La artista y compositora independiente Candy Caroline lanza este 9 de enero su nuevo single “Culito VIP”, una propuesta vibrante que fusiona latin pop, reggaetón y dance-pop contemporáneo con una clara vocación nocturna. Pensada para la pista de baile, la canción destaca por su ritmo contagioso, su seguridad sonora y una actitud directa y sin disculpas que invita a moverse desde el primer compás.

Aunque su título pueda parecer desenfadado y provocador, “Culito VIP” encierra un mensaje mucho más profundo ligado al amor propio, los límites personales y el respeto. Bajo una superficie coqueta y juguetona, Candy Caroline reivindica la importancia de conocer el propio valor y de tomar decisiones desde la confianza, recordando que el verdadero poder nace de la autoestima y la libertad de elección.

El proceso creativo de la artista se centra principalmente en la letra y la melodía. Cada canción nace a partir de la topline y la cadencia vocal, y es la producción la que se adapta posteriormente a la actitud y el flow, en lugar de forzar la voz dentro de una base ya existente. En “Culito VIP”, este enfoque da como resultado un reggaetón pulido, con ganchos pop muy marcados, diseñados tanto para el ambiente club como para escuchas repetidas.

Este nuevo lanzamiento consolida la evolución de Candy Caroline dentro del cruce entre el latin pop y el reggaetón, apostando por una música bailable, empoderadora e intencional que no renuncia a la autenticidad. El single llega acompañado de una estrategia de promoción visual en Instagram, TikTok, YouTube Shorts y Spotify, además de acciones dirigidas a DJs y prescriptores musicales.

“Culito VIP” ya se encuentra disponible en streaming en plataformas digitales. Para más información sobre Candy Caroline y estar al tanto de sus próximos lanzamientos y proyectos, puedes seguirla a través de sus redes sociales.

El DJ y productor The Real Mack The Knife, conocido artísticamente como TRMTK, presenta su nuevo single “Midnight In Marrakesh”, una potente propuesta dance de carácter cinematográfico que ve la luz este 7 de enero de 2026 y que confirma su posición como una de las figuras emergentes más interesantes de la escena club internacional. Concebido como un viaje sensorial y emocional, el tema se apoya en el pulso del afrohouse y en una cuidada fusión de influencias culturales para conectar a oyentes de distintos rincones del mundo.

“Midnight In Marrakesh” destaca por su mezcla de inglés y árabe marroquí (darija), una elección que no solo aporta identidad y autenticidad, sino que refuerza el espíritu de intercambio cultural que define la obra. Sobre una base hipnótica de ritmo 4/4, la canción incorpora instrumentación en vivo del norte de África y Oriente Medio, como el oud, la darbuka, las palmas, la flauta del desierto y sintetizadores profundos y filtrados que envuelven la pista en una atmósfera nocturna, evocadora y sofisticada.

Con una reputación en pleno crecimiento por crear música de club internacional con carga emocional real, TRMTK ha sabido construir un sonido propio que equilibra energía de pista y narrativa cinematográfica. Sus producciones funcionan tanto en festivales y clubs como en playlists selectas, lounges o trayectos nocturnos, transmitiendo siempre una sensación de movimiento y destino. En este nuevo single, el tempo afrohouse se combina con melodías envolventes y un estribillo de impacto inmediato, pensado para quedarse en la memoria desde la primera escucha.

En el centro de la canción se encuentra un mensaje positivo y unificador, una de las señas de identidad del artista. Introducida por una invocación hablada que recuerda que todos los corazones sienten de la misma manera, la canción trasciende modas y tendencias para subrayar una idea tan sencilla como poderosa: el amor no necesita pasaporte. La estructura vocal en formato de llamada y respuesta bilingüe refuerza esta sensación de diálogo entre culturas, haciendo que el tema sea accesible a nivel global sin perder su raíz local.

Pensada para el momento álgido de la noche, “Midnight In Marrakesh” incluye un drop post-estribillo en el que las voces se transforman en cortes rítmicos afinados, diseñados para encender la pista, antes de evolucionar hacia un final ascendente y liberador que deja al oyente suspendido en una sensación de euforia colectiva. Según el propio artista, su objetivo es que la gente baile, pero también que se sienta reconocida en la emoción compartida más allá de idiomas y fronteras.

“Midnight In Marrakesh” ya se encuentra disponible en streaming en plataformas digitales. Para más información sobre The Real Mack The Knife y estar al tanto de sus próximos lanzamientos y proyectos, puedes seguirlo a través de sus redes sociales.

Tigre y Diamante regresan con “Estafa Piramidal”, un nuevo álbum que marca un punto de inflexión en la trayectoria del grupo y los sitúa en una etapa de mayor profundidad artística. El disco combina tensión y fragilidad de una forma poco complaciente, llevando su universo sonoro y lírico hacia un terreno más complejo, incómodo y, al mismo tiempo, sorprendentemente sensible.

En el plano textual, la banda mantiene su lenguaje crudo y directo, pero lo afila aún más a través de una mezcla de poesía sucia, humor negro y un realismo descarnado que no esquiva las zonas más íntimas e inconfesables. Las letras miran de frente a la vulnerabilidad, a la obsesión y al desgaste emocional, sin ofrecer respuestas fáciles ni refugios morales. Musicalmente, las guitarras secas siguen siendo un pilar esencial, pero esta vez aparecen rodeadas de nuevas capas que levantan un muro sónico más denso, dentro del cual emerge una fragilidad pop que apenas se intuía en trabajos anteriores.

Los once temas que componen “Estafa Piramidal” forman un conjunto poliédrico y diverso, donde cada canción aporta una perspectiva distinta sin romper la coherencia del álbum. En “Palomas entre halcones”, junto a Tania Pereira, el grupo construye una escena casi cinematográfica en la que la calma aparente convive con una amenaza constante que nunca termina de materializarse. En cambio, “Amanecer en la playa”, con Srta. Trueno Negro, funciona como un striptease emocional que desvela rutinas quebradas y recuerdos que arrastran tensiones antiguas.

La crítica social aparece de forma contundente en “Los asesinos de tus hijos”, una canción que utiliza imágenes brutales y símbolos reconocibles para cuestionar la cultura popular y la normalización de la violencia, desde una mirada política sin consignas explícitas. En “Albino busca sexo”, Tigre y Diamante se mueven entre la provocación y una ternura torcida, retratando personajes que avanzan pese a estar siempre al borde de la ruptura.

El disco también reserva espacio para la introspección. “Minutos musicales” introduce una sensibilidad más contenida, mientras que “Soy adicto”, junto a Nacho Vegas e Igor Paskual, se convierte en uno de los momentos más crudos del álbum. En esta pieza, la obsesión se expone como un inventario de impulsos que algunos gritan sin pudor, mientras otros prefieren silenciar. El humor negro reaparece en “Quieres ser mi amigo”, donde relaciones desajustadas y afectos forzados generan una incomodidad emocional que se estira hasta volverse casi dolorosa.

“Represalias químicas” destaca como el corte más atmosférico y perturbador del disco, con un paisaje aparentemente bucólico que lejos de ofrecer refugio, devuelve un reflejo aún más duro de la realidad. En “Ámame de viernes (Tic-Tac)”, el grupo juega con la memoria y el paso del tiempo, poniendo el foco en esos pequeños gestos que hacen que incluso el cuerpo recuerde lo que la mente preferiría olvidar. “Los lunes no te quiere nadie” retrata el desgaste sentimental desde una resignación que, en ocasiones, duele más que una ruptura abierta. El momento más luminoso y pop llega con “Contigo”, junto a Milana Bonita, donde la nueva sensibilidad del grupo se manifiesta con mayor claridad sin perder su carácter reconocible.

Con “Estafa Piramidal”, Tigre y Diamante consolidan su lugar dentro del actual pop de guitarras, no por defender fórmulas establecidas, sino por mantenerse fieles a un lenguaje propio que combina aspereza y vulnerabilidad. El álbum brilla bajo ese foco sucio que define a la banda, con melodías luminosas que contrastan con la oscuridad de los textos y construyen una voz nihilista que no busca cerrar heridas, sino acompañar al oyente a través de un territorio emocional incómodo y honesto. No es sencillo crear un disco que golpee y acaricie al mismo tiempo, pero en el caso de Tigre y Diamante, esa tensión forma parte esencial de su identidad artística.

Ya está disponible “Cuando me miras”, el último adelanto del próximo disco de cosas bien cosas mal, “Volumen 3”, y también una de las piezas más luminosas y engañosamente divertidas del proyecto hasta la fecha. En este tema, Tomás Avilés se adentra en ese ejercicio de disimulo al que recurrimos cuando intentamos sobrellevar un amor no correspondido desde una supuesta actitud positiva, aunque por dentro todo apunte en la dirección contraria.

Con un ritmo maquinero muy reconocible que la diferencia del resto del repertorio, “Cuando me miras” se apoya en una base de percusiones programadas que aportan un carácter electrónico y casi mecánico al tema. Sobre esa estructura, Avilés construye una declaración breve, directa y agridulce, que transforma la frustración emocional en una canción ágil y pegadiza, llamada a quedarse en la memoria desde la primera escucha.

Fiel a su estilo crudo y sin adornos innecesarios, la letra refleja una sensación de desespero que se mueve peligrosamente cerca del masoquismo emocional, más que de una actitud realmente sana. Frases como “Cuando me miras yo disimulo muy bien / Me han dado un doctorado en parecer que no siento nada” condensan con ironía esa lucha interna entre lo que se muestra y lo que realmente se siente, uno de los grandes temas que atraviesan este nuevo trabajo.

“Cuando me miras” funciona además como el cierre perfecto a la etapa de adelantos de “Volumen 3”, el tercer disco de cosas bien cosas mal, que verá la luz el próximo 22 de enero. Con este álbum, Tomás Avilés pone punto final a una trilogía muy especial centrada en el amor, un territorio poco habitual en su forma de escribir, más enfocada tradicionalmente en la reflexión en primera persona y el relato directo. Abordar este sentimiento ha supuesto un ejercicio creativo distinto, que le ha permitido ampliar su mirada sin perder autenticidad.

“Volumen 3” representa también un paso adelante en el estilo lo-fi tan definitorio del proyecto, llevándolo a un punto más maduro y consciente. Tomás mantiene su racha de publicar un disco al año desde 2024, culminando esta trilogía en 2026 con un trabajo que introduce un giro inesperado: ya no se trata solo de música como desahogo personal, sino de canciones pensadas también para los demás, para ser compartidas y apropiadas por quien las escucha.

cosas bien cosas mal es el proyecto en solitario de Tomás Avilés, artista de Carabanchel con una trayectoria paralela en bandas como Noise Nebula y Carrera. La propuesta nace de la idea de componer canciones desde lo mínimo, utilizando un teclado Casio de juguete y una 808 como elementos principales. A partir de ahí, las canciones se construyen en su forma más esencial: temas cortos, letras inmediatas y capas de lo que él mismo define como “soniditos y texturitas”. La intención es que todo conserve el aire de un boceto, como respuesta a una industria donde, según el propio Tomás, la música actual está tan sobreproducida que ha perdido cercanía y naturalidad.

A pesar de ese enfoque minimalista, “Volumen 3” se afianza claramente en la búsqueda del amor, evitando los clichés del romanticismo edulcorado y consumista. En su lugar, cosas bien cosas mal lleva el tema a un terreno cotidiano, reconocible y profundamente humano. El resultado es un disco más “catchy”, que pone palabras justas a sentimientos que prácticamente todos hemos vivido alguna vez.

Este nuevo trabajo confirma el crecimiento artístico de Tomás Avilés, quien tras definir una identidad sonora muy personal, logra ahora que el público haga suyas unas canciones nacidas en la intimidad de su habitación, demostrando que lo pequeño, lo imperfecto y lo honesto también puede conectar de forma directa y poderosa.

Shakira Martínez continúa afianzando su proyección como una de las artistas más prometedoras del panorama musical español con el lanzamiento de su nuevo single Aprende, una canción que convierte el desamor en aprendizaje, fortaleza y autoestima. Con una carrera que no ha hecho más que empezar, la artista ya cuenta con miles de seguidores en redes sociales, más de 170 mil suscriptores en su canal de YouTube y cerca de 50 millones de visualizaciones totales, cifras que la sitúan como una firme candidata a convertirse en uno de los grandes nombres del flamenco pop contemporáneo.

En Aprende, Shakira Martínez vuelve a demostrar una identidad vocal inconfundible en la que conviven el flamenco más visceral y el soul, transmitiendo emoción y verdad en cada frase. El single fusiona raíz flamenca y pop actual a través de guitarras y palmas que dialogan con una producción moderna, construida alrededor de un estribillo poderoso, luminoso y fácil de recordar. El resultado es una canción bailable y emocional a partes iguales, pensada tanto para la escucha personal como para conectar con el público en directo.

La letra de Aprende aborda el proceso de superación tras una ruptura sentimental, poniendo el foco en dejar atrás la culpa, recuperar la autoestima y aprender a seguir adelante sin mirar atrás. Shakira canta desde la experiencia, recordando el dolor de los primeros meses, las lágrimas, las dudas y la sensación de haberse entregado por completo, para después transformar todo ese peso emocional en un mensaje claro de crecimiento personal. La frase “cuando te valoras, vuelas más alto” se convierte en el espíritu de una canción que invita a cerrar etapas con dignidad y fuerza.

Este nuevo single se suma a una trayectoria en ascenso que ya incluye hitos destacados como Hasta el infinito, su colaboración junto a Maki, certificada como Disco de Oro en distintas plataformas. Con Aprende, Shakira Martínez reafirma su capacidad para combinar tradición y actualidad, emoción y ritmo, posicionándose como una artista capaz de conectar con un público amplio sin perder autenticidad.

Aprende ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Shakira Martínez, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones y futuros proyectos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El productor sevillano ATK Epop y el artista bilbaíno Davi Sanz vuelven a encontrarse creativamente en Ipanema, un single que se sumerge en los sonidos cálidos de la bossa nova para construir un relato íntimo, evocador y profundamente emocional. La canción propone un viaje sonoro hacia un lugar que es tanto geográfico como simbólico, ese paraíso al que siempre se quiere regresar cuando el amor, la calma y la certeza han quedado atrás.

Con una producción elegante y orgánica, ATK Epop crea una atmósfera luminosa y nostálgica que envuelve la voz de Davi Sanz con delicadeza. Ritmos suaves, cadencias relajadas y una sensibilidad muy cuidada marcan el pulso de un tema que huye del artificio para apostar por la emoción contenida, la memoria y la honestidad. Ipanema se siente como una postal sonora bañada por el sol, donde cada elemento está al servicio del recuerdo.

La letra dibuja imágenes precisas y casi cinematográficas, capaces de transportar al oyente a ese instante congelado en el tiempo donde todo parecía tener sentido. Versos como “Bajó por Ipanema y le caían los rayos” o “Vi su cara a contraluz” funcionan como destellos de un amor que ya no está, pero que sigue vivo en la memoria. A lo largo de la canción, el protagonista confiesa la imposibilidad de olvidar y la ausencia de la paz que una vez conoció.

El estribillo, construido alrededor de la frase “Por eso quiero volver”, se repite como un mantra que resume el espíritu de la canción: la necesidad de regresar a ese lugar emocional donde todo era más sencillo, más cálido y más verdadero. No se trata solo de volver a una playa o a una ciudad, sino de intentar recuperar una sensación, un estado del alma que parece perdido.

Con Ipanema, ATK Epop y Davi Sanz consolidan una química artística basada en la sensibilidad y el respeto por la canción. El resultado es una pieza delicada y atemporal, capaz de conectar con el oyente desde la emoción más sincera, invitando a cerrar los ojos, dejarse llevar por el recuerdo y permitir que la música haga el resto.

Ipanema ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de ATK Epop y Davi Sanz, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, colaboraciones o nuevos proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

La banda murciana Clara Plath presenta El Engaño, un single contundente y visceral que profundiza en el desgarro del desengaño emocional y se sitúa como uno de los momentos más intensos de su trayectoria reciente. La canción suena a carretera infinita, a polvo suspendido en el aire y a ruptura definitiva, capturando ese instante preciso en el que la ingenuidad se rompe y ya no existe posibilidad de volver atrás.

Desde la frase que funciona como eje emocional del tema, “He comido de tu mano y me vuelves a engañar”, El Engaño se construye como un relato de hartazgo y lucidez. No se trata solo de la búsqueda de la verdad, sino del choque frontal con ella, del cansancio ante la frialdad y la indiferencia, y de la necesidad urgente de poner fin a una mentira que se ha prolongado demasiado. Es el adiós a una forma de amar que duele y desgasta, contado sin rodeos ni concesiones.

Musicalmente, Clara Plath cabalga en este single por un terreno western-pop donde conviven el rock, la melancolía y una tensión contenida que va creciendo hasta estallar. Las guitarras evocan paisajes áridos y horizontes abiertos, mientras la interpretación vocal, cargada de verdad y urgencia, sostiene una letra directa, insistente y emocionalmente devastadora. Frases como “Me has mentido demasiado. Deja de disimular” funcionan como un grito de dignidad y ruptura, sin espacio para la ambigüedad.

El Engaño es el último adelanto de Voladera, el esperado nuevo álbum de Clara Plath, que verá la luz el próximo 13 de febrero. El single ha sido producido por Roberto López, consolidando un sonido sólido, crudo y profundamente emocional que refuerza la identidad de la banda y anticipa un disco marcado por la honestidad y la intensidad.

Con este lanzamiento, Clara Plath reafirma su capacidad para transformar la herida en canción y el desengaño en un himno de honestidad brutal. El Engaño no pide explicaciones ni busca consuelo: exige la verdad y convierte la ruptura en un acto de liberación.

Formados en Murcia en 2013, Clara Plath se han consolidado como una de las bandas más personales del panorama alternativo estatal. Desde su primera demo Ten Tristes Tracks, reconocida por Disco Grande en Radio 3, hasta trabajos clave como Hi Lola!!, Grand Battement, Yes, I’m Special u Oscura, el grupo ha construido una trayectoria marcada por la evolución sonora, la intensidad emocional y un directo poderoso que los ha llevado a escenarios de toda España y a ciudades como Londres o Nueva York.

El Engaño ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Clara Plath, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Roi Méndez continúa explorando nuevos territorios creativos con Quizá no soy para ti, uno de los lanzamientos más recientes de su alter ego R01, un proyecto que nace de la necesidad de reinventarse y avanzar sin las etiquetas asociadas a su etapa anterior. Conocido por el gran público tras su paso por Operación Triunfo 2017, el artista gallego decidió a mediados de 2025 abrir un nuevo capítulo en su carrera bajo esta identidad paralela, concebida como un lienzo en blanco desde el que experimentar con mayor libertad.

R01 no es un personaje ajeno, sino otra cara del propio Roi, una vía para explorar sonidos más cercanos al synth-pop y al pop contemporáneo, acompañados de una estética visual muy cuidada que suele representarse a través de un muñeco o avatar en 3D. Con este proyecto, el artista busca que tanto el público como los algoritmos de las plataformas digitales se acerquen a su música sin prejuicios previos, permitiendo que las canciones hablen por sí mismas.

El lanzamiento de Quizá no soy para ti se enmarca dentro de esta nueva etapa y refuerza las claves sonoras y emocionales del universo R01. La canción gira en torno a la vulnerabilidad y la honestidad en las relaciones, abordando la sensación de no encajar en las expectativas de la otra persona ni en las propias. Frases que remiten a la autoaceptación y a la dificultad de encontrarse a uno mismo funcionan como eje central de un tema que conecta desde la sinceridad y la fragilidad emocional.

A nivel musical, el single mantiene una producción moderna dominada por sintetizadores, con una atmósfera que combina nostalgia y energía de forma equilibrada. El resultado es una canción introspectiva pero accesible, que consolida la identidad sonora de R01 y confirma la coherencia de un proyecto pensado a medio y largo plazo. Como curiosidad, en plataformas como Spotify o Apple Music el tema aparece acreditado como R01 & Roi, una estrategia que facilita el encuentro entre sus seguidores de siempre y el nuevo público al que se dirige esta etapa artística.

Quizá no soy para ti formará parte de un EP recopilatorio previsto para la primavera de 2026, un lanzamiento que vendrá acompañado de una gira en la que el concepto visual de R01 tendrá un papel protagonista, reforzando la experiencia estética y narrativa que rodea al proyecto.

Quizá no soy para ti ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de R01 y Roi Méndez, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

El artista venezolano La Kota continúa construyendo su universo narrativo con el lanzamiento de Desde el 2015, un nuevo sencillo que da continuidad a la serie iniciada con Desde el 98 y que profundiza en temas como la identidad, el paso del tiempo y la memoria emocional. Si su debut funcionaba como un puente hacia los recuerdos de la juventud, esta nueva entrega se adentra de lleno en una experiencia más compleja y universal: la migración y la distancia forzada del lugar de origen.

Desde el 2015 nace como una interpretación profundamente personal dedicada a Venezuela, al vacío que deja la lejanía y a la promesa firme de un reencuentro. Radicado actualmente en Madrid, La Kota transforma su vivencia en una canción que trasciende lo autobiográfico para convertirse en un mensaje colectivo. “Es una canción para mi tierra, pero también para cualquiera que haya dejado atrás a un gran amor por circunstancias de la vida”, explica el artista, conectando su historia con la de miles de personas que han tenido que partir sin renunciar al deseo de volver.

En el plano musical, La Kota apuesta por una fusión vibrante y emotiva donde conviven el reggaeton, el pop urbano y el merengue, géneros que dialogan con naturalidad y aportan dinamismo al relato. Como sello inconfundible de su identidad artística, el cuatro venezolano ocupa un lugar central en la canción, aportando una calidez orgánica que equilibra la modernidad urbana con la tradición musical. Este elemento no solo enriquece el sonido, sino que refuerza el vínculo emocional con sus raíces y define el rostro auténtico de su proyecto.

La combinación de ritmos actuales y sonidos tradicionales posiciona a La Kota como un artista capaz de moverse con respeto y personalidad entre dos mundos, construyendo una propuesta que mira al futuro sin soltar el pasado. Desde el 2015 no solo amplía su discurso artístico, sino que consolida una narrativa generacional que pone en palabras y melodías sentimientos compartidos por toda una diáspora.

Desde el 2015 ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de La Kota, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

El músico, compositor y productor alemán Nils Rohwer lanza Heart Racing, una canción que parece surgir del cruce momentáneo entre los universos sonoros de Kate Bush y Björk. Lejos de seguir las convenciones habituales del pop, el tema se construye desde la experimentación y la sensibilidad, proponiendo una escucha que sorprende desde el primer compás y que invita a dejarse llevar por una experiencia sonora tan inquietante como cautivadora.

En Heart Racing, los paisajes sonoros juegan un papel fundamental. La producción crea un entorno envolvente donde las texturas electrónicas y los elementos orgánicos conviven con naturalidad, dando espacio a una profunda carga emocional. Es una canción que no busca complacer de manera inmediata, sino provocar, despertar sensaciones y romper con los hábitos de escucha tradicionales, manteniendo siempre una esencia pop accesible pero poco predecible. La composición y la producción corren íntegramente a cargo de Rohwer, lo que refuerza la coherencia artística y la personalidad del proyecto.

Nils Rohwer cuenta con una sólida trayectoria musical que va mucho más allá del pop. Formado en percusión orquestal en la Universidad de Música de Detmold, ha desarrollado una carrera versátil como baterista, compositor y productor, convirtiéndose además en un referente como mentor de batería y de instrumentos de láminas. A través de su editorial musical, NIRO Music-Edition, publica con éxito composiciones para percusión, música de cámara y orquesta, consolidando su presencia en el ámbito académico y contemporáneo.

Su experiencia también se extiende al mundo audiovisual, con trabajos para cine y televisión, incluyendo bandas sonoras para series y dramas policiales. En los últimos años, Rohwer ha centrado su energía creativa en la producción y publicación de música pop en distintos estilos, una etapa que le ha valido una respuesta muy positiva por parte del público y la crítica. Esa acogida constante ha sido el impulso definitivo para seguir explorando nuevas direcciones artísticas dentro del formato canción.

Heart Racing se presenta así como una muestra clara de la versatilidad y la pasión de Nils Rohwer por la música, una propuesta que promete aceleraciones del pulso y una conexión emocional directa con quien la escucha. Heart Racing ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Nils Rohwer, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, producciones y nuevos proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

El artista mexicano Horacio Ricco presenta Volveré, un nuevo single que se mueve con naturalidad entre el indie funk, el latin soul y el pop alternativo, consolidando una propuesta sonora elegante, sensible y profundamente emocional. La canción nace desde un lugar íntimo y reflexivo, explorando ese instante en el que la mente construye la imagen de una persona ideal, una presencia cálida y cercana que parece real, pero que finalmente solo existe dentro del propio universo interior.

Volveré se apoya en una base rítmica orgánica y relajada, donde el groove no impone un ritmo acelerado, sino que acompaña con sutileza, creando un espacio de contemplación y pausa. Las guitarras cálidas y el enfoque minimalista de la producción priorizan la emoción por encima del artificio, permitiendo que cada elemento respire y encuentre su lugar. La voz de Horacio Ricco se presenta cercana y honesta, casi confesional, reforzando la sensación de recuerdo, anhelo y ese deseo de retorno que atraviesa toda la narrativa de la canción.

A nivel estético y conceptual, el single refleja con claridad la identidad artística de Ricco, una propuesta contemporánea que cruza el funk con el pop de autor y una sensibilidad jazz muy marcada. Su música está pensada para oyentes que buscan profundidad emocional, letras que dialoguen con el mundo interior y una producción cuidada que no renuncia a la accesibilidad ni al disfrute inmediato.

Volveré forma parte de una etapa creativa enfocada en el crecimiento orgánico del proyecto, la conexión con nuevas audiencias y el posicionamiento de Horacio Ricco dentro del circuito independiente latinoamericano e internacional. Con cada lanzamiento, el artista continúa ampliando un catálogo sólido, diseñado tanto para el directo como para una escucha atenta, donde el groove, la honestidad emocional y la introspección son los pilares fundamentales.

Volveré ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Horacio Ricco, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

La colaboración entre Daddy Yankee y Alex Zurdo marca un antes y un después en la música urbana, convirtiéndose en un hito que conecta de forma directa el reggaetón comercial con un mensaje espiritual profundo y explícito. “ABCD” no es solo una canción más dentro del catálogo de ambos artistas, sino la confirmación de una nueva etapa creativa que busca llevar un mensaje de fe, reflexión y luz a través de los ritmos que conquistaron al mundo.

Daddy Yankee, conocido mundialmente como el “Rey del Reggaetón”, inició en 2023 una transformación personal y artística tras anunciar su retiro de la música secular y su conversión al cristianismo. Desde entonces, su enfoque ha cambiado de manera radical, orientando su obra hacia un propósito espiritual sin renunciar al lenguaje musical que él mismo ayudó a globalizar. En este contexto, “ABCD” se presenta como una pieza clave dentro de su álbum Lamento en Baile, publicado en octubre de 2025, y que cobró una fuerza renovada con el estreno de su videoclip oficial el 6 de enero de 2026.

La presencia de Alex Zurdo en este tema tiene un peso simbólico y artístico enorme. Considerado uno de los artistas más influyentes de la música urbana cristiana a nivel mundial, Zurdo es el único invitado del álbum de Daddy Yankee, un gesto que valida y refuerza la nueva dirección del “Big Boss”. La unión de ambos mundos, el secular y el cristiano, se materializa aquí de forma natural, sin imposiciones, y con una coherencia que ha sido celebrada por los seguidores de ambos artistas.

El título “ABCD” funciona como un acróstico y un ingenioso juego de palabras que resume el corazón del mensaje de la canción. Amable, Bacano, Confiable y Divino son los atributos que los artistas utilizan para describir a Dios, integrándolos en situaciones cotidianas y reflexiones personales. La letra se construye como una confesión honesta, en la que se reconocen las debilidades humanas, los errores y las contradicciones, pero también la certeza de que hay una guía superior que actúa como arquitecto del destino, enderezando el camino incluso cuando se pierde el rumbo.

Musicalmente, “ABCD” mantiene viva la esencia del reggaetón clásico. El ritmo es bailable, enérgico y directo, demostrando que un mensaje espiritual no está reñido con la potencia de un beat diseñado para hacer moverse al público. Alex Zurdo ha definido esta energía como ir “en turbo”, una descripción que encaja a la perfección con la intensidad del tema y su capacidad para conectar tanto en lo emocional como en lo rítmico.

El impacto de esta colaboración no se ha hecho esperar. “ABCD” se ha posicionado rápidamente en listas de tendencias de 2026, recibiendo una respuesta muy positiva por parte de audiencias diversas. Fans del reggaetón de siempre y seguidores de la música urbana cristiana han encontrado en esta canción un punto de encuentro, celebrando la valentía de Daddy Yankee al utilizar su legado y alcance global para transmitir un mensaje de fe y esperanza.

Con “ABCD”, Daddy Yankee y Alex Zurdo demuestran que la música urbana sigue evolucionando y que aún tiene mucho que decir, incluso en terrenos donde antes parecía impensable. El tema se alza como un testimonio de transformación personal, coherencia artística y poder del mensaje cuando se combina con autenticidad y ritmo. “ABCD” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Daddy Yankee y Alex Zurdo, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

CIRRA irrumpe en la escena musical con una propuesta que va más allá del sonido para adentrarse de lleno en el universo de la imagen, la moda y la actitud. Su proyecto, aún reciente, se construye desde una identidad visual y sonora muy definida, en la que la elegancia, el empoderamiento y la determinación personal se convierten en ejes centrales. Con su single “One-way Runway”, la artista consolida una visión en la que la música y la estética de la pasarela dialogan de forma natural.

El estilo de CIRRA transita entre el pop contemporáneo y el R&B, apoyándose en producciones pulidas y atmósferas modernas que refuerzan su carácter sofisticado. Cada detalle de su propuesta parece pensado para generar una experiencia completa, donde el sonido, la imagen y el concepto se integran en un mismo discurso. En este contexto, la moda no actúa como un simple complemento, sino como una extensión narrativa de su música.

“One-way Runway”, uno de sus lanzamientos destacados de finales de 2025, encarna a la perfección esta filosofía. El título, que puede traducirse como “pasarela de una sola vía”, funciona como una metáfora vital que invita a avanzar sin mirar atrás. La canción habla de progreso, autoconfianza y claridad de rumbo, dejando fuera las dudas, las distracciones y los pesos del pasado. Es una declaración firme sobre la importancia de creer en el propio camino y caminarlo con seguridad.

En lo sonoro, el tema se apoya en un ritmo constante y elegante que evoca la cadencia de un desfile de moda. Su estructura hipnótica y su pulso marcado hacen que “One-way Runway” funcione tanto en pistas de baile y clubes como en entornos vinculados al diseño y la creatividad. Esta dualidad ha sido especialmente valorada por la crítica, que ha destacado su capacidad para adaptarse a diferentes espacios sin perder identidad.

El impacto del single también se ha hecho notar en el ámbito visual y digital. “One-way Runway” ha sido utilizado en contenidos relacionados con moda, tendencias y estilismo en redes sociales, reforzando la posición de CIRRA como una figura relevante en la intersección entre música y estilo. Su estética minimalista, cuidada al detalle, con especial atención al vestuario y la fotografía, completa un lanzamiento coherente y reconocible.

Con “One-way Runway”, CIRRA no solo presenta una canción, sino una forma de entender la expresión artística como un todo. Su proyecto se perfila como un espacio donde la música se convierte en pasarela y la pasarela en una metáfora de la vida, el avance y la determinación personal. “One-way Runway” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de CIRRA, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, proyectos visuales o colaboraciones, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

“Love Will Always Be Near” nace desde una urgencia humana y social muy concreta. Tras escuchar en la radio que cada semana un joven se quita la vida en Suecia, el compositor Anders Hasselquist sintió la necesidad de transformar esa realidad dolorosa en un mensaje de esperanza. Su impulso fue claro: escribir una canción positiva y reconfortante que hablara de la importancia de acercarse a quienes atraviesan momentos de angustia y hacerles sentir que no están solos. A partir de esa idea inicial, Anders contactó con Thomas Karlsson y Jimmy Granstrom para dar forma a un tema que, lejos de recrearse en la tristeza, ofreciera luz y acompañamiento.

La canción fue creciendo como un proyecto colaborativo en el que la música y las letras se pusieron al servicio de un mensaje universal. Finalmente, la incorporación de la cantante filipina Aubrey Illurimo aportó la voz perfecta para transmitir esa cercanía emocional que define a “Love Will Always Be Near”. Su interpretación convierte la canción en un abrazo sonoro, delicado y honesto, que invita a mirar al otro con empatía y a no dar nunca por perdida la posibilidad de conectar.

Este lanzamiento se enmarca dentro del universo de Project Earthbridge, un proyecto musical formado por el dúo sueco Jimmy Granstrom y Thomas Karlsson, quienes trabajan junto a colaboradores invitados que varían en cada canción. Desde sus inicios, Project Earthbridge ha destacado por construir canciones con vocación global, tanto en sonido como en mensaje, algo que se refleja en la amplia difusión internacional de su música. Sus temas han sonado en emisoras de al menos doce países repartidos por cinco continentes, desde Australia y Sudáfrica hasta Suecia, Francia, Bélgica, Perú, Inglaterra y Estados Unidos.

A lo largo de su trayectoria, Project Earthbridge ha logrado un reconocimiento notable en radio. Singles como “Alicia” y “Made Of Stars” fueron seleccionados para rotación en P4 Sörmland, una de las principales emisoras regionales de Suecia, equiparable a una BBC regional en el Reino Unido. El recorrido radiofónico del proyecto se ha extendido también a espacios de referencia internacional, como el programa Nordic Rox de SiriusXM, co-presentado por Per Gessle, miembro de Roxette, donde han sonado composiciones vinculadas al colectivo creativo de Granstrom y Karlsson.

En los últimos años, el proyecto ha mantenido una actividad constante con lanzamientos como “Moments” y “Allt jag ville säga (Everything I Wanted To Say)”, publicados en junio y diciembre respectivamente, y que han recibido una importante acogida en países como Suiza, Bélgica, Sudáfrica, Costa Rica y diferentes ciudades de Estados Unidos. Estas canciones han contado con la participación de distintos intérpretes y colaboradores, reafirmando la filosofía abierta y colectiva que define a Project Earthbridge.

“Love Will Always Be Near” se suma a esta discografía como una declaración de intenciones clara: utilizar la música como puente entre personas, como espacio seguro desde el que hablar del dolor sin miedo y recordar que siempre existe alguien dispuesto a escuchar. En un mundo marcado por el ruido y la prisa, la canción se alza como un recordatorio sencillo pero poderoso de que el amor, la cercanía y la empatía pueden marcar la diferencia.

“Love Will Always Be Near” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Project Earthbridge y de sus colaboradores, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, proyectos y colaboraciones, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Sintonía irrumpe en la escena musical con el estreno de su primer single, “Ya Pasó Este Tren”, una canción que combina emoción, expresividad y fuerza para transmitir un mensaje claro de empoderamiento y superación personal. Este debut presenta a un dúo de pop español formado por dos voces femeninas que se funden en una sola, complementándose con naturalidad y creando una identidad sonora cálida, cercana y llena de intención.

Desde los primeros compases, la canción transporta al oyente a una estación de tren que funciona como metáfora vital. Ese espacio simbólico se convierte en el punto de partida de una reflexión profunda sobre la importancia de valorarse a uno mismo y de saber decir adiós a todo aquello que ya no suma ni hace feliz. “Ya Pasó Este Tren” no habla desde el reproche ni la nostalgia, sino desde la conciencia y la valentía de aceptar que algunas etapas deben cerrarse para poder avanzar.

El tema aporta frescura y energía, pero también un trasfondo emocional que conecta con experiencias universales. Habla de errores y de oportunidades, de caídas y aprendizajes, de la necesidad de volver a empezar cuando algo deja de representarnos. En su mensaje late una idea poderosa: creer en uno mismo es el primer paso para subirse al tren correcto, el de la propia vida, sin cargas innecesarias ni destinos impuestos.

“Ya Pasó Este Tren” también pone el foco en la valentía que implica bajarse a tiempo de un camino que va en la dirección equivocada. Lejos de presentarlo como una derrota, la canción lo reivindica como un acto de amor propio y fortaleza interior. Dejar ir aquello que no te hace brillar se convierte aquí en un gesto de empoderamiento, una decisión consciente para recuperar la ilusión, la identidad y el rumbo personal.

Con este primer lanzamiento, Sintonía se presenta como un proyecto que apuesta por letras con sentido, mensajes honestos y una sensibilidad que conecta desde la cercanía. La unión de sus dos voces refuerza el mensaje de apoyo, ánimo y valentía, convirtiendo la canción en un impulso emocional para quienes se encuentran en un momento de cambio o duda.

“Ya Pasó Este Tren” llega como un recordatorio luminoso de que siempre existe la posibilidad de elegir de nuevo, de priorizarse y de confiar en la propia fuerza. “Ya Pasó Este Tren” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Sintonía, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlas muy de cerca a través de sus redes sociales.