Melocos regresa con “Madrid”, una canción profundamente emocional que pone el foco en las despedidas inconclusas, el paso del tiempo y todo aquello que se queda suspendido en el aire cuando alguien se va. Disponible desde hoy, 23 de enero, en todas las plataformas digitales, el nuevo single convierte a la capital en escenario, refugio y metáfora de una historia que no termina de cerrarse.

“Madrid” habla de esa persona que se marcha, de las verdades que se confiesan cuando parece que ya es demasiado tarde y de lo fácil que sería volver a empezar si esa llamada llegara. A través de una narrativa sencilla pero cargada de emoción, la canción retrata ese instante en el que la ausencia transforma por completo el paisaje. Frases como “Madrid ya no es Madrid sin ti” convierten a la ciudad en un personaje más, testigo silencioso de un adiós que sigue doliendo.

Este lanzamiento abre una nueva etapa en la trayectoria de Melocos, consolidando su identidad sonora al mismo tiempo que explora nuevos matices en la composición y en la forma de contar historias. El tema ha sido compuesto por Jaime Terrón y producido por Tato Latorre, dando como resultado un sonido íntimo y luminoso que invita al recuerdo, a la melancolía y a la reflexión personal.

Fieles al estilo que marcó a toda una generación, Melocos vuelve a demostrar su sensibilidad y cercanía, así como su capacidad para describir emociones cotidianas que resultan universales. “Madrid” conecta con quienes han vivido una despedida que no terminó de cerrarse, una vuelta inesperada o un recuerdo que sigue presente con el paso de los años. Porque hay ciudades que cambian, sí, pero hay personas que las cambian todavía más.

“Madrid” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Melocos, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Zaira presenta “Querido Diario”, un nuevo single cargado de emoción y honestidad que funciona como una carta abierta a su pasado, a sus miedos y a la niña que un día soñó sin límites. La artista vuelve a demostrar su capacidad para conectar con el público a través de una letra directa y profundamente emocional, donde la vulnerabilidad se transforma en fuerza y aprendizaje.

Su relación con la música comenzó desde muy pequeña. Con tan solo 8 años, Zaira se dio a conocer en el programa Menuda Noche de Canal Sur, convirtiéndose rápidamente en una de las artistas más reconocidas del formato y participando en más de 150 emisiones. Aquella primera exposición no solo marcó el inicio de su carrera, sino también el nacimiento de un vínculo muy fuerte con el público, que ha crecido con ella a lo largo de los años.

A los 10 años dio el salto a la ficción participando en la película de Atresplayer Hoy quiero confesar, basada en la vida de Isabel Pantoja, y continuó su recorrido televisivo formando parte de programas como Fenómeno Fan en Canal Sur y Disney Channel, donde llegó hasta la fase de duelos. Estas experiencias tempranas moldearon a una artista que aprendió pronto lo que significaba perseguir un sueño, enfrentarse al miedo y levantarse tras cada caída.

Con el paso del tiempo, Zaira ha ido consolidando su camino en la música y ampliando su universo sonoro gracias a colaboraciones con artistas como Keen Levy, Luis Cortés, Daviles de Novelda, María Artés o Indara, sin perder nunca su esencia. Sus letras conectan de forma directa con quienes la escuchan, generando una identificación real y profunda. Sus seguidores no solo comparten sus canciones en redes sociales, sino que le hacen llegar mensajes contando cómo su música les ha acompañado y ayudado en momentos importantes de sus vidas.

En 2023, Zaira se une a Sound Blaster Records de la mano de Nerso y Scorpion, iniciando una nueva etapa profesional marcada por una mayor madurez artística y una narrativa cada vez más personal. “Querido Diario” es una muestra clara de ese crecimiento. La canción se presenta como un diálogo íntimo consigo misma, donde recuerda a la niña que escribía cartas al amor, reflexiona sobre las caídas que la obligaron a luchar y reivindica todas las historias que nadie podrá arrebatarle.

La letra avanza entre la nostalgia y la esperanza, recordando que la vida comienza cuando se pierde la cuenta y se empieza a amar de verdad, incluso cuando duele. Zaira canta sobre aprender de las heridas, construir murallas con las piedras del camino y brillar con luz propia, no como un acto de rebeldía, sino como una promesa personal. “Querido Diario” no es solo una canción, es un manifiesto de resiliencia, identidad y amor propio.

Con este lanzamiento, Zaira reafirma su lugar como una artista cercana, honesta y capaz de convertir su historia en refugio para muchos, demostrando que crecer también es aprender a mirarse con orgullo y sin miedo.

“Querido Diario” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Zaira, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

“Hijo de la Luna” ha sido siempre considerada una canción bella, casi etérea, instalada en el imaginario colectivo como una historia delicada y poética. Sin embargo, Fran Triguero ha decidido mirarla desde otro lugar. El artista independiente andaluz acaba de publicar una reinterpretación muy personal del clásico de Mecano, llevándolo a un terreno emocional y visual poco habitual, más cercano al cine que al pop, y revelando la parte más oscura, trágica y desgarradora del relato.

En esta nueva versión, Fran Triguero no busca embellecer la historia, sino subrayar su crudeza. La canción se transforma en un relato casi cinematográfico, donde la fatalidad, la soledad y el destino inevitable adquieren un peso narrativo mayor. Este cambio de enfoque ha comenzado a generar un notable movimiento orgánico en redes sociales, especialmente en formatos cortos, donde el vídeo está despertando debate y conversación precisamente por su valentía al romper con la lectura tradicional del tema.

Francisco Javier Triguero Olmo, conocido artísticamente como Fran Triguero, nació el 19 de septiembre de 1991 en Jaén y se ha consolidado como un cantautor con una fuerte capacidad para emocionar a través de letras honestas y melodías profundas. Su carrera se caracteriza por una notable versatilidad, que le ha permitido moverse con naturalidad tanto en la música comercial como en la composición de himnos deportivos de gran impacto emocional.

Su debut discográfico llegó en 2017 con el álbum Fran Triguero, un trabajo compuesto por diez temas originales y producido por Alejandro de Pinedo, conocido por su trabajo junto a artistas como Enrique Iglesias, Raphael, Rosa López o Pitingo. El disco recibió una excelente acogida, superando los cuatro millones de reproducciones en plataformas digitales. Su single debut, Infieles, acumuló más de 200.000 visualizaciones en YouTube y logró sonar en emisoras como Canal Fiesta Radio, Radio Nervión y Rumbera Sevilla. El álbum contó además con la colaboración de María Villalón en el tema Sin Tí.

En la actualidad, Fran Triguero se encuentra inmerso en su segundo proyecto discográfico, Funambulismo a Ciegas, que está presentando single a single, dejando ver una clara evolución artística y personal. A lo largo de los últimos años ha publicado canciones que han conectado profundamente con el público, como Paseando por Granada (Mi Claudia), una balada íntima producida por Santi Villar; Princesa Pasajera, cuyo videoclip estuvo protagonizado por Elena Olmos; Ayer fue Septiembre, cargada de nostalgia y grabada en las calles de Granada; La Lucha, una canción potente y emotiva que fue candidata al Benidorm Fest 2023; o 22 de Julio, que siguió consolidando este proyecto como una colección de historias honestas y emocionales.

En 2025, Fran ha continuado explorando emociones profundas con La Estación, una canción marcada por el dolor y la nostalgia, y La Vida es un Sueño, un homenaje conmovedor a su abuelo Antonio Olmo, fallecido en 2020 por COVID, donde transforma la pérdida en un canto a la memoria, el amor y la resiliencia.

Paralelamente a su carrera como cantautor, Fran Triguero se ha convertido en un referente nacional en la composición de himnos de fútbol, logrando un hito sin precedentes en España al firmar seis himnos oficiales, dos de ellos para celebraciones centenarias. Entre ellos destacan “100 Años de Ilusión” para el centenario del Real Jaén C.F., el Himno Oficial de la Unión Molinense, “Esparteros a Luchar” para el centenario del Club Deportivo Cieza y el Himno Oficial Jumilla Atlético, además de encontrarse actualmente trabajando en nuevos himnos para la UD Melilla y el Atlético Pulpileño. En todos ellos, Fran logra capturar la identidad, el orgullo y la pasión de los clubes en melodías épicas y memorables.

Con esta reinterpretación de “Hijo de la Luna”, Fran Triguero vuelve a demostrar su capacidad para revisitar historias conocidas desde una mirada propia, valiente y profundamente emocional, reafirmando su identidad artística y su compromiso con una narrativa honesta, incluso cuando esta resulta incómoda o trágica.

“Hijo de la Luna” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Fran Triguero, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

ATK Epop lanza “Pecados y Milagros”, un nuevo sencillo que une la intensidad interpretativa de Mara Vélez con el cante profundo y sobrio del cantaor gaditano Josele Vargas, dando forma a una propuesta que respeta la raíz del flamenco clásico y la expande hacia un territorio sonoro amplio, elegante y marcadamente cinematográfico. El resultado es una pieza poderosa, emocional y atemporal que confirma la inquietud artística del productor por seguir explorando nuevas lecturas del flamenco contemporáneo.

En “Pecados y Milagros”, ATK Epop firma una producción ambiciosa donde la tradición flamenca convive con una orquesta de gran carga emocional, arreglos sofisticados y una atmósfera que remite claramente al lenguaje del cine. Lejos de diluir la esencia del género, la engrandece, envolviendo las voces en un paisaje sonoro dramático, lleno de tensión, belleza y matices, que eleva la narrativa de la canción a otro plano.

La letra se mueve entre lo terrenal y lo espiritual, construyendo un relato donde cafés para curar el mal de amores, velitas encendidas, luces de colores y pasiones apagadas se convierten en símbolos de una relación marcada por la contradicción. Amor y dependencia, bendición y ruina, deseo y devoción se entrelazan constantemente, reflejando esa frontera difusa entre lo que salva y lo que condena. El estribillo, “soy la peor, la mejor de tus bendiciones”, resume a la perfección la dualidad emocional que atraviesa toda la canción.

Mara Vélez aporta una interpretación cargada de carácter, emoción y presencia, dotando a cada verso de una intensidad casi confesional. Su voz se mueve con naturalidad entre la fragilidad y la fuerza, sosteniendo el peso dramático de la historia. Por su parte, Josele Vargas ancla el tema en la tradición más pura del flamenco con un cante profundo, contenido y lleno de verdad, aportando el equilibrio perfecto entre raíz y emoción. Bajo la dirección y producción de ATK Epop, ambas voces dialogan con respeto, creando una tensión expresiva que mantiene al oyente atrapado de principio a fin.

Con “Pecados y Milagros”, ATK Epop continúa consolidando una línea artística que busca nuevas formas de entender el flamenco sin traicionar su esencia, ampliando su horizonte sonoro y demostrando que la tradición puede dialogar con la modernidad desde la elegancia, la emoción y la ambición creativa. Una obra que no solo se escucha, sino que se siente y se imagina, como una escena detenida en el tiempo.

“Pecados y Milagros” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de ATK Epop, Mara Vélez y Josele Vargas, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

El aclamado artista australiano Chet Faker vuelve a sumergirse en la emoción y la introspección con “Over You”, su nuevo single y último adelanto antes de la llegada de su próximo álbum “A Love For Strangers”, que verá la luz el 13 de febrero en plataformas digitales y el 24 de abril en formato físico. La canción continúa marcando el camino sonoro de un disco que se perfila como una de las entregas más personales y envolventes de su carrera reciente.

“Over You” es una inmersión hipnótica en los recuerdos agridulces de una relación que estaba predestinada a terminar. Sobre una base electrónica envolvente y translúcida, Chet Faker superpone su inconfundible y sincera voz, guiando al oyente hacia un estado de reminiscencia casi suspendido en el tiempo. El pulso electrónico sostiene la atmósfera mientras el estribillo emerge con fuerza, reflejando esa sensación de perderse en los recuerdos de algo que fue intenso, real y, al mismo tiempo, imposible de recuperar. Es la aceptación melancólica de lo vivido, sabiendo que no podrá repetirse.

Este nuevo tema funciona como una continuación natural de “Can You Swim?”, su anterior lanzamiento, una canción más sombría que mostraba una faceta vulnerable del artista frente al amor. Con “Over You”, Nick Murphy, el compositor, músico y productor ganador de premios ARIA detrás del proyecto Chet Faker, sigue construyendo el universo emocional y sonoro de “A Love For Strangers”, un disco que se mueve entre la electrónica íntima, la honestidad lírica y una producción cuidada al detalle.

El origen de este nuevo álbum está profundamente ligado a un proceso de redescubrimiento personal que Chet Faker experimentó tras el décimo aniversario de su influyente debut “Built on Glass”, un trabajo que marcó un antes y un después en su carrera. Desde entonces, su trayectoria ha estado definida por una creatividad inquieta y sin etiquetas, alternando lanzamientos bajo su nombre real, Nick Murphy, como el aclamado proyecto instrumental “Music for Silence”, y colaboraciones con artistas de la talla de Flume o Marcus Marr. “A Love For Strangers” confirma que su necesidad de explorar nuevos territorios musicales sigue más viva que nunca.

Desde que comenzara su ascenso en 2011, cuando su música se hizo viral incluso antes de que ese concepto fuera habitual, Nick Murphy ha construido un camino único hacia el éxito. Su primer EP como Chet Faker, “Thinking in Textures”, le valió los premios a Artista Revelación del Año y Mejor Single o EP Independiente en los Australian Independent Records Awards, consolidando su reputación como uno de los nombres más prometedores de la escena. Poco después, su versión de “No Diggity” de Blackstreet alcanzó una difusión masiva al aparecer en un anuncio de la Super Bowl, y su álbum debut “Built on Glass” debutó en el número uno de las listas, impulsado por canciones como “Gold” y “Talk Is Cheap”, esta última coronada como número uno en la Hottest 100 de Triple J. Aquel lanzamiento le otorgó cinco premios ARIA y confirmó su impacto global.

Con más de mil millones de reproducciones acumuladas y una carrera marcada por el riesgo artístico y la evolución constante, Chet Faker ha sabido reinventarse sin perder su esencia. En 2021 cerró un nuevo ciclo con “Hotel Surrender”, un álbum que incluyó el exitoso single “Low” y reafirmó la vigencia de su proyecto. Ahora, con “Over You” y la inminente llegada de “A Love For Strangers”, el artista australiano vuelve a demostrar que su exploración musical está lejos de agotarse.

“Over You” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Chet Faker, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Cris Imaz continúa construyendo con paso firme el camino hacia su nuevo álbum con el lanzamiento de “Vuela”, un single cargado de simbolismo, sensibilidad y verdad que vuelve a poner en valor su mirada artística y humana. Con esta nueva canción, ya disponible en plataformas digitales, la cantautora nos acerca un poco más a “Creciente”, un trabajo inminente que promete consolidar una de las propuestas más honestas y orgánicas del pop-folk actual.

2025 está siendo un año especialmente intenso y fértil para Cris Imaz, que ha ido desvelando poco a poco las distintas caras de su próximo disco a través de varios adelantos. A lo largo de los últimos meses han visto la luz “Limbo” junto a Marc Wile, “Me aburro”, “manzanilla y miel” con nats y “Paula”, cada uno aportando nuevos matices a su universo sonoro. Ahora, con “Vuela”, la artista da un paso más y lo hace con una canción profundamente emotiva, dedicada a todas esas abuelas que rompen las reglas impuestas, desafían lo que se espera de ellas y se liberan de ataduras para vivir con plenitud.

“Vuela” nace de una pregunta tan sencilla como universal: cómo ser joven para siempre. Una cuestión a la que la propia Cris Imaz responde desde la experiencia y la reflexión, recordándonos que la juventud no tiene que ver con la edad, sino con no perder nunca la curiosidad ni las ganas de probar cosas nuevas. Esa idea atraviesa toda la canción, convirtiéndola en un homenaje a quienes se atreven a vivir sin pedir permiso, volando por encima de los límites sociales.

Este nuevo single vuelve a acercarnos al espíritu de “Creciente”, un álbum en el que la compositora reflexiona sobre el ritmo frenético en el que vivimos y la importancia de habitar el presente. Grabado y producido por Álvaro Navarro, guitarrista de Pedro Pastor y productor de proyectos como Las Nietas de Charli o La Pena, el disco apuesta por un sonido orgánico y cálido, con instrumentos acústicos y un especial protagonismo de las armonías vocales, elementos que definen la esencia artística de Cris Imaz. Un trabajo que supone un gran paso tanto a nivel personal como creativo.

Con un sonido pop-folk muy reconocible, Cris Imaz ha hecho de sus canciones un espacio donde convertir lo adverso en verso. En su directo y en sus grabaciones se rodea de músicos que enriquecen su propuesta, como los chelos de Blanca Sevi, las guitarras de IreNeblina y la percusión de Shadday López, combinando reflexiones cotidianas con arreglos delicados y una cuidada arquitectura vocal.

Su trayectoria comenzó en 2021 con el EP “Empezar a vivir”, un debut íntimo y especial que le permitió conectar rápidamente con el público y llamar la atención del sector profesional. En 2023 fue una de las tres cantautoras finalistas del Tour Music Fest, entre más de 21.000 artistas emergentes de toda Europa, y en octubre de 2025 fue finalista por la Fundación Miguel Ríos para actuar en el Teatro Caja Sonora de Granada, confirmando su proyección y crecimiento constante.

Ahora, Cris Imaz se prepara para dar un nuevo paso decisivo en su carrera con la llegada de “Creciente”, un álbum del que “Vuela” ya forma parte y que se perfila como una obra coherente, valiente y profundamente conectada con su forma de entender la música y la vida.

“Vuela” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Cris Imaz, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Víctor Martín comienza el nuevo año reafirmando su lugar como una de las voces más sensibles y prometedoras de la música popular actual con el lanzamiento de “Más”, una canción delicada, profunda y emocional que funciona como carta de presentación de todo lo que está por venir. Producido por Josemi Carmona, el tema marca el inicio de una nueva etapa creativa en la que la honestidad, la elegancia sonora y la emoción vuelven a situarse en el centro.

Considerado aire nuevo dentro del panorama musical de nuestro país, Víctor Martín destaca por una energía luminosa que conecta con la tradición sin dejar de mirar hacia adelante. Graduado con honores en Professional Music por la prestigiosa Berklee College of Music de Boston, su propuesta bebe de referentes claros pero reinterpretados con personalidad propia: la claridad emocional de Antonio Vega, la cercanía poética de Jorge Drexler, la sensibilidad armónica de un Jacob Collier menos barroco y la esencia melódica de un John Mayer en su versión más íntima.

Tras el impacto de su álbum debut Veintitantos, que supuso una declaración de intenciones y un retrato generacional cargado de matices, Víctor abre su 2026 con “Más”, una composición donde pop, raíz, jazz y soft rock californiano se funden con naturalidad. El resultado es una canción que respira identidad y que se presenta como un soplo de esperanza en un panorama musical a menudo previsible, reivindicando la necesidad de emoción, sutileza y profundidad.

Con la guitarra como aliada y la producción exquisita de Josemi Carmona, Víctor Martín se expone sin artificios y canta en primera persona a la duda constante frente a un futuro cada vez más incierto. Frases como “quiero más de lo que tengo, más de lo que sé tener” resumen el espíritu de la canción y revelan a un artista más poético, más melódico y más maduro, consolidado como un cantautor sólido que domina el género con absoluta naturalidad.

Víctor Martín es sinceridad, honestidad y carisma. Su música, por herencia creativa y talento propio, apunta alto y con paso firme. “Más” no es un punto de llegada, sino el inicio de algo mayor, una confirmación de que su camino artístico sigue creciendo en calidad, emoción y verdad.

“Más” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Víctor Martín, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Sergio Hortelano inicia una nueva etapa artística con el lanzamiento de “Feliz sin ti”, un single que marca un giro claro en su sonido y en su actitud creativa. Con una base pop latino electrónica, más bailable y luminosa, el artista apuesta por la superación, el optimismo y las ganas de disfrutar, sin perder la honestidad que ha caracterizado su trayectoria desde sus inicios. Tras un regreso firme a la música en 2023 y una evolución constante como compositor e intérprete, Sergio se encuentra en un momento de crecimiento, exploración y conexión directa con el público. En esta entrevista, profundizamos en el significado de “Feliz sin ti”, su camino hasta aquí y todo lo que está por venir.

“Feliz sin ti” supone un cambio claro de sonido respecto a tus trabajos anteriores. ¿En qué momento sentiste que necesitabas dar este giro hacia un pop latino electrónico más bailable y enérgico?
Cuando acabé el año pasado la promoción de Soñando fuerte, pensé que era el momento de escribir y componer una nueva canción, pero tenía que ser algo diferente a lo que estaba haciendo hasta ahora, tanto en sonido como en letra. Tenía ganas de algo más movido, para hacer bailar a la gente, y de ahí ha salido “Feliz sin ti”.

La canción habla de superar una ruptura desde una actitud positiva y liberadora. ¿Qué parte de esta historia nace de una experiencia personal y qué parte surge desde la reflexión artística?
Los artistas muchas veces hablamos en las letras de las canciones de nuestra propia vida, pero también hay veces que podemos hablar para otros. Este tema en concreto no es una historia personal mía, sino que lo es de alguien cercano a mí, de un amigo.

Has compuesto íntegramente tanto la letra como la música del single. ¿Cómo fue el proceso creativo de “Feliz sin ti” y qué emociones te acompañaron mientras lo escribías?
Yo tenía ganas de hacer un tema movido, pero a la vez un tema que no fuera de mi propia vida, ya que los dos temas anteriores prácticamente hablaban de mí. Se me cruzó la historia de mi amigo con algo que le pasó y así empezó la letra. Al verle tan decaído y triste quise animarle y pensé que era el momento de hacer un tema cañero.

A diferencia de otros temas más introspectivos de tu repertorio, aquí transmites alegría y optimismo. ¿Fue un reto expresar el desamor desde un lugar más luminoso?
Yo creo que para los artistas es más fácil cantar letras que salen del corazón que cantar otras historias que no son de tu propia vida, pero para mí también era un reto asumir y crear una historia que le pudiera pasar a otra persona. Con este tema he querido innovar tanto en la música, con un sonido diferente a lo que estaba haciendo anteriormente, como en la historia de la letra.

Empezaste en la música muy joven, con solo 17 años, y viviste una primera etapa intensa de escenarios y aprendizaje. Mirando atrás, ¿qué crees que aprendiste en esos años que hoy sigue siendo clave en tu carrera?
Creo que la lucha, la constancia y el sacrificio. Todo eso lo empecé a aprender con 17 años y hoy, ya con unos cuantos años más, me doy cuenta de que todo sigue igual. Lo que pasa es que ahora ya todo lo que hago lo disfruto; antes era diferente.

Tras ese primer ciclo, decidiste hacer un parón largo en tu trayectoria. ¿Qué te llevó a tomar esa decisión y qué cambió en ti durante ese tiempo fuera de la música?
Tuve un parón musical de varios años por desilusión con la música. Por aquel entonces yo era muy joven y pensaba que todo era súper fácil. Cuando me di cuenta de que no iba a poder vivir de la música, se me vino el mundo abajo y decidí parar un tiempo para pensar y reflexionar. Pero a todo el mundo al que le gusta algo, aunque pare un tiempo, al final tiene que volver, porque es lo que más te llena en la vida. Así fue. Ahora, desde que me levanto hasta que me acuesto, solo pienso en música. Es lo que me hace fuerte y lo que me hace vivir; sin la música no sé qué podría ser de mí.

Tu regreso en 2023 fue muy activo, con concursos, radio, televisión y nuevos singles. ¿Cómo viviste ese reencuentro con la música después de tantos años?
Lo viví con mucha ilusión. Todo lo que hacía intentaba disfrutarlo al máximo, como si fuera la última vez que me subiera a un escenario.

Desde “Quisiera” hasta “Soñando fuerte” y ahora “Feliz sin ti”, se percibe una evolución constante. ¿Cómo definirías tu crecimiento artístico en estos últimos años?
Quien me conoce de hace unos años seguramente haya notado el cambio, tanto en la música como en el estilo musical. Soy un artista polivalente, me gustan muchos estilos y por eso intento cambiar. Sobre todo, lo que estoy intentando es dar con el estilo musical que más me pega, con el que más seguro me siento y con el que más feliz soy. Creo que estoy llegando a ese punto y ahora mismo estoy haciendo lo que realmente me gusta.

“Soñando fuerte” era un tema muy personal sobre tu día a día. ¿Qué relación existe entre esa canción y la actitud vital que hoy refleja “Feliz sin ti”?
Con “Soñando fuerte” lo que quería era que la gente me conociera, mostrar cuál era mi día a día. Ahora que quienes me siguen ya me conocen un poquito más, tenía ganas de hablarle directamente a la gente, y que alguien se sienta identificado con este tema también me hace muy feliz.

Has actuado en diferentes escenarios, pero los conciertos en tu ciudad natal, Móstoles, parecen tener un significado especial. ¿Qué representan para ti esos directos en casa?
Cantar en mi ciudad, en mi pueblo, es lo que siempre he soñado durante toda mi vida. Ver en las fiestas a todos los artistas famosos que venían y pensar: “¿Algún día estaré ahí?”. Poder realizar ahora ese sueño es muy bonito. Estar con toda mi gente, con mi familia y mis vecinos, es algo impresionante que no se puede expresar con palabras.

En esta nueva etapa, ¿qué importancia le das a conectar con el público a través del baile y la energía positiva que transmite tu música?
He llegado a un punto en mi vida en el que lo que me apetece es pasármelo bien y que la gente también disfrute con mis canciones.

Tus dos últimos trabajos han contado con videoclip. ¿Qué papel juega lo visual en tu proyecto artístico y cómo te gusta complementar la música con la imagen?
Creo que las dos cosas juegan un papel muy importante actualmente en la música, y sobre todo para los cantantes emergentes como yo. Es fundamental tanto lo visual como lo que se escucha, para poner cara y voz al artista. Eso también hace que me pueda seguir mucha más gente.

Has logrado que tu música suene en radios de España y también en Argentina. ¿Cómo vives esa proyección internacional y qué te aporta como artista?
Para mí es algo muy importante, porque muchas veces hay un dicho que siempre repito: nadie es profeta en su tierra, y eso tiene mucha verdad. A veces se valora más a los artistas fuera que dentro de su propia casa. Así que quién sabe, si aquí no doy el pelotazo, lo mismo puedo darlo fuera, jeje.

De cara al futuro, ¿qué puede esperar el público de Sergio Hortelano en cuanto a nuevos lanzamientos y sonidos tras “Feliz sin ti”?
Estoy en un momento en el que me quiero pasar bien, disfrutar con el público y hacer bailar mucho, porque es lo que me llena actualmente y lo que quiero hacer.

Si tuvieras que definir esta etapa actual de tu carrera con una sola idea o emoción, ¿cuál sería y por qué crees que es el momento más importante de tu camino hasta ahora?
Definiría esta etapa con la palabra lucha. Es algo que llevo haciendo toda mi vida: luchar por lo que más quiero, y hasta que no lo consiga no voy a parar.

Después de liderar el ranking global de TikTok y alcanzar el Top 3 de Shazam a nivel mundial con “Dame Un Grrr”, Fantomel y Kate Linn regresan con un nuevo movimiento diseñado para trascender fronteras. Su nueva apuesta se titula “Elástico” y reúne a tres nombres clave de la escena internacional: Willy William, Ben Cristovao y Jombriel.

Lejos de ser una colaboración puntual, “Elástico” funciona como un auténtico punto de encuentro entre escenas, culturas y públicos diversos. El resultado es un tema de alta energía que combina ritmos de latin pop con producción electrónica y una estructura pensada para conectar tanto en la pista de baile como en las plataformas digitales.

El peso internacional del proyecto se apoya en la identidad y trayectoria de cada uno de sus protagonistas. Willy William, responsable de algunos de los mayores éxitos globales de la última década, aporta su pulso rítmico inconfundible. Fantomel y Kate Linn refuerzan el componente viral que ya los ha convertido en habituales de los charts sociales. Ben Cristovao suma la fuerza de uno de los artistas más influyentes de Europa Central, mientras que Jombriel representa a la nueva generación latina que está ganando terreno con fuerza en el streaming global.

La dimensión visual también juega un papel clave en este lanzamiento. El videoclip de “Elástico”, rodado en Tenerife a principios de 2026, apuesta por una estética futurista en la que conviven moda urbana, coreografías marcadas y una narrativa pensada para el consumo rápido y compartible, alineada con los códigos actuales de TikTok y Reels.

El estreno llega acompañado de una estrategia centrada en redes sociales, con challenges de contenido generado por usuarios, activaciones junto a creadores digitales y eventos de presentación tematizados, reforzando desde el primer momento la vocación viral del proyecto.

Compuesta de forma conjunta por los propios artistas y sus equipos, “Elástico” se presenta como un tema claramente orientado al mercado internacional, con potencial para encajar en playlists editoriales de Latin Pop, Dance y Electronic, y para consolidar el salto definitivo de Fantomel y Kate Linn como nombres recurrentes dentro del circuito global.

Carmen Murcia lanza su nuevo single “Aunque falten corazones”, una rumba emotiva y profunda que habla de la familia, los recuerdos y la necesidad de celebrar la vida incluso cuando existen ausencias. La canción adquiere un significado todavía más intenso a la luz de acontecimientos recientes que han marcado a la sociedad, reforzando su mensaje central: vivir, crear momentos y atesorarlos para recordar con amor a quienes ya no están. Tal y como expresa la propia artista, “cuando te vas, llega sin avisar”, una frase que resume con honestidad la fragilidad de la vida y la importancia de valorar cada instante compartido.

“Aunque falten corazones” supone una evolución natural dentro de la trayectoria artística de Carmen Murcia. Se trata de una canción íntima y, al mismo tiempo, universal, que aborda la pérdida, la memoria y la fuerza necesaria para seguir adelante cuando la vida obliga a despedirse. El tema nace como un homenaje personal a sus abuelos, pero trasciende lo autobiográfico para convertirse en un abrazo colectivo para todas aquellas personas que han experimentado una ausencia significativa.

Desde un lugar emocional sincero, la canción habla de todas las formas posibles de ausencia y de cómo el amor permanece incluso cuando hay sillas vacías. Lejos de instalarse únicamente en el dolor, “Aunque falten corazones” propone una mirada luminosa, donde el recuerdo se transforma en fuerza y la gratitud se impone al vacío. Es, en palabras de la artista, “una canción para brindar por lo vivido, para recordar juntos y para sonreír a pesar de las ausencias”.

En el plano musical, el tema se sitúa dentro de la rumba actual con raíz flamenca. La producción, a cargo de Curro Merino, apuesta por un sonido cercano y orgánico, donde la voz de Carmen Murcia ocupa un lugar central. Guitarras cálidas, una percusión suave y arreglos cuidados acompañan la interpretación sin restarle naturalidad, respetando la esencia flamenca mientras dialogan con un lenguaje contemporáneo. Todo el conjunto refuerza el mensaje emocional de la canción, poniendo la sensibilidad y la verdad en primer plano.

El concepto que envuelve “Aunque falten corazones” gira en torno a la familia y a lo cotidiano: los momentos compartidos, las miradas, los gestos sencillos y esa huella emocional que permanece con el paso del tiempo. Es un retrato honesto de la vida misma, donde la memoria se convierte en un acto de amor y resistencia.

Carmen Murcia es una cantante e intérprete de Murcia con una trayectoria consolidada en la música de raíz y la copla. Ha contado con presencia en televisión local, autonómica y nacional, participando en programas como A tu Vera, en espacios musicales de TVE y como colaboradora habitual en el programa Ailoviu. En 2021 lanzó el single “Volver a vivir”, producido por Pedro Contreras, y ahora presenta “Aunque falten corazones”, una canción que conecta emoción, memoria y raíz desde una mirada actual y profundamente humana.

“Aunque falten corazones” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Carmen Murcia, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Con especial atención al mercado español, Slayter fortalece su presencia internacional con la colaboración junto a JC Reyes, un referente del trap en España. Esta unión no solo muestra la versatilidad del artista puertorriqueño, sino que también conecta ritmos y estilos de ambos lados del Atlántico, ofreciendo a los fans europeos una muestra del sonido auténtico de Slayter sin perder la esencia que lo ha consolidado en Puerto Rico.

El cantante urbano puertorriqueño Slayter lanza su esperado EP “MODO GREMLIN”, un proyecto de ocho tracks dominados por el trap que reafirma su posición como uno de los talentos emergentes más sólidos del género. Este lanzamiento llega tras el exitoso álbum “Dile no a las drogas”, que estableció a Slayter como un artista con visión y capacidad para fusionar letras auténticas con ritmos urbanos contemporáneos.

“MODO GREMLIN” reúne colaboraciones estratégicas con JC Reyes, Midnvght, NTG, Almighty, Huan62 y Izaak, aportando diversidad y frescura a cada track sin perder la coherencia musical que caracteriza al trap de Slayter. Cada canción refleja su estilo directo y crudo, con temáticas que van desde historias de amor hasta la vida en el ghetto, pasando por referencias a la cultura urbana actual.

El track principal, “Ese cul* es drog*”, destaca como un sensual tema de trap que cuenta con la participación de Midnvght y NTG. La canción narra una historia de amor mientras incorpora elementos típicos del trap y la vida en el barrio, todo sobre un beat producido por Vibez y Lowend. Este tema se posiciona como el corazón del EP, capturando la energía y la estética sonora que Slayter ofrece en “MODO GREMLIN”.

A lo largo de su carrera, Slayter ha demostrado su versatilidad y capacidad para unir culturas y estilos musicales de distintos países. Ha colaborado con artistas de gran renombre dentro del panorama urbano latino, incluyendo a Ozuna, Eladio Carrión, Cris MJ, Yovngchimi, JC Reyes, FloyyMenor, Clarent, Pablo Chill-E, Julianno Sosa, entre muchos otros. Estas alianzas no solo fortalecen su propuesta artística, sino que también reflejan su compromiso por crear puentes entre distintas escenas urbanas, llevando su música más allá de Puerto Rico y conectando con públicos de toda Latinoamérica y más allá. Cada colaboración aporta un matiz único al trabajo de Slayter, desde el flow y la energía del trap hasta las fusiones de ritmos latinos urbanos, demostrando que su visión trasciende fronteras y estilos, consolidándolo como un artista global en constante evolución.

Con este EP, Slayter demuestra su capacidad para evolucionar dentro del género, manteniendo su autenticidad y conectando con su audiencia a través de historias y ritmos que reflejan la realidad urbana. “MODO GREMLIN” no solo consolida su trayectoria tras “Dile no a las drogas”, sino que lo establece como un referente del trap puertorriqueño contemporáneo.

Manayëve lanza “Agustin”, su nuevo single, una propuesta que marca con firmeza el inicio de su etapa como artista solista y que refleja la amplitud musical y emocional que define su identidad artística. Originaria de Île-de-France, Manayëve ha construido su recorrido sobre los escenarios a lo largo de años de participación en comedias musicales amateurs y espectáculos musicales, una experiencia que hoy se traduce en una interpretación segura, expresiva y profundamente conectada con el público.

Su universo musical se nutre de influencias como el R’n’B, la soul y las músicas caribeñas, aunque su trayectoria la ha llevado a moverse con naturalidad entre distintos estilos. Esta versatilidad le permite explorar un repertorio amplio, donde cada canción se convierte en un espacio de libertad creativa y en una oportunidad para mostrar las múltiples facetas de su voz y de su sensibilidad. “Agustin” se inscribe en esa búsqueda, consolidando una propuesta moderna, honesta y emocionalmente rica.

La música de Manayëve destaca por su capacidad para transmitir emociones genuinas, fruto de un recorrido artístico diverso y de una clara intención de ofrecer canciones auténticas y vibrantes. Su ambición es dar forma a un proyecto fiel a todas las influencias que la han acompañado a lo largo de los años, sin encasillarse en un solo género y permitiendo que cada composición refleje una parte de su historia y de su evolución personal y musical.

Paralelamente, la artista también muestra su afinidad con sonidos caribeños y atmósferas sensuales en temas como “Fais-moi vibrer”, un zouk envolvente que celebra el amor verdadero, la intimidad y el deseo desde un enfoque delicado y profundo. Con una combinación sutil de piano suave y ritmos cálidos, Manayëve construye paisajes sonoros hipnóticos que invitan a dejarse llevar por la emoción y la cercanía de los sentimientos.

Con “Agustin”, Manayëve reafirma su voluntad de crear una música viva, sincera y conectada con la emoción, dando un paso decisivo en su carrera solista y abriendo el camino a futuros lanzamientos que seguirán explorando la riqueza de su universo artístico.

“Agustin” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Manayëve, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

The Phil King Project lanza “Hard Life”, su más reciente sencillo, una canción de pulso firme y espíritu terrenal que se apoya en la experiencia vivida para hablar de resistencia, constancia y carácter. Escrita y producida por Phil King, la pieza se mueve con naturalidad entre el rock, el soul y sutiles matices de jazz, dando forma a una propuesta sonora sólida, madura y profundamente humana.

Lejos de apostar por exhibiciones técnicas o fuegos artificiales con la guitarra, “Hard Life” se construye desde el ritmo, el groove y la atmósfera. La canción avanza sobre guitarras rítmicas precisas, una base perfectamente encajada y una sección de metales expresiva que aporta peso melódico y carácter sin desviar la atención de su mensaje central. Todo en el arreglo parece responder a una decisión consciente, generando una sensación de cercanía, de algo vivido y sentido, más que simplemente interpretado.

En el plano lírico, “Hard Life” aborda la perseverancia desde un lugar sobrio y contenido. No hay dramatismo exagerado ni romanticismo forzado, sino una convicción silenciosa que reconoce que las dificultades moldean a las personas y que, en muchos casos, seguir adelante ya es una forma de victoria. La canción evita los clichés habituales y confía en la contención, el tono y la honestidad emocional para conectar con quien la escucha.

Con décadas de trayectoria escribiendo, produciendo y colaborando con músicos profesionales de distintos géneros, Phil King reafirma con The Phil King Project su compromiso con la autenticidad. Su enfoque sigue centrado en la composición sólida, en interpretaciones que respetan la historia que se quiere contar y en una música que no persigue tendencias pasajeras, sino que se sostiene por su verdad y su coherencia artística.

“Hard Life” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. 

Andy lanza “Poquito a poco”, el segundo sencillo de su esperado álbum “Solo”, un proyecto muy personal que verá la luz el próximo mes de marzo y que coincidirá con el inicio de su nueva gira. Tras la buena acogida de “Marioneta”, este nuevo tema marca un giro emocional y estilístico dentro del disco, mostrando una faceta más íntima, romántica y reflexiva del artista.

Si en “Marioneta” Andy apostaba por una energía más intensa y un pulso marcado, en “Poquito a poco” decide bajar las revoluciones para dejar espacio a la emoción. La canción se construye desde la sensibilidad, con una letra que conecta de manera directa con quien la escucha y que reivindica un tipo de amor que no se desgasta con el tiempo, sino que se fortalece con los años. Es un canto al amor que permanece, que evoluciona y que se sostiene más allá de los comienzos idealizados.

El sencillo ha sido compuesto por Ismael Moya y producido nuevamente por Juanma Leal, responsable del sonido de todo el álbum “Solo”. La producción logra un equilibrio delicado entre nostalgia y actualidad, una combinación que conecta con la memoria emocional del oyente sin perder frescura. El propio Andy reconoce que los arreglos lo transportan a sus inicios musicales, evocando los años noventa y los primeros dos mil, una etapa clave en su formación artística que hoy dialoga con su presente creativo.

El lanzamiento viene acompañado de un videoclip dirigido, una vez más, por Jonai Mancilla y Carlos Villanego. El rodaje tuvo lugar a mediados de diciembre en distintas localizaciones de Granada, como el Mirador de San Nicolás, el Albaicín y una espectacular casa en Sierra Nevada. Estos escenarios aportan una atmósfera cálida y contemplativa que encaja a la perfección con el tono del single, reforzando su carga emocional y su carácter introspectivo. La elección de los espacios y la logística del rodaje fueron posibles gracias a Abelardo Cárdenas, amigo cercano del artista, cuya colaboración fue clave para dar forma visual a la canción.

Con “Poquito a poco”, Andy confirma la versatilidad de su nuevo proyecto en solitario y eleva las expectativas en torno a un álbum que promete mostrar todas sus caras como intérprete. “Solo” se perfila como un trabajo honesto y maduro, donde conviven distintas emociones, estilos y momentos vitales, consolidándose como una de las propuestas más interesantes dentro de la escena musical actual.

Andy Morales es conocido por ser una de las voces del emblemático dúo Andy & Lucas. Nacido en Cádiz, creció rodeado de música, arte y carnaval, una influencia decisiva que se refleja en su forma de sentir el ritmo y en la emoción que transmite sobre el escenario. Desde muy joven participó activamente en el Carnaval de Cádiz, una auténtica escuela de creatividad y expresión que moldeó su identidad musical y escénica.

Su primera gran aparición pública llegó con el concurso “Veo Veo”, donde ya dejó claro su talento natural para el canto y su carisma frente al público. Aquella experiencia fue el primer paso de un camino que lo llevaría a convertirse en una de las voces más queridas de la música en español. Con Andy & Lucas alcanzó un éxito rotundo, con millones de discos vendidos, giras internacionales y canciones que se convirtieron en himnos de toda una generación durante más de dos décadas.

Ahora, Andy inicia una nueva etapa artística en solitario, manteniendo intacta su esencia pero explorando nuevos sonidos, letras más personales y una visión musical renovada. Este proyecto refleja la madurez de un artista que ha crecido junto a su público y que busca reencontrarse con él desde un lugar más íntimo, sincero y libre. Fiel a sus raíces gaditanas y con el corazón puesto en la música, Andy se presenta como un intérprete completo, capaz de transmitir tanto la alegría del sur como la profundidad de sus propias vivencias.

“Poquito a poco” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Andy, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

El inicio de 2026 ha dejado uno de los encuentros musicales más comentados del momento con el lanzamiento de “CAMBIARÉ”, el nuevo single de Luis Fonsi y Feid. Publicada oficialmente el 20 de enero de 2026, la canción rompió expectativas al alejarse del reggaetón o la balada pop que muchos anticipaban, apostando en su lugar por una salsa moderna que conecta tradición y actualidad con una naturalidad sorprendente.

El tema fue producido por la reconocida dupla Andrés Torres y Mauricio Rengifo, quienes lograron una fusión elegante entre el estilo melódico y romántico de Fonsi y el lenguaje urbano y directo que caracteriza a Feid. El resultado es una canción bailable y emocional al mismo tiempo, donde el ritmo caribeño sirve de base para una letra cargada de arrepentimiento, promesas de cambio y vulnerabilidad tras una ruptura amorosa. El relato se mueve entre la súplica sincera y la esperanza de una segunda oportunidad, combinando el sentimiento clásico de la salsa con el tono coloquial tan reconocible del Ferxo.

Uno de los momentos clave en la historia de “CAMBIARÉ” fue su presentación sorpresa durante las Fiestas de la Calle San Sebastián en el Viejo San Juan, Puerto Rico. Allí, frente a miles de personas, Luis Fonsi y Feid interpretaron un adelanto del tema en vivo, generando una reacción inmediata del público y convirtiendo el lanzamiento en una auténtica celebración colectiva. Esa energía festiva y callejera también se refleja en el videoclip oficial, dirigido por Carlos Pérez, que retrata una vibrante celebración en San Juan y refuerza la identidad caribeña de la canción.

Este lanzamiento llega en un momento especialmente significativo para ambos artistas. Luis Fonsi se encuentra inmerso en una etapa de reconexión con sus raíces caribeñas, explorando nuevos caminos sonoros tras años de éxitos globales que lo consolidaron como una de las voces más reconocidas de la música en español. Por su parte, Feid continúa afianzándose como uno de los grandes referentes del género urbano colombiano, demostrando con “CAMBIARÉ” una versatilidad que le permite adaptarse con soltura a ritmos tropicales sin perder su esencia.

La colaboración nació de manera orgánica durante una sesión en Los Ángeles y, desde su estreno, la canción ha escalado rápidamente en listas de éxitos y tendencias digitales, impulsada por una fuerte respuesta del público y por el impacto viral del hashtag FonsiXFeid. “CAMBIARÉ” no solo une dos generaciones y dos universos musicales, sino que también confirma que la salsa puede dialogar con el presente sin perder su alma.

En paralelo, el arranque de 2026 también ha estado marcado por otros regresos sonoros comentados, como el de Cameron Dallas, quien volvió a la música el pasado 3 de enero con su EP “CATCH!”. Este trabajo breve y experimental supuso una ruptura total con su pasado como estrella de Vine, apostando por un sonido crudo y vanguardista que refleja su independencia creativa y su evolución personal tras años de exposición mediática. Aunque desde universos muy distintos, ambos lanzamientos evidencian una tendencia clara: artistas consolidados que apuestan por la honestidad, la exploración y la libertad creativa.

“CAMBIARÉ” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Luis Fonsi y Feid, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Louis Tomlinson presenta “Imposter”, su nuevo sencillo y tercer adelanto de “How Did I Get Here?”, el álbum que verá la luz este viernes 23 de enero. Con este lanzamiento, el artista británico vuelve a demostrar su capacidad para combinar honestidad emocional y solidez musical en una canción que se mueve dentro de un indie pop crudo, sostenido por una línea de bajo marcada y guitarras directas que acompañan una de sus letras más personales hasta la fecha.

“Imposter” fue escrita por Louis junto a Nico Rebscher y Dave Gibson, y aborda de forma frontal la experiencia del síndrome del impostor y la sensación constante de no ser suficiente. La canción pone voz a una lucha interna que muchos comparten, resumida en frases tan directas como “No consigo sacarme de la cabeza esta sensación de que soy un impostor. Ya no sé realmente quién soy”, una confesión que atraviesa todo el tema y lo convierte en uno de los momentos más vulnerables de su nuevo trabajo.

El propio Louis ha explicado que la canción nació en un entorno muy especial. “Imposter se escribió en la selva de Costa Rica. A nivel conceptual, se apoya en la idea de la identidad. Probablemente sea el tema más melódico del disco, y estoy muy emocionado de que el mundo por fin pueda escucharlo”, comenta el artista. Esa atmósfera aislada y natural fue clave en el proceso creativo de un álbum que profundiza más que nunca en quién es realmente como compositor e intérprete.

El single llega acompañado de un videoclip de tono reflexivo, protagonizado por el actor ganador de un premio RTS James Nelson-Joyce, conocido por sus papeles en producciones como This City Is Ours y A Thousand Blows. La pieza visual refuerza el discurso introspectivo de la canción, ampliando su significado y conectando con la sensación de búsqueda personal que atraviesa todo el proyecto.

“How Did I Get Here?” es el tercer álbum de estudio de Louis Tomlinson y supone un nuevo paso en su evolución artística. Para este trabajo, el músico se exigió al máximo en todas las facetas creativas. Tras recopilar ideas iniciales en el campo inglés, se trasladó a Santa Teresa, Costa Rica, durante tres semanas a principios de 2025, donde se sumergió por completo en la escritura y grabación junto a su principal colaborador y coproductor Nico Rebscher, conocido por su trabajo con artistas como Aurora y Alice Merton. El entorno y la atmósfera del lugar influyeron de forma decisiva en el sonido y el enfoque emocional del disco.

Los adelantos previos ya habían dejado claras las ambiciones del álbum. El primer single, “Lemonade”, fue incluido en importantes listas de reproducción de Radio 1, Radio 2 y Capital en el Reino Unido, y Louis lo interpretó en el Live Lounge de Radio 1 junto a una versión de “Too Sweet” de Hozier. El segundo lanzamiento, “Palaces”, recibió elogios de medios como Clash Magazine, que lo describió como “una pieza melódica de indie magnífica y refinada, con un verdadero sentido del teatro y el drama en la voz”. Además, el tema fue presentado en una sesión de Amazon Music Presents y en el Capital’s Jingle Bell Ball en el The O2 de Londres.

En paralelo al lanzamiento del álbum, Louis continúa ampliando su presencia internacional con actuaciones destacadas y eventos especiales. Esta semana ofrecerá un concierto íntimo en Racket, Nueva York, aparecerá en The Tonight Show With Jimmy Fallon y celebrará en Londres el evento inmersivo How Did I Get Here? The Experience en The Outernet. Todo ello como antesala de su gran gira mundial de arenas, How Did We Get Here?, que recorrerá Europa y Norteamérica a partir de marzo de 2026.

España será una de las paradas clave de esta gira, con dos fechas ya confirmadas para el próximo mes de abril: el 12 de abril en el Palau Sant Jordi de Barcelona y el 13 de abril en el Movistar Arena de Madrid, donde Louis Tomlinson se reencontrará con su público español en uno de los momentos más sólidos de su carrera en solitario.

Tras su etapa como miembro de One Direction, Louis se presentó oficialmente como solista con Walls en 2020, un álbum calificado como “excelente” por Rolling Stone que superó los 1,2 millones de copias vendidas y acumuló cerca de mil millones de reproducciones. Dos años después, Faith In The Future confirmó su crecimiento artístico al alcanzar el número uno en países como Reino Unido, España, Argentina y Bélgica, además de posicionarse en el Top 5 del Billboard 200. Su impacto en directo quedó patente con la Faith in the Future World Tour, una gira global que agotó arenas y estadios en decenas de países y consolidó su estatus como uno de los intérpretes más demandados del momento.

“Imposter” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Louis Tomlinson, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Evaluna Montaner inicia el 2026 reafirmando su identidad artística con el lanzamiento de “Rollitos de Papel”, un nuevo single que apuesta por la introspección, la sencillez y la honestidad emocional. La actriz y cantante venezolana, nacida en 1997, continúa consolidando una carrera musical coherente y sensible, construida tanto a través de proyectos en solitario como de colaboraciones junto a su esposo, el artista colombiano Camilo, con quien ha compartido algunos de los momentos más significativos de su trayectoria reciente.

En “Rollitos de Papel”, Evaluna se aleja de la urgencia y del ruido para centrarse en un mensaje profundamente humano. La canción utiliza la metáfora de un ratoncito girando sin parar dentro de una rueda para describir la sensación de agotamiento que produce avanzar sin un rumbo claro, atrapado en una dinámica que no conduce a ningún lugar. Frente a esa imagen, la letra propone una revelación sencilla pero poderosa: es al detenerse, al dejar de correr, cuando aparece la paz y se hace visible el cuidado de la otra persona.

A lo largo del tema, Evaluna transmite la seguridad que encuentra al caminar acompañada, sin prisa y sin expectativas desmedidas. La canción habla de un amor que no exige grandes gestos, sino presencia, escucha y miradas sinceras, reforzando la idea de que para sentirse querida no hace falta mucho. Esta visión se traduce en una narrativa cercana, casi doméstica, donde los pequeños detalles y los instantes compartidos adquieren un valor central.

Musicalmente, “Rollitos de Papel” mantiene la esencia melódica y dulce que caracteriza a Evaluna, pero incorpora una madurez lírica evidente. La producción acompaña la intimidad del mensaje, dejando espacio a la voz y a la emoción sin sobrecargar el arreglo, lo que refuerza la sensación de calma y recogimiento que atraviesa toda la canción. Es un tema que invita a escuchar sin distracciones, a bajar el ritmo y a habitar el silencio junto a quien se ama.

Este lanzamiento se suma a una etapa vital y artística en la que Evaluna ha sabido equilibrar su faceta creativa con su vida familiar. En los últimos años, canciones como “Índigo” y “PLIS” reflejaron ese momento de transformación personal, y “Rollitos de Papel” continúa ese camino desde un lugar aún más reflexivo. Lejos de grandes declaraciones, la artista pone el foco en la importancia de detenerse y valorar lo cotidiano, reivindicando una vida simple, compartida y construida paso a paso.

La respuesta del público no se ha hecho esperar. Muchos seguidores han elogiado la honestidad de la canción y la forma en que retrata una relación basada en la calma, el respeto y el crecimiento conjunto, identificándose con un mensaje que contrasta con la velocidad habitual de la industria y de la vida moderna.

“Rollitos de Papel” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Evaluna Montaner, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Jordi Arkano lanza “La chica del cuadro”, un nuevo single en español que confirma su madurez artística y su capacidad para convertir las emociones más profundas en canciones elegantes y honestas. El tema se mueve entre el soul-pop y un aire claramente ochentero, con un halo de misterio que envuelve una historia marcada por el recuerdo persistente de alguien que, aunque ausente, permanece imborrable en la memoria.

Musicalmente, “La chica del cuadro” destaca por su ritmo vivo y envolvente, sostenido por una interpretación vocal clara y expresiva que guía al oyente a través de una letra emocional y evocadora. La canción habla de ese recuerdo que se resiste a desaparecer, de una imagen que sigue ahí, suspendida en el tiempo, cargada de nostalgia y preguntas sin respuesta. Arkano construye la narrativa con sensibilidad y contención, dejando que la emoción fluya sin excesos, apoyada en una producción que equilibra calidez y sofisticación.

Jordi Arkano es un músico versátil y con alma, cuya trayectoria ha transitado con naturalidad por estilos como el soul, el pop, el rock y el funk. Durante años ha dado vida a grandes clásicos junto a formaciones como Vamp's Soul, revisitando joyas de las décadas de los cincuenta a los ochenta, y The Iconics, rindiendo homenaje a figuras icónicas como Elvis Presley y Tom Jones. Esa experiencia ha forjado un artista con profundo respeto por la tradición, pero también con la inquietud constante de encontrar su propia voz.

Su proyecto actual nace de una necesidad vital de expresión personal. A través de un álbum conceptual, Jordi Arkano propone una crónica sonora del desamor, inspirada en una ruptura real y narrada con una honestidad desarmante. Cada canción representa una etapa emocional distinta: desde el misterio y la fascinación inicial, reflejados en temas como “La reina de Oriente”, hasta el desgarro más crudo de un blues rompevenas como “Abrazos de escalón”. En este recorrido, “La chica del cuadro” ocupa un lugar clave, funcionando como un punto de equilibrio entre la elegancia musical y la introspección lírica.

En sus composiciones no hay artificios ni poses. Arkano utiliza su voz, la guitarra y el saxo como herramientas para transformar el dolor en arte, fusionando la elegancia del soul con una narrativa directa que conecta de forma inmediata con cualquiera que haya amado y perdido. Su música suena clásica y atemporal, pero al mismo tiempo cercana y profundamente humana.

Con “La chica del cuadro”, Jordi Arkano invita a adentrarse en un universo donde las influencias clásicas se encuentran con historias que aún necesitan ser contadas, y donde cada canción es una confesión sincera. Un paso firme hacia una etapa creativa en la que el artista se muestra sin máscaras, dejando que la emoción sea el verdadero hilo conductor.

“La chica del cuadro” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Jordi Arkano, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Teotlson irrumpe en la escena musical con “Bajo las Estrellas”, su single debut, marcando el inicio de un proyecto que apuesta por una visión fresca, contemporánea y profundamente arraigada en las raíces latinoamericanas. La banda está formada por los músicos mexicanos residentes en Suiza Miguel Kaire, a cargo de la percusión y la voz, y Mario Valencia, conocido como el Vange, en guitarra y segunda voz, junto a la bajista suiza Angie Mei, completando una formación intercultural que define desde el origen el espíritu del proyecto.

El nacimiento de Teotlson fue tan natural como inesperado. Miguel y Mario se conocieron de manera casual durante una jam session en Boswil, donde descubrieron no solo una conexión musical inmediata, sino también un origen compartido que reforzó el entendimiento creativo entre ambos. A partir de ese encuentro espontáneo comenzó a gestarse una propuesta común que, con el tiempo, encontró su equilibrio definitivo con la incorporación de Angie Mei al bajo, aportando solidez, matices y una nueva dimensión sonora al grupo.

El sonido de Teotlson propone una reinterpretación actual de la cumbia latinoamericana, alejándose de fórmulas previsibles para explorar terrenos más atmosféricos y experimentales. Su música se construye a partir de cumbias a tiempo lento, guitarras psicodélicas y texturas modernas que beben tanto de la chicha peruana como de la cumbia mexicana, integrando estas influencias desde una perspectiva abierta y exploratoria. El resultado es un paisaje sonoro que honra las tradiciones del continente mientras se atreve a expandirlas hacia nuevos horizontes.

Desde su concepción, el proyecto nace marcado por la independencia y la búsqueda de una identidad auténtica, sin ataduras a esquemas comerciales. Teotlson es una banda pensada para el directo, donde la fuerza rítmica de la cumbia y la psicodelia se transforma en una experiencia hipnótica y envolvente. En vivo, la música se convierte en un espacio de conexión directa con el público, guiado por pulsos profundos y una energía que invita tanto al movimiento como a la introspección.

“Bajo las Estrellas” funciona como una carta de presentación clara y coherente con esta filosofía. La canción se apoya en un pulso de cumbia profundo y atmosférico, acompañado por melodías evocadoras y voces expresivas que transmiten cercanía y emoción. Lejos de la grandilocuencia, el tema apuesta por la sutileza y la construcción de una atmósfera nocturna que envuelve al oyente y lo invita a dejarse llevar.

Este primer lanzamiento es solo el comienzo de una etapa creativa más amplia. Teotlson tiene previsto publicar nuevos singles de forma regular, explorando distintas fusiones de ritmos latinoamericanos hasta dar forma a un álbum completo que consolide su propuesta sonora. Con este debut, la banda busca conectar con oyentes abiertos a nuevas corrientes dentro de la música latina, así como con medios, radios y plataformas que apuesten por proyectos independientes, interculturales y con una fuerte identidad artística.

“Bajo las Estrellas” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Teotlson, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Cameron Dallas ha vuelto a la escena musical con un giro tan inesperado como revelador. Tras varios años manteniendo un perfil más bajo después de su explosión mediática como estrella de Vine y YouTube, el artista estadounidense inicia 2026 presentando “CATCH!”, un nuevo proyecto que marca una clara ruptura con su pasado musical y con la imagen que muchos aún conservan de él.

Lanzado el 3 de enero de 2026, “CATCH!” funciona tanto como single principal como título de su nuevo EP. Se trata de un trabajo conciso y directo, de apenas 13 minutos de duración, compuesto por siete canciones cortas que apuestan por la inmediatez y la experimentación sonora. Lejos del pop juvenil que definió etapas anteriores de su carrera, como “She Bad”, este nuevo material se mueve en un terreno mucho más vanguardista, con una energía cruda, estructuras poco convencionales y espacios sonoros que coquetean con el caos y la libertad creativa.

El tracklist incluye títulos como “Another Word for Horny”, “Sike”, “Future”, “Gaslight Anthem”, la propia “CATCH!”, “Sweat, Sweaty Dreams” y “Sinking”. Cada tema funciona casi como una instantánea emocional, reforzando la sensación de urgencia y espontaneidad que atraviesa todo el EP. En especial, la canción que da nombre al proyecto parece simbolizar el momento vital y artístico que atraviesa Dallas: una etapa en la que crea sin pensar en fórmulas comerciales ni en la radio, priorizando una expresión que se siente completamente suya.

Para quienes lo descubrieron en 2014, el Cameron Dallas de 2026 es un artista profundamente distinto. Fue uno de los pioneros del fenómeno influencer y miembro destacado de MAGCON, colectivo que impulsó carreras como las de Shawn Mendes o Nash Grier. Desde entonces, ha construido una trayectoria multifacética que incluye el modelaje para firmas como Calvin Klein, la actuación en cine y teatro —con participaciones en proyectos como Expelled y Mean Girls en Broadway— y el emprendimiento tecnológico. En 2023 vendió su plataforma Fanfix por 65 millones de dólares, un movimiento que le otorgó la independencia financiera necesaria para explorar la música desde un lugar más honesto y sin presiones externas.

Esa evolución profesional ha ido de la mano de un crecimiento personal igualmente significativo. Dallas ha hablado abiertamente sobre sus luchas con la adicción y la salud mental, y esa transparencia se refleja en las letras de “CATCH!”, donde prima una narrativa más cruda, introspectiva y directa. El proyecto no busca agradar a todos, sino conectar desde la autenticidad con quienes estén dispuestos a acompañarlo en esta nueva etapa.

Aunque ya no ocupa el centro de la conversación mediática como hace una década, las cifras demuestran que Cameron Dallas conserva una base de seguidores fiel y atenta. En plataformas como Spotify, canciones como “Sike” y “Gaslight Anthem” han comenzado a acumular miles de reproducciones en poco tiempo, señalando que su transición hacia un pop experimental y menos complaciente está despertando curiosidad y conversación entre oyentes nuevos y antiguos.

“CATCH!” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Cameron Dallas, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.