El cantautor y guitarrista canadiense Jesse Creatchman regresa con “Highway Time”, un single que captura toda la esencia de su inconfundible estilo folk-rock y su manera de contar historias con una honestidad cruda y poética. El tema forma parte de su nuevo EP Quick Wins, un trabajo que representa tanto un renacer personal como un regreso a las raíces del sonido orgánico y auténtico que lo caracteriza.

Desde Montreal, Creatchman ha ido construyendo una identidad musical marcada por su voz rasgada, su sensibilidad narrativa y su habilidad para convertir la experiencia cotidiana en canciones cargadas de verdad. “Highway Time” es precisamente eso: una pieza de carretera, una travesía emocional que combina imágenes vívidas con emociones sencillas y directas, propias de un trovador moderno que busca sentido en cada kilómetro recorrido.

El proyecto Quick Wins nació de una necesidad muy humana: la de recuperar el impulso creativo y celebrar las pequeñas victorias. “Necesitaba una victoria rápida”, confiesa Jesse. “Así que decidí empezar con lo que tenía: cuatro canciones que había grabado hace unos años. Las hicimos en vivo, sin trucos, y tenían ese aire clásico de las grabaciones de antes”. Entre esas canciones se encuentra “Highway Time”, una de las joyas del EP, que refleja la búsqueda constante de movimiento, libertad y propósito.

La producción de Quick Wins contó con la colaboración de Tom Shemerr, guitarrista y productor de la banda The Damn Truth, quien se unió a Creatchman para dar forma final al proyecto durante una pausa en la grabación de su próximo disco. Juntos lograron rescatar y pulir aquellas grabaciones originales, manteniendo su carácter cálido, humano y espontáneo. La mezcla estuvo a cargo del propio Shemerr, mientras que la masterización fue realizada por Dave Traina, en los reconocidos Planet Studios de Montreal y en el estudio personal de Shemerr.

El EP completo incluye cuatro temas: “Put Your Trust in Me”, “Highway Time”, “Tommy Is a Heartbreaker” y “Heat of the Summer Night”. Cada uno funciona como una página de un diario gastado por el viaje, lleno de personajes, paisajes y emociones que resuenan con la tradición del folk rock y el americana.

Creatchman explica que lanzar los temas como sencillos antes del EP fue una forma de generar impulso, aunque confiesa que sigue prefiriendo el formato de álbum: “Es lo que me marcó cuando crecí, escuchar un disco de principio a fin, entender su historia completa. Ahora, por fin, todas las piezas están reunidas”.

Con “Highway Time”, Jesse Creatchman no busca la perfección, sino el movimiento; no persigue un destino, sino el significado que se encuentra en cada parada del camino. Es una canción que huele a asfalto, a guitarras viejas y a noches interminables, donde el arte y la vida se confunden en una misma carretera hacia lo desconocido.

“Highway Time” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Jesse Creatchman, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

La cantautora malagueña Alba LaMerced estrena su nuevo single “Ponte guapa”, una poderosa canción que reivindica la independencia, la sororidad y el orgullo de ser mujer sin miedo ni prejuicios. Con una voz que mezcla dulzura y firmeza, y un estilo que fusiona el folk, el pop y la canción de autor, la joven artista continúa consolidándose como una de las voces más prometedoras de la nueva generación de cantautores españoles.

Nacida en 2001 en Málaga, Alba LaMerced ha construido un universo sonoro propio en el que las letras poéticas se entrelazan con melodías honestas y cercanas. Pianista, guitarrista y cantante, su música no solo emociona, sino que también invita a reflexionar. Con “Ponte guapa”, la artista vuelve a hacer gala de su autenticidad, ofreciendo un mensaje claro y directo: el empoderamiento no pasa por complacer las expectativas ajenas, sino por reconocerse a una misma y ocupar el lugar que nos pertenece.

La canción, compuesta y escrita íntegramente por Alba, y producida por Trikel bajo el sello ACE Música, se levanta como un canto de afirmación personal frente a las miradas y comentarios que aún hoy pesan sobre las mujeres. “Ponte guapa y no te escondas más, ponte guapa que este es tu lugar”, repite el estribillo como una declaración de libertad y pertenencia. A lo largo de la letra, la artista retrata escenas cotidianas en las que el barrio se convierte en espejo de una sociedad que todavía cuestiona la autonomía femenina: “Hay gente que aún me pregunta si ya tengo quien me quiera o si prefiero seguir esperando”.

Sin embargo, “Ponte guapa” no se queda en la denuncia: también es una celebración. Alba canta por las mujeres que fueron silenciadas, por las que soñaron en secreto y por las que hoy se levantan sin miedo: “Ya no somos princesas buscando el amor al doblar una esquina… que nos hemos levantado y no tememos al adversario”. Su voz se alza como un puente entre generaciones, honrando la memoria de quienes abrieron el camino con palabras y valentía.

Este nuevo single llega tras un año de intensa actividad en el que Alba LaMerced ha ofrecido más de 40 conciertos por toda España, participando en festivales como el Brisa Festival —junto a artistas como El Jose y Soleá Morente— o el Festival de Las Cuevas de Nerja, donde fue telonera de María Peláe. Además, la artista se encuentra inmersa en la grabación de su primer disco junto al reconocido productor Carlos Avatar, responsable del sonido de artistas como El Kanka o Muerdo.

“Ponte guapa” es más que una canción: es un manifiesto hecho melodía, una invitación a brillar sin pedir permiso, a caminar con la cabeza en alto y a transformar la vulnerabilidad en fuerza. Alba LaMerced demuestra una vez más que la música puede ser poesía, resistencia y abrazo.

“Ponte guapa” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Alba LaMerced, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El reconocido cantautor argentino Axel celebra sus 25 años de trayectoria con un lanzamiento muy especial: “Solo tu voz”, una emotiva colaboración junto a la artista española Rozalén, que une dos sensibilidades únicas a ambos lados del Atlántico. La canción, una poderosa balada pop cargada de emoción y ternura, se presenta como un encuentro musical entre dos mundos que comparten una misma esencia: la profundidad, la honestidad y el poder transformador del amor.

Axel Fernando Witteveen, conocido artísticamente como Axel, es una de las voces más queridas de la música latina. Con más de dos décadas de carrera, el artista argentino ha dejado una huella imborrable en el panorama musical con sus letras sinceras y melodías que acarician el alma. Su “25 Tour” ha sido una celebración de ese recorrido, un reencuentro con su público y una reafirmación de su estilo inconfundible: el de un cantautor que convierte las emociones humanas en himnos de vida.

En “Solo tu voz”, Axel encuentra en Rozalén una cómplice perfecta. La artista española, originaria de Albacete, es una de las grandes referentes del pop de autor en España. Reconocida por su calidez, su compromiso social y la manera en que fusiona música y mensaje, Rozalén aporta su timbre inconfundible y su sensibilidad a una canción que se siente como una confesión compartida. Su presencia, acompañada habitualmente por la intérprete de lengua de signos Beatriz Romero, simboliza también una música que abraza y que no deja a nadie fuera.

La canción celebra ese instante mágico en el que el amor, en cualquiera de sus formas, logra detener el tiempo. Según el propio Axel, “Solo tu voz” es una “declaración de vida” que puede representar tanto el descubrimiento del amor romántico como la emoción profunda de un padre al escuchar por primera vez la voz de su hijo. Con esa dualidad tan humana, la letra y la interpretación de ambos artistas construyen un espacio íntimo, universal y profundamente conmovedor.

El videoclip oficial, estrenado por Axel en plena gira por España, refuerza el carácter poético del tema con una estética sobria y luminosa que deja que la emoción de las voces sea la verdadera protagonista. La química entre Axel y Rozalén es palpable: dos artistas que, desde su autenticidad, logran transmitir una conexión que va más allá de las fronteras y los estilos.

“Solo tu voz” no solo representa una colaboración artística, sino también un símbolo de unión cultural entre Argentina y España. La canción suena como un abrazo musical entre dos orillas que comparten la misma lengua y la misma pasión por decir y sentir a través de la música.

“Solo tu voz” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Axel y Rozalén, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

La artista peruana Hanna Levy, una de las voces femeninas más poderosas del sur, presenta su nuevo single “Quiero ser”, una canción luminosa y apasionada que combina el pop con una sensibilidad moderna y un mensaje profundamente humano. Desde su natal Ica (Perú), Hanna continúa consolidando su carrera como compositora e intérprete, explorando en cada tema nuevas formas de expresar el amor, la libertad y la fuerza femenina.

Con una voz que transmite dulzura y determinación a partes iguales, “Quiero ser” nos lleva a un viaje íntimo a través de los sentimientos más intensos del amor correspondido. En su letra, Hanna declara su entrega total: el deseo de acompañar, de compartir, de ser parte de la vida del otro desde lo cotidiano hasta lo más profundo. “Quiero ser la melodía que te susurra en las mañanas / quiero estar cada día / ser el desayuno allá en tu cama”, canta, en un estribillo tan tierno como sensual, que encapsula la esencia de la canción: amar sin miedo, con todo el cuerpo y el alma.

El tema combina una base de pop fresco y elegante con arreglos que evocan cercanía y energía emocional, logrando un sonido envolvente y contemporáneo. A lo largo de la canción, Hanna despliega un lenguaje poético lleno de imágenes, donde la pasión y la ternura conviven con naturalidad. “Quiero ser la mariposa que se posa en tu mirada / sin espinas ser tu rosa”, expresa, haciendo de cada verso un gesto de amor libre, sin posesión ni límites.

Más allá de la historia romántica que narra, “Quiero ser” también representa una declaración de principios artísticos. Para Hanna, la música es una herramienta de conexión y de transformación colectiva, especialmente para las mujeres que buscan ser escuchadas y reconocidas desde su autenticidad. Su voz, cálida y poderosa, es reflejo de esa búsqueda: la de una generación que canta al amor, pero también a la independencia, al placer y a la verdad emocional.

Con este lanzamiento, Hanna confirma su lugar como una de las artistas emergentes más prometedoras de la escena pop latinoamericana. Su talento para unir sensibilidad y fuerza convierte cada canción en una experiencia emocional profunda, cargada de vida y honestidad.

“Quiero ser” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Hanna, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El músico y compositor Fernando Ramos presenta su nuevo single “Concierto de músicos muertos”, una canción que combina la fuerza del rock con una profunda reflexión sobre la transformación —y en muchos casos, la decadencia— de la industria musical en el siglo XXI. El tema surge como una respuesta personal a las consecuencias que este cambio ha tenido especialmente para los grupos emergentes de pop y rock, aquellos que alguna vez soñaron con abrirse camino en un panorama que hoy parece haber olvidado su esencia.

Inspirado por frases como la del conocido periodista Diego A. Manrique, quien señaló que “cuando la música es gratuita, deja de parecer especial”, Ramos construye una letra que pone el foco en cómo el consumo digital y la pérdida de valor percibido han afectado tanto al arte como a los artistas. El título, “Concierto de músicos muertos”, funciona como una metáfora del silencio forzado que ha invadido a tantos creadores, una especie de homenaje a todos aquellos que quedaron en el camino.

El propio Fernando explica que la idea de la canción nació de una frase escuchada hace años: “La música debería ser gratis, como el agua.” Una afirmación que, según él, malinterpretaba el verdadero sentido del arte y su valor: “El agua en la naturaleza es gratis, pero en casa hay que pagarla. La música también tiene un coste, el del trabajo, la dedicación y la pasión de quienes la crean.”

La trayectoria de Ramos es tan extensa como honesta. Su historia comenzó en los primeros años noventa con su grupo Los Cucas, formado junto a amigos del instituto y profundamente influido por The Beatles. Aunque los comienzos fueron duros —tocando por apenas unas pesetas, viajando a Madrid para intentar abrirse paso, y recibiendo incontables negativas de discográficas—, la perseverancia dio frutos: con Sony Music, logró un disco de oro gracias a “El ser humano es raro” y un número uno en Los 40 Principales con “La última carta”.

Tras su salida de la banda, Ramos fundó 4 Bajo Cero, donde asumió también el rol de vocalista. Más adelante, ante la crisis de la industria discográfica y el auge de lo “indie”, tuvo que reinventarse. De ahí surgieron dos proyectos fundamentales en su vida: su escuela de música Islamúsica y el grupo de versiones Retroversión, con los que ha seguido vinculado a su pasión, sin perder nunca la conexión con el escenario ni con el público.

Con “Concierto de músicos muertos”, Fernando Ramos vuelve a la esencia. Ya sin preocuparse por modas ni etiquetas, emprende esta nueva etapa en solitario con una actitud libre, madura y sin filtros. “No me juego nada y quiero disfrutar todo lo posible. Si hay gente que también lo hace con mis canciones, mucho mejor”, afirma.

Su propuesta es también una invitación a mirar atrás, a recordar los días en los que la música era un oficio artesanal y profundamente humano, pero sin perder la esperanza de que aún haya espacio para ella en el presente.

Concierto de músicos muertos ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Fernando Ramos, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, conciertos o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

El carismático artista Gary Sebastian, también conocido como Gaz Mo, vuelve a escena este otoño con “Try”, un single que invita a reflexionar sobre los desafíos del amor en la era contemporánea. En una época en la que las relaciones parecen fugaces y el compromiso escasea, el cantante australiano propone con esta canción un mensaje claro y honesto: vale la pena intentarlo.

Inspirada en la vibrante —y a veces solitaria— vida urbana de Berlín, ciudad que hoy Gary llama su hogar, “Try” relata la historia de una pareja que se encuentra en el punto decisivo entre seguir adelante o rendirse. La canción es un ruego íntimo, una súplica sincera de uno de los protagonistas que pide a su pareja “intentarlo una vez más”, recordando que el amor, como la música, requiere esfuerzo, fe y vulnerabilidad.

La idea nació en una improvisada sesión de jam junto a Mickey Malibu, pero no fue hasta un año después, cuando el productor Jonathan Edward escuchó la maqueta, que el proyecto cobró nueva vida. El resultado es una pieza que combina elegancia melódica con emoción cruda, fiel al estilo inconfundible de Gary Sebastian: una fusión vibrante de jazz, blues, funk y rock ‘n’ roll.

El artista, originario de Melbourne, ha recorrido un largo camino desde sus primeras actuaciones en coros eclesiásticos impulsadas por su madre y su abuela. Desde adolescente, cuando tocaba la guitarra rítmica en una banda local, hasta su actual etapa como cantante, productor y compositor en Berlín, Gary ha mantenido una relación constante con la música. Su pasión, nutrida por influencias que van desde Stevie Wonder, Prince y Michael Jackson hasta Bruno Mars, Pink y John Mayer, se refleja en la riqueza sonora y emocional de su repertorio.

Tras el éxito crítico de su tema navideño “Under the Mistletoe”, “Try” consolida a Gary Sebastian como un artista que no teme explorar las emociones humanas con profundidad. En palabras del propio músico: “Mi amor por la música me ha llevado a un viaje increíble. He aprendido lecciones valiosas y conocido personas talentosas. Me siento agradecido de poder compartir alegría y esperanza con quienes escuchan mis canciones.”

“Try” es más que un tema romántico; es una radiografía del amor contemporáneo, de sus miedos y de su fragilidad, pero también de su poder para transformarnos cuando decidimos dar una oportunidad más.

Try ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Gary Sebastian, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

La artista andaluza sélpide presenta “MoMA (Museum of Misplaced Art)”, un álbum conceptual que convierte la escucha en una experiencia sensorial y emocional, un espacio donde cada canción es una sala y cada sonido, una pieza expuesta. Grabado en Corea del Sur durante su formación como topliner en la industria del K-pop, el disco reúne trece temas en castellano e inglés que transitan entre el pop alternativo, la electrónica, el rock y el reggaetón. En este museo imaginario, no hay una sola estética ni un único lenguaje: cada obra tiene su propio color, su textura, su manera de respirar.

El proyecto —una especie de autorretrato colectivo— convierte la vulnerabilidad en una forma de belleza y la observación en un ejercicio de poder creativo. “MoMA (Museum of Misplaced Art)” no busca ofrecer respuestas, sino construir un mapa emocional donde los referentes, las ciudades y las historias se cruzan y se confunden. sélpide explica su propuesta como “un museo que encuentra belleza en lo cotidiano, donde las canciones son pósters colgados en la habitación de un adolescente, una exposición de lo que amamos y de lo que dejamos atrás”.

Nacida en Jerez y afincada entre allí y Madrid, sélpide es el alter ego de Nuria, una creadora que mezcla idiomas y estilos con naturalidad. En su música conviven el espíritu experimental del pop alternativo europeo con la energía pulida del K-pop, y su voz —a veces introspectiva, a veces incendiaria— se mueve entre el castellano, el inglés y pequeños destellos de coreano.

El álbum, gestado a lo largo de varios años, se construye como una triple exposición: un homenaje a referentes reales, ficticios y espaciales. Las canciones se convierten así en obras que dialogan entre sí desde distintas perspectivas, unidas por un mismo hilo emocional. La grabación de las voces en Seúl fue el último paso de un proceso largo, casi artesanal, en el que sélpide trabajó cada tema como si fuese una instalación sonora.

El recorrido por el disco comienza con “museum audio guide: steal like an artist”, una introducción irónica que invita a entrar al museo y cuestionar los límites de la originalidad. Luego llegan piezas como “girlsgirlsgirls”, donde la artista juega con la idea del espejo y la mirada ajena; “Aquí no muere nadie” y “OOC”, que mezclan vulnerabilidad y energía contenida; o “Esmeralda” y “red velvet”, dos polos opuestos del corazón emocional del disco, entre la pulsión electrónica y la calma acústica.

En la segunda mitad del álbum, canciones como “i’ll drink to that”, “en tallo verde / oropéndola” o “hubris” exploran nuevas texturas, combinando capas de voces, fragmentos rítmicos y atmósferas que desafían el equilibrio. El cierre llega con “madison song (august again)”, “alexandra palace”, “BURN YOURSELF” y “el tapiz de los fantasmas pt. 2”, donde el museo se apaga lentamente y solo queda el eco, una despedida suspendida en el aire.

Más que un debut, “MoMA (Museum of Misplaced Art)” es una declaración de principios. sélpide construye un espacio donde la identidad es movimiento, la vulnerabilidad es fortaleza y la música es una forma de observar el mundo con otros ojos. En su museo, no hay obras intocables, sino reflejos que cambian con cada escucha, espejos que devuelven a cada oyente una versión distinta de sí mismo.

Un álbum que no se contempla: se habita.

El cantautor y músico Matteo Scalusa regresa con una nueva pieza profundamente emotiva titulada “Cécile mi esposa”, una canción que combina sensibilidad, ternura y una declaración de amor sincera. Escrita e interpretada con un tono íntimo, el tema refleja la madurez artística de Scalusa, quien ha sabido construir un estilo propio basado en la honestidad lírica y la calidez melódica.

Detrás del nombre artístico se encuentra Christian Stutzig, músico y compositor originario de Augsburgo (Alemania), cuya pasión por la música comenzó a los nueve años, cuando tomó sus primeras clases de guitarra. A lo largo de los años, su interés por la teoría musical y la composición lo llevó a desarrollar un profundo entendimiento de la armonía y de la estructura de las canciones. Aunque en sus inicios combinó su formación como administrativo con su amor por la música, pronto decidió dedicarse plenamente a la creación artística, lanzando su primer tema en 2016. Desde entonces, su obra ha estado marcada por letras reflexivas y melodías de fuerte carga emocional.

Cécile mi esposa representa una oda al amor verdadero, un homenaje a la persona amada desde la sinceridad más pura. En la canción, Scalusa da voz a un hombre que se dirige a la familia de su amada con respeto y gratitud, reconociendo la belleza y la bondad de quien pronto será su compañera de vida. Con versos como “Gracias por haberla criado, cuando ella era tu princesa, ahora es mía”, el artista logra transmitir un mensaje de respeto, amor y compromiso, envolviendo al oyente en una atmósfera de ternura y devoción.

Musicalmente, la canción se construye sobre una base sencilla pero llena de matices, donde la guitarra juega un papel protagonista. La interpretación vocal, delicada y honesta, resalta la emoción de cada palabra, logrando un equilibrio perfecto entre romanticismo y vulnerabilidad. El estribillo —“Cécile, Cécile mi esposa”— se repite como un mantra amoroso, reforzando la idea de entrega total y de unión profunda.

Más que una simple canción de amor, “Cécile mi esposa” es una declaración que celebra la conexión humana y la promesa de cuidar, respetar y compartir la vida con alguien especial. Matteo Scalusa demuestra nuevamente su habilidad para transformar sentimientos universales en piezas musicales que llegan al corazón, confirmando su lugar como un compositor que valora la autenticidad por encima de las modas.

Cécile mi esposa ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. 

La cantante y compositora puertorriqueña GALE vuelve a sorprender con su nuevo single “No Quería Quererte”, una colaboración junto al talentoso artista español Abraham Mateo que combina el pop moderno con toques dance y una letra tan irresistible como honesta. El tema, incluido en el segundo álbum de estudio de GALE, Lo que puede pasar, muestra una química musical explosiva entre ambos artistas y confirma el gran momento creativo que ambos atraviesan.

En “No Quería Quererte”, GALE y Abraham Mateo narran la historia de un amor que surge sin buscarlo, una conexión inesperada que se impone pese a las advertencias del corazón. La canción juega con la ironía del deseo y la resistencia, con frases directas y seductoras como: “No quería quererte, no quería quererte… pero cuando me miras con esos ojitos, me dan ganas de comerte.” A través de una producción pulida y un ritmo contagioso, el tema captura ese instante en el que la pasión se convierte en destino, aunque ambos protagonistas sepan que puede doler.

Musicalmente, el sencillo combina la energía del pop/dance con una sensualidad marcada por sintetizadores, percusiones latinas y una base rítmica que invita al movimiento. La voz rasgada y expresiva de GALE se mezcla con la versatilidad vocal de Abraham Mateo, creando una fusión de estilos que fluye con naturalidad entre lo emocional y lo bailable.

GALE, nominada a Mejor Nuevo Artista en los Latin Grammy 2023, continúa demostrando su madurez artística y su habilidad para escribir canciones con identidad propia. Antes de brillar como solista, ya había conquistado la industria como compositora de grandes figuras como Shakira, Christina Aguilera, Juanes, Anitta y Manuel Turizo. Su sonido combina la fuerza del pop con influencias punk, dance y latinas, reflejando una personalidad artística potente y contemporánea.

Por su parte, Abraham Mateo aporta a la colaboración su sello inconfundible: una mezcla de carisma, sensibilidad y ritmo. El cantante gaditano, que alcanzó fama internacional a los 14 años con “Señorita”, ha evolucionado hasta convertirse en uno de los artistas más versátiles del pop latino actual, colaborando con nombres como Jennifer Lopez, Luis Fonsi y Sebastián Yatra. Su participación en “No Quería Quererte” refuerza su faceta más pop y demuestra su capacidad para adaptarse a diferentes estilos sin perder autenticidad.

El tema, además de destacar por su impecable producción, muestra un equilibrio entre lo romántico y lo provocador. La letra combina imágenes de deseo, nostalgia y conexión física, dando lugar a una historia que se siente tan real como universal: dos personas que intentan evitar el amor, pero terminan cayendo inevitablemente en él.

Con “No Quería Quererte”, GALE reafirma su posición como una de las voces femeninas más innovadoras del pop latino, mientras que Abraham Mateo continúa consolidando su legado como artista integral y camaleónico.

“No Quería Quererte” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de GALE y Abraham Mateo, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips o colaboraciones, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

La artista onubense María Isabel vuelve a la escena musical con “Pa ti soy la mala”, una canción poderosa y desafiante que consolida su regreso al panorama pop-latino. Este nuevo lanzamiento, el tercero de su próximo álbum, marca una evolución sonora y emocional en la carrera de una de las voces más reconocidas de España.

Conocida por su histórica victoria en el Festival de Eurovisión Junior 2004 con el icónico tema “Antes muerta que sencilla”, María Isabel López Rodríguez —natural de Ayamonte, Huelva— demuestra con este single que ha dejado atrás su imagen infantil para abrazar una nueva etapa de madurez, autenticidad y empoderamiento.

“Pa ti soy la mala” es un canto a la libertad personal tras una relación marcada por la manipulación emocional. A través de una letra directa y contundente, la artista redefine el concepto de “mala” para transformarlo en sinónimo de independencia y autovaloración. “Pa ti soy la mala, ahora soy la gata, la que disfruta la vida y se la vive con su pana…” canta con fuerza, celebrando su capacidad de reconstruirse y dejar atrás el pasado sin miedo ni culpa.

En lo musical, la canción fusiona el pop urbano con matices latinos y un sutil alma de tango, creando un sonido sofisticado y contemporáneo que destaca por su producción moderna y su intensidad interpretativa. Este estilo híbrido refuerza la identidad artística de María Isabel, quien continúa explorando nuevas formas de expresión sin perder su esencia.

Tras un retiro temporal en 2021 por motivos de salud mental y su posterior maternidad en 2023, la cantante regresa más fuerte que nunca, demostrando que la vulnerabilidad también puede ser fuente de poder creativo. Con “Pa ti soy la mala”, María Isabel no solo presenta un nuevo single, sino también una declaración de principios: la de una mujer que ha aprendido a quererse y a poner límites, transformando el dolor en arte.

“Pa ti soy la mala” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de María Isabel, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips o proyectos musicales, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

La artista andaluza Carmen Ferre, una de las voces jóvenes más prometedoras del panorama musical español, presenta su nuevo sencillo “Noviembre”, una balada intensa y profundamente emocional que fusiona el pop con matices flamencos. Con esta canción, la cantautora demuestra una vez más su capacidad para transformar el dolor en arte y conectar con el público desde la verdad más íntima.

Noviembre es una historia contada desde el corazón roto, desde ese punto en el que el amor ya no está, pero los recuerdos aún arden. A través de una letra poética y desgarradora, Carmen repasa los meses del año como si fueran capítulos de una herida que no termina de cerrar: “Enero dice vas por buen camino / Febrero duele cuando yo respiro…”. La canción alcanza su clímax con un estribillo tan bello como devastador: “Y llega noviembre / y me obliga a aceptar que te amo / me recuerda que hoy somos extraños / que soltaste mi mano / y hay alguien que camina a tu lado.”

El tema no solo refleja una pérdida amorosa, sino también la lucha interna por aceptar la realidad y aprender a vivir con la ausencia. Con su voz llena de matices, Carmen Ferre transmite una autenticidad que atraviesa, combinando delicadeza y fuerza en cada frase.

Musicalmente, “Noviembre” se enmarca dentro del pop aflamencado que caracteriza a la artista, con arreglos contemporáneos que realzan su interpretación y una producción cuidada que deja respirar la emoción. Es un tema que invita tanto a la reflexión como al desahogo, donde el tiempo —representado por los meses— se convierte en el verdadero protagonista.

Carmen Ferre ha construido paso a paso una carrera sólida desde su paso por talent shows como La Voz Kids, Got Talent y Tierra de Talento, donde su voz y carisma cautivaron al público. Desde entonces, ha compartido escenario con grandes nombres como Antonio Orozco, Pastora Soler, Vanesa Martín y El Arrebato, consolidándose como una artista completa y con una identidad musical muy personal.

Tras éxitos anteriores como “Cicatrices”, “Nueve Vidas” y “Fuiste tú”, la joven cantautora vuelve a emocionar con “Noviembre”, reafirmando su madurez artística y su capacidad para escribir canciones que se sienten tan reales como universales.

“Noviembre” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Carmen Ferre, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips o proyectos musicales, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

La artista española Mafalda Cardenal sorprende con una colaboración transatlántica junto al fenómeno argentino Luck Ra en “Vete a la Luna (Versión Cuarteto)”, una reinterpretación vibrante y bailable de su exitosa balada pop. Lanzada el 31 de octubre de 2025, esta nueva versión fusiona la sensibilidad melódica del pop español con la energía contagiosa del cuarteto cordobés, dando como resultado un tema que celebra la conexión cultural entre ambos países y una nueva etapa en la carrera de Mafalda.

La canción, que originalmente cautivó por su tono melancólico y honesto, se transforma aquí en una explosión de ritmo y emoción. Con la participación de Luck Ra —uno de los artistas argentinos más escuchados del momento—, “Vete a la Luna (Versión Cuarteto)” adquiere una fuerza renovada sin perder su esencia emocional. La fusión entre la voz suave y melódica de Mafalda y la energía característica de Luck Ra logra un equilibrio perfecto entre nostalgia y celebración.

En su letra, “Vete a la Luna” aborda una despedida amorosa desde la aceptación y la madurez emocional. La protagonista invita a su expareja a buscar nuevos horizontes con versos tan contundentes como: “Así que vete, vete a la luna. Busca algo nuevo, una nueva aventura. Y cuando entiendas que la luna solo brilla por el sol, no me busques.” Es una historia de amor que se despide sin rencor, con un mensaje de liberación y autoconocimiento que conecta directamente con el público joven.

Mafalda Cardenal, originaria de Alicante, se ha consolidado como una de las voces más prometedoras del pop español contemporáneo. Desde sus inicios subiendo canciones a redes sociales, ha construido una sólida base de seguidores y millones de oyentes mensuales en Spotify. Su capacidad para transformar vivencias personales en letras sinceras y luminosas la ha convertido en una referente generacional. Con temas como “Tu Fan”, “La Gente” y “Vete a la Luna”, ha demostrado que su pop emocional también puede tener un pulso universal.

Por su parte, Luck Ra, oriundo de Córdoba (Argentina), continúa expandiendo las fronteras del cuarteto, el ritmo emblemático de su tierra. Tras éxitos como “La Morocha”, “Ya No Vuelvas (Remix)” y “Te Mentiría”, el cantante y productor argentino se ha posicionado como una figura clave en la popularización internacional del género. Su estilo fusiona lo urbano con lo tradicional, aportando a esta colaboración un carácter festivo y genuino que eleva la canción a otro nivel.

El encuentro entre ambos artistas no solo representa una unión musical, sino también cultural: España y Argentina dialogan a través de una canción que invita al movimiento sin dejar de tocar el corazón. “Vete a la Luna (Versión Cuarteto)” conserva la esencia emocional de la versión original, pero con un nuevo aire que la convierte en una canción ideal tanto para cantar con el alma como para bailar hasta el amanecer.

Con esta colaboración, Mafalda Cardenal demuestra su versatilidad artística y su capacidad para trascender fronteras sonoras, mientras que Luck Ra continúa confirmando su liderazgo como embajador del cuarteto argentino ante el mundo.

“Vete a la Luna (Versión Cuarteto)” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Mafalda Cardenal y Luck Ra, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips o colaboraciones, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

La banda danesa Vinyl Floor regresa con fuerza con “Mr. Rubinstein”, el primer single de su próximo álbum “Balancing Act”, que verá la luz el 27 de febrero de 2026. Este nuevo lanzamiento, disponible desde el 31 de octubre de 2025, marca una nueva etapa en la trayectoria del grupo, reafirmando su identidad dentro del rock melódico con una producción cuidada y una atmósfera envolvente.

Grabada en el Studio Möllan de Malmö, Suecia, la canción fue producida por Emil Isaksson y Daniel Pedersen, y posteriormente mezclada y masterizada por Søren Vestergaard en The Shelter. La pieza cuenta además con la colaboración especial del multiinstrumentista Bebe Risenfors (conocido por su trabajo junto a Tom Waits) en los arreglos de viento, y de Christian Ellegaard en las cuerdas, aportando una riqueza sonora que eleva el carácter emocional del tema.

“Mr. Rubinstein” es una composición de tempo medio, dominada por el piano, el órgano y los arreglos orquestales, que transmite una atmósfera melancólica y misteriosa. La letra aborda la compleja y a menudo tensa relación entre el artista y el crítico, inspirada en una historia real que explora el choque de egos y la delgada línea entre la creación y la interpretación.

Formada en 2007 en Copenhague, Vinyl Floor está integrada por los hermanos Daniel Pedersen y Thomas Charlie Pedersen, quienes combinan su pasión por el rock británico de los 60 y 70 con elementos clásicos y contemporáneos. Con más de 200 conciertos a sus espaldas y giras por Reino Unido, Alemania y Japón, el dúo ha construido un sonido único que equilibra nostalgia, sofisticación y frescura.

Lanzado bajo su propio sello Karmanian Records (Kar Rec), “Mr. Rubinstein” ofrece un adelanto del universo sonoro que los fans podrán descubrir por completo en “Balancing Act”, un trabajo que promete consolidar la madurez artística de la banda y su compromiso con la exploración musical.

“Mr. Rubinstein” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Vinyl Floor, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, giras o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

El grupo Alpaca-in-Chief conmemora el primer aniversario de “M Building”, una canción que combina melancolía, humor y optimismo con una autenticidad desarmante. Este lanzamiento especial llega mientras el proyecto prepara una secuela musical que promete ampliar el universo emocional iniciado con este tema, invitando a nuevos oyentes a descubrir su magia original.

Detrás de Alpaca-in-Chief se encuentra Daniel, un músico que se define a sí mismo como “nerd profesional y trovador torpe”, además de ser el fundador y “Alpaca-in-Chief” del reconocido World Scholar’s Cup. Su faceta artística nació durante sus años en la Universidad de Stanford, donde escribió sus primeras canciones —entre ellas “M Building”—, caracterizadas por una mezcla de vulnerabilidad, humor y una fe inquebrantable en la belleza de los pequeños momentos.

“M Building” refleja esa esencia universitaria, con letras impregnadas de nostalgia y melodías que evocan la inocencia del primer amor, las amistades formativas y la búsqueda de significado en medio del caos cotidiano. Aunque fue escrita por un joven Daniel que se describe como “terriblemente desafinado pero infinitamente esperanzado”, la canción conserva un espíritu atemporal que sigue resonando con oyentes de todas las edades.

A lo largo del último año, la música de Alpaca-in-Chief ha encontrado un espacio propio, expandiéndose gracias al apoyo de amigos, colegas y una comunidad de oyentes que celebra su autenticidad. Con el próximo lanzamiento de la secuela de “M Building”, el grupo reafirma su compromiso con la creación de canciones que conectan desde la emoción más genuina y humana.

“M Building” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. 

El DJ y productor belga DJ FJ sorprende con su nuevo single “Bajo el Sol”, una bachata original que combina sentimiento, ritmo y calidez tropical. Inspirado por sus propias emociones, el artista escribió la letra desde el corazón, transformando sus palabras en una experiencia musical profundamente honesta y luminosa.

Con esta canción, DJ FJ, originario de Bruselas, Bélgica, se adentra en el universo latino con una propuesta que fusiona la sensibilidad europea con la pasión caribeña. Eligió el estilo bachata porque —según él— “encaja perfectamente con la emoción de la letra”, logrando así un equilibrio entre la nostalgia, el romanticismo y el deseo de bailar bajo el sol, símbolo de esperanza y conexión.

“Bajo el Sol” no solo resalta la versatilidad de DJ FJ como creador, sino también su capacidad para transmitir sentimientos universales a través del lenguaje musical. La producción ofrece guitarras cálidas, percusiones suaves y una atmósfera envolvente que invita a cerrar los ojos y dejarse llevar por el ritmo.

Este lanzamiento marca un nuevo paso en la trayectoria del artista, consolidando su identidad dentro de la escena internacional y abriendo la puerta a futuras colaboraciones en el mundo latino.