UMEN propone un Pop Lgbtq+ electrizante, con grandes influencias del Pop internacional y del RnB de los 2000. Este 2023 debuta con sus primeros sencillos y se presenta como un proyecto divertido y dulce como el algodón de azúcar: una vez lo pruebes, no podrás escapar de su adictivo sabor.
Es la juventud, la picardía y la inocencia personificadas. Una diva con un corazón crujiente por fuera y delicioso por dentro.

"BEBO MUCHO" es el punto de partida del universo de UMEN. Divismo, ganas de pasarlo bien con todos y alcohol se dan la mano en este tema. Con influencias de referentes del Queer pop internacional como Sam Smith, Vincint, Bronze Avery y Years and Vean.

Dsvismo, ganas de pasarlo bien con todos y alcohol se dan la mano en este tema. Esto y mucho más en "BEBO MUCHO", el primer single de UMEN. Con influencias de referentes del Oueer pop internacional como Sam Smith, Vincint, Bronze Avery y Years and Years.

"Bebo Mucho" ya está disponible para streaming en este enlace.

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Además, los fans de Miguel Melfi nos presentan al artista panameño y nos dejan conocerles mejor gracias a una entrevista.

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Con apenas 20 años, Clara Lema se está abriendo camino en la escena emergente nacional con una propuesta honesta y directa. Desde Madrid, esta joven artista ha pasado de tocar el violín con 5 años a publicar sus primeros singles en menos de un año. Tras SATURNO y Mírame, su nuevo tema Me confunde(s) la consolida como una de las voces más prometedoras del pop emocional de nueva generación. Hablamos con Clara sobre su recorrido, su proceso creativo y lo que está por venir.

Clara, gracias por acompañarnos. Vamos con las preguntas:

Desde los cinco años has estado en contacto con la música, pero ¿en qué momento decides que quieres convertirla en tu profesión?

Desde pequeña he estado súper conectada con la música. Siempre me ha encantado cantar, bailar, subirme a un escenario… nunca me ha dado vergüenza, era como mi forma de expresarme. Pero el momento en el que de verdad decidí que quería dedicarme a esto fue el año pasado.

Llevo años componiendo, pero todo lo tenía guardado para mí. Me daba cosa enseñarlo, supongo que, por inseguridades, por el miedo al “qué dirán”, al “¿y si no gusta?”. Me frenaba mucho eso, aunque por dentro sabía que era lo que más quería hacer.

Lo que me hizo espabilar fue que, con unas amigas, el verano pasado, hicimos un trend en TikTok para intentar conocer a una artista que llevaba años siguiendo y para mí fue, y es hoy en día, alguien a quien admiro y quiero mucho, y conseguimos conocerla. Justo ella también acababa de empezar en la música, y para mí fue como ver una versión un pelín más mayor de mí misma. Me vi super reflejada, de hecho, me sorprendió lo mucho que nos podíamos llegar a parecer sin realmente habernos conocido antes, ella siendo tan conocida en redes y todo, y yo siendo nadie realmente. Pensé: “Si ella lo está haciendo, ¿por qué yo no?”. No la veía como alguien lejanísimo o inalcanzable, y siento que también es algo que me ha ayudado y motivado mucho.

Ahí fue cuando me dije: “Venga tía, deja de comerte la cabeza y hazlo ya”. Y desde entonces empecé a moverme, a compartir mis cosas y a tomármelo en serio de verdad.

Has pasado del violín y el piano al pop más actual, ¿cómo ha sido esa transición a nivel personal y artístico?

Pues… una movida, la verdad, jajaja. Para empezar, no sé tocar la guitarra, y claro, ahora que estoy haciendo pop y componiendo mis propios temas, me está tocando aprender poquito a poco. Pero está siendo muy guay, me lo estoy tomando como parte del proceso, y me lo estoy pasando muy bien.

Yo vengo de una formación más clásica, entonces meterme en el pop ha sido un cambio bastante heavy, pero también súper natural, porque al final es la música que más escucho desde siempre. Me sale sola, no tengo que forzar nada, simplemente me siento, empiezo a escribir y fluye.

Y aunque parezcan mundos diferentes, tener esa base más clásica me ayuda muchísimo. Hay muchas canciones de pop que tienen piano o incluso violín, y cuando se trata de sacar melodías, armonías o estructurar ideas, me viene genial. Me da herramientas que ahora valoro muchísimo más.

Pero lo más fuerte de todo es que meterme en un género que es tan distinto y parecido a la vez, me está enseñando cosas que, a pesar de llevar años en la música y haber hecho teoría, lenguaje, todo eso… no sabía. Como cuadrar una batería, entender bien la estructura de un beat, aprender a medio producir mis maquetas… Son cosas que no se aprenden en clase y que ahora estoy pillando sobre la marcha. Y me flipa, porque estoy creciendo un montón como artista y también como persona.

Defiendes que te sientes novata en lo profesional, pero con muchas ganas de aprender, ¿qué ha sido lo más desafiante de este primer año de carrera?

Sí, totalmente. Me siento novata todavía en lo profesional, pero con muchas ganas de aprender y de seguir creciendo. Este primer año ha sido un reto constante. Uno de los mayores desafíos ha sido hacerme ver como artista emergente, destacar entre tanta gente que también está intentando lo mismo.

Hoy en día cualquiera puede hacer música desde su habitación, subirla y empezar un proyecto, lo cual está genial, pero también significa que hay muchísima oferta, y diferenciarse cuesta. No basta con que la música sea buena: también tienes que saber promocionarte, moverte, hacer contactos, y sobre todo tener contenido constante para redes. Al final, ahora un artista emergente también tiene que ser un poco influencer, entender cómo funcionan TikTok, Instagram… y casi que ganarle al algoritmo. Todo eso es parte del trabajo, aunque muchas veces no se vea.

Al principio pensaba que era cuestión de esperar a que alguien te descubriera o te diera una oportunidad. Pero este año he aprendido que sí, a veces las puertas se abren... pero si no, yo las veo y las abro de una patada, jajajajaj. Hay que ir a por ello sin miedo, porque nadie va a apostar por ti más que tú misma.

Tu nuevo single Me confunde(s) ha sido, según tú, el que más has disfrutado creando. ¿Qué tiene de especial este tema para ti?

Me confunde(s) ha sido, sin duda, la canción que más he disfrutado haciendo hasta ahora. No solo porque me representa mucho, sino porque siento que marca un cambio real en mi forma de hacer música. Desde cómo la compuse hasta cómo sonó al final, todo tuvo más intención, más claridad. Ya no era “a ver qué sale”, sino “esto quiero decir y así quiero que suene”. Y la verdad, acabé muy contenta con el resultado.

Con Saturno, que hice junto a ARENAS, fue otra historia. Más que una canción, fue un momento. Nos sirvió para conectar de verdad como amigos y darnos cuenta de lo fuerte que era nuestra amistad, que a veces podíamos llegar a dar por sentada. Muy especial, pero compartido. Luego vino Mírame, que fue mi primer tema sola-sola… y bueno, fue un experimento total, jajajaja. Estaba probando, aprendiendo sobre la marcha, en plan: “esto es lo que hay, espero que os guste”. Y oye, no salió del todo mal.

Pero Me confunde(s) ya es otra cosa. Es el primer tema donde sentí que estaba tomando decisiones más seguras, más pensadas. Desde la letra hasta el sonido, todo tiene más sentido. Y también lo he notado en cómo lo ha recibido la gente. Es como si ahora sí empezara a encontrar mi voz, y eso me motiva muchísimo. Estoy en esa etapa de ir aprendiendo, creciendo… pero ya sin tanto miedo a equivocarme.

¿De qué habla exactamente Me confunde(s) y qué esperas que la gente sienta al escucharlo?

Me confunde(s) habla de los “casi algo” … jajajajaj. De esa situación en la que no sois nada, pero sois todo. Hay tensión, hay conexión, hay historia, pero nunca pasa nada claro. Va, vuelve, aparece, desaparece, y tú ahí, intentando entender algo que no tiene sentido. No te coge, pero tampoco te suelta. Y mientras tanto tú, pilladísima.

Es esa relación que no es relación, donde todo es ambiguo. Y aunque sabes que no va a ningún sitio, sigues ahí porque algo te engancha. Cuando desaparece dices “ya está, se acabó”, pero en cuanto aparece otra vez con un “¿qué tal?” a las 2AM… pues vuelves. 

Y lo que espero con la canción es justo eso: que alguien la escuche y diga “uff, me está pasando lo mismo” y que se rían un poco de su propio drama o, al menos, lo canten bien fuerte y se quiten un peso de encima.

Eso sí, aviso: Me confunde(s) no es para volver a caer, ¿eh? Es para desahogarse, cantar con rabia si hace falta, pero no para volver al ciclo. Que nos conocemos, jajaja.

Tus letras son muy de tú a tú, directas, sin disfraz. ¿Por qué has elegido esa forma de escribir y qué crees que aporta a tu música?

Sí, la verdad es que escribo tal cual hablo —sin muchas vueltas—. No me sale eso de adornarlo todo con mil metáforas, aunque me encanta cuando otras personas lo hacen y me flipa analizarlas. Pero a mí me sale ser directa, como si estuviera mandando una nota de voz a una amiga. Creo que esa forma de escribir conecta más, sobre todo con la gente joven, que al final es la que más me escucha (y que ojalá se convierta poco a poco en una comunidad más grande). Para mí, son como colegas. 

No intento sonar más profunda de lo que soy, simplemente escribo desde lo que siento, y me gusta que eso se note. Prefiero que alguien escuche una letra mía y diga “buah, esto me ha pasado” antes que se queden pensando qué quise decir con una frase que ni yo misma entiendo. Al final, la música para mí es eso: una forma de desahogarme, pero también de crear vínculos reales con quien me escucha. Y si consigo que alguien se sienta acompañadx o se ría un poco con algo que pensaba que solo le pasaba a ella o él… ya con eso, yo estoy feliz.

¿Cómo te enfrentas a la parte de producción y montaje de tus temas? ¿Te involucras en todo o prefieres delegar algunas cosas?

Me involucro bastante. Lo que más me engancha de hacer música es justamente la producción, porque al final es realmente el montaje entero del tema. Me gusta escribir y cantar, sí, pero donde más disfruto es en todo el trabajo que hay detrás: probar sonidos, montar estructuras, decidir cómo debe sonar cada parte. Me interesa entender cómo se construye una canción desde dentro, no simplemente grabar y ya.

Producir no es fácil. No es solo elegir un beat, hay decisiones todo el rato: cómo entra una voz, si dejar un silencio, si meter un efecto, el reverb… Todo influye. A veces no está claro qué funciona y qué no. Hay que probar, equivocarse, frustrarse un poco, volver a intentar. Estoy aprendiendo a escuchar con más detalle y a entender por qué algo suena bien o por qué no termina de encajar. Es un proceso constante (y sí, a veces una pelea con el programa también, jajaja).

Trabajo con Viko, mi productor, y muchas veces siento que hace magia. Le suelto ideas súper abstractas —tipo “quiero que suene como si viniera de un teléfono, pero más como radio antigua”— y él las entiende y las convierte en algo real. Al principio me costaba explicarme (llegué a decir cosas como “esto tiene que sonar ñiñiñi”), pero con el tiempo he aprendido a comunicarme mejor, incluso con términos más técnicos. Me gusta entender lo que está pasando en cada parte del proceso, además que como artista me parece esencial tener una base de producción.

Últimamente también estoy trabajando con más productores, y eso me está ayudando mucho. Cada persona tiene su forma de construir y su manera de escuchar. Me obliga a adaptarme y a salir de mi zona de confort y me está ayudando a ver y componer mis temas desde perspectivas que jamás me hubiese imaginado, la verdad. Así que sí, todavía tengo mucho que aprender, pero intento estar en todo lo que pueda y absorber lo máximo. 

Dices que te sientes más cómoda en el pop, pero que estás abierta a otros estilos. ¿Qué géneros te gustaría explorar en un futuro cercano?

Sí, estoy bastante abierta a probar estilos nuevos como el reggaetón o el rap, porque son géneros que me llaman mucho la atención y que, poco a poco, estoy empezando a explorar. Me gusta la idea de no cerrarme a nada. Al final, creo que cada estilo tiene algo que enseñarte, y si te limitas a uno solo, te pierdes un montón de oportunidades para crecer, además, nunca sabes dónde puede salir una idea buena, a veces escucho algo totalmente distinto a lo que suelo hacer y me digo: ‘buah, esto me encantaría probarlo’.

El reggaetón tropical, por ejemplo, me parece que tiene una energía super especial. Es alegre, tiene ritmo, pero sin llegar a ser demasiado, y las vibras caribeñas son lo más, como si te transportara a otro sitio. Me flipa ese tipo de sonido, que te hace moverte sin ser demasiado agresivo. Y el rap melódico me atrapa por otro lado: letras que dicen cosas, que te hacen pensar o sentir, pero con una base muy simple, a veces nada más que un piano y algo de beat. Artistas como Kadec o Decomdz hacen cosas muy interesantes en ese sentido.

Aun así, por mucho que me guste experimentar, siento que el pop es donde realmente encajo. Es el estilo que más me representa, donde más cómoda me siento componiendo y cantando. Me da libertad para probar sonidos nuevos sin dejar de sonar a mí. Así que, aunque me apetece seguir jugando con otros géneros, creo que el pop va a seguir siendo mi punto de partida. Es donde más natural me sale todo y donde quiero seguir creciendo como artista.

Has mencionado que tienes temas de reggaetón y trap guardados bajo la manga. ¿Te ves publicándolos pronto o prefieres esperar?

Sí, tengo varios temas de reggaetón y trap listos, o casi listos, y la mayoría son colaboraciones. Eso hace que todo dependa de más cosas que solo mis ganas de sacarlos jajaja. Hay que cuadrar agendas, grabar videoclips, alinear los planes de cada artista... y a veces eso lleva más tiempo que hacer la canción. Pero ya está todo bastante encaminado y van a salir este año, eso seguro.

La idea es que empiecen a salir en verano, porque los temas tienen esa vibra perfecta para la temporada: son intensos, bailables, callejeros. Hay uno de trap en particular que me tiene loquísima. Es de esos que entran con fuerza, una energía muy cruda, muy real… digamos que intenso jajaja.

Todavía no me he atrevido a sacar uno de trap o reggaetón completamente sola, y es algo que tengo ahí, dándome vueltas. Me da un poco de vértigo, la verdad, porque es un terreno con mucha personalidad, y quiero hacerlo bien, no por impulso. Pero está en mis planes, y cada vez lo veo más cerca. 

Lo importante es que estoy súper emocionada con lo que viene. Son temas que me representan, que tienen mucha energía, y que espero que la gente los disfrute tanto como yo disfruté haciéndolos.

"Laura West, conocida artísticamente como WESTIE, es una artista multifacética que ha sabido fusionar el pop con sonidos electrónicos y urbanos, creando una identidad única en la escena musical. Su último EP, 'QUIEN SOY CUANDO NADIE MIRA', es un viaje introspectivo que oscila entre la luz y la sombra, explorando temas profundos como el autoconocimiento y las relaciones interpersonales. Con colaboraciones destacadas y una propuesta escénica enérgica, Laura se consolida como una voz fresca y auténtica. En esta entrevista, nos adentramos en su proceso creativo, sus influencias y los mensajes detrás de su música."

 "QUIEN SOY CUANDO NADIE MIRA" es un EP muy personal. ¿Qué momento o experiencia detonó la creación de este proyecto?

Sinceramente, el año pasado atravesé un momento muy difícil, tanto a nivel personal como creativo. Pero fue precisamente esa crisis la que me impulsó a dar vida a este proyecto desde cero. Me apetecía crear un álbum en el que pudiera mostrar mi vulnerabilidad al mundo y, al mismo tiempo, hacer un ejercicio de introspección mientras lo creaba.

El EP comienza en un mundo idílico y luego desciende a sonidos más oscuros. ¿Cómo decidiste esta estructura narrativa?

Quería plasmar con total honestidad cómo me sentía en ese momento. Siempre me he sentido rodeada por una sociedad muy superficial, y fue justo hace un año, durante una temporada en la que pasaba muchos días sola en casa, sin ganas de socializar, cuando empezaron a aflorar mis sombras. Empecé a cuestionarme cosas que nunca antes me había planteado. Por eso me gustó la idea de que el proyecto empezara en un lugar idílico —como si fuera el cielo— y, acto seguido, cayera a la tierra, donde empezaría a afrontar todos los problemas más “terrenales”.

Colaboraste con artistas como Carmen Lillo y Laura Gibert, y productores como KFE y Scotty DK. ¿Cómo influyeron en el sonido final del proyecto?

 En este proyecto he tenido el privilegio de colaborar con amigas y con algunos de los productores más talentosos de la industria. Todos ellos son personas increíblemente creativas que han aportado una riqueza inmensa al proyecto. Compartimos el mismo impulso por experimentar y jugar con los sonidos, y creo que juntos hemos conseguido una mezcla muy bien equilibrada.

Normalmente me cuesta colaborar con otros artistas, especialmente en un proyecto tan personal en el que hablo abiertamente de mis propios traumas. Pero tanto Carmen como Laura han sabido entender el concepto a la perfección, y para mí es un verdadero regalo que hayan querido aportar su voz y sensibilidad a algo tan especial para mi.

"Caramelo" habla de la dualidad entre la imagen perfecta y las inseguridades. ¿Cómo fue el proceso de escribir una canción tan honesta?

 Todo empezó un día en terapia, cuando mi psicólogo me preguntó: ¿Tienes autoestima? Yo le respondí que sí, que al mirarme al espejo me gustaba lo que veía. Entonces me dijo que no hablaba de mi exterior, sino de mi interior. Y fue en ese momento cuando me di cuenta de que mi autoestima era mucho más frágil de lo que pensaba. Siempre he intentado alcanzar una cierta perfección externa, pero al mismo tiempo he buscado constantemente la validación de los demás, sintiéndome insegura en muchas ocasiones. Esta canción nace de esa reflexión, y plantea una pregunta esencial: ¿Nos estamos dando valor, solo por como nos vemos por fuera?

Tu música mezcla pop, electrónica y urbano. ¿Cómo defines tu evolución sonora desde tus inicios hasta ahora?

Siempre me ha atraído la música experimental y he intentado integrarla en mis canciones. Aun así, siento que con el tiempo mi sonido se ha ido definiendo cada vez más, encontrando así una identidad más madura y equilibrada. Tengo la suerte de escuchar música en distintos estilos y en varios idiomas, lo que me permite descubrir constantemente nuevos recursos que luego incorporo a mi propio proyecto.

¿Qué representa para ti el nombre WESTIE, tanto en tu música como en tu identidad?

En realidad, este nombre no lo creé de forma consciente, fue surgiendo poco a poco… y hoy en día me encanta. Siempre me he considerado una persona vergonzosa, algo antisocial y bastante insegura. Pero cuando aparece este alter ego, siento que me transformo. Es como si el hecho de tener un nombre artístico me permitiera salir de mí misma y actuar sin tanto juicio. Me da libertad para expresarme sin las barreras que a veces me impone mi parte más tímida.

Tus shows son conocidos por su alta energía y coreografías con las Westies. ¿Cómo surgió la idea de integrar el baile como parte esencial de tu arte?

Me encanta el arte en todas sus formas, y poder expresar lo que dicen mis canciones a través del baile es algo muy especial para mí. Me ayuda a conectar aún más con lo que estoy cantando, especialmente en los directos. En estos nuevos shows estoy incorporando acting y atrezzo, con la intención de que el público pueda sumergirse en mi universo creativo. Además, tengo que confesar que subirme al escenario con mis bailarinas —que también son mis amigas— me da una seguridad enorme. Me ayuda a estar más tranquila. Compartir esto con ellas lo hace aún más significativo: son recuerdos que nos van a acompañar siempre.

Has sido telonera de artistas como Bad Gyal y RVFV. ¿Qué aprendiste de esas experiencias y cómo influyen en tu propio escenario?

 He tenido la oportunidad de cantar en lugares espectaculares, pero justo has mencionado los dos conciertos que más he disfrutado hasta ahora. La energía del público fue increíble y me sentí conectada a tope. Vengo de actuar en espacios muy pequeños, y todas esas experiencias me han servido como preparación para escenarios más grandes. Además, he aprendido muchísimo observando otros directos, siempre estoy dándole vueltas a cómo puedo seguir mejorando el mío.

Cantar en este tipo de eventos te forma de verdad: aprendes a sonorizarte bien, hablar con los técnicos de sonido,  manejar lo que ocurre en el backstage y a adaptarte a cualquier imprevisto.

¿Cómo fue actuar en festivales como el Negrita Music Festival o el Holika? ¿Qué diferencia hay entre un festival y un concierto en sala?

Acabas de mencionar el mejor año de mi vida. Poder actuar en escenarios con tanta repercusión ha sido una auténtica locura. He tenido la oportunidad de viajar, de descubrir rincones y culturas únicas de este país, reírme a carcajadas con mi equipo y, sobre todo, crecer muchísimo como artista.

Los festivales te dan una visibilidad enorme, mucho mayor que un concierto en una sala privada, pero también conllevan el riesgo de enfrentarte a un público que quizá no conecte con tu música. Además, el tiempo de actuación suele ser más limitado, y no siempre puedes mostrar todas las capas de tu proyecto. En cambio, los conciertos en sala son mucho más íntimos y personales, pero el poder formar parte de un festival tan grande  y de todo lo que conlleva, es una experiencia espectacular. Quien viene, lo hace porque realmente quiere escucharte, y esa conexión es muy especial.

Si tuviera que elegir… sinceramente, no sabría con cuál quedarme. Cada formato tiene su magia y también sus retos.

Además de cantar, eres compositora, productora y ghostwriter. ¿Cómo equilibras todos estos roles?

Al final todo es música y lo acabo incorporando en mi proyecto. Ahora mismo, estoy co-produciendo la mayoría de temas que voy a sacar después del álbum y estoy muy orgullosa de mi avance con la producción, ya que a veces estoy por la calle y me viene una idea y me voy directa a casa con el Ableton, no me hace falta pedir hora de estudio con un productor!!

¿Hay algún artista o género que te haya inspirado especialmente en este último EP?

Hay demasiados artistas… ya que he sacado recursos de muchísimos sitios distintos, pero si que a nivel sonoro te diría Rosalía, Fred Again…, Judeline, Artemas, emtre otros.

¿Qué mensaje quieres que lleven tus fans después de escuchar "QUIEN SOY CUANDO NADIE MIRA"?

Sé que para ellas soy una persona muy cercana, pero también reconozco que me cuesta abrirme del todo y dejarme conocer en profundidad. Con este álbum quiero regalarles una parte de mí, una que quizá nunca había mostrado del todo. A través de estas canciones podrán entender todo lo que viví y sentí el año pasado.

También quiero que sepan que ellas son una de las razones por las que sigo haciendo música. Me encantaría que este proyecto lo hagan suyo, que lo sientan cercano, y que pueda acompañarlas —como banda sonora— en muchas de sus propias historias.

El título del EP sugiere una exploración de la identidad. ¿Crees que la música te ha ayudado a entenderte mejor a ti misma?

Sin duda, he dedicado muchísimo tiempo a la música; ahora mismo es donde enfoco toda mi energía. Ese tiempo lo he aprovechado para hacer introspección y reconectar con las ganas y la ilusión que me impulsaron a empezar en este camino.

Siempre digo que, al escuchar la música de un artista, puedes intuir su personalidad y su forma de ver la vida en el momento en que creó ese trabajo.

Finalmente, ¿qué viene para Laura West? ¿Hay algún sueño musical o colaboración que te gustaría cumplir próximamente?

Mucha música. No quiero adelantar demasiado, pero tengo casi otro álbum terminado y, sinceramente, creo que es de lo mejor que he hecho hasta ahora.

Me encantaría seguir creciendo, darme a conocer aún más y poder ir a tocar con mi equipo por todo España. A nivel de Catalunya, uno de mis sueños sería colaborar con Julieta, y a nivel estatal, con artistas como Oddliquor, Judeline, Belén Aguilera o Soge Culebra.

SORAYA ARNELAS: “Quiero que la gente me recuerde como una luchadora y una currante".

Ya han pasado dos décadas desde que conocimos a Soraya Arnelas, y parece que fue ayer cuando irrumpió en el escenario de Operación Triunfo cantando el ya mítico “Run to you” de Whitney Houston. Tras 7 discos de estudio e inmersa en la preparación del octavo, Soraya sigue siendo una auténtica todoterreno, dispuesta a afrontar cada uno de los retos que están por llegar este 2025, año que además viene cargado de proyectos musicales muy ilusionantes.

Por lo pronto, el 11 de abril lanzaste “El juego de la vida” junto a Pastora Soler.

Hemos podido grabar el tema juntas y ha sido un gran regalo. Nuestras voces empastan muy bien y ha quedado un temazo, la verdad. No hemos podido grabar un videoclip conjunto, pero aprovechando el día de grabación, también guardamos recursos visuales muy bonitos para que podáis haceros una idea de todo lo que vivimos en el estudio. 

Después de esto, vuelve la música de baile. Sé que mi imagen está muy asociada a la música de baile. Y no porque me lo pida el público vuelvo a ello, sino por una decisión propia, porque a mí me apetece, y porque me siento preparada.

Es verdad que, coincidiendo con el 20 aniversario, lanzar un álbum con música de baile, que es además lo que el público desea… Esto puede ser una bomba.

DANCE OR DIE. Es un álbum puramente de baile, en el que además va a haber sorpresas, porque va a haber producciones que no esperáis, va a haber incluso maneras de cantar que no esperáis, va a haber nuevas propuestas de sonido que son muy internacionales… lo cual va a ser un álbum de tendencia, similar a lo que pasó con Universe in me. Es un álbum muy bien hecho, con mucho corazón, pero sobre todo con mucha cabeza.

¿La gira la tienes preparada ya?

Tenemos cerradas más de 20 fechas, y otras que están por venir. De momento, estaré girando hasta octubre. Hay fechas que todavía no puedo anunciar hasta que lo hagan los Ayuntamientos, pero ahora mismo estamos preparando un buen cartel e iré anunciando a medida que se pueda. Este verano me estaré moviendo mucho, y estoy muy contenta por ello.

¿El setlist lo tienes cerrado? ¿Habrá algún tema del nuevo álbum en él?

Sí, ya está terminado. A ver… habrá dos que ya conocéis, que son Earthquake y Heaven Knows. Hay canciones de mi discografía que yo no he cantado nunca, hay sorpresas como siempre… pero el setlist está hecho. Ahora estamos ya con los visuales finales y con el vestuario.

La escenografía ya está pensada, tengo mucha ilusión y creo que la gente lo nota. Muchos me dicen que me brillan los ojos, y tienen toda la razón. Tengo tantas cosas creativas en mano, que esa es la parte bonita de mi trabajo. Hay muchas ilusiones puestas detrás de los 90 minutos de concierto.

La selección de temas ha sido muy difícil y he intentado pensar en todos los públicos. Los que recién se han incorporado, los que llevan desde el principio a mi lado... entonces he intentado equilibrarlo todo y creo que os va a gustar y emocionar.

La gente tiene muchas ganas.

Yo creo que esto no tiene que ser solo ilusionante para mí, sino también para vosotros. Al final vosotros también habéis envejecido con mi música, ya no somos tan jóvenes, todos tenemos familia, trabajo… y volvernos a juntar 20 años después es volver a esos inicios. Me siento orgullosa. Ha sido mutuo. Nos hemos cuidado y las relaciones permanecen en el tiempo cuando se cuidan por ambas partes.

Estos días de promoción te habrán hecho conectar con tus inicios, con momentos muy importantes en estos 20 años de carrera, como por ejemplo Eurovisión, la final de Operación Triunfo…

Yo viví todo tan concentrado que tengo como lagunas. No recuerdo todo de aquella época. De hecho, si tú me dices que estuve en la green room, yo te diría que nunca estuve allí. De muchos momentos de mi carrera, por tanta presión y nervios, he olvidado. Lo recuerdo por personas, porque veo imágenes…

De hecho, la actuación final de Eurovisión, yo no la he visto voluntariamente más de 5 veces. Y te podría decir que menos de 3. Yo no voy a buscar esas imágenes. Lo que está hecho, hecho está. Están en el recuerdo y ya. También te digo que hay cosas de las que prefiero no acordarme.

Si tu me dijeras si cambiaría algo de aquella época, yo no cambiaría nada. Aprendí tanto…

Soy muy trabajadora, soy muy perfeccionista y me siento orgullosa de ello.

He hecho las cosas siempre desde el esfuerzo absoluto.

¿Es el legado que te gustaría dejar? ¿Cómo te gustaría que la gente te recordara?

Sí. Como una luchadora, una currante. En casa me enseñaron que las cosas no te caían del cielo, que había que trabajarlas. Yo creo que todo lo que he conseguido ha sido el resultado de mis acciones, de mi trabajo. Cómo no me voy a sentir orgullosa. ¿Que podría haberme ido mejor en mi carrera? Probablemente. ¿Qué podría haber desaparecido? También. Entonces, si el éxito conlleva que me quiten tiempo de estar con mi familia, eso ya no es éxito, sino una tristeza de vida.

Ahora mismo, virgencita que me quede como estoy.

¿Qué otros proyectos están por llegar este 2025?

Va a ser un año de mucha música. Vienen remixes nuevos de “Soy esa mujer” y “Alas”, ambos por Julián Póker. “Mi mundo sin ti” tiene una nueva producción para el directo… Va a haber un giro en muchas cosas.

Hay otros proyectos que todavía no puedo desvelar, pero estoy muy ilusionada.

Entrevista de Eva Ladevesa (twitter.com/miviajemusical) para ElFiesta.es

Caluu C., la voz ígnea del urban español, vuelve a encender los escenarios con su nuevo single, 'Si Quisieras', una canción que ya está haciendo arder las redes sociales desde su anuncio. Con un estilo que fusiona sensualidad, ritmos urbanos y una conexión única con su audiencia (quienes incluso eligieron el título del tema), la artista canaria demuestra una vez más por qué su música es sinónimo de pasión y fuego. Tras éxitos como 'PEÓN' (con Dani J) y 'MEXXX' (con NineTeen Elevenn), y su incursión en el trance con 'LUNA', Caluu C. sigue rompiendo moldes. Hoy nos adentramos en su universo creativo para hablar de este nuevo lanzamiento, su evolución artística y sus planes en 2025. ¡Bienvenida, Caluu!

"Si Quisieras" es un tema ardiente y sensual. ¿Qué historia hay detrás de esta canción y qué querías transmitir con ella?

Wow! Recuerdo que cuando Thor me mandó la idea quedé loca. Como que tuve una muy fuerte conexión con lo que oía, y ya las melodías y la instrumental me estaban incitando hacia un lado más erotico-sensual. Partimos de la base de que el estribillo, ya denota esa intención de cercanía sexual hacia esa persona. Y fue básicamente a lo que me aferré jaja. El concepto era claro: conexión única entre dos personas, que aún no han sincerado sus sentimientos y que están dispuestos a explorar íntimamente sobre esa conexión mutua tan especial. 

Lo más especial es que tu público eligió el título. ¿Cómo surgió la idea de involucrarlos y qué significa para ti esta conexión con tus fans?

Pues esta idea surge básicamente porque nunca me gustó una comunicación unidireccional, donde yo doy la info y ya está a quien le guste bien y si no también jaja. Además, cuando tú involucras a tu público en tu proyecto acabas consiguiendo que se sientan parte de él. Y creo que el resultado es más bonito aún.

La producción suena impecable. ¿Cómo fue el proceso de creación? ¿Trabajaste con algún productor o equipo en especial?

¡Por supuestisimo! En todo el proceso creativo involucró a todo mi equipo. En este caso en la producción, mi mano derecha siempre es Thor. Confío plenamente en su creatividad y visión en mi proyecto. Thor en un principio, me mandó la idea, y yo en mi casa terminé de componerla, grabarla y se la mandé para que terminara la producción con las voces. Y luego para el “visualizer” se me ocurría algo que tuviera que ver con el mar. Así que me cogí un tren a Málaga y junto a mi novio y mi coreógrafo, hicimos un visual precioso y sencillo en el mar.

El sonido es urbano, pero con tu sello característico. ¿Cómo definirías la esencia de "Si Quisieras" dentro de tu discografía?

Creo que “Si Quisieras” es muy especial e íntima. La verdad, todas las canciones que tengo se diferencian unas de otras, a pesar de ser todas de género urbano. Sin embargo, esta última, entra en una etapa de mi vida totalmente diferente ya que estamos haciendo énfasis en un estilo más afro-rnb. Creo que la esencia de “Si Quisieras” son sus melodías pegadizas y, a la vez sensuales. Que es literalmente algo que caracteriza mucho a mi música en general.

Vienes de lanzar "CORA BLINDAO" y el EP "BOXXXITO" con THORLONDON. ¿Cómo ha influido esta colaboración en tu música?

Ha sido una antes y un después en mi carrera, sin ninguna duda. Sobretodo con BOXXXITO, que es un Ep donde muestro muchas inseguridades y limitaciones que me han pesado durante toda la vida. El hecho de haber planteado un proyecto así, me ha hecho meditar mucho sobre todo lo que me rodea y analizar todo lo que sucede, tanto positivo como negativo, desde otro punto de vista un poco más maduro. Como decía en el punto anterior, Thor me acompaña en mi proyecto desde el principio y este Ep consolidó nuestro proyecto en la industria, sobretodo en Canarias. Y en cuanto a CORA BLINDAO, el simple hecho de haber podido colaborar junto a Juanjo Monserrat, productor de Sebastián Yatra en “Tacones Rojos”, ya es un triunfo. Es una persona de gran reconocimiento en la industria musical y eso hace que tu música de alguna manera tenga “más importancia” y, por ende, que Caluu C., se consolide como un artista con un enfoque internacional fuerte.

Has fusionado reggaetón, bachata, mambo e incluso trance ("LUNA"). ¿Cómo decides explorar nuevos géneros sin perder tu esencia?

Algo que tengo claro dentro de mi carrera musical es que no pienso encasillarme en algo. Quiero ser libre dentro de mi arte y mi trabajo. Quiero volverme loca y experimentar. Quiero dejarme fluir por lo que siento en el momento. En este caso, “LUNA” se hizo en un momento de mi vida que realmente necesitaba. Justo estaba saliendo de la discográfica en la que empecé y eso me generó mucha ansiedad y estrés. Y creo que “LUNA” me hizo de alguna desfogar, me hace sentirme libre, empoderada y grande... Además, es un género que me apasiona y que amo disfrutar de fiesta. Fue todo un honor haber podido crear con BENGRO esta increíble canción.

Colaboraste con Juanjo Monserrat (productor de Sebastián Yatra). ¿Qué aprendiste de trabajar con figuras tan influyentes?

Algo que aprendí de él es la importancia de darle vueltas a una buena melodía. Es lo que hace que la canción se diferencia del resto. Es lo que hace que al oyente le resulte fácil de recordar. 

Tu tema "PEÓN" superó el millón de streams. ¿Qué significó ese hito para ti y cómo ha cambiado tu carrera desde entonces?

Para empezar, el hecho de que te lleguen todos los días diez reels diferentes con personas de todo el mundo bailando tu canción. Esa canción que tú has compuesto. Que aparezca en campeonatos mundiales de baile, que la gente le haga covers, que la analicen. Incluso ser número uno en Italia o Canadá cuando salió. Yo no me lo podía creer cuando ocurrió. No me creía lo que estaba ocurriendo. A nivel personal te motiva, te hace pensar que verdaderamente estás en el camino adecuado. Y a nivel personal te abre muchísimas puertas, más lo muchísimo que aprendes de todo el proceso sobretodo junto a Dani J, que es un profesional súper detallista y trabajador.

Creciste en Fuerteventura con padres amantes de la música. ¿Cómo influyó tu infancia en tu estilo actual?

Yo creo que, para empezar, el crecer con música latina. Esas verbenas enormes donde se escuchaba reguetón, merengue, bachata, que además amo bailar todos estos estilos, han sido un factor clave a la hora de seguir ese género urbano. Y luego, de parte de mis padres, heredé esas ganas de escenario. Yo me imaginaba con estar en escenarios gigantescos cantando y bailando.

Tienes una voz muy distintiva. ¿Cómo la trabajas para adaptarla a géneros tan diversos?

Creo que mi versatilidad en cuanto a lo vocal, parte por mi admiración en grandísimas artistas como son Beyoncé, Mariah Carey o Christina Aguilera. Mi padre siempre me dijo que ellas serían las mejores profesoras de canto. Y fue lo que hice, me aprendí todas sus canciones y trataba de imitar todos los giros que hacían. Y cuando empecé como proyecto, me ayudó mucho a adaptarme a cualquier estilo.

Letras como las de "Si Quisieras" despiertan emociones intensas. ¿Cómo es tu proceso para escribir? ¿Buscas provocar algo en específico?

Me encanta todo lo que tenga que ver con la sexualidad y el erotismo. Creo que es algo que me identifica mucho en las canciones y siempre trato de llevar mis letras en esa dirección. Cuando empiezo a componer siempre empiezo por la instrumental, la escucho la interiorizo y empiezo a pensar en conceptos. Hay veces que me pongo a grabar en loop, soltando melodías. Otra veces escribo encima de lo que escucho.

Participaste en la serie Urban de Prime Video. ¿Te interesa seguir explorando el mundo audiovisual?

Amo todo lo que tiene que ver con lo audiovisual. Creo que es un camino que me puede venir muy bien a la hora de interpretar tanto en lives como en videoclips o en grabaciones vocales incluso, además que es un mundo que me apasiona y sé que me lo pasaría genial.

En 2025 ya llevas un single y un EP. ¿Qué más nos puedes adelantar? ¿Habrá álbum o giras?

De momento no nos estamos centrando en un álbum, pero si puedo decirte que se viene la Caluu por toda España. Y que traemos un show muy fuerte con un equipo de bailarines dirigido por Carlos Hernández que vamos a dejar a todo el mundo en shock!! Además es posible que nos vean por ciudades Francesas, concretamente por el mes de Agosto, pero esto es un secreto jeje.

Con más de 30 canciones, 1M+ en Spotify y una comunidad fiel, ¿qué mensaje le mandas a quienes te siguen en esta nueva etapa?

Darles las gracias a todas las personas que me siguen cada día, que me mandan mensajes de apoyo preciosos. Se que tengo a personas maravillosas alrededor y que están haciendo que todo esto funcione y es un verdadero sueño para mí. A todos mis seguidores y oyentes, prometo darles siempre la mejor música que pueda hacer desde el corazón, y a mi equipo, prometo que vamos a conseguir todos nuestros sueños y lo conseguiremos juntos!

Caluu, tu conexión con los fans es evidente, pero ¿Cómo te gusta llamarlos y qué representan para ti? ¿Qué es lo más bonito que ha hecho un fan por ti?

Los llamo “FAMILIA”. Siempre verás en mis post haciéndoles referencia con este nombre. Y representan el apoyo más grande que tengo. Y no es solo un honor para mí, es que es el sueño con el que todo artista sueña. Que te sigan por tu arte, que te escuchen por lo que escribes. Esto es éxito para mí.

Desde el Equipo de ElFiesta.es queremos darte las gracias por este tiempo que nos dedicas.

Y gracias a ustedes por apoyar todo lo que hacemos y por hacérselo llegar a más gente. Vamos a hacer que esta familia crezca!

Marina Dorochenko y Paco Navarrete, el dúo valenciano que forma Safari Club, son sinónimo de energía, alegría y un estilo único que fusiona pop, rock y electrónica con un toque tropical. Con más de una década de carrera, este dúo ha conquistado al público no solo por su música pegajosa, sino también por su carisma y su capacidad para conectar con la audiencia. Su último sencillo, Porfa Quédate, es un himno fresco y lleno de vida que captura la magia de un amor espontáneo, con referencias a Estopa, Guantanamera y tardes de playa. Además, recientemente han sido protagonistas de las Fallas de Valencia 2024 con su canción No Hay Nadie Como Tú, que se convirtió en la banda sonora oficial de las fiestas. Hoy nos adentramos en el mundo de Safari Club para conocer más sobre su música, su inspiración y sus planes futuros. Bienvenidos, Marina y Paco.

"Porfa Quédate" es una canción que desborda energía y captura la magia de un amor espontáneo. ¿Cómo surgió la idea de este tema y qué queríais transmitir con él?

La idea de este tema realmente está inspirada en cómo nos conocimos. De una manera muy espontánea y sin tener casi nada en común en ese momento. 

Y lo que queremos transmitir con el, es lo bonito que es la inocencia de cuando conoces a alguien y te lanzas a la aventura, a quererlo sin miedo a nada.

La canción fusiona pop, rock y electrónica con un toque tropical. ¿Cómo definís vuestro sonido y qué os inspiró a mezclar estos géneros en "Porfa Quédate"?

Nos gusta mucho jugar con los distintos géneros musicales, pero siempre añadiendo un toque Tropical que es nuestra pura esencia. 

Vivir cerca del mar, es algo que nos inspira mucho. Y siendo productores nos encanta experimentar cosas nuevas.

En "Porfa Quédate" hay referencias a Estopa, Guantanamera y tardes de playa. ¿Cómo influyen estas referencias en vuestra música y en la creación de este tema?

Bueno, las tardes de playa es fácil porque vivimos en ellas, jajaja

Estopa fue el primer grupo del que tuve un CD. Y además siempre me gustaron sus valores, su forma de ser con la gente y por supuesto su música, que es leyenda de nuestro país.

Y Guantanamera es una canción mítica que con solo escucharla te transporta a un chiringuito con ambiente tropical.

El estribillo de "Porfa Quédate" es muy pegajoso. ¿Cómo trabajáis para crear hooks que conecten tan bien con el público?

Detrás de todas las canciones siempre hay mucho trabajo. Intentamos que tanto el estribillo, las estrofas, las melodías y las letras, expresen la historia que queremos contar. Muchas canciones se quedan por el camino porque no hay una fórmula mágica para componer. Realmente se trata de ser sincero y honesto con lo que escribes. 

Y nos encanta que la gente se sienta identificada con nuestra vibra y nuestras historias. Al final las canciones acaban siendo suyas. 

Comenzasteis como Luna Llena en 2009 y ahora sois Safari Club. ¿Cómo ha sido la evolución de vuestro proyecto musical a lo largo de estos años?

Lo definiría como Precioso y Duro, Jejeje... Como ya sabrás la música no es solo hacer canciones, hay una enorme industria detrás y mucho trabajo que no tiene nada que ver con crear, y que tampoco se ve y que poco se valora.

Sois un grupo independiente, pero habéis logrado más de 2 millones de views en YouTube y más de 50.000 seguidores en redes. ¿Cómo habéis conseguido este éxito y qué significa para vosotros?

Trabajo, trabajo y más trabajo...

Al final intentamos no guiarnos por los números y no basar el éxito en las views, (aunque obvio es importante).

Tratamos sobre todo hacer lo que nos gusta y disfrutar del proceso. 

Y nos sentimos muy afortunados. Que pese a ser un grupo independiente recibimos muchísimo cariño de nuestro público. Y eso no tiene precio.

Vuestra música ha sonado en importantes medios de España y Latinoamérica. ¿Cómo ha sido la experiencia de llegar a audiencias tan diversas?

La experiencia ha sido increíble y creo que al final lo que busca un artista es que su música se escuche todo lo posible. 

Y que te den la oportunidad de tener esa exposición es genial.

"No Hay Nadie Como Tú" fue la canción oficial de las Fallas de Valencia 2024. ¿Cómo surgió esta colaboración y qué significó para vosotros ser parte de esta fiesta tan emblemática?

La canción surgió a través de la propuesta de la agrupación del Marítimo (todas las fallas que forman parte de la zona de la playa)

De esa idea creamos la canción y al final gustó tanto que se convirtió en la oficial de todas las Fallas.

Siendo Valencianos, era un sueño que jamás pensamos lograr. 

El videoclip de "No Hay Nadie Como Tú" es muy divertido y colorido, con más de 80 personas participando. ¿Cómo fue el proceso de grabación y qué queríais transmitir con este vídeo?

El proceso de la grabación fue largo pero muy divertido. Es complicado mover tanta gente de un lugar a otro y grabar en tantos sitios emblemáticos con la producción que eso requiere. Pero la gente nos lo puso muy fácil porque vino a divertirse y eso era justo lo queríamos reflejar en el videoclip.

Queríamos transmitir la esencia de nuestra tierra, nuestras raíces, nuestras tradiciones y como lo sentimos desde dentro.

¿Cómo fue la experiencia de presentar "No Hay Nadie Como Tú" en el Palau de Música junto a Bombai?

La experiencia fue increíble, porque el Palau estaba abarrotado de gente que ya se sabía la canción y la cantaba con nosotros. Fue genial!!

Y Bombai son un grupazo con los que hemos compartido escenario varias veces y fue muy especial compartir ese momento con ellos. 

Vuestro estilo se define como Pop Urbano Tropical. ¿Cómo habéis llegado a este sonido y qué os inspira a seguir explorando nuevos géneros?

Las canciones siempre son la base de todo, nos tienen que representar y sonar bien en acústico. Luego en el estudio nos encanta experimentar y ver cuál es el mejor sonido para la canción. 

Y por supuesto nos encanta que nadie se imagine como va sonar. Jejeje 

Habéis sido parte de varias campañas publicitarias. ¿Cómo ha sido la experiencia de ver vuestra música convertida en la banda sonora de marcas reconocidas?

La experiencia siempre ha sido positiva y es un premio que haya marcas tan reconocidas que se sientan identificadas con los valores de nuestras canciones. 

¿Qué objetivos os habéis marcado para los próximos años, tanto a nivel musical como personal?

En lo musical:

Lo primero es mantener y no perder la ilusión.

Seguir creciendo, mejorando y llegar cada vez a más público.

Y a nivel personal: 

Solo pedimos salud y ser felices.

Sois conocidos por vuestro carisma y vuestra forma de conectar con el público. ¿Qué creéis que hace que vuestra música y vuestras actuaciones sean tan especiales?

Creemos que a la gente le gusta como somos, nuestros valores, y como nos expresamos en nuestras canciones y en directo. 

Siempre somos nosotros mismos para lo bueno y para lo malo y creemos que eso es lo que más le llega a nuestro público.

¿Qué mensaje os gustaría que el público se lleve al escuchar vuestra música y conocer vuestra historia?

El mensaje que nos gustaría transmitir es que todos tenemos problemas y complicaciones, pero al final hay que quedarse con lo positivo e intentar disfrutar del momento.

"El tiempo es lo más valioso que tenemos y hay que disfrutar cada minuto que podamos"

Desde el Equipo de ElFiesta.es queremos darte las gracias por este tiempo que nos dedicais.

Curro García, cantante, guitarrista y multiinstrumentista madrileño, es uno de esos artistas que no solo crea música, sino que la vive. Con una trayectoria marcada por la autenticidad y la pasión por el rock, el pop y el punk rock, Curro ha logrado conectar con su audiencia a través de letras emotivas y melodías que resuenan en el alma. Su nuevo EP, Oblivio, es un viaje sonoro que combina la energía cruda del rock con la profundidad de historias personales, como el emotivo homenaje a su abuela en la canción que da título al trabajo. Hoy tenemos la oportunidad de adentrarnos en su mundo creativo, explorar sus inspiraciones y descubrir qué hay detrás de este nuevo capítulo en su carrera. Curro, bienvenido y gracias por compartir tu tiempo con nosotros.

 "Oblivio" es un homenaje a las personas desconectadas de su realidad. ¿Cómo surgió la idea de abordar este tema tan emotivo y personal en tu música?

La idea nace de un contraste de emociones. Como decías, quién me inspiró fue mi abuela, quién padeció Alzheimer durante más de una década. La última vez que nos vimos, tras visitarla, di un paseo por Madrid con mi chica, y pensaba en como todos vivimos situaciones así con seres queridos y, otros por desgracia lo sufren personalmente, mientras tanto el mundo continúa. Quería lanzar un mensaje por las personas que puedan estar así y no pueden contarlo.

La canción "Oblivio" fue escrita en minutos tras un momento emotivo con tu abuela. ¿Cómo fue ese proceso creativo tan rápido y visceral?

Nada más llegar a casa ese día, cogí mi guitarra acústica y el riff inicial salió de mi desde el primer momento. Solo me dejé llevar y al cabo de un rato me di cuenta de que tenía algo que merecía la pena que la gente escuchara.

En "Nadie quiere hacerlo", reivindicas el rock and roll en estado puro. ¿Qué significa para ti el rock hoy en día y por qué decidiste rescatarlo en esta canción?

Para mi es una de las bases sobre como sonar y como tocar, siempre ha estado en mis canciones.

El EP combina dos caras muy distintas: la emotividad de "Oblivio" y la energía de "Nadie quiere hacerlo". ¿Cómo lograste equilibrar estos dos mundos en un mismo trabajo?

De todas las canciones que tenía compuestas me pareció la mejor idea, representan muy bien dos caras que tengo a la hora de componer.

Eres productor, multiinstrumentista y compositor. ¿Cómo fue el proceso de grabar y producir "Oblivio" casi en su totalidad por ti mismo?

He estado siempre acostumbrado a grabar solo. Siempre hay un instrumento que manda en el tema, el resto de piezas las voy construyendo sobre eso. “Oblivio” tiene la peculiaridad de ser la primera canción donde he grabado una sección de trompeta, ha sido muy divertido y gratificante.

Pablo Salmerón colaboró en las baterías. ¿Cómo fue trabajar con él y qué aportó a las canciones?

Llevamos muchos años tocando juntos, es un batería extraordinario y mi amigo, siempre cuento con él para trabajar en el estudio.

El diseño artístico de Natalia Navarro acompaña el EP. ¿Cómo surgió la idea visual para "Oblivio" y qué relación tiene con la música?

Quería visualizar la perdida de contacto con la realidad, tapando ojos, oídos y boca, representando la pérdida de sentidos. Natalia captó la idea perfectamente y aportó su talento a la portada.

¿Cómo fue trabajar con Iker Arranz en la mezcla y el máster? ¿Qué buscabas lograr en términos de sonido para este EP?

Él es mi persona de confianza, siempre busco mi sonido y él trabaja mis ideas perfectamente.

Desde "Poesía Barata" en 2017 hasta "Oblivio", ¿cómo dirías que ha evolucionado tu música y tu enfoque como artista?

Desde hace 5 años produzco todas mis canciones, creo que cada vez tengo un sonido más definido.

Tus influencias americanas se notan en trabajos como "Quémalo". ¿Qué artistas o bandas han marcado tu sonido y por qué?

Una de las bandas que te diría es Tom Petty y Bruce Springsteen, me apasionan sus letras y el concepto de hacer sonar una banda tienen, me siento identificado.

Eres autodidacta y tocas múltiples instrumentos. ¿Cómo ha sido tu proceso de aprendizaje y cómo influye esto en tu forma de componer?

Siempre tuve acceso a la música, a los 11 años empecé con la guitarra, después el bajo y así sucesivamente. Tocar varios instrumentos me facilita ver las canciones desde diferentes perspectivas. A la hora de componer los tengo todos en la cabeza mientras repaso lo que escribo.

"Oblivio" es un adelanto de tu próximo álbum. ¿Qué podemos esperar de este nuevo trabajo en términos de sonido y temáticas?

Este Ep lo representa muy bien, por un lado la potencia y velocidad que me caracteriza y por otro, canciones con más recarga melódica e instrumental, creo que además son canciones con las que el público empatiza, hablan de la vida, nuestras situaciones y aspiraciones.

¿Cómo ha sido el proceso de crear un álbum después de años enfocado en sencillos? ¿Qué diferencias has encontrado?

Siempre he tratado de seguir mis pasos según lo que me dice el corazón, estando seguro y disfrutando del proceso, de un tiempo a esta parte me he encontrado con varias canciones que creo que encajan a la perfección en un álbum juntas.

Canciones como "Quédate mi parte", "Invierno" o "Solo" han conectado mucho con el público. ¿Qué crees que hace que tus letras y melodías sean tan cercanas para la gente?

Siempre intento hacer melodías que calen en el corazón de la gente, que gusten y que cuenten algo, creo que por eso gustan; así como las letras, siempre las escribo conectadas a las emociones que lleva la progresión melódica de la canción.

¿Qué mensaje te gustaría que el público se lleve después de escuchar "Oblivio" y conocer tu historia detrás de estas canciones?

Por un lado, me gustaría que sean canciones que disfruten con gusto escucharlas, que la música les haya calado y, por otro que se sientan representados con las letras y puedan darle su significado personal.

Desde el Equipo de ElFiesta.es queremos darte las gracias por este tiempo que nos dedicas.

A vosotros, ha sido un placer.

Simón, comenzaste tu carrera musical a los 14 años. ¿Cómo recuerdas esos inicios y qué te impulsó a dedicarte a la música desde tan joven? 

 La música siempre estuvo dentro de mí, aunque no crecí en un ambiente estrictamente musical. Recuerdo mis inicios con mucha emoción y también con nervios, porque sabía que era un camino difícil, pero no podía imaginarme haciendo otra cosa. Desde la primera vez que subí a un escenario, supe que esto era lo mío.

Con dos discos de oro en tu trayectoria, ¿cómo ha sido el proceso de consolidarte como artista en un mercado tan competitivo como el mexicano? 

Ha sido un camino de mucho esfuerzo y constancia. México es un país con un talento impresionante, y destacarse requiere trabajo, disciplina y conectar con el público. Los discos de oro son un gran reconocimiento, pero lo más importante para mí siempre ha sido la conexión que logro con la gente a través de mi música.

Tu música siempre ha destacado por conectar emociones. ¿Cómo defines tu estilo y qué te inspira a la hora de componer? 

Mi estilo es una mezcla de lo tradicional con lo moderno. Me gusta fusionar lo mejor del regional mexicano con sonidos más contemporáneos. A la hora de componer, me inspiran las historias reales, las emociones intensas y las experiencias propias y ajenas.

“¿Cómo carajos te olvido?” es tu nuevo single. ¿Qué historia hay detrás de esta canción y por qué decidiste abordar el tema del amor y el desamor en esta ocasión? 

Es una canción que habla del duelo después de una ruptura, de esa lucha interna entre querer olvidar a alguien y no poder hacerlo. Todos hemos pasado por un amor difícil de soltar, y quería reflejar ese sentimiento de una manera honesta y directa.

En esta canción colaboraste con el reconocido productor Jules Ramllano. ¿Cómo fue trabajar con él y qué crees que aportó a este proyecto? 

Trabajar con Jules fue increíble. Es un productor con una visión muy clara y supo darle a la canción el sonido que necesitaba. Su experiencia y su capacidad para entender la esencia de un artista hacen que trabajar con él sea un proceso muy enriquecedor.

La letra de “¿Cómo carajos te olvido?” es muy sincera y emotiva. ¿Cómo fue el proceso de escribirla y qué querías transmitir a tus oyentes? 

Fue un proceso muy natural. Quería escribir algo real, sin filtros, algo que cualquiera que haya pasado por una ruptura pudiera sentir como suyo. La música tiene esa magia de hacerte sentir acompañado en los momentos difíciles, y eso es lo que busqué con esta canción.

¿Cómo describirías la evolución de tu música desde tus primeros trabajos hasta este nuevo single? ¿Qué has aprendido en el camino? 

Mi música ha crecido conmigo. Antes, quizá me enfocaba más en ciertos géneros, pero con el tiempo me he permitido explorar y evolucionar sin perder mi esencia. He aprendido a confiar más en mi instinto y a no tener miedo de probar cosas nuevas.

El single refleja una faceta renovada de tu talento. ¿Qué diferencias encuentras entre este proyecto y tus trabajos anteriores? 

La diferencia principal es la madurez, tanto en la interpretación como en la producción. Me he permitido arriesgar más, jugar con sonidos distintos y expresar mis emociones de una forma más cruda y real.

En octubre lanzaste “Volver a empezar”, el primer sencillo de tu próximo álbum. ¿Qué nos puedes adelantar sobre este disco y cómo se conecta con “¿Cómo carajos te olvido?”? 

Este álbum es un viaje por distintas emociones y etapas de la vida. "Volver a empezar" habla de cerrar ciclos y renacer, mientras que "¿Cómo carajos te olvido?" se centra en el proceso de soltar. Son dos caras de la misma moneda.

¿Cómo fue el proceso de producción de “¿Cómo carajos te olvido?”? ¿Hubo algún momento o anécdota que destaque durante la creación de la canción? 

Fue un proceso muy orgánico. Hubo momentos en los que nos deteníamos porque la canción nos emocionaba demasiado. Recuerdo que cuando grabamos la voz principal, el ambiente en el estudio era de absoluta concentración y emoción.

Tu música siempre ha sido muy cercana a tus seguidores. ¿Qué esperas que sientan o experimenten al escuchar este nuevo single? 

Quiero que sientan que no están solos, que las emociones que viven son compartidas. La música es un reflejo de la vida, y si esta canción ayuda a alguien a sanar o a entender mejor su propia historia, ya cumplió su propósito.

Además de cantar, eres un compositor nato. ¿Qué significa para ti escribir tus propias canciones y cómo te ayuda a expresar tu visión del mundo? 

Escribir es mi forma de sacar todo lo que llevo dentro. Es una manera de comunicarme con el mundo y con mi público de la forma más sincera posible. Cada canción es una parte de mi historia.

Has trabajado con grandes artistas y productores. ¿Con quién te gustaría colaborar en el futuro y por qué? 

Me encantaría colaborar con artistas como Alejandro Sanz o Carlos Rivera. Son artistas con una gran sensibilidad y con un estilo que encajaría muy bien con el mío.

¿Cómo ha influido tu experiencia como músico en tu vida personal? ¿Qué te ha enseñado la música sobre ti mismo y sobre las relaciones humanas?  

La música me ha enseñado a ser paciente, a confiar en el proceso y a entender que todo lleva su tiempo. También me ha permitido conectar con personas de todo el mundo y darme cuenta de que, al final, todos compartimos las mismas emociones.

Finalmente, ¿qué mensaje le enviarías a tus seguidores que han estado contigo desde el principio y a aquellos que acaban de descubrir tu música con “¿Cómo carajos te olvido?”? 

Gracias por acompañarme en este viaje. Sin ustedes, mi música no tendría sentido. A los que han estado desde el inicio, les agradezco la lealtad y el apoyo incondicional. Y a los que recién llegan, bienvenidos, esta historia apenas comienza.

El artista peruano ha vuelto a España para presentar su nuevo tema, Sevilla, junto a Carlos Baute, y nos ha contado un poco más sobre su futuro.

¿Cómo estás? ¿Qué tal tu vuelta a España?

Muy bien. Estoy muy contento, muy agradecido por lo que está empezando a pasar. Considero que los pasos que estoy empezando a dar en mi carrera aquí en España empiezan a ser cada vez más claros y más sólidos. Igualmente considero que aún me falta mucho por aprender, pero definitivamente una canción con Carlos Baute me abre puertas que claramente antes no se me hubieran abierto.

Nos presentas tu nuevo single, Sevilla, una colaboración junto a Carlos Baute. ¿Cómo ha sido colaborar con él?

No todos los días tienes la gran suerte de poder colaborar con un artista que tenga una canción mundial como "Colgando En Tus Manos" con Marta Sánchez. Todos los que nos dedicamos a esto podemos tener buenas canciones, canciones súper conocidas en nuestros países. Pero tener una canción mundial es otra cosa, y muchas veces ni siquiera llega a pasar. Entonces, primero, es todo un placer. Y en segundo lugar, el hecho de que le haya gustado tanto una canción que compuse junto a Jonathan y Neva, que son dos grandes amigos con los que compongo siempre, también habla mucho de que lo que estoy proponiendo a nivel musical va por un camino muy interesante, que hasta a los más grandes les está empezando a interesar. Me siento muy agradecido y muy afortunado, y siento que estoy en una etapa donde estoy como una esponja absorbiendo y aprendiendo todo. El hecho de hacer esta canción con un artista latino hace que, de alguna manera, me sienta un poco más identificado, porque Carlos pasó por el mismo pasado que yo.

La canción habla sobre una historia de amor que transcurrió en la capital andaluza. ¿Cómo fue el proceso de composición? ¿La escribiste junto a Carlos, o se unió después?

Algo muy interesante de esta canción, que nunca pensé que iba a pasar, era que yo siempre tuve este concepto equivocado de que, si yo no escribía algo que había vivido, sentido o una experiencia personal, no iba a ser lo mismo. Pero, nunca hay que decir nunca, porque en este caso la historia no es mía. Esta historia es de uno de mis mejores amigos, que es peruano, y que casualmente conoció a su esposa en Sevilla. La historia va de que los dos estaban caminando por la calle, cada uno por su lado, y de repente se cruzan. Él la mira, y ella a él, como cualquier persona. Pero en este caso fue un poco más allá, porque mi amigo llegó horas más tarde a un bar y se la encontró. Obviamente se quedaron conversando, y desde ese día no se volvieron a separar. Ella se mudó a Perú, y hoy por hoy tienen una familia preciosa. Entonces, yo siempre pensé que jamás iba a poder crear algo en base a una historia de un tercero, y esta vez fue el caso. Por eso se llama Sevilla, porque es una historia que se dio en esa ciudad. Cuando entró Carlos, al tener la canción completa, me dijo: “Todo bien con la canción, pero en ningún momento dices Sevilla”, y fue ahí cuando él también le agregó unas cuantas palabras. Fue un proceso muy lindo, un nivel de generosidad muy importante el de Carlos porque está dándome una mano que cualquiera que está empezando de cero en un lugar nuevo necesita. Yo estoy empezando de cero en España, y él es un artista muy querido aquí. Entonces, esa mano que me está dando es lo que yo valoro más.

El single viene acompañado de un videoclip. ¿Cuál fue tu momento favorito del rodaje?

Todo el plan del video era grabarlo en Sevilla, pero lamentablemente justo en esos días de grabación pasó todo lo terrible de la DANA, que aprovecho para mandarles un beso enorme a toda la gente de Valencia y Málaga. Esos días el clima se puso muy movido, empezaron a haber lluvias, se tapó el cielo y mi equipo de producción dijo que no se podría realizar. Tuvimos que improvisar muchísimo, buscar localizaciones de un día para otro y quedarnos en Madrid. Me hubiese encantado que fuera en Sevilla, pero Madrid también es una ciudad preciosa.

¿Cómo estás viviendo la acogida del single por parte del público español?

Estoy feliz. Me han dicho que está sonando en las radios, en todo el país. Me mandan los vídeos, en Spotify veo que cada día va subiendo más. Igualmente, yo a estas alturas de mi aventura en la música, trato de disfrutar al máximo el día a día. Considero y lo he dicho siempre que esto no es un negocio ni es una carrera de números, sino una carrera de tratar de conectar con la gente, y eso es lo que quiero. Me muero de ganas de subirme a un escenario pronto. Pero, como todo, es un proceso de maduración. Más que estar muy concentrado en cómo le va a la canción, lo estoy en seguir construyendo y seguir haciendo que mi catálogo de canciones en España sea cada vez más grande, y que finalmente la gente decida lo que vaya a pasar.

De cara al futuro, ¿nos esperan canciones como ésta? ¿Hay alguna otra colaboración ya hecha o que tengas en mente?

El tema de las colaboraciones suena muy fácil, pero es lo más complicado de este negocio. Lograr que un artista salga de su agenda por un rato para interesarse por tu trabajo es algo muy difícil. Obviamente tengo conversaciones y cosas planeadas, pero nada que pueda decir. La de Carlos fue un reto muy complicado, pero lo logramos. Ahora en lo que estoy es con las ganas de escribir. He decidido que voy a empezar a escribir muchísimo para buscar el siguiente single. Los próximos días tengo sesiones de composición en Madrid.

Tu última gira por España fue todo un éxito. ¿Tienes ganas de volver a cantar para el público español? ¿Cuándo volverás?

Una noticia que salió en los últimos días es que tengo mi primera sala WiZink Center el 28 de Febrero. Quiero añadir que es un viernes, que es algo muy difícil de lograr, porque de primeras, si eres un artista menos conocido, suelen darte un lunes o martes, que está bien igual. Pero, que sea en viernes me da más pie a que venga más gente. Esa es la gran noticia. Va a ser una noche muy importante para mí y para toda la gente que me sigue de aquí. Van a haber muchas sorpresas, probablemente invitados. Es mi primera sala WiZink, y creo que es un paso muy importante para la industria de España.

Volviendo al single, ¿tienes alguna frase preferida dentro de la canción? ¿Cuál es y por qué?

Si. “Hay cien maneras de decírtelo, pero no alcanzan las palabras”. Esto de que hay cien maneras de decirte como te amo pero no me alcanzan las palabras es una frase espectacular y que engloba el concepto perfectamente. Es tanto el amor que te tengo que no me cabe.

En 3 palabras, define lo que significa para ti Sevilla.

Un gran paso para mí en España. Significa seguir defendiendo el pop, que es algo que me he propuesto. Y es haber cumplido el sueño de haberme vuelto amigo de alguien del que yo era muy fan y soy muy fan. Y que hoy, después de muchos años de trabajo, haya conseguido tener una canción con Carlos, es algo muy importante para mí.

¿Quieres añadir algo más?

Gracias y estoy muy feliz, de verdad.

Entrevista de Júlia Negrillo para elfiesta.es

PIGNOISE: "No nos guiamos por lo que está de moda. Siempre hemos hecho lo que nos ha apetecido de la forma más natural y honesta"

 Pignoise continúa celebrando sus 20 años de éxitos en la música y lo hace reencontrándose con su público frente a frente. Álvaro Benito, Pablo Alonso y Héctor Polo toman la carretera en una gira que los llevará a más de 20 ciudades y que tendrá el colofón perfecto para la banda y sus seguidores con su primer Wizink Center de Madrid.

Tras la gran acogida del disco recopilatorio con duetos (Andrés Calamaro, Los Secretos, Hombres G, Loquillo e Igor Paskual, La La Love You, Taburete, entre otros) es el momento de tocar los clásicos en directo con la madurez y la personalidad que el grupo ha desarrollado en todos estos años. Canciones como “Nada que perder”, “Te entiendo”, “Por verte” o “Todo me da igual” volverán a cobrar vida con la misma intensidad que las convirtieron en número 1.

Han pasado 20 años desde que arrancasteis con Pignoise. ¿Qué es lo primero que os viene a la cabeza de esos primeros días? ¿Alguna anécdota que os haga reír o pensar “vaya locura”?

Álvaro: Pues mira, meternos en un lugar donde no teníamos ni idea de dónde nos metíamos, realmente sin tener ningún conocimiento de nada, con mucha ilusión, pero con un desconocimiento absoluto de la profesión, de lo que requiere. Porque, al final, no es lo típico que conoces a alguien o que llevas tiempo, que más o menos te puede decir estos son los primeros pasos que debes dar... Nosotros fuimos dando palos de ciego y ahora, echando la vista atrás, pues seguramente el hecho de que como nadie nos grababa un disco... montar nuestra propia compañía para sacar los primeros discos, pues fue una auténtica locura. La verdad es que ahora lo pienso y digo, madre mía, que osadía. ¡Qué osadía y que valentía!

Polo: Yo me acuerdo mucho de cuando íbamos a la caravana de Miguelo, que íbamos a tocar. Realmente no sé por qué íbamos a tocar a esos sitios, que tocábamos delante de 8 o 10 personas, y yo volvía a la furgoneta pensando: ¿qué estoy haciendo? Porque yo en esa época todavía jugaba un poco al fútbol, y mi padre me quería matar por haber dejado el fútbol por la música, y me decía a mí mismo: creo que la estoy liando, pero fíjate que luego es como el camino al aprendizaje hacia algo mejor, pero en ese momento decía: madre mía, dónde me estoy metiendo. Es que es muy complicado.

¿Cuáles eran las metas o los propósitos principales cuando empezasteis? ¿Siguen siendo las mismas o han cambiado mucho desde entonces?

Álvaro: Yo creo que no, es que no había metas. Yo creo que cuando empiezas no tienes muy claro dónde puedes llegar. Ya el hecho de grabar un disco era un éxito, dar algún concierto era un éxito. No tienes esa percepción todavía tangible de la profesión, y ahora obviamente los objetivos son más de la profesión, es decir, que las giras sean mejores, que cada vez podamos tener más público que compre tu entrada, que los siguientes discos tengan la repercusión que quieres, que suenen muy guay, que tengan un buen repertorio... Y que el show también sea más espectacular. Cosas diferentes que piensas ya como un grupo profesional con seguidores. Lo otro no, es incertidumbre absoluta.

¿En qué sentís que más ha cambiado Pignoise a lo largo de estos años?

Pablo: Como músicos.

Polo: hemos mejorado todos como músicos, y ahora como compositores, yo solo dije a Pablo, que en realidad nos llamamos y dijimos oye las canciones que ha pasado Álvaro al grupo están muy chulas, y siento que hemos dado un paso más.

Álvaro: Luego me critican por las canciones...

Polo: Este ya está con la misma mierda de siempre. (risas)

Pablo: A nivel de melodías, yo creo que siempre has sido una persona muy creativa, pero yo creo que ahora lo que ha mejorado especialmente es el tema de las letras. A mí las letras de este disco me parecen las mejores letras que ha escrito hasta ahora. De verdad, me parecen las mejores. 

¿Y qué es lo que nunca cambió ni va a cambiar?

Álvaro: Pues la esencia. Al final creo que un grupo debe mantener su esencia, dentro de que haya una evolución, que es lógica porque te evolucionas como músico, como ser humano, intentas no repetirte dentro de tu esencia, que eso es lo más difícil. Un grupo tiene que bailar alrededor de lo que le define, pero sin dar los mismos pasos, entonces es difícil, cada disco es más difícil e intentamos que no cambie. Nosotros nunca nos hemos guiado por las modas, no nos guiaremos por lo que está de moda, entonces digamos que siempre hemos hecho lo que nos ha salido de una forma natural y honesta.

Y afortunadamente, ni cuando hemos estado en discográficas, nunca nadie ha metido mano en lo que debíamos o no debíamos hacer, y ahora obviamente que no tenemos discográfica pues ya ni te cuento.

¿Cómo es la relación entre vosotros después de tantos años juntos? ¿Discutís más o menos que antes?

Polo: Sí, sigue siendo buena. No discutimos, de hecho, nunca hemos sido de discutir.

Pablo: A lo mejor en 20 años tendremos alguna discusión, pero nunca hemos sido de discutir. Siempre hemos sido de opiniones diferentes, hay cosas en las que opinamos igual, en otras no, y siempre lo hemos debatido con respeto, sobre todo con respeto hacia el otro.

Álvaro: Sí, quizás antes éramos más vehementes en ciertos temas. Ahora somos más tranquilos en todo. En temas de logística de grupo siempre hay dificultades: a la hora de la promoción, de la gira, diseño del logo o cualquier otra cosa. Bueno, cualquier cosa, y digamos que ahora antes era como... yo no quiero ser así... y ahora es como que... flying free.

Polo: Pero sobre todo yo pienso que nos llevamos mejor, porque somos más mayores y sabemos respetar mejor nuestros espacios. Entonces yo pienso que como toda persona, cuando crece, aprende más.

En este disco de aniversario habéis contado con colaboraciones de auténtico lujo. ¿Cómo elegisteis a los artistas que os acompañan? ¿Hubo alguien con quien siempre habíais querido colaborar?

Álvaro: Pues fue apuntar a lo más alto y que de repente nos empezaron a decir que sí. O sea, realmente el 90% más o menos de la gente que hemos llamado nos ha dicho que sí. Y bueno, pues están algunos de los artistas con los que ha sido realmente un sueño colaborar, como Loquillo, Calamaro o Los Secretos. Y David Summers también, porque con David ya habíamos colaborado, es amigo nuestro, entonces más o menos ya lo teníamos más cercano.

Polo: David era un fijo.

Pablo: La verdad que el resultado del disco ha sido muy satisfactorio.

Siempre es complicado echar la vista atrás y ponerte a regrabar cosas que ya están hechas, porque “Te entiendo”, por ejemplo, significó algo en su momento cuando tenías 15 años, 22, 25..., yo qué sé. Y la música te lleva a ese momento de tu vida, y ya tienes el sonido muy identificado. Si te hacen una regrabación, por mucho que ahora esté mejor tocado, mejor cantado, no es la de antes. Entonces la gente va a decir, para qué me cambian a mí el sonido de esto.

Y bueno, era delicado, pero claro, el hecho de incorporar artistas, yo creo que le ha dado un toque, sin perder la esencia porque sigue sonando a lo que fue. Pero con la incorporación de los artistas, yo creo que ha funcionado impresionante. En digital y en físico. A la gente le está encantando.

Habéis arrancado esta gira 20º aniversario hace apenas una semana en Don Benito. ¿Qué sentís cuando subís al escenario y escucháis al público corear vuestras canciones después de tantos años? ¿Ha cambiado esa sensación con el tiempo?

Polo: Yo en mi caso he cambiado mucho. Antes me ponía muy nervioso, siempre, siempre, siempre antes de tocar. Y ahora la verdad que no. Ahora me lo tomo todo con mucha más calma, no sé, y eso que parece como que tenemos más responsabilidad, porque ahora vamos a empezar la gira, los dos primeros conciertos de la gira, todo agotado, los siguientes conciertos que, aunque todavía faltan cuatro y cinco meses y ya está todo agotado... Y sin embargo estoy como con más tranquilidad, no sé.

Pablo: Ellos la verdad que no han sido mucho de ponerse nerviosos antes de empezar. Estamos incluso hablando de otras cosas, a nada de salir al escenario podemos estar hablando de lo que sea, de fútbol o cualquier otra cosa.

Álvaro: Sí, sí, yo creo que me sorprenden otros artistas cuando estamos en festival con colegas, y les veo antes de salir al escenario y están como en protocolo, con sus ritmos… Nosotros estamos de risas, salimos a disfrutar y realmente la experiencia también te da eso, el hecho de decir, bueno, sé que, aunque no me escuche perfecto, la experiencia te da que lo sacas adelante con solvencia, entonces estás tranquilo.

Antes es cierto que estabas más intranquilo, decir: Uf, es un sitio donde la acústica no es buena… como no me escuche bien, a ver si puedo cantar bien y tal… entonces, bueno, ahora mismo esa tranquilidad existe.

¿Hay alguna canción en particular que os haga vivir un momento especial en cada concierto? ¿Algún tema que os emocione más interpretar en directo?

Polo: Bueno, es que hay algunas que son las más conocidas, ¿no? Entonces, por ejemplo, Te entiendo, nada que perder, estoy enfermo, todo me da igual, que son las que la gente se sabe de pe a pa, pues... Siempre te gusta más, ¿no? Porque sabes que la gente va a reaccionar, ¿no? Pero vamos, que a mí me gusta tocar todas- La verdad que, personalmente, me gusta tocar percusión.

¿Qué significa para vosotros tocar en un sitio tan especial como el Sant Jordi Club de Barcelona o el Wizink Center de Madrid? ¿Os preparáis de una manera diferente para un concierto tan importante?

Álvaro: Sí, va a haber una preparación especial, porque... Lo requiere.

Primero a nivel de montaje. Creo que tocar en recintos así requiere llevar algo más que simplemente salir y tocar, ¿no? La gente paga una entrada por ver un espectáculo completo. Obviamente buena ejecución, buen sonido, por supuesto, vamos a invertir mucho en que haya un sonido espectacular, y luego que haya un montaje también a la altura de lo que significa el recinto y el concierto que es. Así que, bueno, sí, claro, aparte del repertorio, al ser gira entera de aniversario, vamos a recuperar temas que están cogiendo polvo en el cajón, y para gente que sea muy muy fan va a haber sorpresas, porque... Joder, yo de Los Rucos soy muy muy fan, que soy de los que se saben hasta las comas, pues si de repente me recuperan alguna canción que digo, hostia, esta solamente la sé yo y cuatro más, ¿sabes? Así que sí, va a ser gira especial, y esos dos conciertos en particular más especiales todavía.

Por último, ¿qué nuevos proyectos vamos a ver próximamente?

Pablo: Bueno, estamos grabando disco nuevo ya, justo mañana hemos quedado Polo y yo para grabar dos canciones más de batería, ya tenemos seis terminadas, y la idea es que para justo después del Wizink, ya esté el disco fuera.

Queremos que para finales de enero o principios de febrero esté sonando el single ya nuevo del siguiente disco. Intentaremos presentarlo también en el Wizink si el timing va como lo tenemos planeado, y para un mes después del concierto sacar disco nuevo, girarlo en verano y en invierno volver a hacer giras de salas.

Entrevista de Eva Ladevesa (twitter.com/miviajemusical) para ElFiesta.es

Hace unos meses, concretamente el pasado 25 de septiembre, salió a la luz el cuarto single titulado "Muérete ya", perteneciente al quinto disco de estudio de Ainhoa Cantalapiedra. 

Hemos tenido la gran suerte de charlar con ella para que nos explique un poco más sobre este nuevo single, además de hacer un repaso a todos estos años de carrera.

Tu nuevo single "Muérete Ya" es impactante tanto en título como en mensaje. ¿De dónde surge la idea para esta canción y qué significa para ti?

Surge el amor propio, de la ruptura de una relación hace años tras la que entendí lo que valgo y lo que vale mi tiempo y amor; por ello sé que puedo decir a esa persona “La única manera de poder olvidarme es morirte”. Falta amor propio en esta sociedad enferma de victimismo y autodestrucción, de miedo a quererse y responsabilizarse.

Este single pertenece a tu quinto disco de estudio. ¿Qué puedes contarnos sobre la dirección musical y conceptual de este álbum? ¿Cómo se diferencia de tus trabajos anteriores?

Yo he sido la directora musical y conceptual por ser mías las composiciones y letras al 100%. Tengo muy claro en mi cabeza como quiero que suene mi música cuando ya la estoy componiendo.

Es un disco totalmente diferente tratándose de un trabajo que refleja humildemente mi experiencia de vivir entre dos mundos tan diferentes y parecidos a la vez, España y México. 7 años de vida aprendiendo de su música y forma de vida.

Hablando de la composición, ¿cómo fue el proceso creativo de "Muérete Ya"? ¿Fue una canción que nació de manera espontánea o fue fruto de un largo proceso de reflexión?

Cómo te mencionaba en la 1º pregunta, fue fruto de una relación tóxica que acabé y me hizo aprender muchas cosas nuevas que hoy en día me hacen ser una mejor versión de mi misma. Agradecida a ese maestro del que tanto puede aprender por todo lo malo que me hizo ver.  

En el videoclip, la estética y las imágenes son muy poderosas. ¿Qué elementos quisiste resaltar visualmente y cómo fue la colaboración con el equipo de producción del vídeo?

Comenzaré hablando del cámara y director de imagen que es mi gran amigo Abel Solá con quien ya he trabajado en varias y felices ocasiones. Nos entendemos a las mil maravillas y trabajamos con mucha fluidez, de ahí el resultado.

Los estilismos son de mi cosecha queriendo traer mi pasión por las Catrinas Mexicanas a las increíbles localizaciones en Girona (en concreto la Puebla Vieja y la catedral de Girona).

La letra parece tocar temas de cierre de ciclos o de liberación de emociones negativas. ¿En qué medida esta canción refleja tu estado actual a nivel personal o profesional?

Refleja mi crecimiento personal y emocional hacia el amor propio. Poner límites, respetarse, escuchar y entender que tu pareja siempre será un reflejo de los traumas de tu niñez, de ahí que son los mejores maestros.

Como alguien que lleva años en la industria musical, ¿cómo ha evolucionado tu proceso de composición? ¿Sientes que este disco marca un antes y un después en tu carrera?

Este disco ya lleva 4 años compuesto y son 2 años ya sacando y trabajando varios de sus temas como singles con sus videoclips y promoción. Es un arduo trabajo que, como artista autoproducida, supone más tiempo de lo normal. Me considero TODOLOGA ya que me encargo de casi todo en mi trabajo y eso también desgasta a la par que nutre.

Este 5º disco (“ARRASTRANDO UN CADÁVER”) representa mi vida en México y un trabajo musical en honor a mi amor por dicho país. Me siento muy orgullosa por aún siento española, haber captado sus raíces y su pasión en mi música. En los boleros, en los huapangos, en el pop….

Volviendo al inicio de tu carrera, ¿cómo recuerdas tu paso por Operación Triunfo y qué impacto sientes que ha tenido ese momento en tu evolución como artista?

Fue el comienzo de mi fama pública así que lo fue todo.  Fue muy duro y un cambio brutal en mi vida en todos los sentidos, pero estoy agradecida por la experiencia y la posibilidad que me dieron.

Obviamente el después ha dependido en gran parte de mi esfuerzo y aprendizaje.

Desde entonces hasta ahora, has recorrido un camino lleno de cambios y momentos clave. ¿Cuáles han sido las lecciones más importantes que has aprendido en esta trayectoria? 

Que lo más importante en la vida, así como en el trabajo, siempre es LA ACTITUD.

En tus cinco discos, ¿cuáles crees que son los temas recurrentes o los aspectos de tu identidad artística que permanecen, a pesar de las transformaciones y el paso del tiempo?

Mi voz es la marca de la casa jajaja. Me gusta mucho cantarle al amor y al desamor, pero también trato temas más reivindicativos como el maltrato, la presión pública, el cuidado de la salud mental, el empoderamiento…

El mundo de la música ha cambiado mucho en los últimos años, especialmente en términos de plataformas digitales y redes sociales. ¿Cómo ha influido esta transformación en tu forma de conectar con los fans?

Tengo que estar muchas horas pegada al teléfono y contestar a los seguidores que dedican su tiempo a mi música o a escribirme, así que es una relación mucho más directa con el fan para lo bueno y para lo malo.

Como artista que se ha mantenido en la escena musical con autenticidad y sin miedo a evolucionar, ¿qué consejo le darías a los jóvenes que hoy inician en la música, especialmente en un contexto tan competitivo?

Que sean honestos consigo mismos y con su música que el público no es tonto y sabe reconocer lo auténtico y lo agradecen.

Finalmente, ¿qué te gustaría que tus seguidores experimenten o sientan al escuchar "Muérete Ya" y el resto de las canciones de este nuevo álbum?

EMPODERAMIENTO. Que se crezcan, que cambie su modo de ver las relaciones y piensen por un rato que es mejor el dolor temporal de la ruptura elegida bajo el amor propio, que una vida perdida por el continuo sufrimiento estando con alguien que no te ama en realidad.

Entrevista de Eva Ladevesa (twitter.com/miviajemusical) para ElFiesta.es