La joven artista madrileña María Barajas acaba de lanzar su nuevo single, "Pero Te Quiero", el segundo adelanto de su próximo EP. Este tema, grabado en el estudio El Lado Izquierdo y producido por Sergio Valdehita y Carlos Sosa, es una muestra del talento y la sensibilidad de una artista que ha sabido combinar sus raíces en la música clásica con una propuesta sonora fresca y llena de personalidad.

El videoclip de "Pero Te Quiero", dirigido y editado por Tania Netsvetaylova, fue grabado en el barrio de La Latina, Madrid, en un día en el que la lluvia dio tregua y regaló una luz especial, con reflejos en el suelo mojado que añadieron un toque mágico a la producción. Este visual, hecho con mucho cariño, complementa perfectamente la emotividad de la canción, que habla de amor, desencuentros y reconciliaciones.

La letra de "Pero Te Quiero", escrita por la propia María Barajas, es un poema cargado de sentimiento. Narra la historia de un amor que duele, de despedidas y segundas oportunidades, con versos como "Entiendo que ya no quieras verme, entiendo que no fui buena para ti" o "Yo siempre te he querido, pero ahora duele". La canción, interpretada con una voz llena de matices, está acompañada por una instrumentación rica y variada, con guitarras, teclados, vientos y una base rítmica que fusiona géneros como el bolero, el rock, el soul y la cumbia.

María Barajas no se define como cantautora, ya que considera que su música va más allá de la simple canción. Para ella, la banda, la producción y el sonido son elementos fundamentales que dan sentido a su proyecto. En "Pero Te Quiero", esto se hace evidente con arreglos cuidados y una mezcla magistral a cargo de Dany Richter, que logra un equilibrio perfecto entre tradición y modernidad.

El directo de María Barajas y su banda es un viaje musical que conecta el norte y el sur, con influencias que van desde Depedro y Natalia Lafourcade hasta Quique González y Colectivo Panamera. Su música es un canto a la belleza, un mestizaje de géneros que busca conectar con el público desde la autenticidad y la emoción.

"Pero Te Quiero" ya está disponible en plataformas digitales para su streaming, y promete ser un éxito más en la carrera de esta talentosa artista. Los seguidores de María Barajas pueden mantenerse al tanto de sus futuros proyectos y novedades a través de sus redes sociales, donde comparte contenido exclusivo y avances de sus próximos lanzamientos.

Con este nuevo single, María Barajas reafirma su lugar en el panorama musical español, ofreciendo una propuesta fresca, emotiva y llena de personalidad. Una canción que, sin duda, resonará en el corazón de quienes la escuchen.

El grupo musical Capitán Moscú, originario de El Bierzo, ha presentado su nuevo single titulado "Qué bonita era la Habana", una canción que rinde homenaje al Son Cubano y narra las peripecias de un emigrante español en busca de fortuna en tierras caribeñas. Con letra de José Luis Segura Carbajo y música de Nono G. Ferrero, este tema es una muestra más del mestizaje musical que caracteriza a la banda, fusionando géneros como el rock, pop, música latina, funk y blues.

La canción cuenta la historia de un emigrante del pueblo de Quintana, en León (España), quien viaja a Cuba con la esperanza de encontrar un futuro mejor. Sin embargo, tras vivir numerosas aventuras, regresa a casa con poco más que un puro, un sombrero y un sinfín de historias que contar. A ritmo de Son Cubano, "Qué bonita era la Habana" transporta al oyente a una época de sueños y desencuentros, evocando la nostalgia y la riqueza cultural de la isla caribeña.

Capitán Moscú, un proyecto consolidado desde hace varios años, está formado por seis músicos que buscan crear un sonido propio, libre de etiquetas. Sus influencias, que van desde Ketama y Kiko Veneno hasta Los Rodríguez y Antonio Vega, se reflejan en su capacidad para mezclar estilos y crear canciones que conectan con un público diverso. Con éxitos como "Mentiras", que alcanzó el número 1 en la revista LH Magazín durante tres semanas, o "Tardes de cerezas", ganadora del concurso de Canción del Verano 2024, la banda ha demostrado su versatilidad y talento.

Además, su videoclip "Eres guapa pero..." recibió una mención especial en el prestigioso Festival de Berlín: Berlin Music Video Awards, consolidando su presencia en el panorama musical internacional.

"Què bonita era la Habana" ya está disponible en plataformas digitales para su streaming, y promete ser un éxito más en la trayectoria de Capitán Moscú. Los seguidores de la banda pueden mantenerse al tanto de sus futuros proyectos y novedades a través de sus redes sociales, donde comparten contenido exclusivo y avances de sus próximos lanzamientos.

Con este nuevo single, Capitán Moscú no solo reafirma su compromiso con la diversidad musical, sino que también rinde tributo a las historias de aquellos que, en busca de un sueño, terminan encontrándose a sí mismos en el camino. Una canción que invita a bailar, reflexionar y, sobre todo, a disfrutar de la música sin fronteras.

El productor puertorriqueño Jone Quest ha marcado un hito en su carrera con el lanzamiento de su esperado álbum "Magnus", un proyecto que no solo consolida su lugar en la escena musical, sino que también redefine lo que significa la grandeza en el género urbano. Disponible en todas las plataformas digitales, este trabajo es una muestra de la evolución artística y personal de Quest, quien ha reunido a algunas de las figuras más destacadas del reggaetón y el trap para crear un álbum que promete ser un referente en la música contemporánea.

"Magnus" es un viaje sonoro que combina ritmos contagiosos, letras profundas y producciones impecables. Con colaboraciones de artistas como Ñengo Flow, Gotay ‘El Autentiko’, Juanka ‘El Problematik’, Killatonez, Jking, Maximan y Melymel, entre otros, el álbum ofrece una variedad de estilos y voces que enriquecen cada tema. Cada colaboración ha sido cuidadosamente seleccionada para aportar un toque único, demostrando la capacidad de Jone Quest para unir talentos y crear algo más grande que la suma de sus partes.

El título "Magnus", que en latín significa "grande", no es casual. Este álbum representa la culminación de años de trabajo, experimentación y crecimiento para Jone Quest. Desde sus inicios en la producción musical, Quest ha demostrado una habilidad innata para crear beats que resuenan con el público, pero con "Magnus", eleva su arte a un nuevo nivel. Cada canción es una declaración de intenciones, una muestra de que la música urbana puede ser tanto bailable como profunda, tanto comercial como auténtica.

Uno de los aspectos más destacados de "Magnus" es su diversidad. El álbum no se limita a un solo subgénero del urbano, sino que explora desde el reggaetón clásico hasta el trap más oscuro y experimental. Tracks como los que cuentan con Ñengo Flow y Juanka ‘El Problematik’ ofrecen un sonido crudo y potente, mientras que las colaboraciones con Melymel y Gotay ‘El Autentiko’ aportan un toque melódico y sensual. Esta variedad no solo mantiene al oyente enganchado, sino que también demuestra la versatilidad de Jone Quest como productor.

Además de su impacto musical, "Magnus" es un testimonio del crecimiento personal de Jone Quest. En entrevistas recientes, el productor ha hablado sobre cómo este álbum representa un momento de madurez en su vida, tanto en lo profesional como en lo personal. "Este proyecto es más que música; es una parte de mí, de mis experiencias, mis luchas y mis triunfos", ha declarado Quest. Esta honestidad se refleja en cada nota y cada verso, haciendo que "Magnus" sea no solo un álbum para escuchar, sino también para sentir.

El lanzamiento de "Magnus" llega en un momento crucial para la música urbana, un género que sigue dominando las listas de reproducción y las redes sociales a nivel global. Con este álbum, Jone Quest no solo se posiciona como uno de los productores más talentosos de su generación, sino que también establece un nuevo estándar para lo que puede lograr la música urbana cuando se combinan talento, pasión y visión.

Con "Magnus", Jone Quest no solo ha creado un álbum, sino un legado. Una obra que, sin duda, será recordada como un punto de inflexión en la música urbana y un testimonio del poder de la creatividad y la dedicación.

Lili Ritz, una de las voces emergentes más prometedoras del panorama soul-pop, ha lanzado su nuevo single "Kintsugi", que ya está disponible en todas las plataformas digitales. Este tema, con una profunda carga emocional, aborda la idea de sanar tras los momentos difíciles y abrazar las cicatrices como parte de nuestra historia y crecimiento personal.

La canción toma su nombre de una antigua técnica japonesa que consiste en reparar piezas de cerámica rotas utilizando oro, resaltando las grietas en lugar de ocultarlas. "Kintsugi" es una metáfora de la resiliencia y la belleza en la imperfección, un mensaje que Lili Ritz ha querido plasmar en esta composición, nacida de una experiencia personal tras una ruptura sentimental.

"Descubrí el término Kintsugi gracias a una amiga. Me fascinó su significado y sentí que representaba perfectamente el momento que estaba viviendo en mi vida", comenta la artista.

La canción fue compuesta el pasado verano en un íntimo proceso creativo en el que Lili, con su guitarra en mano, encontró el estribillo antes de dar forma a los versos. La producción estuvo a cargo de Jose Ruiz, quien supo plasmar el sonido orgánico y emotivo que la artista buscaba. Además, el bajista de su banda, Sergio Rey aportó matices más rockeros con guitarras eléctricas, enriqueciendo el sonido de la canción.

El proceso de producción duró seis meses, desde junio hasta noviembre, y contó con la participación de Kasem (Halley Music Hub) en la mezcla y el máster final.

La portada del single, ideada en colaboración con su director artístico Luis Panzano, se basa en una baldosa de cerámica que contiene el rostro de la artista y grietas de pintura dorada para representar la técnica del Kintsugi. El diseño fue elaborado por la empresa The Tile Project, logrando una imagen que refleja a la perfección el mensaje de la canción.

Con tan solo 21 años, Lili Ritz ha demostrado un gran talento en la escena musical española. Desde sus inicios en la pandemia, ha evolucionado hasta encontrar su estilo en el soul-pop. Su talento ha sido reconocido con premios como el Primer premio a mejor cantautora en el Certamen musical Jóvenes Autores de El Escorial 2024 y el Segundo premio con su canción "Miedo" en el Certamen CREA 2025.

Lili Ritz llevará "Kintsugi" al escenario el próximo 16 de marzo en el festival Magia Sonora Fest, que se celebrará en la Sala B de Madrid, donde compartirá con el público la emoción y el significado de su nuevo single.

Con "Kintsugi", Lili Ritz no solo presenta una canción, sino una filosofía de vida: abrazar nuestras cicatrices y encontrar en ellas la verdadera belleza.

Marta Santos, la talentosa cantante y compositora de Villanueva del Río y Minas (Sevilla), acaba de lanzar su nuevo single "Te Veo", un tema que refleja su evolución artística y su capacidad para conectar con el público a través de letras emotivas y melodías cautivadoras. La canción, ya disponible en todas las plataformas digitales, promete ser un éxito rotundo, siguiendo los pasos de sus anteriores lanzamientos.

Marta Santos comenzó su carrera musical grabando vídeos con su guitarra y su móvil, interpretando canciones de otros artistas y compartiéndolas en sus redes sociales. Desde la publicación de su primer vídeo en 2021, su popularidad no ha dejado de crecer, acumulando casi 360.000 seguidores en Instagram y 251.000 en TikTok. Su talento y dedicación la llevaron a firmar con Sound Blaster Records, donde lanzó su primer cover profesional, "Las Cosas Pequeñitas", que se posicionó en la lista de virales de Spotify y superó las 26 millones de reproducciones.

Con su single "Algo Sencillito", Marta alcanzó un hito importante en su carrera: el disco de oro. Este éxito fue el adelanto de su primer álbum, "Poquito a Poquito", un trabajo de diez canciones producido por Nerso & Scorpion. Ahora, con el respaldo de la multinacional Warner Music Spain, Marta Santos presenta "Te Veo", un tema que combina romanticismo, deseo y la magia de volar en gravedad cuando el amor se hace realidad.

La letra de "Te Veo" habla de ese momento mágico en el que el deseo se convierte en realidad, rompiendo las barreras de la gravedad. Con versos como "Ay, cuando te veo, quiero que el deseo se nos haga realidad", Marta captura la esencia de un amor que lo transforma todo. La canción es una invitación a soñar, a bailar y a dejarse llevar por la alegría y la pasión.

"Esta canción es muy especial para mí", comentó Marta Santos. "Habla de esos momentos en los que el amor te hace sentir que puedes volar, que todo es posible. Quiero que quienes la escuchen sientan esa misma magia".

"Te Veo" ya está disponible en todas las plataformas digitales. Los seguidores de Marta Santos pueden mantenerse al tanto de sus próximos proyectos, presentaciones y novedades siguiéndola en sus redes sociales, donde comparte contenido exclusivo y detrás de cámaras.

Con este nuevo lanzamiento, Marta Santos no solo reafirma su lugar en la escena musical, sino que también demuestra que su talento y autenticidad son la clave de su éxito. "Te Veo" es una canción que invita a soñar, a bailar y a creer en la magia del amor.

Agus Padilla, la cantante uruguaya que ha conquistado a millones con su voz y su carisma, acaba de lanzar su nuevo single titulado "No Me Vuelvo A Enamorar". La canción, ya disponible en todas las plataformas digitales, marca un nuevo hito en la carrera de la artista, consolidándola como una de las voces más influyentes de la música latina.

Agus Padilla comenzó su carrera en 2014, compartiendo covers de canciones en sus redes sociales. Su talento y autenticidad rápidamente captaron la atención del público, lo que la llevó a lanzar su primer single, "Ni Tu Amiga Ni Tu Amante", a los 15 años. Este tema, que supera las 55 millones de visitas en YouTube, se convirtió en un fenómeno viral y la catapultó a la fama. Desde entonces, Agus ha colaborado con grandes nombres de la música urbana, como Ecko, LIT Killah y Super Yei, demostrando su versatilidad y capacidad para conectar con audiencias de todas las edades.

"No Me Vuelvo A Enamorar" es una canción que refleja un mensaje de empoderamiento y superación personal. Con letras sinceras y una melodía cautivadora, la artista expresa la decisión de no volver a caer en relaciones tóxicas, priorizando el amor propio y la independencia emocional. Este tema no solo muestra la evolución artística de Agus, sino también su crecimiento personal, ofreciendo un mensaje que resonará con quienes han pasado por experiencias similares.

"Esta canción es muy especial para mí", comentó Agus Padilla. "Habla de cerrar ciclos, de aprender a quererme primero y de no repetir los mismos errores. Creo que muchas personas se sentirán identificadas con su mensaje".

El single ya está disponible en todas las plataformas digitales, incluyendo Spotify, Apple Music y YouTube. Los seguidores de Agus Padilla pueden mantenerse al tanto de sus próximos proyectos, presentaciones y novedades siguiéndola en sus redes sociales, donde comparte contenido exclusivo y detrás de cámaras.

Con "No Me Vuelvo A Enamorar", Agus Padilla no solo reafirma su lugar en la escena musical, sino que también demuestra que su talento y autenticidad son la clave de su éxito. Esta canción es un recordatorio de que, a veces, la mejor forma de amar es empezar por uno mismo.

Valentina Olguín, la talentosa cantante y compositora argentina, acaba de lanzar su nuevo single "Lunes a Domingos", un tema que fusiona el pop con ritmos latinos y urbanos, creando una propuesta fresca y contagiosa. La canción, ya disponible en todas las plataformas digitales, promete convertirse en un éxito que invita a bailar sin parar, consolidando a Valentina como una de las artistas más prometedoras de la escena musical argentina.

Originaria de Santiago del Estero, Valentina Olguín comenzó su carrera musical de la mano de Dame 5, una banda de cumbia canchera que la llevó a dar sus primeros pasos en el mundo artístico. Sin embargo, fue a través de sus redes sociales, especialmente Instagram, donde Valentina alcanzó una gran popularidad. Con más de 320.000 seguidores, la cantante ha cautivado al público con sus versiones vocales originales, frecuentemente acompañadas de su guitarra acústica, y con su estilo único que combina moda chic y un lifestyle inspirador.

Su talento y carisma no pasaron desapercibidos, y rápidamente llamaron la atención de productores y sellos discográficos. Ahora, con "Lunes a Domingos", Valentina Olguín demuestra su evolución como artista, ofreciendo un tema que combina melodías pegajosas, letras divertidas y un ritmo que invita a mover los pies desde el primer segundo.

"Este tema es muy especial para mí", comentó Valentina Olguín. "Quería crear algo que reflejara mi esencia, pero que también fuera fresco y divertido. 'Lunes a Domingos' es una canción para disfrutar, para bailar y para sentir esa energía positiva que nos mueve todos los días".

El single ya está disponible en todas las plataformas digitales. Los seguidores de Valentina Olguín pueden mantenerse al tanto de sus próximos proyectos, presentaciones y novedades siguiéndola en sus redes sociales, donde comparte contenido exclusivo y detrás de cámaras.

Con "Lunes a Domingos", Valentina Olguín no solo reafirma su lugar en la escena musical, sino que también demuestra que su talento y autenticidad son la clave de su éxito. Este nuevo lanzamiento es una invitación a disfrutar de la vida, a bailar sin parar y a celebrar cada día con alegría.

Mientras vivía en Ámsterdam, Jorge Antequera se encontraba en su habitación entretenido en un collage con recortes de revistas LIFE que había comprado en un mercadillo. Rememora ahora cómo uno de los titulares de aquellas publicaciones captó su atención "Is the U.S. heading into a recession?" Recortó el titular y se quedó con las palabras "Heading into a recession?" Un tiempo adelante, a pocos meses de regresar a Madrid, no paraba de pensar en si el hecho de volver iba a hacerle retroceder por culpa de la vida frenética y el peso cada vez más grande de la vida adulta.

"Sentí que el título del disco me había encontrado a mí" - dice Jorge. Ahí, y así, empieza la historia del disco que hoy presentamos, y del mismo Jayco Jr, el alter ego del madrileño Jorge Antequera, en el ha encontrado el lugar idóneo para su música: el limbo entre el indie-folk acústico y el rock alternativo.

Su álbum debut, "Heading into a recession?" es una cálida declaración de intenciones en la que se presenta como un artista multifacético, insondable y abierto. Con influencias de artistas como Elliott Smith, Big Thief y Wilco, Jayco Jr cultiva un estilo propio innovador inspirado en el pasado, tomando la nostalgia y la emoción como punto de partida para la construcción de un universo propio, profundamente detallista y acogedor.

A lo largo de las 10 canciones de "Heading into a recession?", Jayco Jr adereza su folk con notas de diferentes estilos musicales, pero siempre dentro de la esencia que lo define: una historia que contar y su voz al frente. Combinando canciones en las que con sólo una guitarra acústica y su voz consigue atrapar, con otras con un sonido más amplio que incluye sintetizadores y batería más presente, como en el focus track "Gone", Jayco Jr consigue una intimidad absorbente en el conjunto que supone su disco debut: un trabajo delicado, que dispara al corazón.

Los cuatro singles previos al lanzamiento demuestran esa versatilidad tanto lírica como emocional. Backtrack, el primer adelanto, habla del aislamiento y el anhelo de una llamada, la cual simboliza la reconexión. "Everyday" es una profunda y emotiva oda al amor que refleja el espíritu de resistencia del proyecto: la constante búsqueda de motivos para seguir adelante, incluso en los tiempos más oscuros. En "Red Fire Bird", reflexiona sobre cómo, a veces, soltar a alguien es el acto más bonito y liberador, incluso cuando uno quiere quedarse. Y "In the backseat", considera el peso emocional de esos recuerdos que aparecen de forma inesperada en nuestra mente para enfrentarnos con quienes fuimos en el pasado.

Compuesto, grabado, producido y mezclado por el propio Jorge Antequera, y masterizado por Francisco Holzmann, incluye arrehlos de Rubén Abdellah y Andrés Aracena, además de contar con la colaboración de Ruth Pivel (Gone, Red Fire Bird), Julián Bayod (Backtrack,Red Fire BIrd), Luca Milozzi (Everyday, TO ALL MY FRIENDS), Álvaro Juliá (Gone) y Julia Neska (In The Backseat). El arte y diseño del disco ha contado con la colaboración y asesoramiento de Héctor Lozano.

La talentosa pianista, cantante y compositora Alicia Tamariz, hija del icónico mago Juan Tamariz, protagoniza un espectáculo único donde se aúnan la música, el cine y la magia. Esta obra multidisciplinar se inspira en una preciosa filosofía desarrollada por su padre, conocida como Los Siete Velos.

Alicia ha presentado “Los siete velos del Arte” en varias ciudades andaluzas poniendo el broche de oro a esta gira en Puerto Real (Cádiz), en el Teatro Principal el sábado 21 de febrero, a partir de las 21,00h., cuyas entradas de se pueden adquirir aquí. 

En este espectáculo, Juan Tamariz co-protagoniza la obra a través de proyecciones que lo muestran dialogando con Alicia, su hija, y con el público. Además, regala un momento extraordinario e inolvidable realizando un juego con el que concurrirá la magia directamente en las manos de los espectadores. Alicia protagoniza el concierto-espectáculo con su música, actúa como hilo conductor, tejiendo una conexión entre el Padre-Maestro, el artista-filósofo y el hombre entrañable que es Juan Tamariz. Todo esto convierte el espectáculo en un emotivo homenaje a su figura, y un regalo para que el público pueda seguir disfrutando de él ahora, ya retirado de los grandes escenarios.

Alicia Tamariz, reconocida por su transmisión, sensibilidad y poesía ha compuesto la banda sonora del espectáculo, con piezas únicas que dan vida a cada escena. Su música combina estilos como el jazz, el folclore y la canción de autor, llenando cada momento de luminosidad y profundidad. Las piezas, tanto instrumentales como cantadas, crean una atmósfera que envuelve al público y lo transporta a un universo de belleza y emoción.

Con motivo de los 80 años de Juan Tamariz, este espectáculo nace del deseo de Alicia de mantener viva la conexión de su padre con el público. Es la primera y única obra en la que Juan aparece de esta manera tan personal y cercana, compartiendo los misterios de su filosofía del arte a través de la teoría de Los Siete Velos.

A través de la historia personal de Alicia, se van desvelando los siete misterios de esta teoría, definidos por Juan en su libro El Arco Iris Mágico. Estos misterios, que el propio Juan considera ingredientes esenciales para transmitir valor, belleza y felicidad en la creación artística, son reinterpretados en esta obra para mostrar cómo pueden trasladarse a la vida cotidiana.
El espectáculo es una invitación a explorar los misterios del arte y de la vida desde una perspectiva única y profundamente humana. Alicia Tamariz lleva la filosofía de su padre un paso más allá, fusionando música, proyecciones y magia para ofrecer una experiencia inolvidable que celebra el arte como fuente de felicidad y conexión. 

Este espectáculo no solo es un tributo a Juan Tamariz, sino también una obra que conecta generaciones, disciplinas y emociones. Es una oportunidad única para disfrutar del talento de Alicia Tamariz y para redescubrir al gran maestro de la magia, Juan Tamariz, a través de los ojos y la música de su hija. Una experiencia irrepetible que une magia, música y el lenguaje cinematográfico en un homenaje lleno de emoción y creatividad.

Hija de artistas (madre pintora y padre ilusionista) se enamora de la música desde muy pequeña. Estudia piano jazz y en seguida inicia un viaje vital y musical de más de tres años por gran parte de Latinoamérica (Argentina, Brasil, Perú, Ecuador, Colombia…) donde toca y se nutre de sus ricos folclores y culturas. Durante once años (hasta 2019), acompaña a su padre musicalmente en las actuaciones por toda España.

En 2021 publica su primer disco como compositora, pianista y cantante titulado “Aletheia” con el que ha girado por espacios emblemáticos de Jazz como el Café Central de Madrid, Teatro Cervantes de Málaga, Auditorio de Almuñécar habiendo actuado en los festivales de jazz más destacados como Feminajazz en Madrid, Festival de Medinaceli, Festival de Jazz Cádiz, entre otros.

Actualmente, reside en Málaga donde ha desarrollado su lado docente en el CAMM (Centro de Artes y Música Moderna) y trabajando en sus próximos proyectos y composiciones.

KING SAPO, una de las bandas más prometedoras del rock nacional, acaba de lanzar su esperado álbum "El Dios de América", disponible en todas las plataformas digitales. Con este nuevo trabajo, la banda consolida su posición en la escena musical española, demostrando una madurez creativa que combina sonidos potentes, letras profundas y un mensaje que invita a la reflexión.

El álbum, compuesto por nueve canciones, es una obra directa y variada que explora la desconexión del ser humano de su esencia más íntima en un mundo dominado por la "realidad virtual". Mientras tanto, el mundo real se hunde en un torbellino de odio, envidia, codicia, enfermedades mentales, ruido y guerras. "El Dios de América" no solo golpea con su sonido crudo y auténtico, sino también con su mensaje, que cuestiona la alienación y la autodestrucción de la sociedad contemporánea.

Entre los temas destacados del álbum se encuentran:

• "Hasta nunca", una potente colaboración con Carlos Tarque, exvocalista de M-Clan, que combina la energía de KING SAPO con la experiencia de uno de los grandes nombres del rock español.

• "No terminó", un tema que representa a la banda en su mejor versión, con riffs contundentes y una letra que invita a no rendirse.

• "El Dios de América", la canción que da nombre al álbum y encapsula su espíritu, con una crítica mordaz a la idolatría de lo material y lo superficial.

• "Polución", un grito desgarrador contra la autodestrucción en un mundo cada vez más alienado.

• "Tren en una postal", una emotiva colaboración con Gabriel de Shinova, cuyo videoclip se estrenó recientemente y ha sido recibido con gran entusiasmo por los seguidores.

Además, el álbum incluye una impactante versión de "Trouble So Hard" de Moby, reinterpretada con el sello inconfundible de KING SAPO, que demuestra su capacidad para reinventar clásicos y hacerlos propios.

Con un sonido crudo, poderoso y auténtico, KING SAPO ha logrado consolidarse como una de las bandas más importantes de la nueva ola del rock nacional. Su trayectoria ascendente, marcada por dos LPs, un EP acústico y un directo, ha ido sumando seguidores que valoran su potencia en vivo y sus composiciones cuidadas. Ahora, con "El Dios de América", la banda demuestra que ha venido para quedarse, ofreciendo un trabajo que no solo suena fuerte, sino que también deja huella.

El álbum ya está disponible en todas las plataformas digitales. Los seguidores de KING SAPO pueden mantenerse al tanto de sus próximos proyectos, conciertos y novedades siguiéndolos en sus redes sociales, donde comparten contenido exclusivo y detrás de cámaras.

"El Dios de América" es más que un álbum; es una llamada de atención, un recordatorio de que, en medio del ruido y la alienación, todavía hay espacio para la autenticidad, la conexión y la esperanza. KING SAPO ha llegado para quedarse, y este nuevo trabajo es la prueba definitiva.

Ari Fraser, el cantautor originario de Jerusalén y radicado en Hollywood, Florida, ha lanzado su nuevo single titulado "The Baal Shem Tov Nigun", una pieza musical que fusiona la profundidad espiritual de las tradiciones judías con un toque moderno y accesible para audiencias de todas las edades. La canción, ya disponible en plataformas digitales, promete resonar en el corazón de quienes buscan conexión espiritual y alegría en su vida cotidiana.

Nacido y criado en la histórica ciudad de Jerusalén, Ari Fraser creció en un hogar judío ortodoxo tradicional, donde la música y las oraciones formaban parte integral de su vida diaria. Aunque nunca recibió formación musical formal debido a sus creencias religiosas, su talento innato y su pasión por la música lo llevaron a participar en coros y a liderar oraciones en sinagogas durante el Shabat y las festividades judías. Esta experiencia le permitió desarrollar un profundo entendimiento de la música sacra y su poder para transmitir mensajes de esperanza, fe y amor.

"The Baal Shem Tov Nigun" es un homenaje a las enseñanzas del Baal Shem Tov, fundador del jasidismo, quien enfatizaba la importancia de la oración, la fe sencilla y la observancia de la Torá con alegría y entusiasmo. La canción captura esta esencia, invitando a los oyentes a encontrar significado espiritual en las pequeñas cosas de la vida. Su melodía, que combina motivos tradicionales con un ritmo contemporáneo, crea un puente entre generaciones, fomentando un sentido de comunidad y pertenencia.

"Quería crear algo que no solo honrara las raíces de nuestra tradición, sino que también llegara a las nuevas generaciones", comentó Ari Fraser. "La música tiene el poder de unirnos, de recordarnos que, a pesar de nuestras diferencias, todos buscamos lo mismo: amor, fe y alegría".

El single ya está disponible en todas las plataformas digitales, incluyendo Spotify, Apple Music y YouTube. Los seguidores de Ari Fraser pueden mantenerse al tanto de sus próximos proyectos y presentaciones siguiéndolo en sus redes sociales, donde comparte actualizaciones, detrás de cámaras y reflexiones personales.

Con "The Baal Shem Tov Nigun", Ari Fraser no solo consolida su lugar en la escena musical contemporánea, sino que también reafirma su compromiso de compartir mensajes universales a través de su arte. Esta canción es un recordatorio de que, incluso en tiempos difíciles, la música puede ser un faro de luz y esperanza.

La cantante y compositora española Aitana y el fenómeno puertorriqueño del género urbano Myke Towers han lanzado su esperada colaboración, "Sentimiento Natural", un tema que combina lo mejor del pop y el reggaetón para crear una canción vibrante y llena de emociones. Este single, que ya está disponible en todas las plataformas digitales, promete convertirse en uno de los éxitos del verano, gracias a su ritmo contagioso y letras que celebran la magia de una conexión única y auténtica.

"Sentimiento Natural" es una canción que habla de ese amor que se siente diferente, especial y casi inexplicable. Con versos como "Tú tienes algo raro, algo que no he sentido, algo que no es humano", Aitana y Myke Towers capturan la esencia de una relación que trasciende lo cotidiano, llevando al oyente a un viaje de pasión y complicidad. La producción, que mezcla sonidos frescos y modernos con toques de electrónica y urbano, crea una atmósfera perfecta para disfrutar de este himno al amor y la libertad.

Aitana, quien se dio a conocer en la novena edición de Operación Triunfo en 2017, ha consolidado su carrera como una de las artistas más importantes del pop español. Con éxitos como "Vas a quedarte", "Mon Amour" y su más reciente álbum "Alpha", Aitana ha demostrado su capacidad para reinventarse y explorar nuevos sonidos, siempre manteniendo su esencia y conexión con el público. Su colaboración con Myke Towers es una muestra más de su versatilidad y su deseo de seguir creciendo como artista.

Por su parte, Myke Towers, uno de los nombres más destacados de la música urbana, aporta su estilo único y su flow característico a "Sentimiento Natural". Con colaboraciones junto a artistas como Bad Bunny, Becky G y Farruko, Myke Towers ha logrado posicionarse como una de las voces más influyentes de la nueva generación del reggaetón y el trap. Su participación en este tema no solo enriquece la canción, sino que también demuestra su habilidad para adaptarse a diferentes estilos y géneros.

El lanzamiento de "Sentimiento Natural" llega en un momento de gran actividad para ambos artistas. Aitana continúa promocionando su álbum "Alpha", con el que ha explorado sonidos electrónicos y house, mientras que Myke Towers sigue consolidándose como una figura clave en la escena urbana internacional. Juntos, han creado una canción que no solo celebra el amor, sino que también invita a vivir el momento y disfrutar de la vida con intensidad.

El single ya está disponible en todas las plataformas digitales, listo para ser escuchado y añadido a las playlists de quienes buscan música fresca y llena de energía. Además, tanto Aitana como Myke Towers continúan trabajando en nuevos proyectos que prometen seguir sorprendiendo a sus seguidores.

Para mantenerse al tanto de las novedades de Aitana, Myke Towers y sus futuros lanzamientos, no olvides seguirlos en sus redes sociales. Con "Sentimiento Natural", Aitana y Myke Towers no solo han creado un éxito musical, sino que también han demostrado que la unión de talentos puede dar lugar a algo verdaderamente especial.

No te pierdas este nuevo capítulo en la carrera de dos de los artistas más destacados de la música en español. ¡Déjate llevar por el ritmo de "Sentimiento Natural" y descubre por qué Aitana y Myke Towers son dos nombres que no paran de brillar!

El cantante español Antonio José, uno de los artistas más destacados y con mayor proyección internacional de la escena musical en español, acaba de lanzar su nuevo single, "Bienvenida A Tu Canción". Este tema, que combina melodías emotivas y letras profundas, es un homenaje al amor y a la música, dos pilares fundamentales en la carrera de un artista que no deja de sorprender con su talento y versatilidad.

"Bienvenida A Tu Canción" es una balada romántica que refleja la madurez artística de Antonio José, quien lleva desde 2015 cosechando éxitos y consolidándose como una de las voces más importantes de la música en español. Con una producción cuidada y una interpretación llena de sentimiento, la canción invita a los oyentes a sumergirse en una historia de amor que se convierte en una melodía eterna.

Este lanzamiento llega en un momento de gran actividad para Antonio José, quien actualmente se encuentra de gira presentando su último álbum, "El Pacto", por países como España, Argentina, México y Chile. Este disco, que incluye colaboraciones con artistas de la talla de Kurt y M. Poveda, ha sido recibido con gran entusiasmo por parte del público y la crítica, consolidando a Antonio José como un referente en la música contemporánea.

Con más de 1.500 millones de streams en su discografía y más de 2 millones de oyentes mensuales, Antonio José ha demostrado una y otra vez su capacidad para conectar con audiencias de todo el mundo. Su lista de colaboraciones internacionales incluye nombres como Alejandro Fernández, Morat, Cali & El Dandee, Greeicy y Denise Rosenthal, entre otros, lo que refleja su versatilidad y su habilidad para adaptarse a diferentes estilos y géneros.

Además de su éxito en las listas de reproducción, Antonio José ha sido reconocido con 16 discos de oro y 12 discos de platino a lo largo de su carrera. Recientemente, recibió el premio D.Dial 2023 por su trabajo en "El Pacto", un reconocimiento que reafirma su lugar como uno de los artistas más influyentes de la música en español.

"Bienvenida A Tu Canción" no solo es un nuevo éxito para Antonio José, sino también una muestra de su compromiso con la música y su capacidad para evolucionar como artista. La canción ya está disponible en todas las plataformas digitales, lista para ser escuchada y compartida por los millones de fans que siguen de cerca su carrera.

Para mantenerse al tanto de las novedades de Antonio José y sus futuros proyectos, no olvides seguirlo en sus redes sociales. Con "Bienvenida A Tu Canción", Antonio José sigue escribiendo su historia como uno de los grandes nombres de la música en español, demostrando que el amor y la música son una combinación perfecta.

No te pierdas este nuevo capítulo en la carrera de Antonio José, un artista que sigue conquistando corazones y rompiendo barreras en la industria musical. ¡Déjate llevar por la magia de "Bienvenida A Tu Canción" y descubre por qué Antonio José es una de las voces más importantes de nuestra generación!

La cantante colombiana Valka, nombre artístico de Valeria García Calle, sigue consolidándose como una de las voces más destacadas de la música electrónica y pop con el lanzamiento de su nuevo single, "Tú". Este tema, que combina una interpretación vocal impecable con una producción emotiva y envolvente, promete conquistar a su comunidad de fans y atraer a nuevos oyentes con su profundidad y sensibilidad.

"Tú" es una balada que explora las emociones más íntimas y universales del amor y la conexión humana. Con letras que reflejan vulnerabilidad y fuerza al mismo tiempo, Valka logra transmitir un mensaje que resuena con cualquiera que haya experimentado el poder transformador de una relación significativa. Su voz, caracterizada por su versatilidad y tono único, se convierte en el centro de atención, llevando al oyente a un viaje emocional que no olvidará fácilmente.

Originaria de Medellín, Colombia, Valka ha ganado reconocimiento internacional por ser la voz detrás de éxitos mundiales de la música electrónica como "Me Provocas", "Amores" y "Me Elevas", los cuales acumulan millones de reproducciones en plataformas digitales. Su habilidad para fusionar géneros y adaptarse a diferentes estilos musicales la ha convertido en una figura destacada dentro de la industria del entretenimiento, tanto en Latinoamérica como a nivel global.

Con "Tú", Valka no solo reafirma su talento como intérprete, sino que también demuestra su capacidad para evolucionar como artista. Este single sigue la línea de su anterior lanzamiento, "Veo", una canción profunda y potente que consolidó su lugar en la escena musical y amplió su base de seguidores. Ahora, con "Tú", Valka continúa explorando nuevas facetas de su arte, ofreciendo una propuesta fresca y auténtica que conecta con el público de manera directa y emocional.

El lanzamiento de "Tú" llega en un momento de gran proyección para Valka, quien sigue trabajando en nuevos proyectos musicales y colaboraciones que prometen seguir sorprendiendo a sus fans. Su dedicación y pasión por la música se reflejan en cada una de sus interpretaciones, convirtiéndola en una de las artistas más prometedoras de la actualidad.

El single ya está disponible en todas las plataformas digitales, listo para ser escuchado y compartido por quienes buscan música con alma y significado. Además, Valka continúa conectando con su audiencia a través de sus redes sociales, donde comparte novedades, detrás de cámaras y detalles de sus próximos proyectos.

No te pierdas este nuevo capítulo en la carrera de Valka, una artista que sigue demostrando por qué su voz es una de las más valiosas en la industria musical. Con "Tú", Valka no solo nos regala una canción, sino una experiencia emocional que perdurará en el tiempo. ¡Déjate llevar por la magia de "Tú" y descubre por qué Valka es una estrella en ascenso!

La cantante malagueña Salma Oumbarek Díaz, conocida simplemente como Salma, sigue demostrando por qué es una de las voces más prometedoras del panorama musical español con el lanzamiento de su nuevo single, "Na Te Debo". Este tema, que fusiona la esencia flamenca con sonidos urbanos, marca un nuevo hito en su carrera y confirma la increíble evolución artística que ha experimentado desde su salida de Operación Triunfo.

"Na Te Debo" es una muestra del talento versátil de Salma, quien logra combinar dos mundos aparentemente dispares —el flamenco y lo urbano— en una canción que destaca por su autenticidad y fuerza emocional. Con letras poderosas y una producción que respeta sus raíces andaluzas mientras abraza sonidos modernos, Salma demuestra una vez más su capacidad para reinventarse y conectar con un público cada vez más amplio.

Este lanzamiento llega en un momento clave para la artista, quien recientemente firmó con Universal Spain, un paso que ha marcado el inicio de una nueva etapa en su carrera. Tras su participación en programas como "La Voz", donde llegó a ser semifinalista, y "Operación Triunfo", Salma ha logrado consolidarse como una figura relevante en la industria musical, gracias a su voz única y su habilidad para contar historias a través de sus canciones.

"Na Te Debo" es un reflejo de la madurez artística que Salma ha alcanzado en poco tiempo. La canción no solo destaca por su calidad musical, sino también por su capacidad para transmitir emociones y experiencias personales. Este enfoque íntimo y auténtico es una constante en su trabajo, como ya demostró en su primer álbum, "Sangre de Cobarde", un proyecto que exploró diversos géneros y estilos, consolidando a Salma como una artista versátil y comprometida con su arte.

Además de su música en solitario, Salma ha colaborado con otros artistas, como en el tema "No Hay Conexión" junto a Curro, demostrando su disposición a experimentar y crecer en diferentes direcciones. Próximamente, la artista tiene previsto embarcarse en una gira personalizada, donde presentará su nuevo álbum y compartirá con su público las historias detrás de cada canción.

Nacida en Málaga, Salma descubrió su pasión por la música desde muy joven. Su estilo, que combina pop, baladas y toques de otros géneros, la convierte en una artista con un gran potencial y una voz única que sigue conquistando corazones. Con "Na Te Debo", Salma no solo reafirma su lugar en la escena musical, sino que también promete mantener a sus seguidores expectantes por lo que está por venir.

El single ya está disponible en todas las plataformas digitales, listo para ser escuchado y añadido a las playlists de quienes buscan música fresca y llena de emociones.

Para mantenerse al tanto de las novedades de Salma y sus futuros proyectos, no olvides seguirla en sus redes sociales. Con "Na Te Debo", Salma sigue escribiendo su historia como una de las artistas más prometedoras de España, fusionando tradición y modernidad en un solo tema. ¡No te pierdas este nuevo capítulo en la carrera de una estrella en ascenso!

El Milenario, el reconocido artista de la música urbana, presenta su esperado sencillo “La Cosota”, una propuesta innovadora dentro del género reparto que celebra la riqueza de las armonías caribeñas. Filmado en las vibrantes calles de Kissimmee, Florida, el video del tema refleja la esencia de la diversidad cultural y la vibra única de la ciudad, capturando en cada imagen la pasión de la música urbana y la autenticidad de las raíces caribeñas.

“La Cosota” es una creación musical que fusiona influencias de productores cubanos, puertorriqueños, ecuatorianos y colombianos, llevando al oyente a un viaje sonoro lleno de colores y ritmos únicos. La canción es una fusión cultural que no solo representa la diversidad de su gente, sino que busca conectar con audiencias de todo el mundo. El Milenario ha logrado crear una pieza que refleja la riqueza de las culturas que lo han influenciado y la fuerza de la música como vehículo para expresar su identidad.

“Mi inspiración para ‘La Cosota’ fue la diversidad cultural que encontré en las calles de Miami. La vibra de la ciudad, su gente, su música… todo eso se ve reflejado en este tema, que para mí es una celebración de la fusión de culturas”, comenta El Milenario.

El Milenario es un artista que ha revolucionado la escena de la música urbana con su estilo único, fusionando reggaetón, música tropical y trap. Desde su debut en 2010, ha marcado un camino sólido y ha conseguido conquistar audiencias en países como España, República Dominicana, Ecuador, Perú, México y muchos más, llevando su música a festivales y escenarios internacionales.

Después de la publicación del 7 pulgadas ”Lo nuestro y lo robao”, la banda lojeña, formada a principios de 2020 por músicos curtidos en grupos de pop, rock, metal y blues como Del Ayo, Checopolaco, Colt Puppets, Undone y Pezón Blues, entre otros, da otra vuelta de tuerca a su personal mezcla de rock macarra y rumba fina, y entran a La Madre Estudios con David Sutil para grabar su segundo álbum “Rumb’n’roll”.

Como single adelanto presentan “Sábado noshe”, un vertiginoso tema, acompañado de un impactante videoclip que define perfectamente el concepto de rumb’n’roll que titula el LP. En este tema, mezclan la descarada actitud punk- rock y garagera que la banda destila en directo con su querencia a la rumba quinqui setentera (Chichos, Calis), al universo compositivo de Kiko Veneno, al garrapeterismo de los Delinqüentes y hasta a la poesía del cantautor gitano Manzanita al que homenajean en el estribillo.

Superhéroes de barrio merecen una escucha atenta porque sus textos y su música están repletas de referencias a la literatura, el cine y los grandes clásicos de la música popular. Nada se deja al azar en canciones que entran a la primera escucha y crecen con cada repetición. Rumb’n’roll, segundo álbum de Superhéroes de barrio, fue grabado y mezclado en La Madre Estudios por David Sutil (Chamán Indio) entre julio y diciembre de 2024. La producción y arreglos del disco corre a cargo de B. Wayne, C. Kent y David Sutil. Los diseños de portada son de Perrier y las fotografías de Noelia Lafuente.

La banda ganadora de la primera edición de la “Batalla de Bandas: Honor y Gloria Caracas”, Nueve Noventa, vuelve este 2025 con los motores encendidos dispuestos a dar lo mejor de sí mismos y lanzar muchos sencillos para su público.

El pasado 3 de marzo Nueve Noventa (990) estrenó a través de todas las plataformas digitales su nuevo sencillo promocional “Bruja”. La letra es profunda, subjetiva y muy espiritual; ingredientes a los que la agrupación tiene acostumbrados a su público que ven reflejados muchas vivencias personales en su música.

Bruja es un tema que trata de la ley universal del karma que nos rige y afecta a todos, que de alguna manera intenta explicar su funcionamiento, y señala que toda acción tiene una reacción. “Si haces actos maliciosos te persiguen hasta que los pagues, es una ley de compensación, puede que alguna persona te haga daño. Por eso siempre debemos actuar de buena manera para que nuestro karma sea positivo, por ejemplo al realizar actos de bondad que vengan del corazón alguien te lo va a retribuir de alguna forma”, explica Joshua González, vocalista de la banda.

“En este caso específico, el karma es inevitable, hay personas poderosas o con autoridad que hacen daño a mucha gente y parecen impunes, pero no es así ya que como dice la letra de la canción “la ola está detrás de ti” (…)  En ningún momento llevamos a colación a la clásica bruja de los cuentos de hadas. El significado de Bruja en la canción se refiere a esas personas que hacen daño y que creen que saldrán ilesas de la situación. También esta palabra es utilizada en la jerga venezolana para referirse a personas con malas intenciones”, agregó.

La canción es bastante característica por ser una de las composiciones de Nueve Noventa que comienza suave, no obstante, a medida que transcurre “Bruja" hay una explosión de sonidos, armonías vocales, melodías misteriosas y un final muy enérgico.

Los músicos que conforman este cuarteto caraqueño son Joshua González, voz principal y guitarra, Alejandro Torres en la batería y coros, Armando Alvarado en la guitarra y coros, y José San Martín en el bajo.

Maria Becerra, una de las artistas más influyentes y versátiles de la música latina, acaba de lanzar su nuevo single, "TATÚ", una canción que celebra el amor verdadero y la conexión inquebrantable entre dos personas. Con letras emotivas y una producción impecable, este tema promete convertirse en otro éxito global para la argentina, quien sigue rompiendo récords y conquistando escenarios en todo el mundo.

"TATÚ" es una balada romántica que combina elementos de pop y reggaetón, creando una melodía que atrapa desde el primer segundo. La letra, escrita por la propia Maria, habla de un amor tan profundo que merece ser inmortalizado en la piel: "Hoy me hice un tattoo que dice solo tú y yo, no importa lo que pase, siempre fuimos tú y yo". Estas palabras reflejan la intensidad de un vínculo que trasciende el tiempo y las circunstancias, convirtiéndose en un himno para quienes creen en el poder del amor verdadero.

El lanzamiento de "TATÚ" llega en un momento de auge en la carrera de Maria Becerra. En 2024, la artista hizo historia al convertirse en la primera mujer argentina en llenar dos estadios River Plate consecutivos, marcando el inicio de su #Tour24, que la llevará a más de 50 escenarios alrededor del mundo. Además, ha brillado en eventos icónicos como el Festival de Viña del Mar, su participación en Coachella junto a J Balvin y el encendido de las luces del Empire State Building, consolidándose como una figura global.

Maria Becerra ha demostrado una y otra vez su capacidad para reinventarse y conquistar nuevos públicos. Con éxitos como "Imán", "Agora" y "Sexo Es La Moda", ha logrado posicionarse como una de las voces más importantes de la música latina. Su versatilidad también se refleja en colaboraciones con artistas de la talla de Yandel, Ivy Queen y Michael Bublé, demostrando que no hay límites para su talento.

"TATÚ" no solo es una canción, sino una declaración de amor y compromiso que resuena con cualquier persona que haya experimentado una conexión única e indescriptible. La producción, cuidadosamente elaborada, combina sonidos modernos con toques emotivos, creando una experiencia auditiva que invita a reflexionar sobre el poder del amor y la importancia de atesorar aquellos momentos que nos marcan para siempre.

El single ya está disponible en todas las plataformas digitales, listo para ser escuchado y compartido por los millones de fans que siguen de cerca la carrera de Maria Becerra. Además, la artista continúa trabajando en nuevos proyectos que prometen seguir sorprendiendo al público y consolidando su legado en la música.

Para mantenerse al tanto de las novedades de Maria Becerra y sus futuros lanzamientos, no olvides seguirla en sus redes sociales. Con "TATÚ", Maria no solo confirma su lugar como una de las grandes estrellas de la música latina, sino que también nos regala un himno que celebra el amor en su forma más pura y eterna.

No te pierdas este nuevo capítulo en la carrera de Maria Becerra, una artista que sigue rompiendo barreras y conquistando corazones en todo el mundo. ¡Déjate llevar por la magia de "TATÚ" y descubre por qué Maria es una de las voces más importantes de nuestra generación!

La cantautora, actriz y modelo argentina Oriana Sabatini sigue consolidándose como una de las artistas más prometedoras de la escena latina con el lanzamiento de su nuevo single, "Pinamar". Este tema, que combina pop contemporáneo con toques de nostalgia, es un viaje emocional que evoca recuerdos de verano, amores pasados y momentos que quedaron grabados en la memoria.

"Pinamar" es una canción que habla de la añoranza y la conexión con el pasado. A través de letras como "Vuelvo para atrás en el celular, deslizándome por el historial", Oriana captura la esencia de revivir momentos especiales a través de fotos, mensajes y recuerdos. La canción transporta al oyente a un lugar y tiempo específicos, donde el amor y la juventud se entrelazan con la magia de un verano en Pinamar, un icónico destino costero de Argentina.

Oriana Sabatini, conocida por su versatilidad y su capacidad para fusionar géneros, demuestra una vez más su talento como compositora e intérprete. Con producciones previas como "El Último Tango" y "Luna Llena", Oriana ha logrado posicionarse como una artista innovadora, capaz de mezclar elementos tradicionales con sonidos modernos. "Pinamar" no es la excepción: es una mezcla perfecta de pop melódico y emociones crudas, respaldada por una producción impecable.

El single también refleja la madurez artística de Oriana, quien ha compartido escenario con gigantes de la música como Coldplay y Ariana Grande, y ha participado en festivales de renombre como Lollapalooza Argentina. Su colaboración con productores de talla internacional, como Julio Reyes Copello, ha sido clave para pulir su sonido y llevarlo a un nivel global.

"Pinamar" es más que una canción; es una experiencia sensorial que invita a los oyentes a cerrar los ojos y dejarse llevar por la nostalgia. Con versos como "Enero ha llegado tarde, leí tu mensaje y comenzó a nevar en Pinamar", Oriana logra crear una atmósfera única, donde el frío del invierno contrasta con el calor de los recuerdos veraniegos.

El single ya está disponible en todas las plataformas digitales, listo para ser escuchado y añadido a las playlists de quienes buscan una canción que combine emociones profundas con un ritmo contagioso.

Oriana Sabatini continúa su ascenso como una de las figuras más destacadas de la música latina, y "Pinamar" es una muestra más de su capacidad para conectar con el público a través de historias auténticas y melodías inolvidables.

Para mantenerse al tanto de las novedades de Oriana y sus futuros proyectos, no olvides seguirla en sus redes sociales. Con "Pinamar", Oriana no solo confirma su lugar en la escena musical, sino que también nos regala un himno nostálgico que resonará en el corazón de quienes lo escuchen. ¡No te pierdas este nuevo capítulo en la carrera de una estrella en ascenso!