Parrado sigue explorando nuevos sonidos dentro del pop y reafirmando su lugar en la escena musical.

Disponible en todas las plataformas digitales, este nuevo single es una muestra más del talento de una artista que no deja de sorprender y que promete seguir regalando música con alma. Para estar al tanto de todos sus proyectos y novedades, no dudes en seguirla en sus redes sociales.