Con casa llena en Bogotá, los artistas caleños brindaron un espectacular show con muchas sorpresas, amor, vestuarios y buena música, en donde el tema "familia" se dio en todo su esplendor.
Desde su telonera, hasta el acompañamiento de uno de sus perritos en tarima causó un gran impacto en su fanaticada.
Los cantantes Greeicy y Mike llenaron de alegría y música a todos los asistentes del evento.
Amantes Tour realizará su segunda fecha hoy en Cali.
Bueno, bueno, bueno…¡QUE YA TENEMOS AQUÍ EL NUEVO DISCO DE GEMELIERS! Hoy ha salido a la venta “Gracias” el tercer disco de Daniel y Jesús, los gemelos más queridos de nuestro país. Desde que anunciaron la portada de disco, las redes no paraban de arder, todos queríamos saber más, escuchar nuevos temas y la espera ya ha terminado.
Tal y como prometí por twitter (podéis seguirme en @Maite_ElFiesta) a algunas de vosotras, que me lo pedisteis, os traigo un repaso del nuevo disco de los chicos. Esto es lo que sus canciones me han inspirado a mi. ¡Veamos si compartimos opinión!
Conocimos su primer single Gracias, que da nombre también al propio disco, y es todo un homenaje a sus fans, videoclip incluido. Con esa canción, les agradecen todo lo que hacen por ellos, las ganas que tienen de continuar con esta aventura porque el apoyo de sus seguidores hace que todo merezca la pena. “No he perdido la esperanza durante todo ese tiempo. Tu me das la fuerza para seguir. Prisas,noches sin descanso, de un hotel a otro aeropuerto, México, Milán, Sevilla o Madrid”.
Ahora es una canción de amor, en la que describen cómo es haber encontrado el amor correspondido, cómo te hace feliz y cómo te cambia la perspectiva de la vida cuando estás enamorado. “Volverás a plantar en tu almohada tantos sueños que ayer te robaron la esperanza (…) ahora que me quieres como yo te quiero”.
Cuando escuché Soy yo percibí ese tono tan conocido en las canciones de amor italianas que escuchaban mis padres y supe que me iba a gustar, ¿A quién no le gustaría que le cantaran esta canción estos dos chicos? Soy yo es esa canción en la que tu chico te grita a los cuatro vientos que es ÉL, que es él quién tiene que estar contigo, quién te alegrará, quién te ayudará en los malos momentos. ¡Están gritándote que no te vayas, que no busques más, que ellos están ahí para ti! “Sabes que soy yo el que cura las heridas de tu corazón, el que seca cada lágrima, soy la luz de tu vida”.
En Qué es lo que te faltaba los chicos hablan de esa conversación en la que piden una explicación cuando termina una relación. Han sentido que han jugado con sus sentimientos y no entienden qué más necesita su chica si le han dado todo lo que tienen y todo lo que le podían dar. “Exactamente cuanto te he fallado, dime por favor si acaso alguna vez, quizá, te interesó mi pobre amor”.
Si te vas nos muestra a dos chicos que se sienten traicionados por la persona con la que tenían una relación y, simplemente, le piden que si se va lo haga sin hacerles más daño, que bastante les ha hecho ya… “Cierra despacio si te vas, no quiero oír como sales de mi vida, deja tu adiós en el buzón”.
¡Qué de amor nadie se muere! Las rupturas pueden ser muy dolorosas y necesitan tiempo para curarse pero solo hay que darle tiempo al tiempo. Sobreviví habla de la superación de un amor, que dolió mucho, pero que ya no duele más. “Sobreviví, tu nombre es una herida que ya curé, tus labios la mentira que al fin ya olvidé”.
Escúchame rompe con la temática de las anteriores canciones y ¡habla de un nuevo amor!. Los chicos le cantan a su nueva chica y le dicen que quieren que se quede con ellos y que sienta lo que él siente. ¡Lo quieren todo de ella! “Quédate conviértete en el sol que brilla en mis mañanas, siénteme, hagamos el amor en tu ventana, jura que no soltarás mi mano…”.
¡Con los primeros acordes me ha venido a la cabeza los temas de The Script! Tan solo una caricia desvelan lo que necesitas hacer para que caigan rendidos a tus pies. ¡No te la pierdas! “Si quieres que vuelta otra vez (…) si quieres que muera por ti, ya sabes lo que hacer”
Ya sabéis que la gente tiene la costumbre de hablar de lo que no sabe, de meterse donde no le llaman y de sentirse con derecho a opinar de las relaciones de los demás. Malas lenguas habla de este deporte universal que todos quieren practicar, de las personas que se meten allá dónde nadie les ha invitado y de las fuerzas que entran de ser todavía más felices aún por darles en las narices. “Si lo único importante aquí somos tú y y, no los demás más, las malas lenguas no podrán con este amor tan de verdad, las malas lenguas que sabrán”.
No es así podría ser (no lo he visto confirmado en ninguna parte, así que señalo que NO es oficial, si no una opinión particular por si acaso), una versión/adaptación de Catching feelings de Justin Bieber. Ya sabemos que los gemelos, sobre todo Jesús, son muy fans del cantante canadiense así que podría ser un homenaje a Justin. Y si no, las referencias son palpables ¡Y a mi me encanta! “Si pensaste que mi vida no tendría sentido sin ti, no es así”.
Y por último, Bendito amor vuelve a traernos el sonido más bailable de Gemeliers, ese al que estábamos acostumbrados en sus anteriores singles.En este tema, le cantan a esa persona a la que quieren lejos porque el dolor que les provoca no compensa los buenos momentos. “Me enamoré de un amor equivocado, y no es la primera vez, varias veces me ha pasado”.
¿Y vosotros ya lo habéis escuchado? Tengo que confesar que me ha sorprendido gratamente. Su evolución es palpable y considero que, aunque mantengan su esencia, este sonido más maduro puede hacerles llegar a un público más amplio. De momento, me quedo con Ahora, Soy yo, Malas lenguas y No es así. Sin duda, chapó por ellos.
UMEN propone un Pop Lgbtq+ electrizante, con grandes influencias del Pop internacional y del RnB de los 2000. Este 2023 debuta con sus primeros sencillos y se presenta como un proyecto divertido y dulce como el algodón de azúcar: una vez lo pruebes, no podrás escapar de su adictivo sabor. Es la juventud, la picardía y la inocencia personificadas. Una diva con un corazón crujiente por fuera y delicioso por dentro.
"BEBO MUCHO" es el punto de partida del universo de UMEN. Divismo, ganas de pasarlo bien con todos y alcohol se dan la mano en este tema. Con influencias de referentes del Queer pop internacional como Sam Smith, Vincint, Bronze Avery y Years and Vean.
Dsvismo, ganas de pasarlo bien con todos y alcohol se dan la mano en este tema. Esto y mucho más en "BEBO MUCHO", el primer single de UMEN. Con influencias de referentes del Oueer pop internacional como Sam Smith, Vincint, Bronze Avery y Years and Years.
"Bebo Mucho" ya está disponible para streaming en este enlace.
Desde ElFiesta.es te damos la bienvenida a una edición muy especial de “El Fiesta”, nuestra revista digital oficial, con motivo del 18 aniversario de ElFiesta.es
Dieciocho años compartiendo la pasión por la música merecen celebrarse por todo lo alto, y lo hacemos con una entrega cargada de contenido exclusivo, entrevistas y noticias que no te puedes perder. A lo largo de estos años hemos crecido junto a artistas, fans y profesionales del sector, y esta edición representa el espíritu de todo lo que hemos construido juntos: un espacio abierto, diverso y lleno de ritmo.
En esta edición especial te presentamos entrevistas exclusivas a Gold Stars, Clara Lema, Laura West, Dama, El Xhino de la Isla, Raúl El Balilla, Triana, Ismael, Sombra & Luz, María Oliva, Thalía Garrido, Eloise Viola, Malu Salgado, Caluu C., Carla Sanz, Ariann, Alexis Salgado y Alexa Lace. También conversamos con Mark Oliveira, locutor, DJ, productor y alma de Radio FM 100, así como con Ismael Garzón, responsable de la cuenta de Instagram especializada en música @ig_publi_music. Voces que, desde distintos puntos del panorama musical, nos ofrecen su visión, sus historias y sus proyectos más recientes.
Hemos querido dar también un espacio muy especial a quienes viven la música desde el otro lado: los fans. En esta edición hablamos con seguidores de Lucía de la Puerta, Melfi, Andreina Bravo y Aida Redru, que nos comparten con emoción cómo apoyan a sus artistas, qué les inspira de ellos y cómo forman parte activa de sus trayectorias. Porque sin el calor del público, ninguna carrera musical estaría completa, y celebrar estos 18 años también significa reconocer a quienes siempre están ahí, con pasión y fidelidad.
En el apartado de noticias, podrás ponerte al día con la actualidad de Belén Aguilera, Malañoso, Mounts, Maluma, Laura West, J Salez, Efecto Mariposa, Moncadita, Myke Towers, DSK, Gold Stars, Ioana Ignat, Don Jose, Shakira Martínez, Chloe Saint, Gynebra, Atk EPOP, Ciarra Cmphany, Alex Zind, Chema Rivas, Sol Rod, Rina DG, Inessa, Fanny Lu, Viola&Rosa, Ana Mena, Sebas Garreta y Dani J, Ivana, Jesse & Joy, Cris Mone, Marta Cancela, Mar Lucas, Golden, Ana Mena Alhambra, Danilo Orsini, Álvaro Soler, Clara Lema, Tony Lozano, A. Sanz y C. León, Dama, DSK, Omar Montes, Morat y Bombom Barreto. Una selección cuidada de noticias relevantes, novedades discográficas y lanzamientos que no puedes dejar pasar.
También encontrarás los carteles de giras y conciertos de muchos de tus artistas favoritos, para que no te pierdas ninguna de sus presentaciones en vivo. Queremos que estés al tanto de todos los eventos, fechas importantes y escenarios donde se respira música. Porque la experiencia de un directo es única, y sabemos lo especial que es vivirla y compartirla.
Gracias por acompañarnos durante estos 18 años llenos de música, emociones y grandes momentos. Esta revista es también un homenaje a todos los que habéis formado parte de este viaje: artistas, fans, medios colaboradores y el equipo que día a día trabaja para mantener viva esta plataforma. Esperamos que disfrutes esta edición tan especial de “El Fiesta” y que sigas caminando con nosotros muchos años más. Puedes enviarnos tus sugerencias y comentarios a través de nuestra web ElFiesta.es o escribiéndonos a Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo..
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En esta entrega te presentamos las entrevistas a Nassim y Gynebra, Aransa, Alba Soler, Coco JR, Lau Rey, María Vasán, Lorena Elle, Onintze, Danna ezly, Noelia Álvarez, José Tena, Mafer González, Fran Triguero, Irene Eneri, Rausman, Esther Luna, Eduardo Galán, Jeannpy, Shara Pablos, Héctor Xpinoza y Javier arrogante.
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Además de novedades, noticias de interés sobre artistas conocidos y presentar a artistas os traemos noticias de Nuestros Colaboradores, Carlos Olvez, Carla Sánchez, Maite, Eva Ladevesa, Érika y Patricia C.
Sergio Hortelano inicia una nueva etapa artística con el lanzamiento de “Feliz sin ti”, un single que marca un giro claro en su sonido y en su actitud creativa. Con una base pop latino electrónica, más bailable y luminosa, el artista apuesta por la superación, el optimismo y las ganas de disfrutar, sin perder la honestidad que ha caracterizado su trayectoria desde sus inicios. Tras un regreso firme a la música en 2023 y una evolución constante como compositor e intérprete, Sergio se encuentra en un momento de crecimiento, exploración y conexión directa con el público. En esta entrevista, profundizamos en el significado de “Feliz sin ti”, su camino hasta aquí y todo lo que está por venir.
“Feliz sin ti” supone un cambio claro de sonido respecto a tus trabajos anteriores. ¿En qué momento sentiste que necesitabas dar este giro hacia un pop latino electrónico más bailable y enérgico? Cuando acabé el año pasado la promoción de Soñando fuerte, pensé que era el momento de escribir y componer una nueva canción, pero tenía que ser algo diferente a lo que estaba haciendo hasta ahora, tanto en sonido como en letra. Tenía ganas de algo más movido, para hacer bailar a la gente, y de ahí ha salido “Feliz sin ti”.
La canción habla de superar una ruptura desde una actitud positiva y liberadora. ¿Qué parte de esta historia nace de una experiencia personal y qué parte surge desde la reflexión artística? Los artistas muchas veces hablamos en las letras de las canciones de nuestra propia vida, pero también hay veces que podemos hablar para otros. Este tema en concreto no es una historia personal mía, sino que lo es de alguien cercano a mí, de un amigo.
Has compuesto íntegramente tanto la letra como la música del single. ¿Cómo fue el proceso creativo de “Feliz sin ti” y qué emociones te acompañaron mientras lo escribías? Yo tenía ganas de hacer un tema movido, pero a la vez un tema que no fuera de mi propia vida, ya que los dos temas anteriores prácticamente hablaban de mí. Se me cruzó la historia de mi amigo con algo que le pasó y así empezó la letra. Al verle tan decaído y triste quise animarle y pensé que era el momento de hacer un tema cañero.
A diferencia de otros temas más introspectivos de tu repertorio, aquí transmites alegría y optimismo. ¿Fue un reto expresar el desamor desde un lugar más luminoso? Yo creo que para los artistas es más fácil cantar letras que salen del corazón que cantar otras historias que no son de tu propia vida, pero para mí también era un reto asumir y crear una historia que le pudiera pasar a otra persona. Con este tema he querido innovar tanto en la música, con un sonido diferente a lo que estaba haciendo anteriormente, como en la historia de la letra.
Empezaste en la música muy joven, con solo 17 años, y viviste una primera etapa intensa de escenarios y aprendizaje. Mirando atrás, ¿qué crees que aprendiste en esos años que hoy sigue siendo clave en tu carrera? Creo que la lucha, la constancia y el sacrificio. Todo eso lo empecé a aprender con 17 años y hoy, ya con unos cuantos años más, me doy cuenta de que todo sigue igual. Lo que pasa es que ahora ya todo lo que hago lo disfruto; antes era diferente.
Tras ese primer ciclo, decidiste hacer un parón largo en tu trayectoria. ¿Qué te llevó a tomar esa decisión y qué cambió en ti durante ese tiempo fuera de la música? Tuve un parón musical de varios años por desilusión con la música. Por aquel entonces yo era muy joven y pensaba que todo era súper fácil. Cuando me di cuenta de que no iba a poder vivir de la música, se me vino el mundo abajo y decidí parar un tiempo para pensar y reflexionar. Pero a todo el mundo al que le gusta algo, aunque pare un tiempo, al final tiene que volver, porque es lo que más te llena en la vida. Así fue. Ahora, desde que me levanto hasta que me acuesto, solo pienso en música. Es lo que me hace fuerte y lo que me hace vivir; sin la música no sé qué podría ser de mí.
Tu regreso en 2023 fue muy activo, con concursos, radio, televisión y nuevos singles. ¿Cómo viviste ese reencuentro con la música después de tantos años? Lo viví con mucha ilusión. Todo lo que hacía intentaba disfrutarlo al máximo, como si fuera la última vez que me subiera a un escenario.
Desde “Quisiera” hasta “Soñando fuerte” y ahora “Feliz sin ti”, se percibe una evolución constante. ¿Cómo definirías tu crecimiento artístico en estos últimos años? Quien me conoce de hace unos años seguramente haya notado el cambio, tanto en la música como en el estilo musical. Soy un artista polivalente, me gustan muchos estilos y por eso intento cambiar. Sobre todo, lo que estoy intentando es dar con el estilo musical que más me pega, con el que más seguro me siento y con el que más feliz soy. Creo que estoy llegando a ese punto y ahora mismo estoy haciendo lo que realmente me gusta.
“Soñando fuerte” era un tema muy personal sobre tu día a día. ¿Qué relación existe entre esa canción y la actitud vital que hoy refleja “Feliz sin ti”? Con “Soñando fuerte” lo que quería era que la gente me conociera, mostrar cuál era mi día a día. Ahora que quienes me siguen ya me conocen un poquito más, tenía ganas de hablarle directamente a la gente, y que alguien se sienta identificado con este tema también me hace muy feliz.
Has actuado en diferentes escenarios, pero los conciertos en tu ciudad natal, Móstoles, parecen tener un significado especial. ¿Qué representan para ti esos directos en casa? Cantar en mi ciudad, en mi pueblo, es lo que siempre he soñado durante toda mi vida. Ver en las fiestas a todos los artistas famosos que venían y pensar: “¿Algún día estaré ahí?”. Poder realizar ahora ese sueño es muy bonito. Estar con toda mi gente, con mi familia y mis vecinos, es algo impresionante que no se puede expresar con palabras.
En esta nueva etapa, ¿qué importancia le das a conectar con el público a través del baile y la energía positiva que transmite tu música? He llegado a un punto en mi vida en el que lo que me apetece es pasármelo bien y que la gente también disfrute con mis canciones.
Tus dos últimos trabajos han contado con videoclip. ¿Qué papel juega lo visual en tu proyecto artístico y cómo te gusta complementar la música con la imagen? Creo que las dos cosas juegan un papel muy importante actualmente en la música, y sobre todo para los cantantes emergentes como yo. Es fundamental tanto lo visual como lo que se escucha, para poner cara y voz al artista. Eso también hace que me pueda seguir mucha más gente.
Has logrado que tu música suene en radios de España y también en Argentina. ¿Cómo vives esa proyección internacional y qué te aporta como artista? Para mí es algo muy importante, porque muchas veces hay un dicho que siempre repito: nadie es profeta en su tierra, y eso tiene mucha verdad. A veces se valora más a los artistas fuera que dentro de su propia casa. Así que quién sabe, si aquí no doy el pelotazo, lo mismo puedo darlo fuera, jeje.
De cara al futuro, ¿qué puede esperar el público de Sergio Hortelano en cuanto a nuevos lanzamientos y sonidos tras “Feliz sin ti”? Estoy en un momento en el que me quiero pasar bien, disfrutar con el público y hacer bailar mucho, porque es lo que me llena actualmente y lo que quiero hacer.
Si tuvieras que definir esta etapa actual de tu carrera con una sola idea o emoción, ¿cuál sería y por qué crees que es el momento más importante de tu camino hasta ahora? Definiría esta etapa con la palabra lucha. Es algo que llevo haciendo toda mi vida: luchar por lo que más quiero, y hasta que no lo consiga no voy a parar.
Muma es mucho más que un dúo musical: es un proyecto nacido de la unión vital y artística de Tamara y Luis, dos músicos que entienden la música como un espacio de encuentro, celebración y emoción compartida. Desde Madrid, Muma construye un directo lleno de energía y cercanía, donde conviven rumbas, pop/rock, copla y sevillanas con canciones propias que hablan de fuerza, valentía y alegría. Con singles como “Jugar La Partida” y “Los Arquitos de la Casa”, el dúo da un paso firme en la consolidación de su universo creativo, llevando su mensaje más allá del escenario y apostando por una música que se siente y se vive.
Muma nace de una unión artística, pero también personal. ¿Cómo influye el hecho de ser pareja en la manera en la que componéis, ensayáis y os subís al escenario?
Para nosotros, el hecho de ser pareja hace que todo sea mucho más fácil, ya que nos conocemos muy bien y sabemos cómo podemos ayudarnos el uno al otro casi sin mirarnos.
Vuestra música mezcla muchos estilos: rumba, pop/rock, copla, sevillanas… ¿Cómo encontráis el equilibrio entre tanta diversidad sin perder una identidad propia?
Luis se ha interesado mucho por la música jazz y Tamara ha escuchado mucho flamenco y pop. Estas influencias son una caja de herramientas para dar originalidad y carácter a nuestros temas propios.
“Jugar La Partida” suena a actitud, a tomar decisiones y arriesgar. ¿Qué historia o emoción hay detrás de este single y por qué sentisteis que debía ser una de vuestras cartas de presentación?
“Jugar La Partida” nació de golpe una mañana, cuando Luis se despertó con la melodía en la cabeza. Cuando viene la inspiración, hay que dejarla fluir. De camino al trabajo no podía dejar de desarrollar la historia. La música sonaba a bachata, así que, ¿qué mejor que contar la historia de un chico que está en una pista de baile y no se atreve a bailar con la chica que le gusta? Esta historia conectaba con la timidez que Luis siempre ha tenido, que contrasta con el desparpajo de Tamara.
En contraste, “Los Arquitos de la Casa” tiene un aire más evocador y cercano. ¿Qué lugar o recuerdo inspira esta canción y qué queríais despertar en quien la escucha?
“Los Arquitos de la Casa” es un recuerdo de la infancia de Tamara, de su pueblo en Andalucía. La canción relata, con aires rumberos, la infancia vivida en los pueblos del sur y la nostalgia que se siente cuando recordamos lo vivido con nuestros mayores.
Vuestros temas propios parten de experiencias personales. ¿Cómo es el proceso de transformar vivencias íntimas en canciones con las que el público pueda sentirse identificado?
Creemos que no hay nada más bonito que alguien se pueda sentir identificado con temas cotidianos de la vida. Al final, todas las personas vivimos situaciones únicas, pero que, a grandes rasgos, son parecidas. Intentamos crear canciones que cada oyente pueda personalizar, dándoles un significado moldeado por sus propias experiencias.
Definís vuestros conciertos como una experiencia que se comparte. ¿Qué es lo más importante para vosotros a la hora de conectar con el público en directo?
Para nosotros lo más importante es la cercanía con el público. Siempre buscamos una conexión que rompa la barrera entre el escenario y el público. Animamos a que el público participe de nuestro espectáculo y eso hace que cada actuación sea única e irrepetible. Es una de las partes que más nos gustan de este proyecto. Siempre hacemos amistades en los conciertos y esa oportunidad que damos al público de participar siempre nos la agradecen.
En muchas actuaciones incorporáis percusión con cajón flamenco. ¿Qué aporta este elemento a vuestro sonido y cómo cambia la energía del escenario?
El cajón flamenco es un instrumento que aporta siempre una gran energía. Al igual que una guitarra, un cajón flamenco te invita a tocar las palmas.
Venís de interpretar muchos clásicos que la gente ya lleva en la memoria. ¿Qué habéis aprendido de ese repertorio a la hora de crear vuestras propias canciones?
Las canciones que se han hecho famosas por su música son siempre una fuente de inspiración. Hay que empaparse de esa música para poder crear música propia que llegue al oyente.
Vuestras letras hablan de fuerza, unión, valentía y alegría. ¿Creéis que hoy más que nunca la música necesita transmitir este tipo de mensajes?
Creemos que con la música se puede transmitir todo tipo de mensajes, pero siempre será positivo transmitir mensajes constructivos que ayuden a mejorar la sociedad, mensajes que nos recuerden que la alegría hay que celebrarla o que den fuerza en los momentos complicados.
¿Cómo describiríais la evolución de Muma desde vuestros primeros conciertos hasta el momento actual, tanto a nivel musical como emocional?
A nivel musical estamos experimentando un crecimiento insaciable. Para empezar, Tamara comenzó esta aventura sin saber teoría musical y actualmente está tomando clases de solfeo y de canto para ser un poquito mejor cada día. Luis, por su parte, se está adentrando cada día un poco más en la guitarra flamenca.
A nivel emocional también hay un crecimiento muy bonito. Es increíble ver cómo la gente te aplaude y te felicita por el trabajo. Muchos te llaman nuevamente para volver a actuar y eso, para nosotros, ya lo es todo.
Al ser un proyecto tan cercano y honesto, ¿os resulta más fácil o más difícil mostraros vulnerables a través de vuestras canciones propias?
La verdad es que la música, y el arte en general, son una vía que facilita mostrar las vulnerabilidades de cada persona. Cuando conectas con el arte desaparecen los miedos. Creemos que por eso el arte es tan necesario para una vida plena, porque ayuda a canalizar emociones que pueden ser difíciles de gestionar de otra manera.
Madrid es vuestra base, pero vuestra música parece pensada para viajar. ¿Qué tipo de público sentís que conecta especialmente con Muma?
Tenemos canciones muy variadas, con mensajes que pueden tener significado tanto para personas más jóvenes como más adultas, por lo que no definiríamos una edad concreta. En cuanto al repertorio de versiones que solemos cantar, sí que nuestro público está más enfocado en personas de 30 años en adelante, ya que interpretamos muchos éxitos de los años 70, 80 y 90.
Cuando alguien escucha por primera vez “Jugar La Partida” o “Los Arquitos de la Casa”, ¿qué os gustaría que sintiera al terminar la canción?
En “Jugar La Partida” nos gustaría que esa persona quisiera que la canción no dejara de sonar, para seguir bailando y coger fuerzas para comerse el mundo. Con “Los Arquitos de la Casa”, que esa persona siga pensando en los recuerdos que le evoca su infancia.
¿Cómo imagináis el futuro del proyecto: más singles, un EP, un disco completo que reúna toda vuestra esencia?
Nuestra idea es ir sacando más temas que ya tenemos en el horno y poco a poco darlos a conocer para completar un disco y, quién sabe, ojalá nos vaya bien y sea el primero de muchos.
Si tuvierais que resumir en una sola frase qué es Muma y qué ofrece a quien se acerca a vuestra música, ¿cuál sería y por qué?
MUMA es una unión basada en música, magia y arte para compartir con quien quiera escucharnos.
Con Estafa Piramidal, Tigre y Diamante firman un disco que golpea y acaricia a partes iguales. Once canciones que tensan el músculo punk del grupo mientras dejan aflorar una fragilidad nueva, más pop y más expuesta, sin perder el filo ni el lenguaje crudo que los define. Entre humor negro, poesía sucia y escenas incómodamente reconocibles, la banda parece mirarse de frente y acompañar al oyente por un territorio emocional áspero, pero honesto. Este álbum no busca respuestas ni finales felices, sino permanecer en la herida el tiempo necesario para entenderla.
Estafa Piramidal suena a un disco de madurez, pero también de riesgo. ¿En qué momento sentisteis que este álbum os pedía ir un paso más allá de lo que ya habíais hecho, tanto emocional como musicalmente?
Alex: Es una cuestión de comunión y complicidad. Llevamos ya bastante tiempo tocando juntos en la actual formación, y además este es el segundo disco que grabamos con Pablo Martínez en su estudio, OVNI. Es decir, que ya está bastante engrasado el proceso de que salte un chispazo en la cabeza de Jon y se convierta en una canción terminada, con los espacios bastante bien definidos. Creo que en ese sentido, aparte de la autoría de las letras de Jon (que es lo más evidente), nos deja a todos los demás un lugar para expresarnos. Si percibes que hemos ido un paso más allá emocional y musicalmente es que estamos un poco más cerca de la verdad más cruda.
Musicalmente el disco mantiene las guitarras secas, pero suma capas y construye un muro sónico donde aparece una fragilidad pop inédita en vosotros. ¿Qué os permitió sentiros cómodos mostrando esa vulnerabilidad sin perder identidad?
Iker Glez: La idea fue aguantar las guitarras para dar solidez y dejar que los sintes acabasen de armar el sonido, fomentando también el diálogo entre esas texturas, eso nos da más libertad para acercarnos a esos sonidos que apuntas.
El álbum es muy diverso, casi poliédrico, pero mantiene una coherencia muy clara. ¿Cómo fue el proceso de ordenar las canciones para que convivieran escenas tan distintas dentro de un mismo relato emocional?
Jon: Nos encontramos más con un problema técnico. Es decir, yo tenía el orden my claro, pero también hay que pensar en la parte digamos comercia y en la técnica por tema de encajar las canciones coherentemente en el vinilo…
“Palomas entre halcones” plantea una escena casi cinematográfica, donde la amenaza está siempre latente. ¿Qué os interesa de ese tipo de narrativas en las que aparentemente no pasa nada, pero todo está a punto de romperse?
Iker Glez: Así es la vida ¿no? parece que casi nunca sucede nada relatable pero en cualquier momento puede saltar todo por los aires. La vida es una pareja jugando al mikado en la trayectoria de una pandilla de imbéciles en plena despedida de solteros, totalmente ebrios, llenos de vida.
En “Amanecer en la playa” habláis de rutinas que se quiebran y recuerdos que siguen tensando el presente. ¿Qué papel juega la memoria en vuestras canciones y cómo decidís qué recuerdos merecen convertirse en canción?
Jon: No se decide, de repente son una canción… demasiadas grietas en la rutina, demasiados conflictos…
“Los asesinos de tus hijos” utiliza una imagen muy brutal para criticar la cultura popular sin caer en consignas. ¿Os resulta más efectivo el símbolo incómodo que el mensaje explícito a la hora de hacer crítica política?
Alex: Una canción o un disco no deja de ser una conversación. Tú la escribes, la tocas, la grabas y dices: «Toma, ahora es tuya.» Es el público quien recorre el resto del camino y completa la tarea. Creemos que, en ese sentido, esa canción y muchas otras del disco tienen todos los ingredientes de nuestra cosecha, pero con el aire suficiente para que pienses por ti mismo. Eso es lo que más nos gusta encontrarnos cuando escuchamos artistas, desde luego.
“Albino busca sexo” se mueve entre la provocación y una ternura torcida, retratando personajes al límite. ¿Qué os atrae de esos personajes que parecen a punto de romperse, pero siguen avanzando?
Alex: Ese antihéroe probablemente esté presente en todos nosotros. Nos gusta pensar que todo el mundo tiene su pedrada, su vulnerabilidad, su rincón de humanidad, y es un sitio a donde nos gusta ir a buscar personajes.
“Minutos musicales” introduce un tono más introspectivo. ¿Sentís que este disco os ha permitido mirar más hacia dentro que en trabajos anteriores?
Jon: al llegar con las canciones muy claras, sobre todo hacia donde queríamos dirigirlas. Las letras en general son más introspectivas en este álbum
“Soy adicto”, con Nacho Vegas e Igor Paskual, es uno de los momentos más crudos del álbum. La canción enumera impulsos que normalmente se esconden. ¿Qué os removió más al escribirla y compartirla con otros artistas tan ligados a ese tipo de honestidad brutal?
Iker Glez: Tanto Igor como Nacho son personas muy cercanas al imaginario de Tigre y Diamante y siempre agradecen que nos desnudemos para ellos, no ha sido difícil.
En “Quieres ser mi amigo” mezcláis humor negro con un trasfondo emocional muy incómodo. ¿Por qué creéis que a veces el humor es la mejor forma de hablar de vínculos que duelen?
Alex: Somos asturianos. La relación con el humor es algo innato, aunque también muy límite: hay gente de otras latitudes que, cuando oye a dos asturianos saludarse, no sabe si están a punto de abrazarse o de liarse a tortazos. Es un recurso que siempre ha estado muy presente en Tigre y Diamante, pero que en este disco está algo más matizado que en trabajos anteriores.
“Represalias químicas” transforma un paisaje bucólico en algo perturbador. ¿Os interesa especialmente desmontar la idea del refugio y mostrar que incluso lo bello puede devolvernos imágenes duras?
Iker Glez: Y al revés, lo de Chernóbil al final dio una buena serie de HBO.
Varias canciones hablan de desgaste sentimental, del paso del tiempo y de una resignación que duele más que la ruptura. ¿Creéis que este disco refleja una relación distinta con el desencanto respecto a vuestros trabajos anteriores?
Alex: No es nada fácil mirar hacia adentro, hurgar en lo que te da miedo y vergüenza y que no te gusta de ti, y ponerlo ahí, encima de la mesa. Quizás en trabajos anteriores se hacía algo más de recurso a la ironía para afrontar ese desencanto, y aquí hayamos mirado más al demonio de frente.
“Contigo”, junto a Milana Bonita, es quizá el momento más pop del disco. ¿Qué os aportó esta colaboración para mostrar esa nueva sensibilidad que atraviesa el álbum?
jon: compuse esta canción en el local de Milana Bonita, fue muy divertido y funciona muy bien como un juego amor / odio...
Después de Estafa Piramidal, Tigre y Diamante parecen más expuestos, pero también más firmes en su lenguaje. ¿Qué os gustaría que se llevara el oyente al terminar el disco, aunque sea solo una sensación incómoda o una herida compartida?
Alex: Que forme parte de su memoria, de lo que tiene en la punta de la lengua y de los auriculares cuando necesita pasar un rato con unos buenos amigos. A veces esos amigos te llevan de fiesta hasta que se haga de día, y a veces te sientan a decirte alguna verdad que no te gustaría escuchar…
Gonzalo Brancciari llega a Interautor Música 2025 tras un año decisivo: ganó el Premio Graffiti a Mejor Artista Nuevo, presentó su primer álbum Diez y continúa preparando su segundo disco. Con un recorrido que incluye compartir escenario con referentes como No Te Va Gustar o Ciro y Los Persas, el artista uruguayo cruzará ahora a España para actuar en Monkey Week y la Sala Berlanga, acompañado por Alba LaMerced.
Vienes de un año muy intenso tras ganar el Premio Graffiti a Mejor Artista Nuevo. ¿Cómo ha cambiado tu carrera desde ese reconocimiento?
El cambio más notorio, es la cantidad de personas dentro del ambiente de la música que están ahora al tanto de nuestro trabajo.
Pasaste siete años liderando la banda La Mala Lengua. ¿Qué aprendizajes trasladaste a tu proyecto solista?
Todo. La banda fue mi escuela. Aprendí a hacer discos, a ensayarlos, tocarlos en vivo. Fue el espacio para cometer todos los errores que existen y aprender.
Tu álbum Diez te abrió muchas puertas. ¿Qué crees que conectó más con el público en ese disco?
Creo que la sencillez de las canciones. La gente conecta fácilmente con la sencillez de las letras y las melodías.
Estás trabajando en tu segundo álbum. ¿En qué etapa creativa te encuentras y qué te está inspirando ahora?
En estos momentos ya terminé de grabar mi segundo disco. Y en general me inspiran las mismas cosas que a todos. No se necesitan acontecimientos de otro mundo para hacer una canción. Las cosas simples de la vida, el amor, un atardecer, una tarde lluviosa y melancólica, etc.
¿Cómo recibiste la noticia de formar parte de Interautor Música 2025 junto a Alba LaMerced?
Muy bien. Me sorprendió mucho la forma que tiene de traer su origen musical al lenguaje moderno y es un placer escucharla cantar.
Vas a tocar en España por primera vez con tu proyecto. ¿Qué te emociona más de esta oportunidad?
La oportunidad de conocer lugares nuevos y que esa oportunidad la brinden las canciones.
Es muy gratificante.
Monkey Week es un festival clave para descubrir nuevos talentos. ¿Qué esperas de tu presentación allí?
Creo que me emociona mucho más lo que me pueda llevar que lo que pueda dejar.
Lo veo como una oportunidad de ver y aprender mucho.
También actuarás en la Sala Berlanga, un espacio íntimo y cuidado. ¿Cómo imaginas que encajará tu música en ese formato?
Las canciones nacen en formato íntimo, en mi casa. Es la oportunidad perfecta para mostrar la génesis de mi música.
Compartirás escenario con Alba en Uruguay y en España. ¿Cómo ha sido la conexión artística entre ambos?
Creo que las letras se encuentran en muchos puntos. La vida amorosa, los lugares. Llevar al público un poquito del lugar de donde somos, cada uno a su manera.
¿Qué crees que aporta la música uruguaya al diálogo cultural con España?
La música de todos los lugares aporta. Al fin y al cabo, el intercambio es parte fundamental en la música de todos los rincones. Así los géneros y las fusiones se crean y mantienen al arte interesante.
Has compartido escenario con figuras muy importantes. ¿Alguna experiencia que te haya marcado como artista?
Lo que las me gusta ver de los artistas con trayectoria, es la capacidad de entregarse en cuerpo y alma al momento artístico. Obviamente los ves siempre en situaciones favorables para ello, con cientos o miles de personas esperando tu show. Pero no deja de ser admirable y es lo que intento lograr en mis presentaciones.
¿Sientes que este intercambio puede impulsar tu proyecto hacia nuevos territorios sonoros o conceptuales?
Espero que sí.
¿Qué diferencias notas entre el público uruguayo y el argentino, y qué esperas del público español?
Yo hago música primero para mí y luego para el público. Si yo lo disfruto, creo que puedo contagiar de ese disfrute a quien quiera que sea que esté mirando y me centro en eso. Pero el público argentino generalmente es más eufórico que el uruguayo.
¿Cómo se equilibra la presión de crecer internacionalmente con la necesidad de seguir siendo honesto en lo que compones?
No siento esa presión. Hace tiempo dejé de ponerle presión de crecimiento a mi música y desde que lo hago es cuando mejor ha crecido paradójicamente.
¿Qué te gustaría que esta experiencia sembrara en tu carrera a largo plazo?
Ya estando en España, más que sembrar, brotó algo en mí, y es la necesidad de seguir ahondando e investigando en la cultura europea en general. Es muy impactante cuando vienes de un país con solo 200 años de existencia, pisar un lugar con tanta historia. Se siente realmente muy viva y energéticamente es fuertísimo. Me ha despertado infinidad de curiosidades.
Alba LaMerced representa a una nueva generación de cantautoras que combinan folk, pop y canción de autor con una sensibilidad poética y social. Seleccionada entre 61 proyectos para protagonizar Interautor Música 2025, la artista cruzará por primera vez el Atlántico para presentarse en Uruguay, donde actuará en la gala de los Premios Graffiti y ofrecerá varios conciertos. Con un proyecto que reivindica la identidad, la emoción y la palabra, Alba vive este viaje como un impulso vital y artístico.
¿Qué fue lo primero que sentiste cuando te confirmaron que habías sido seleccionada para Interautor Música 2025? Cuéntanos cómo viviste ese instante a nivel emocional.
Fue una gran noticia tanto a nivel personal como profesional, ya que el hecho de cruzar el charco con tu música y de la mano de una entidad como SGAE hace que te sientas una privilegiada. Me dio mucha alegría y satisfacción ver que se estaba valorando lo que estoy creando como artista.
Dijiste que llamaste a tus padres en cuanto recibiste la noticia. ¿Qué significa para ti compartir este logro con tu familia?
Sí, para mí su apoyo es fundamental y lo primero que hago cada vez que logro algo del estilo es comunicárselo a ellos. Son una parte muy importante en mi proyecto y trabajamos mano a mano para construir todo este universo que me rodea como artista.
Ser elegida entre 61 proyectos no es poca cosa. ¿Sientes que esta selección reafirma tu identidad artística y la dirección que estás tomando?
Sí, creo que es un privilegio, como decía antes, hay mucho arte en mi país y haber sido seleccionada es algo de lo que aún no soy consciente. Creo que siempre nos estamos transformando como artistas, por lo menos en mi caso, y esta oportunidad me hace darme cuenta del valor que tiene el universo artístico en el que estoy trabajando.
Viajas por primera vez a Uruguay. ¿Qué expectativas tienes respecto al país y a su escena musical?
Es un país muy rico culturalmente, creo que me ha aportado muchas cosas bonitas. Me hubiera gustado disfrutarlo más, pero el tiempo que estuve lo aproveché bien y pude empaparme de las raíces culturales y la emoción de los uruguayos.
Actuarás en una gala tan simbólica como los Premios Graffiti. ¿Cómo te preparas mentalmente para un escenario tan significativo?
Ha sido una gala preciosa llena de compañeros maravillosos con los que tuve la suerte de compartir escenario. La sala Zitarrosa es un lugar emblemático en Montevideo y para mí fue una suerte compartir mi música allí. Pude interpretar dos canciones, Nana del caballo grande y El café (que aún no ha salido). Fue todo un regalo.
¿Qué te gustaría que el público uruguayo descubriera de ti en estos conciertos?
El público uruguayo fue realmente maravilloso. La acogida fue muy bonita e incluso algunas de las personas que vinieron a los conciertos se sabía mis canciones. Creo que esto es algo a destacar sobre todo para una artista emergente como yo que aún no contempla tales escenarios.
En tus canciones confluyen lo íntimo y lo social. ¿Cómo equilibras esas dos dimensiones cuando compones?
Equilibrar lo íntimo y lo social es algo muy natural en mi proceso creativo. Para mí, lo personal siempre acaba siendo político: las historias de mi familia, mis raíces, mis emociones —esas son las que me permiten conectar con realidades más amplias. Cuando compongo, parto de una emoción muy concreta, algo vivido, algo que me duele, que me ilusiona o que me inquieta, y a partir de ahí intento proyectarlo hacia algo universal. No escribo para dramatizar, sino para que lo que me pasa resuene más allá de mí misma: que otras personas puedan reconocerse en lo que cuento. Al mismo tiempo, me importa que el mensaje social tenga elegancia, poesía y verdad, no un panfleto. Ese es el equilibrio: honestidad emocional + reflexión colectiva.
Tu tema La Ciudad aborda la pérdida de identidad cultural por el sobre turismo. ¿Crees que este tipo de mensajes conecta también con otras ciudades del mundo?
Totalmente. Aunque la canción nazca de mi experiencia en Málaga —mi ciudad, la plaza de La Merced, mi historia personal—, la problemática de la identidad urbana, la turistificación y la gentrificación no es exclusiva de aquí. Muchas ciudades del mundo están perdiendo su “alma local” bajo presiones similares: la vivienda, la cultura tradicional, los barrios de siempre… Creo que “La Ciudad” puede hablar a gente de muchas urbes porque esas transformaciones se están dando casi en todas partes. La nostalgia, la memoria del barrio, el miedo a que lo auténtico desaparezca —es algo casi universal en contextos urbanos actuales.
¿Qué aprendizajes esperas llevarte de esta estancia en Montevideo, tanto musicales como personales?
Este viaje a Montevideo a través del programa Interautor Música es para mí una oportunidad enorme de crecimiento. Musicalmente, espero empaparme de la escena uruguaya: no solo escuchar, sino también compartir, componer, ver cómo otros autores viven su día a día creativo, cómo interpretan sus raíces, su cultura y su identidad en su música. Personalmente, creo que me va a abrir la cabeza: convivir con otro país, con otra sensibilidad, con nuevas formas de entender el arte, la comunidad y la colaboración. También es una forma de reforzar mis propias raíces, de preguntarme qué parte de mi identidad quiero llevar conmigo, qué puedo aportar y qué puedo aprender.
Mencionas que te gustaría nutrirte de nuevas sonoridades. ¿Hay ritmos latinoamericanos que ya te inspiran especialmente?
Sí. En mi música ya hay guiños a ritmos latinoamericanos en parte porque mi curiosidad musical es muy amplia. Por ejemplo, en Ciudad Matriz combino folk, pop, canción de autor, e incluso tiene matices de tango, chacarera y bachata. Esos ritmos me inspiran por su historia, por cómo cuentan el dolor, la comunidad, el desarraigo y el arraigo. Me interesa mucho también trabajar con ritmos de América Latina que me sean nuevos, mezclarlos con lo que ya sé hacer, y ver qué surge de esa fusión.
¿Cómo definirías el momento artístico en el que te encuentras justo antes de dar este salto internacional?
Creo que estoy en un momento de transición y expansión. Con Ciudad Matriz se cierra un ciclo íntimo, muy de raíces, muy personal, y al mismo tiempo se abre uno nuevo: el de llevar mi música más allá de lo local, al intercambio, al diálogo con otras culturas. Es un punto de inflexión donde ya no solo pienso en mi ciudad o en mi historia, sino en cómo esa historia puede dialogar con otras, cómo mi música puede ser puente. Es un momento de valentía, de aprendizaje y de mucha ilusión.
Además de tocar junto a Gonzalo Brancciari, ¿te gustaría aprovechar el viaje para crear nuevas canciones o colaboraciones?
Sí, eso es algo que me encantaría. No solo ver a Gonzalo como un compañero de escenario, sino también como un colaborador creativo: componer juntos, intercambiar melodías, escribir a dúo, experimentar con nuestras voces y mundos. Creo que estoy aprovechando el programa para que no sea solo un intercambio de conciertos, sino un verdadero cruce artístico. Además, he podido conocer a otros músicos locales, productores, cantautores uruguayos.
¿Qué representa para ti formar parte de un proyecto que conecta culturalmente España y Uruguay?
Formar parte de Interautor Música es para mí algo muy significativo. Es, en esencia, un puente entre dos mundos con mucha tradición literaria y poética, con una cultura de canción de autor que en España y Uruguay siempre ha tenido fuerza. Representa la posibilidad de internacionalizar mi voz, sí, pero también de ser parte de un diálogo más profundo: compartir historias, sensibilidades, memoria cultural. Es también un honor participar en algo que va más allá de un concierto: es un intercambio humano, artístico, social.
¿Cómo te imaginas que esta experiencia puede influir en tu próximo trabajo discográfico?
Mi siguiente disco probablemente va a estar marcado por este cruce transatlántico. Imagino canciones que nazcan en Montevideo, o después de eso, con influencias nuevas, con ritmos latinoamericanos filtrados, con colaboraciones uruguayas o más latinoamericanas. También imagino un disco con más amplitud: hablando no solo de mis raíces malagueñas, sino de lo que supone ser una artista viajera, de cómo la ciudad cambia cuando la observas desde lejos y de cómo conecta con otras ciudades. Este intercambio puede ser la chispa para un proyecto más global, más híbrido, más diverso.
Y mirando más allá de noviembre, ¿qué metas te gustaría alcanzar después de este intercambio?
Consolidar una base en Latinoamérica: que mi música no solo suene aquí, sino que también tenga presencia, que el público uruguayo y de otros países latinoamericanos me conozca más. Crear un disco nuevo inspirado por esta experiencia, como te decía, con colaboraciones y ritmos latinos. Seguir participando en ciclos de intercambio o convocatorias similares para tejer redes artísticas internacionales. Aprovechar lo vivido para crecer personalmente y como creadora: llegar a tener mayor madurez, más confianza para tomar riesgos creativos. Seguir tocando en festivales importantes y giras, tanto en España como en Latinoamérica, para que este puente no sea un momento aislado, sino un paso hacia una carrera más internacional.
Safari Club es el proyecto musical formado por Marina Dorochenko y Paco Navarrete, un dúo valenciano que desde 2009 ha sabido hacerse un hueco en la escena independiente con su inconfundible estilo de pop urbano tropical. Con millones de visualizaciones en YouTube y una sólida comunidad de seguidores, su música se caracteriza por la frescura, el carisma y la capacidad de conectar con el público.
Tras éxitos como La Playlist de Mi Corazón, Porfa Quédate o el reciente reconocimiento de No Hay Nadie Como Tú como canción oficial de las Fallas de Valencia, Safari Club regresa con Un Amor De Verano. Un single que mezcla ritmo, emoción y nostalgia, pensado para convertirse en la banda sonora de quienes creen que “los amores eternos no tienen fecha de caducidad”.
“Un Amor De Verano” es vuestro nuevo single, un tema fresco y lleno de energía.¿Cómo nació la idea de la canción y qué os inspiró a hablar de esos amores estivales que marcan para siempre?
Un Amor de Verano” habla de lo que somos y de lo que nos pasa. Al final todas nuestras canciones son autobiográficas, y esta no es la excepción: esta canción habla de nosotros, de cómo vivimos la vida y de lo que sentimos el uno por el otro…Una historia de verano que te marca para siempre.
El videoclip transmite mar, sol, risas y esa sensación de libertad.¿Qué buscasteis reflejar visualmente y cómo fue el proceso de rodaje?
Con el videoclip queríamos reflejar lo más cotidiano de un verano: el mar, el sol, las risas y esos instantes que parecen sencillos, pero se quedan grabados. La idea es que, al verlo, la gente se transporte directamente a esa sensación de pausa que trae el verano, donde todo se vive de otra manera. Y claro, si además estás enamorado, esos momentos se vuelven mucho más intensos y explosivos. Queríamos capturar justo esa chispa.
Vuestra música se caracteriza por ese “pop tropical” tan reconocible. ¿De qué manera este género se ha convertido en vuestra marca personal y cómo lo habéis trabajado en este nuevo lanzamiento?
Llevamos años trabajando en este sonido y, poco a poco, nuestras vivencias nos han ido llevando a encontrar un equilibrio que ya sentimos como propio. El pop tropical se ha convertido en nuestra marca personal porque refleja lo que somos ahora mismo y la forma en la que nos apetece expresarnos. Queremos seguir haciendo música alegre, con esa energía que te levanta el ánimo, pero también que detrás de cada canción haya una historia inolvidable que la haga única.
Decís que “los amores eternos no tienen fecha de caducidad”. ¿Sentís que esta frase también describe la relación que tenéis con vuestra música y con vuestro público?
Por supuesto. Somos un grupo pequeño que siempre ha salido adelante a base de mucho esfuerzo y sin rendirnos en este camino tan complicado que es la música. La gente que nos sigue y nos apoya nos da una motivación insustituible. Siempre vamos a hacer música, aunque sea solo para nosotros, porque es nuestro estilo de vida. Pero el cariño del público, que nos ha acompañado durante tantos años, es lo que nos anima a compartirla, a mantener viva la ilusión y a seguir creciendo en cada proyecto.
“Un Amor De Verano” llega después de temas como “La Playlist De Mi Corazón” y “Porfa Quédate”. ¿Qué papel juega este single dentro de vuestro nuevo proyecto y cómo lo conecta con los anteriores?
Todas nuestras canciones de esta etapa tienen algo en común: te llevan al mar. Para nosotros, el mar ha sido un refugio en los últimos años, un lugar para desconectar de la ciudad y volver a lo esencial. Ese es el espíritu de este nuevo proyecto: canciones que te hagan sentir, que te permitan evadirte un poco de la rutina y centrarte en lo que de verdad importa, los momentos que compartes con la gente que quieres. En nuestro caso, al ser de Valencia, muchos de esos recuerdos siempre pasan cerca del mar, y por eso se ha convertido en el hilo que conecta todas estas canciones.
Desde vuestro inicio como Luna Llena en 2009 hasta hoy como Safari Club, ha habido una evolución clara. ¿En qué punto de madurez artística os encontráis ahora con este nuevo lanzamiento?
Fueron muchos años siendo Luna Llena y aprendimos muchísimo, tanto en España como en México. Esa experiencia nos marcó y nos ha servido para llegar hasta aquí. Con Safari Club hemos rescatado la parte más alegre, divertida y bailable, pero también hemos querido mantener esas historias más íntimas que ya contábamos en la etapa de Luna Llena. Al final seguimos siendo los mismos, solo que con más madurez y teniendo más claro qué es lo que queremos contar. Y eso es justo lo que refleja este nuevo proyecto.
Habéis conseguido cifras muy relevantes siendo un grupo independiente, con millones de visualizaciones y miles de seguidores. ¿Qué creéis que es lo que más conecta a la gente con vuestra propuesta?
Creemos que lo que conecta con la gente es nuestra forma de ser y la originalidad con la que hacemos las canciones. Lo que contamos en ellas, el esfuerzo, la positividad y el no rendirnos son cosas que mucha gente valora. Poco a poco el público ha ido creciendo, y sentimos que cada vez llegamos a más personas. Somos un grupo muy particular: o te gustamos mucho o no te gustamos nada, pero lo que sí tenemos claro es que nuestra música no se parece a la de nadie, y esa autenticidad es la que nos mantiene conectados con quienes nos siguen.
Vuestra canción “No Hay Nadie Como Tú” fue seleccionada como himno oficial de las Fallas de Valencia 2024.¿Qué significó para vosotros ese reconocimiento y cómo os influyó en vuestro camino?
Que ‘No Hay Nadie Como Tú’ fuera el himno oficial de las Fallas de Valencia 2024 marcó un antes y un después para nosotros. Mucha más gente de nuestra tierra empezó a conocernos y, además, el mundo de las Fallas es inmenso, así que desde entonces nos tienen muy presentes. Ha sido un reconocimiento a nuestro esfuerzo, poder poner banda sonora a unas fiestas. que hemos vivido desde críos y que, encima, han recibido con tanto cariño. Al principio nos parecía surrealista, ¡y aún nos paran por la calle preguntando si somos los del videoclip de la playa! Jajaja, eso nos hace una ilusión imposible de explicar.
En vuestro último álbum “Natural” mostrasteis una faceta más diversa, combinando alegría, crítica social y emoción.¿Dónde se sitúa “Un Amor De Verano” dentro de esa evolución sonora?
“Un Amor de Verano” se sitúa dentro de ese grupo de canciones que sabemos que en directo van a ser un hit y que probablemente la gente cantará con nosotros, por su energía y rollo veraniego. Estamos preparando un repertorio muy chulo para la próxima gira, queríamos crear canciones diferentes en el estilo, pero siempre manteniendo nuestra esencia. Encajarán perfectamente con el concepto del directo, pero sin quitar el lugar que merecen otras canciones que ya se han ganado el corazón de nuestro público.
El verano siempre ha sido un tema recurrente en la música. ¿Qué creéis que hace que esta estación sea tan inspiradora para crear canciones universales como esta?
El verano siempre ha sido nuestra estación favorita, porque hay más fiesta, más planes y más ganas de disfrutar. Es como una época de desconexión: mucha gente trabaja todo el año pensando en lo que hará en verano. Para nosotros es la estación del escape, en la que podemos ser un poco más libres, dejarnos llevar y dejar la rutina a un lado. Por eso inspira canciones que conectan con todos, con esa sensación de vivir al máximo cada momento y experimentar cosas diferentes.
Habéis llevado vuestra música a escenarios de España y Latinoamérica.¿Cómo reacciona el público de cada lugar y qué os aportan esas experiencias en vuestra forma de componer?
La forma de vivir la música es diferente según el país o la ciudad donde toques, pero siempre hemos visto que, a pesar de las diferencias culturales, el cariño y la conexión con la gente es igual en todas partes. Vivir en México durante dos años fue un aprendizaje de vida increíble, que nos cambió y nos enseñó mucho a la hora de expresarnos en nuestras canciones. Esas experiencias nos ayudan a componer desde otra perspectiva, a contar las cosas teniendo mucho más claro lo que queremos expresar y de la forma en la queremos hacerlo.
Además de artistas, sois productores en vuestro estudio La Habitación Azul. ¿Qué ventajas os da tener el control creativo de vuestra música y de la de otros artistas?
Tener nuestro propio estudio nos da muchísimas ventajas. Nos permite experimentar, divertirnos y encontrar exactamente el sonido que queremos sin prisas. Además, trabajar con otros artistas y estilos que no son los nuestros nos enseña un montón y nos hace crecer. En otros estudios, muchas veces estás limitado por el tiempo, aquí podemos dedicar todo el necesario para que cada detalle quede como imaginamos.
Con “Vuelve a Brillar” os involucrasteis en campañas contra el bullying. ¿Creéis que la música puede ser una herramienta de cambio social además de entretenimiento?
Por supuesto, la música puede ser mucho más que entretenimiento. Cuando creamos ‘Vuelve a Brillar’ no imaginábamos el impacto que tendría ni cómo podría transmitir un mensaje que realmente cambie la forma de verlo, tanto al que lo hace como al que lo recibe. Lo hemos visto de cerca en un montón de colegios a los que hemos ido a hacer sesiones de concienciación, y eso nos demuestra que la música puede ser una herramienta de cambio real.
El pop urbano tropical suele estar asociado a la fiesta y la alegría, pero también lo habéis sabido mezclar con emoción y nostalgia. ¿Cómo lográis ese equilibrio en canciones como “Un Amor De Verano”?
En eso hemos estado trabajando mucho: en fusionar letras y melodías emocionales con producciones potentes. Siempre pensamos en la coherencia de todas las partes y en cómo sonarán los conciertos, tanto en acústico como con banda. Para nosotros es fundamental que la canción funcione y emocione en todas sus versiones. Por eso ha sido tan especial esta búsqueda: crear canciones completas, que brillen en la letra, en la música y en la producción.
De cara al futuro, este single es un adelanto de un proyecto mayor. ¿Qué pueden esperar vuestros seguidores en los próximos meses y cómo imagináis el sonido de Safari Club en esta nueva etapa?
Nuestros seguidores pueden esperar nueva música con mucha fusión, pero siempre manteniendo nuestra esencia. Llevamos tiempo preparando este proyecto que desembocará en un nuevo disco y en una nueva gira, que esperamos poder anunciar pronto cuando esté todo más cerrado. Lo que sí es seguro es que habrá mucho rollo, energía y letras que harán sentir todo tipo de emociones.
Anna es una artista que ha encontrado en la música no solo una forma de expresión, sino también un camino para conectar con su esencia más profunda y con quienes la escuchan. Desde niña, rodeada de partituras, piano y canciones, fue descubriendo un universo creativo que con el paso de los años se transformó en un proyecto sólido donde la pasión, el amor y la vibración musical marcan cada compás. Ahora, con su nuevo álbum Heart&Brain, se sumerge en la eterna dualidad entre razón y corazón, proponiendo un viaje sonoro que invita a perseguir sueños, superar obstáculos y bailar con la vida. Su primer single, Dreamer, encierra esa fuerza positiva que mueve montañas y despierta la energía de la juventud y la pasión por vivir intensamente. Con ella hablamos sobre su trayectoria, sus fuentes de inspiración, su visión de la música y, sobre todo, sobre este momento tan especial en su carrera.
Anna, para comenzar, ¿qué significa para ti mirar atrás y recordar a aquella niña que jugaba con el piano, escribía partituras y cantaba sin imaginar todo lo que vendría después? La veo con ojos de amor. La aprecio y la admiro por su valentía para ser diferente y ser quien es. Significa perseverar y creer que, incluso con los desafíos de la vida adulta, aún es posible soñar y ser creativo.
Has mencionado que tu amor por la música creció escuchando a bandas legendarias como Queen, Bon Jovi, Guns N’ Roses o The Beatles. ¿Qué huella han dejado en tu forma de componer y de entender el escenario? La huella trata sobre vivir y luchar por lo que creemos... también basada en la historia de los mismos artistas. Ese sonido de guitarra que despierta el deseo de soltarse, abrazando cada nota como vida y capturando esa misma vibración de fuerza. Sigo también a Lana Del Rey y a otros del género por sus historias de amor.
Aunque la música siempre estuvo presente en tu vida, también trabajas como profesional de la salud. ¿Cómo ha influido esa otra faceta en tu manera de interpretar emociones y transmitirlas en tus canciones? Para ser un profesional de la salud, es necesario ser más racional y gestionar bien las emociones, pero también es necesario aprender a abrir el corazón a uno mismo y a los demás.
Tu álbum se titula Heart&Brain, una metáfora poderosa. ¿Cómo describirías la relación entre razón y corazón en tu vida personal y en tu arte? Es una lucha constante... racionalidad para dar los pasos correctos y materializarlos. Corazón para dejarme guiar por los instintos.
Dreamer es el primer adelanto del disco, una canción que habla de luchar por los sueños con energía y positividad. ¿Qué mensaje concreto quieres que la gente se lleve después de escucharla? Valor... para empezar un nuevo día, un nuevo proyecto, un nuevo sueño... un nuevo amor... una nueva confianza al comenzar. Confianza, valor, corazón.
Has dicho que la felicidad siempre está en el corazón. ¿Crees que la música es una vía para recordarle a la gente que, a pesar de la racionalidad, es importante dejarse guiar por las emociones? Sí, claro, es lo que nos mantiene vivos. La energía... es algo fenomenal, espectacular. Somos energía, cada nota se siente en cada célula... una vibración más alta nos transforma, y algo diferente también... como mezclar ópera con rock... (risas).
¿Cómo fue el proceso creativo de Dreamer? ¿Partiste de una idea musical clara o nació más bien de un impulso emocional que luego fuiste puliendo? Dreamer fue un impulso... Normalmente la letra y la melodía aparecen espontáneamente... un pasaje... tomo la pluma, luego unos versos... y así sigo puliendo... como un diamante.
En tus palabras hay mucha referencia a la vibración, a la energía que transmite la música. ¿Qué importancia tienen para ti los sonidos, los tonos y las sensaciones más allá de la letra? Cada nota... alta o baja o juntas... crea una sensación... si vibran juntas... sienten cada sentimiento... Y con ello alegría y entusiasmo, eso es específicamente lo que quiero.
En un mundo musical tan competitivo, ¿cómo logras mantenerte fiel a ti misma y a ese espíritu soñador que te define? Adaptándome... al mundo, a las situaciones, a la gente, al crecimiento... y sé con certeza que soy capaz. El mundo está en constante evolución... Los grandes músicos, como las referencias que mencioné, no han perdido su identidad con el tiempo; se han adaptado sin perder su esencia. Por ejemplo, Bohemian Rhapsody también fue "atípica" al principio... y luego tuvo un gran éxito.
La canción transmite movimiento, juventud y vitalidad, casi como una carrera contra el tiempo. ¿Refleja tu propia experiencia de sentir que hay que aprovechar cada instante? Exacto, tengo prisa por vivir. A veces es inevitable. Dicen que soy muy intensa…
Tu propuesta combina pasión con racionalidad, emoción con reflexión. ¿Crees que esa dualidad es lo que hace que tus canciones lleguen a públicos tan diversos? Cualquier cosa hecha con dedicación y pasión probablemente creará grandes movimientos…
¿Cómo imaginas el directo de Dreamer? ¿Será una canción que te acompañe como un himno en los conciertos? Lo imagino cada día, si es posible imaginarlo... definitivamente será posible crearlo... animando a las multitudes a vibrar lo más fuerte posible…
Además de Dreamer, ¿qué otros matices nos vamos a encontrar en el álbum Heart&Brain? ¿Habrá sorpresas en cuanto a estilos o colaboraciones? Muchos otros... hablando de varias fases. Como la luna, metafóricamente. De amor, de celebración, de días en los que creemos haber perdido la batalla... pero todo será una sorpresa.
Si tuvieras que definir tu música en una sola palabra que resuma lo que quieres transmitir al mundo, ¿cuál sería y por qué? Creación... para que se hagan maravillas.
Has dicho que tu inspiración nace de sentimientos, expresión y arte. ¿Cómo logras mantener esa chispa creativa encendida en tu día a día? De hecho… es una mirada ya incluida que tengo, la de mirar la “belleza de la vida” y crear algo nuevo.
Mirando hacia el futuro, ¿qué sueños musicales te quedan por cumplir y hacia dónde te gustaría que te llevara este nuevo proyecto? A lo lejos... ¿Hay música en el universo? (risas).
Para terminar, ¿qué opinión tienes de elfiesta.es como medio que apoya y da visibilidad a artistas emergentes y consolidados? Un buen concepto y proyecto para mostrar mentes y voces extraordinarias que merecen compartir su mensaje. Artistas, apoyen a los artistas.
