“Le Pido a La Luna” se ha consolidado como una de esas canciones que encuentran su lugar natural en la noche, cuando la ciudad se apaga y las emociones hablan más alto. El tema, firmado por VANINA junto a Alex Rodríguez bajo el sello DLT Records, propone un pop urbano sentimental que conecta desde la primera escucha gracias a su honestidad lírica y a una producción que equilibra sensibilidad acústica y texturas digitales.

El proyecto nace de una colaboración cuidada y transatlántica. El videoclip fue grabado en Madrid, España, mientras que la producción, mezcla y masterización se realizaron en Buenos Aires, Argentina, reforzando ese carácter global que también se percibe en el sonido. La composición vocal y las voces corren a cargo de Vanina Jara, Alex Rodríguez y Tobias Damián Gómez Antolini, con producción musical y mezcla de Cacique y masterización en Estudio Pangea, un equipo que ha sabido respetar la emoción de la canción sin sobrecargarla.

A nivel sonoro, “Le Pido a La Luna” se mueve en un terreno íntimo y nocturno, donde las bases urbanas se combinan con una atmósfera melancólica que envuelve la narrativa. La voz de VANINA aporta fragilidad y cercanía, mientras que Alex Rodríguez suma un contrapunto más terrenal y confesional, generando una química que ha sido clave para el impacto del tema. La producción de DLT Records actúa como hilo conductor, logrando un sonido equilibrado, elegante y emocionalmente directo.

La letra funciona como una conversación interna marcada por la duda, el miedo a volver a confiar y la necesidad de una señal que indique si un amor es real o solo otra herida más. La luna se convierte en testigo y confidente, en un símbolo al que se le pide guía en medio de la oscuridad emocional. Esta carga simbólica, unida a una narrativa sencilla pero efectiva, ha hecho que la canción conecte especialmente bien con oyentes que buscan canciones para momentos de introspección.

Durante el último año, “Le Pido a La Luna” se ha vuelto recurrente en playlists centradas en el indie español y el pop melancólico, confirmando su buena recepción dentro del circuito de pop/urbano emergente. El tema ha sabido encontrar su público sin artificios, creciendo de forma orgánica gracias al boca a boca y a su afinidad con la audiencia nocturna, aquella que conecta con canciones que hablan de vulnerabilidad y emociones sin filtros.

Esta colaboración también sitúa a VANINA y Alex Rodríguez dentro de una escena creativa que en 2025 ha ganado visibilidad, compartiendo espacio con otros proyectos emergentes que exploran el pop urbano desde una perspectiva más íntima y emocional. “Le Pido a La Luna” no busca el impacto inmediato, sino quedarse, acompañar y resonar, demostrando que la sencillez bien construida puede ser profundamente efectiva.

Con este lanzamiento, VANINA, Alex Rodríguez y DLT Records firman una pieza que destaca por su coherencia artística, su sensibilidad y su capacidad para conectar con quienes encuentran en la música un refugio emocional cuando cae la noche.

Belmara continúa consolidando su universo sonoro con el lanzamiento de “Dulce Obsesión”, un nuevo single que resume a la perfección su propuesta artística basada en el feel-good pop, los ritmos latinos y una energía pensada para levantar el ánimo, relajar el cuerpo y dejarse llevar por el ritmo. Con este tema, el artista invita a entrar de lleno en una atmósfera cálida, nocturna y sensual, donde la música se convierte en el mejor refugio emocional.

“Dulce Obsesión” es una canción que respira verano desde los primeros compases. Con una base rítmica marcada por el dembow y una vibra latina constante, el tema combina elementos de Latin Pop, Tropical Pop y Pop R&B, géneros que forman parte esencial del ADN musical de Belmara. La producción fluye entre beats suaves y envolventes, creando un espacio sonoro ideal tanto para la pista de baile como para esos momentos de desconexión en los que solo importa el presente.

La letra construye una historia de deseo y conexión a través del movimiento, la mirada y la complicidad nocturna. Bajo la luna, entre el calor que no se va y el vaivén del baile, “Dulce Obsesión” retrata una atracción intensa pero ligera, sin dramatismos, donde el ritmo guía las emociones y el cuerpo se convierte en lenguaje. Frases que evocan noches de verano, playa, fiesta y libertad refuerzan esa sensación de vivir el momento sin miedo y sin distracciones.

Belmara define su proyecto como un espacio donde conviven múltiples caras del pop contemporáneo, desde sonidos chill hasta melodías más enérgicas y luminosas. En “Dulce Obsesión”, esa versatilidad se hace evidente a través de una canción pensada para disfrutar sin complicaciones, con un mensaje directo y una producción cuidada que prioriza la sensación y el groove. Todo está diseñado para que el oyente se deje llevar, se mueva con el ritmo y se sumerja en una experiencia positiva y envolvente.

Este nuevo single reafirma a Belmara como un artista enfocado en crear música que conecta con las emociones desde lo sencillo, apostando por sonidos accesibles pero bien trabajados, capaces de acompañar tanto una noche de fiesta como un momento íntimo de escucha. “Dulce Obsesión” no busca ser solo una canción, sino una invitación a sentir, a vibrar y a dejarse contagiar por una energía latina que no entiende de fronteras.

Desde Hidalgo del Parral, Chihuahua, el compositor Armando Amparán Infante lanza “¿Para qué seguir?”, un nuevo sencillo publicado el 26 de diciembre de 2025 que se adentra en uno de los territorios más complejos del sentimiento humano: la traición, la infidelidad y la imposibilidad del perdón. La canción plantea una pregunta directa y dolorosa que sirve como punto de partida para una obra cargada de introspección, honestidad y una innovadora exploración sonora.

“¿Para qué seguir?” es una crónica del final inevitable de una relación que nunca tuvo bases firmes. Con versos tan contundentes como “Si sucedió el error / no era bueno el amor”, Armando Amparán construye una letra que no busca adornar el dolor, sino exponerlo tal como es. La canción retrata ese momento exacto en el que dos personas asumen que el daño es irreparable y que seguir adelante juntos solo prolongaría una herida abierta. El relato fluye entre la desolación y la aceptación, mostrando un proceso emocional que muchos reconocen, pero pocos logran expresar con tanta claridad.

La composición nació bajo una estructura mental influenciada por el jazz, un género que se percibe en la libertad de la narrativa y en la manera en que la melodía acompaña el vaivén emocional del texto. Sin embargo, el verdadero punto diferencial de este lanzamiento reside en su proceso creativo. Durante el último año, Armando Amparán Infante se ha sumergido en una búsqueda sonora vanguardista, integrando herramientas de inteligencia artificial como parte activa de su creación musical.

Lo que comenzó como un experimento terminó convirtiéndose en una revelación artística. El propio compositor explica que, aunque siempre imaginó sus canciones bajo ritmos y estructuras cercanas al jazz, el trabajo con inteligencia artificial le permitió alcanzar un nivel de detalle y precisión que antes parecía inalcanzable de manera independiente. Los arreglos musicales, la definición melódica y la textura de las voces alcanzan una profundidad que amplifica la carga emocional de la obra, demostrando que la tecnología, lejos de deshumanizar la música, puede potenciar su capacidad expresiva cuando se utiliza con sensibilidad y criterio artístico.

“¿Para qué seguir?” no es un lanzamiento aislado, sino una pieza clave dentro de un nuevo proyecto discográfico en el que Armando Amparán Infante explora la intersección entre la tradición de la composición humana y las posibilidades infinitas que ofrece la tecnología actual. Con este trabajo, el compositor invita a la comunidad hispanohablante y a los amantes de la música contemporánea a replantearse los límites de la creación musical y a descubrir un universo donde la emoción, la reflexión y la innovación conviven en equilibrio.

Este nuevo sencillo se presenta como una puerta de entrada a un álbum que promete ser tan emocional como experimental, reafirmando a Armando Amparán Infante como una voz inquieta y comprometida con la evolución del lenguaje musical en tiempos de transformación digital.

El 26 de diciembre de 2025, Dulce María presentó “Me olvidé del mundo”, un lanzamiento muy especial que marca su primer single oficial a dúo junto a su hermana, Blanca Ireri. La canción llega como un gesto íntimo y significativo, no solo por el vínculo familiar que une a ambas artistas, sino también por la carga emocional y el mensaje positivo que sostiene la composición, pensada para conectar desde lo humano y lo esencial.

Aunque su estreno formal en plataformas digitales como sencillo conjunto se produjo a finales de 2025, “Me olvidé del mundo” tiene una historia previa. Dulce María grabó originalmente la canción durante el proceso creativo de su proyecto Origen, alrededor de 2020, y durante años fue considerada un tema personal, cercano al universo de demos y canciones descartadas que acompañaron esa etapa. Recuperarla ahora y compartirla en un formato definitivo junto a su hermana transforma la canción en una pieza renovada, cargada de sentido y de nueva vida.

El tema invita a desconectar del ruido exterior y a reencontrarse con lo esencial, con ese espacio emocional donde el tiempo se detiene y el mundo parece desaparecer. Según ha compartido Blanca Ireri en declaraciones recientes, la intención de la canción es dejar un mensaje positivo que ayude a mejorar la vida de las personas, en sintonía con su propósito personal de generar contenido con valor humano, reflexión y conciencia. Esa intención se percibe en cada frase y en la delicadeza con la que ambas voces se entrelazan.

Para Dulce María, “Me olvidé del mundo” representa también una extensión natural de su recorrido artístico como solista. Reconocida mundialmente por su paso por RBD, la artista mexicana ha construido una sólida carrera individual con álbumes como Extranjera, Sin Fronteras y Origen, donde ha explorado una faceta más introspectiva y personal. Este nuevo lanzamiento refuerza esa línea emocional, sumando además el componente familiar como parte central del relato.

Blanca Ireri Espinosa Saviñón, hermana mayor de Dulce María, aporta a la canción una sensibilidad particular que nace de su perfil multidisciplinario. Además de cantante y actriz, con participaciones en obras como La Cenicienta y El Mago de Oz, es Doctora en Filosofía, consultora de comunicación y conferencista. Su trayectoria incluye trabajo en medios como Televisa, docencia universitaria y proyectos de impacto social, y actualmente se desempeña también como consejera en temas de ética y regulación de Inteligencia Artificial. Todo ese bagaje se refleja en una interpretación serena, consciente y profundamente conectada con el mensaje del tema.

La unión musical entre ambas no es nueva. En 2011, Blanca Ireri acompañó a Dulce María durante su gira por Brasil, donde interpretaron juntas el tema “Eu daria tudo”. Sin embargo, con “Me olvidé del mundo” esta conexión se formaliza por primera vez en un lanzamiento de estudio, consolidando una colaboración que va más allá de lo artístico y se apoya en la confianza, la historia compartida y la complicidad familiar.

“Me olvidé del mundo” se presenta así como una canción que invita a la pausa, a la introspección y al reencuentro con uno mismo, envuelta en una atmósfera cercana y emotiva. “Me olvidé del mundo” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Dulce María y Blanca Ireri, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlas muy de cerca a través de sus redes sociales.

Popo Gabarre presenta “Tus Labios”, una de las piezas más cercanas y emocionales de su nuevo proyecto discográfico, y lo hace acompañado por Soleá Morente en una colaboración que nace desde lo familiar, lo vivido y lo profundamente sentido. Lejos de lo conceptual o lo impostado, la canción se construye desde un impulso honesto, desde ese momento en el que el sentimiento ya no cabe dentro y necesita ser expresado sin filtros ni reservas, conectando con una emoción universal: la necesidad de declararse, de compartir lo que se siente con valentía y entrega.

“Tus Labios” habla de intimidad, de deseo y de verdad. Es una forma directa y sensible de nombrar esa cercanía que todos anhelamos con la persona a la que queremos, un espacio emocional donde la música actúa como puente y como refugio. La canción respira calidez y cercanía, invitando a dejarse llevar por una emoción compartida que se siente real, cotidiana y profundamente humana.

La colaboración con Soleá Morente surge de manera natural y cargada de simbolismo. El tema tiene un fuerte componente emocional dentro del ámbito familiar, ya que fue grabado en los años noventa por Antonio Carbonell y siempre ha estado vinculado a recuerdos de alegría, unión y celebración. Recuperarlo ahora, y hacerlo junto a Soleá, que ya conocía la canción y la sentía como propia, convierte este lanzamiento en un gesto de continuidad, memoria y afecto, donde pasado y presente dialogan desde el respeto y la emoción.

A nivel artístico, Soleá Morente aporta una voz melosa y una sensibilidad especial que envuelven la canción en una atmósfera dulce y cercana, contrastando con otros lanzamientos recientes de Popo Gabarre más crudos y reivindicativos. “Tus Labios” muestra otra faceta de su personalidad artística, la del creador que se permite la ternura, la celebración y la emoción sin defensas, reafirmando su capacidad para moverse con naturalidad entre distintos registros sin perder autenticidad.

El tema fue el primero en grabarse para el disco y se registró en Barcelona. La canción se construyó a partir de una base de José Romero, con letras firmadas por el propio Popo, y fue creciendo de manera orgánica a través de un proceso de arreglos que terminó de encontrar su forma definitiva cuando se confirmó que la voz de Soleá sería el cierre perfecto. El resultado es una canción que fluye con naturalidad y que encuentra su equilibrio entre la raíz flamenca y una sensibilidad contemporánea que la hace cercana y actual.

Este lanzamiento forma parte de un disco profundamente personal, construido a través de colaboraciones muy cercanas para el artista. Cada canción funciona como un reflejo de vivencias, afectos y admiraciones compartidas, y “Tus Labios” ocupa un lugar especialmente significativo dentro del proyecto por el vínculo humano y artístico que representa. Más que una simple colaboración, la canción se siente como un encuentro sincero entre historias, voces y emociones que se reconocen.

Pedro Gabarre, conocido artísticamente como Popo Gabarre, nació y creció en el madrileño barrio de La Latina y es un artista multidisciplinar que ha hecho del mestizaje su lenguaje natural. Comenzó su carrera musical a los 9 años, formándose entre los sonidos y el compás del flamenco más auténtico, y desde muy joven ha actuado en escenarios destacados. Ha colaborado como percusionista con Estrella Morente y forma parte de la saga flamenca de la familia Morente/Carbonell, un entorno donde la tradición se vive como herencia, pero también como evolución.

Sobrino de Enrique Morente, Popo Gabarre entiende la música como un espacio donde conviven la pureza y la experimentación, siempre al servicio de la emoción. Su conexión con el hip hop llega desde los inicios, influido por referentes como J Mayúscula, El Club de los Poetas Violentos o Frank T, pioneros de la escena urbana española, dando lugar a una personalidad artística única que respira calle, ritmo y verdad.

“Tus Labios” es, ante todo, una celebración. Un tema pensado para disfrutar, compartir y dejarse llevar por la felicidad que nace cuando la música conecta desde lo más honesto. “Tus Labios” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Popo Gabarre y Soleá Morente, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

El Grupo Conjuro continúa consolidando su camino dentro de la música tropical chilena con el lanzamiento de “No Te Arrepentirás”, un single que llegó con fuerza a finales de diciembre de 2025 y que se ha convertido rápidamente en una de sus cartas de presentación más importantes para esta temporada. La agrupación, originaria de la Región del Ñuble, reafirma con este estreno su compromiso con la cumbia romántica y regional, un sonido profundamente arraigado en el sur de Chile y muy conectado con la emoción popular.

“No Te Arrepentirás” es una composición original de Claudio Nicolás López, vocalista y principal compositor del grupo, y se presenta como una declaración directa y sincera. La canción invita a amar sin miedo, a confiar en el sentimiento y a dar el paso hacia una relación desde la honestidad, bajo una promesa clara y cercana: no habrá arrepentimiento cuando el amor se vive de verdad. La letra conecta con ese imaginario romántico tan característico de la cumbia regional, donde la emoción y la sencillez se convierten en protagonistas.

Musicalmente, el tema refleja con claridad la identidad sonora del Grupo Conjuro. La cumbia se construye sobre una base rítmica sólida y bailable, acompañada por el protagonismo del acordeón y los teclados, elementos que aportan ese carácter melódico y nostálgico tan reconocible dentro del género. La propuesta se mueve con naturalidad entre lo romántico y lo popular, manteniendo un sonido cercano que dialoga directamente con su público.

El grupo está liderado por Claudio López, acompañado por Sebastián Ferrada en los teclados, Johny Lagos en el bajo, Marcelo Marivil en el acordeón, Claudio Gutiérrez en la guitarra y Antonio Rodríguez en la batería. Juntos han desarrollado una propuesta coherente y reconocible, que mezcla tradición y actualidad sin perder el espíritu festivo y emocional que define a la cumbia del sur de Chile.

El lanzamiento de “No Te Arrepentirás” llega acompañado de un videoclip oficial que refuerza el vínculo del grupo con su territorio. La pieza audiovisual fue dirigida por Eric Castillo, de Cire Producciones, y grabada en locaciones naturales de la Región del Ñuble, específicamente en la Cascada Las Turbinas, en el sector de Los Lleuques, comuna de Pinto. El entorno natural aporta una atmósfera auténtica y cercana, que dialoga con el mensaje romántico de la canción y resalta la identidad local del proyecto.

En el plano técnico, el single fue masterizado por Víctor Alexis Droguett, conocido en el medio tropical como El de la Magia, un nombre habitual dentro del género, lo que garantiza un sonido pulido y competitivo dentro del circuito de la música tropical y cumbia regional.

Con este lanzamiento, Grupo Conjuro reafirma su lugar dentro de la escena musical chilena, apostando por canciones que conectan desde la emoción, la cercanía y el baile, y consolidando una identidad que mira al presente sin desprenderse de sus raíces. “No Te Arrepentirás” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Grupo Conjuro, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o nuevos proyectos musicales, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Con “No se vende miedo”, Negra presenta uno de los lanzamientos más contundentes y honestos de su trayectoria. La artista sevillana firma una canción que funciona como una declaración de principios, una toma de postura clara frente a aquello que duele, limita o intenta silenciar. No es solo un título ni una consigna: es una afirmación firme sobre los límites, la dignidad y la libertad personal.

La canción nace desde la memoria y la resistencia, desde la necesidad de volver a mirarse sin defensas y recordar quién se era antes de aprender a protegerse del mundo. “Habla del miedo que otros intentan imponerte para que calles, para que no seas”, explica la propia artista. “Lo digo ahora porque ya no me pertenece”. En ese gesto hay una liberación consciente, una decisión de nombrar lo que durante mucho tiempo fue impuesto o heredado como carga.

El mensaje de “No se vende miedo” es directo y frontal. No pide permiso ni busca aprobación. Se sostiene desde la verdad, sin adornos ni concesiones, y convierte la palabra en un acto de libertad. Negra apuesta aquí por un lenguaje crudo, donde la emoción no se disfraza y donde cada frase tiene el peso de lo vivido. Es una canción que no suplica, afirma; que no se justifica, avanza.

Este nuevo tema conecta de forma natural con su herencia artística. Criada en una familia donde el arte nunca se ha fingido y la vida siempre se ha enfrentado de cara, Negra traslada esa manera de sentir a una canción que es flamenco en la actitud, aunque no siempre en el compás. Raíz y presente dialogan sin filtros, sin nostalgia forzada y sin miedo a la incomodidad, reafirmando una identidad artística que se construye desde la honestidad.

A lo largo de su recorrido, la artista ha tenido que enfrentarse a miedos propios: a hablar, a mostrarse, a no encajar. “No se vende miedo” es también ese cruce interno, el momento en el que deja de explicarse y decide caminar sin jaulas. Un punto de quiebre que marca un antes y un después en su trayectoria, tanto a nivel personal como creativo.

La canción se siente como un ejercicio de piel con piel, pensada para ser compartida desde la emoción y la cercanía. No busca imponerse, sino acompañar a quien escucha en ese proceso íntimo de reconocerse y tomar decisiones. Con este lanzamiento se abre una nueva etapa para Negra: más libre, más honesta y menos complaciente. Una etapa donde la artista se afirma desde la verdad e invita a los demás a hacer lo mismo, recordando que decidir también es un acto de amor propio y que, aquí, el miedo ya no manda.

Negra, nombre artístico de Saray Rubio Montoya, es una artista sevillana que fusiona flamenco y soul desde una identidad profundamente personal. Hija del cantaor Jorge El Canastero y bisnieta del legendario Farruco, creció rodeada de arte, compás y verdad. El público la descubrió con tan solo 13 años en Gipsy Kings y, a los 18, inició su camino como cantante con Mi Origen. Desde entonces ha desarrollado una propuesta donde la raíz y la emoción dialogan con sonidos contemporáneos, colaborando con artistas como Antonio Carmona, LiderJ u Original Elías. Con más de 50.000 oyentes mensuales en Spotify y una audiencia en crecimiento en España y Latinoamérica, Negra representa una nueva forma de entender el flamenco: un arte que evoluciona, se fusiona y se expande sin perder su esencia.

“No se vende miedo” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Negra, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, colaboraciones o nuevos proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El artista sevillano Manuel Muñoz presenta “Ya toca”, su nuevo single, una propuesta musical que combina emoción, mensaje social y una clara llamada a la acción frente a la violencia de género.

La canción recorre diversos rincones de España para subrayar la belleza del país y de su gente, antes de dar paso a un estribillo que plantea una reflexión directa: “somos campeones en fútbol, tenis o motocicleta… ya toca también ser campeones en no maltratar a una mujer.”

El tema surge tras una noticia que alcanzó al artista mientras viajaba después de un concierto: seis mujeres habían sido asesinadas por violencia de género en una sola semana. Este hecho motivó la creación de una canción que busca aportar visibilidad a esta realidad, alejada de cualquier discurso polarizado y centrada en un mensaje de humanidad, respeto e igualdad.

“Ya toca” cuenta con la producción de Tato Vela (@tatovela_) y la autoría compartida con Raúl Cabrera (@raulcabreraoficial), consolidando un proyecto en el que la música se presenta como herramienta para expresar lo que tantas veces queda silenciado.

El single ya está disponible en plataformas digitales y el canal de YouTube del artista, y se posiciona como una invitación a reflexionar sobre los avances pendientes en materia de igualdad en un país que, como dice el propio tema, tiene “mucho de lo que sentirse orgulloso, pero también aspectos que ya toca mejorar”.

El artista gaditano Javier Belizón lanza “Hay canciones”, el cuarto adelanto de su próximo álbum, un trabajo que continúa revelándose a través de colaboraciones especiales. En esta ocasión, es el reconocido cantante Gonzalo Alhambra quien se suma a Belizón para dar vida a un tema cargado de sensibilidad y nostalgia.

Este nuevo single, disponible en todas  las  plataformas digitales desde este 21 de noviembre, y lanzado por Fods Records, también está en el canal de YouTube del artista, y sucede a los ya conocidos “Suena a Calle”, junto al grupo cordobés El Duende Callejero, y “Flor de los Balcones”, interpretada junto al jerezano Juan Cid, consolidando así una línea de lanzamientos que muestran la versatilidad y el sello personal del artista.

“Hay canciones” cuenta con la autoría del propio Javier Belizón junto al compositor Raúl Cabrera, construyendo una pieza que funciona como una verdadera oda a la música de antes, aquella que, según Belizón, era capaz de crear recuerdos duraderos, vínculos emocionales profundos y la capacidad de transportarnos a lugares y personas concretas.

La producción corre a cargo de Antonio Carrillo y del propio Javier Belizón, realizada en San Fernando, en Mimusa Producciones, estudio donde no solo graba Javier, sino que también lo hacen artistas como Rebujitos o Rafael Ruiz “El Bomba”, entre otros.

“Hay canciones” es un homenaje a la memoria musical, al poder evocador de aquellas melodías que forman parte de nuestra historia personal. Un lanzamiento que invita a detenerse, sentir y recordar.

Coincidiendo con el Día Internacional de la Música, las fundaciones malagueñas Olivares y Cudeca han anunciado en primicia el regreso del 101 Music Festival Costa del Sol, que celebrará su sexta edición en 2026 y que vuelve a situarse como una de las grandes citas culturales y musicales del verano en Málaga. El anuncio incluye los primeros artistas confirmados de un cartel que, una vez más, apuesta por la diversidad y por una programación pensada para públicos muy distintos, con nombres como Valeria Castro, FernandoCosta, Lia Kali y Los Morancos.

El festival volverá a celebrarse en la emblemática Plaza de Toros de Málaga, un espacio ya inseparable de la identidad del 101 Music Festival, y arrancará el 26 de junio con la actuación de Valeria Castro, quien llegará a la ciudad con su tour El cuerpo después de todo, un directo marcado por la sensibilidad, la emoción y el magnetismo vocal que la han consolidado como una de las artistas más respetadas del panorama actual. Un día después, el 27 de junio, será el turno de FernandoCosta, que presentará su gira Amor y Dolor 10º Aniversario, uno de los tours urbanos más esperados del año, con un espectáculo cargado de energía, intensidad lírica y una fuerte conexión con su público.

La programación continuará el 4 de julio con Lia Kali, que presentará Kaelis, su nuevo y potente trabajo discográfico, con el que sigue afianzando una propuesta personal que fusiona soul, rap y música urbana. El 10 de julio, el humor tomará protagonismo de la mano de Los Morancos, que estrenarán en Málaga su nuevo espectáculo BOTA ANTONIA, una sátira en la que el icónico personaje de Antonia se convierte, de forma inesperada, en líder mundial a través de un nuevo partido político basado en el sentido común.

Fiel a su esencia, el 101 Music Festival Costa del Sol mantiene su vocación solidaria y su compromiso con el entorno social de Málaga. Como en ediciones anteriores, se destinará un euro de cada entrada vendida a las fundaciones Olivares y Cudeca, que además volverán a contar con un puesto de merchandising durante los conciertos y con visibilidad para sus proyectos en las campañas del festival. Gracias a este apoyo, en ediciones pasadas se han podido financiar terapias para pacientes infantiles de Fundación Olivares y reforzar la atención integral de Fundación Cudeca a través de cenas hospitalarias, apoyo psicológico y cuidados paliativos especializados. En palabras de Marisa Martín, directora de Fundación Cudeca, el 101 Music Festival Costa del Sol demuestra que la música puede convertirse en un auténtico puente para la solidaridad.

Organizado por Grupo Mundo, el festival regresa a la Costa del Sol reafirmando su identidad como un evento contemporáneo, comprometido con la ciudad y con la música entendida como un lenguaje de unión, donde la cultura se transforma en comunidad y Málaga en inspiración. El 101 Music Festival sigue apostando por una experiencia cuidada tanto en la puesta en escena como en el trato al público, defendiendo un modelo de evento donde cada concierto es único y donde es posible combinar calidad artística, responsabilidad social y una experiencia inolvidable sin perder su esencia, consolidándose así como uno de los grandes símbolos del verano malagueño.

Las entradas para los conciertos de FernandoCosta y Los Morancos ya están a la venta a través de malagaentradas.com y en la red de El Corte Inglés. En el caso de los conciertos de Lia Kali y Valeria Castro, las entradas estarán disponibles a partir del lunes 24 de noviembre a las 17:00 horas en malagaentradas.com y en los puntos de venta habituales de El Corte Inglés.

El grupo femenino mexicano ALMAS, también conocido como AL+, presenta “Triste Navidad :(”, su nuevo single navideño lanzado el pasado 19 de diciembre de 2025 bajo el sello Universal Music Latino. Lejos de los villancicos tradicionales cargados de alegría y celebración, el cuarteto apuesta por una mirada distinta y honesta de estas fechas, convirtiendo la nostalgia, el desamor y la ausencia en el centro de una canción que ya está dando mucho que hablar.

Originarias de Ciudad Juárez, ALMAS se ha consolidado como uno de los girl groups más interesantes del panorama pop latino actual. Integrado por Alegría, Dany, Dae y Stephany, el grupo destaca por una propuesta fresca que mezcla la estética y el sonido del pop Y2K de principios de los años 2000 con claras influencias del K-pop, todo ello cantado en español y con una producción cuidada que suena internacional. Desde sus primeros lanzamientos, como el energético “Yoyo”, han demostrado una identidad visual y musical muy definida, juvenil y actual, capaz de conectar con nuevas generaciones.

Con “Triste Navidad :(”, ALMAS decide explorar una cara menos habitual de las fiestas: la de quienes atraviesan diciembre con el corazón roto o echando de menos a alguien importante. La canción se presenta como una especie de “anti-navidad”, una balada pop con toques urbanos y un marcado tono melancólico que acompaña a quienes no logran sentirse parte del ambiente festivo. La letra habla del vacío que deja una persona especial durante las celebraciones, de los pequeños gestos que ya no están y de cómo, sin esa presencia, nada se siente igual.

Frases como “Navidad no se siente igual porque tú no estás aquí” o el detalle de no poner la estrella en el pino porque “eso lo hacías tú” han conectado de forma directa con el público, convirtiendo el tema en una canción especialmente identificable. El fragmento “Aquí adentro hace tanto frío, otro año y no te olvido, ni un regalo llena el vacío que dejaste en mí” resume a la perfección el espíritu del single, donde la sencillez emocional se convierte en su mayor fortaleza.

El impacto de “Triste Navidad :(” no se ha hecho esperar. En pocos días, la canción se ha vuelto viral en redes sociales, especialmente en TikTok, donde numerosos usuarios han compartido videos expresando cómo se sienten representados por esta visión más cruda y real de las fiestas. ALMAS logra así poner voz a un sentimiento colectivo que muchas veces queda oculto entre luces, regalos y mensajes de felicidad obligatoria.

Con este lanzamiento, ALMAS demuestra su capacidad para adaptarse a distintos registros emocionales sin perder su identidad, consolidándose como un grupo que no teme abordar temas sensibles desde una perspectiva pop contemporánea. “Triste Navidad :(” se suma a su catálogo como una canción que acompaña, abraza y entiende a quienes viven estas fechas desde la nostalgia.

“Triste Navidad :(” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde continúa sumando reproducciones y comentarios positivos. Para seguir de cerca la evolución de ALMAS, conocer sus próximos lanzamientos y proyectos futuros, no dudes en acompañarlas a través de sus redes sociales.

El cantautor sevillano Rafa Blanco presenta su nuevo single “Y si volvemos a intentarlo”, una canción que reafirma su identidad artística y su forma honesta de entender la música. Compuesta por el propio Rafa Blanco y producida por Daniel Cantero, la canción se mueve dentro del pop de autor con matices sureños, una combinación que define su sonido y lo conecta directamente con sus raíces andaluzas.

Nacido en Sevilla en 1990, Rafa Blanco descubrió su pasión por la música a una edad temprana. Con tan solo 17 años, la guitarra despertó en él un interés especial que lo llevó a escribir sus primeras canciones, una inquietud que venía de casa, ya que su padre también cantaba y tocaba la guitarra, inculcándole desde pequeño el amor por la música. Desde entonces, Rafa ha desarrollado un estilo personal en el que la sencillez, la emoción y la cercanía ocupan un lugar central.

“Y si volvemos a intentarlo” se presenta como una invitación a la reflexión y a las segundas oportunidades, abordando las dudas, los sentimientos y la esperanza que surgen cuando una relación se enfrenta a la posibilidad de recomenzar. La interpretación cercana y sincera de Rafa Blanco, junto a una producción cuidada y elegante, permite que la letra cobre protagonismo y conecte de forma directa con el oyente, reforzando ese vínculo tan característico de su música.

A lo largo de su trayectoria, Rafa Blanco ha ido consolidando su carrera paso a paso. En 2016 participó en el III Fórum Music de Granada y, ese mismo año, en el primer Certamen Canción de Autor del Teatro de las Aguas de Madrid. En 2017 fue el encargado de componer el himno de la Navidad de Sevilla, “Empecemos de nuevo”, y en 2021 firmó tres canciones para el disco “Mi suerte” del artista Fran Doblas. En 2022 publicó su primer EP, “Color atardecer”, un trabajo que vio la luz gracias a un proyecto de crowdfunding que contó con el apoyo directo de sus seguidores, demostrando la conexión real que mantiene con su público.

En su etapa más reciente, Rafa Blanco ha logrado una notable presencia en listas de radios como Canal Fiesta, donde su música ha sido reconocida como parte de las principales novedades del panorama musical español. Además, su trabajo ha conseguido posicionarse en plataformas digitales, formando parte de playlists oficiales de Spotify, lo que ha contribuido a ampliar su alcance y visibilidad. Sobre el escenario, su esencia como cantautor se percibe con claridad, destacando por una cercanía que le permite conectar de manera muy especial con el público. A lo largo de su carrera, también ha compartido escenario con artistas de reconocida trayectoria como Diego Martín y Javian Antón.

“Y si volvemos a intentarlo” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde los oyentes pueden descubrir una nueva muestra del universo musical de Rafa Blanco. Para estar al tanto de sus próximos lanzamientos, conciertos y proyectos futuros, se recomienda seguirlo de cerca a través de sus redes sociales.

El artista malagueño D’Medici lanza su nuevo single “Lo Que Más Quería”, una canción muy reciente y especialmente significativa dentro de su trayectoria, no solo por su contenido emocional, sino por el valor simbólico que encierra. El tema nace de una colaboración muy especial en la composición junto a su padre, el reconocido cantante y compositor Chandé, cuyo nombre real es Juan Carlos González. Aunque no cantan juntos en la interpretación, la unión creativa entre padre e hijo se percibe con claridad en la letra, el mensaje y el alma de la canción, convirtiendo este lanzamiento en un reflejo de relevo generacional y herencia artística.

D’Medici es un joven artista criado en el Barrio de la Victoria, en Málaga, un entorno profundamente ligado a la música y a la identidad cultural del sur. Hijo de Chandé, ha crecido rodeado de melodías, letras y escenarios, absorbiendo desde pequeño la esencia del flamenco para reinterpretarla desde una perspectiva actual. Su estilo se mueve entre el pop contemporáneo, el reggaetón suave y el flamenco-pop, con una clara vocación urbana que conecta con un público joven. Antes de “Lo Que Más Quería”, ya había despertado atención con temas como “Ya no eres mi beibe”, donde sorprendía mezclando sonidos como el drill y el jersey club sin perder su acento malagueño.

“Lo Que Más Quería” es una canción de corte flamenco-pop que habla de sentimientos profundos, del valor de lo que se ama y de la huella que dejan ciertas personas cuando ya no están. La letra, compuesta por D’Medici junto a su padre Chandé, tiene una carga emocional muy marcada y refleja ese estilo romántico y melódico que ambos dominan. Aunque la voz que conduce el tema es la de D’Medici, la experiencia y sensibilidad de Chandé están muy presentes en el trasfondo del relato, aportando madurez y perspectiva a la historia que se cuenta.

La figura de Chandé resulta fundamental para comprender la dimensión de esta colaboración creativa. Juan Carlos González es una de las voces más representativas del Barrio de la Victoria y cuenta con una trayectoria de más de 20 años en la música. Debutó en el año 2000 con la maqueta “Fussión”, lo que le permitió darse a conocer en radios y televisiones locales. A lo largo de su carrera ha firmado canciones que se han convertido en auténticos himnos populares en Málaga, como “Yo boquerón”, dedicado al Málaga CF, o “Cautivo”, en honor a una de las imágenes más queridas de la Semana Santa malagueña. Además, ha logrado importantes éxitos en emisoras como Radiolé y Canal Fiesta con temas como “Díselo”, “Perita”, “Romántica” o “La niña del pelo negro”.

Más allá de su faceta como intérprete, Chandé es también un compositor prolífico que ha escrito canciones para otros artistas destacados del panorama flamenco y pop-flamenco, como Los Rebujitos, La Húngara o Shakira Martínez. Esa experiencia compositiva es la que ahora se traslada de forma natural al trabajo conjunto con su hijo, en una colaboración que no busca el protagonismo compartido en el micrófono, sino el encuentro creativo desde la escritura y el mensaje.

La acogida de “Lo Que Más Quería” está siendo muy positiva en plataformas y redes sociales, reforzando la posición de D’Medici como un artista con voz propia, más allá de su apellido. Este lanzamiento confirma que la saga musical del Barrio de la Victoria sigue viva, evolucionando y adaptándose a los nuevos tiempos, pero sin perder la raíz ni la honestidad emocional que siempre ha caracterizado a la familia.

“Lo Que Más Quería” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de D’Medici y estar al tanto de sus próximos lanzamientos y proyectos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Lilith Grace regresa con “Bad Decisions”, un nuevo single que se presenta como una confesión íntima y sensual nacida en la madrugada, donde el deseo, el impulso y la vulnerabilidad emocional se entrelazan sin filtros. La artista propone un viaje sonoro que captura esa tensión tan humana entre lo que sabemos que quizá no deberíamos hacer y aquello a lo que, aun así, decidimos entregarnos. Con una atmósfera oscura y envolvente, la canción invita al oyente a habitar ese espacio emocional donde la honestidad pesa más que el autocontrol.

Musicalmente, “Bad Decisions” se mueve entre el pop moderno, sutiles influencias dance y matices de R&B alternativo, logrando un equilibrio elegante entre sensualidad y profundidad emocional. El tema se construye a partir de versos íntimos que desembocan en un estribillo suave y progresivo, creando una sensación casi cinematográfica, perfecta para escuchas nocturnas. La producción es limpia y cuidada, con texturas atmosféricas que envuelven la voz expresiva de Lilith Grace, reforzando ese clima de confesión personal y deseo contenido.

En el plano lírico, la canción explora el impulso emocional y la autoconciencia, poniendo el foco en la tensión silenciosa entre el deseo y la contención. Lejos de glorificar la imprudencia, “Bad Decisions” presenta estas decisiones como momentos profundamente humanos, honestos y inevitables, donde sentir se convierte en un acto de valentía. Lilith Grace no juzga ni se esconde, sino que abraza la complejidad emocional que surge cuando el corazón y la razón no avanzan al mismo ritmo.

El tema encuentra una inspiración sutil en mujeres icónicas que vivieron de forma intensa y sin arrepentimientos, como Édith Piaf o Sophia Loren. Esa filosofía vital, resumida en la idea de no lamentar lo que se ha vivido sino lo que nunca se intentó, es reinterpretada por Lilith Grace como una forma de coraje emocional: elegir sentirlo todo, decirlo todo y no dejar nada sin experimentar o expresar. “Bad Decisions” se convierte así en una declaración de principios, donde la emoción no se reprime, sino que se acepta como parte esencial de la identidad.

Lilith Grace es una actriz multilingüe y artista indie-pop cuyo sonido conecta culturas y épocas, fusionando pop, soul y un marcado aire cinematográfico con una narrativa centrada en la emoción y la identidad personal. Tras su anterior single “Hot Young Thrill”, con “Bad Decisions” continúa definiendo un estilo propio que se caracteriza por ser sofisticado, onírico y abiertamente femenino, consolidando una propuesta artística que apuesta por la sensibilidad, la elegancia y la honestidad emocional.

“Bad Decisions” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes sumergirte en esta experiencia sonora nocturna y envolvente. Para conocer más sobre Lilith Grace y seguir de cerca sus próximos lanzamientos y proyectos, no dudes en acompañarla a través de sus redes sociales.

El cantautor Philip Mason presenta “Hija”, su segundo sencillo en español, una canción profundamente emotiva que nace desde la reflexión, la madurez personal y el amor incondicional. El tema se convierte en una dedicatoria directa y sincera que interpela tanto a padres como a hijas, tal y como el propio artista expresa: “Si eres hija, si eres padre, esta canción es para ti”. Con este lanzamiento, Philip da un paso importante en su evolución artística y emocional, apostando por una narrativa íntima y universal a la vez.

Philip Mason nació en la Ciudad de Guatemala y creció en Queens, Nueva York, un entorno multicultural donde la música se convirtió desde muy temprano en un refugio y una forma de expresión. Durante su infancia y adolescencia, las canciones fueron una vía para comprender y canalizar emociones que aún no sabía poner en palabras. Sin embargo, no fue hasta su último año en la facultad de derecho cuando descubrió que podía escribir canciones, un hallazgo que marcó un antes y un después en su vida. A partir de ese momento, dejó de ser únicamente un oyente apasionado para convertirse en creador, encontrando en la composición una fuente de confianza y plenitud personal.

Tras años escribiendo de forma privada mientras estudiaba derecho, Philip decidió grabar su primera canción en 2022. Durante 2023 y 2024 trabajó intensamente en la grabación de su primer álbum y, ya en 2025, tomó la decisión de comenzar a escribir y grabar canciones en español. Este cambio de idioma abrió una nueva faceta creativa que desconocía, permitiéndole conectar de manera más directa con sus raíces y con una sensibilidad distinta como compositor.

“Hija” fue escrita en un momento especialmente introspectivo de su vida, mientras el artista se sometía a una intensa fisioterapia por una lesión de espalda a principios de este año. Ese periodo de pausa obligada le dio espacio para reflexionar sobre su camino, sus metas y el sentido profundo de sus relaciones personales. Desde esa calma surgió una canción escrita en menos de una hora, pero cargada de emoción y honestidad, que hoy Philip Mason considera su favorita. Para él, fue el momento perfecto para escribirla.

La canción está narrada desde la perspectiva de un padre que expresa un amor eterno e incondicional por su hija, recorriendo distintas etapas de ese vínculo tan especial. En el primer verso, se refleja la emoción y la ternura del nacimiento; en el segundo, el acompañamiento durante el crecimiento y esos pequeños instantes que se convierten en grandes recuerdos. El puente imagina las aventuras compartidas y el deseo de ser no solo un padre, sino también un amigo incondicional. En el tercer verso, el orgullo aparece al verla convertirse en una joven mujer, y en el cierre, el mensaje se reafirma con claridad: su hija lo es todo.

Philip Mason espera que “Hija” sea una canción capaz de fortalecer los lazos entre padres e hijas y de transmitir un mensaje positivo, inspirador y lleno de esperanza. A medida que avanza en su vida personal, el artista desea que su música también madure, tanto en mensaje como en profundidad emocional. A corto plazo, planea continuar escribiendo en español y explorar un enfoque más religioso y espiritual en sus próximos trabajos, ampliando así sus horizontes artísticos.

“Hija” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde el público puede conectar con esta historia sincera y conmovedora. Para conocer más sobre Philip Mason y seguir de cerca sus próximos lanzamientos y proyectos, puedes acompañarlo a través de sus redes sociales.