El artista vigués Álex Cassen presenta “La Galia y el Galerna”, su nuevo sencillo y una pieza que se sumerge en la memoria colectiva de toda una generación. El tema, un pop/rock directo y sin rodeos, rescata las noches de fiesta en locales míticos del Vigo de 2016, esos espacios que marcaron una época y las personas que las hicieron inolvidables. Con este lanzamiento, Cassen adelanta lo que será su primer álbum de estudio, previsto para finales de este año.

La canción se despliega como un ejercicio de nostalgia consciente. No hay en ella idealización del pasado ni melancolía fácil; hay el reconocimiento de que hubo un tiempo, unos lugares y unas personas que construyeron una experiencia compartida que merece ser recordada. La letra, cargada de imágenes reconocibles para quienes vivieron aquellos años, retrata con honestidad esa mezcla de euforia y fragilidad que acompaña a la juventud cuando se encuentra con la música y la noche.

“La Galia y el Galerna” funciona como un retrato generacional. Los dos locales que dan título al tema se convierten en símbolos de un momento vital, en escenarios donde se escribieron historias que, aunque personales, resuenan en muchos oyentes. La canción habla de esos espacios que ya no están o que ya no son lo que eran, pero también de la gente que los habitaba y de los vínculos que se forjaron entre sus paredes. Es, en definitiva, un homenaje a lo efímero, a esos momentos que solo existen mientras duran pero que dejan una huella imborrable.

Musicalmente, el tema se mueve en territorios pop/rock con una producción que equilibra la energía de las guitarras con la pegada melódica que caracteriza al artista. La voz de Álex Cassen, expresiva y cercana, transmite con naturalidad esa mezcla de emoción y distancia que la letra requiere, creando una atmósfera que invita tanto al recuerdo como al baile.

Álex Cassen es un artista vigués cuya obra transpira honestidad por todos los poros. Antes de lanzarse de lleno a la música, publicó dos poemarios —“Golondrinos” (2022) y “Algia” (2023)— que ya apuntaban su capacidad para observar el mundo y traducirlo en palabras. En febrero de 2025 dio el salto definitivo a la música con “LAS CARTAS SOBRE LA MESA”, su EP debut, donde comenzó a definir un sonido que lleva la electrónica por bandera sin limitarse a un único género.

Su propuesta musical conquista a los oyentes con melodías pegadizas y una forma de narrar vivencias tan íntima como universal. Cassen tiene el don de contar sus propias experiencias de manera que cualquiera pueda sentirse identificado, convirtiendo lo personal en colectivo y lo local en universal. Una cualidad que ya se percibía en sus poemarios y que ahora encuentra en la música un canal aún más directo.

Actualmente, el artista está inmerso en la preparación de su primer álbum de estudio, que verá la luz en 2026. “La Galia y el Galerna” es el primer adelanto de ese trabajo, una carta de presentación que promete un disco donde la memoria, la emoción y la honestidad seguirán siendo los pilares fundamentales.

El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de noches pasadas y recuerdos compartidos que Álex Cassen ha sabido capturar con sensibilidad y oficio. Una canción para quienes vivieron aquellos años y para quienes, sin haberlos vivido, entienden que la nostalgia es también una forma de amor.

Los artistas onubenses Maki y Saray Jiménez unen sus voces en “Te Quiero a Morir 2”, el nuevo sencillo que retoma la esencia de uno de los temas más queridos del flamenco-pop español para ofrecer una continuación cargada de emoción, sentimiento y esa mezcla de veteranía y frescura que tanto conecta con los seguidores del género. El lanzamiento, que ya está disponible en plataformas digitales, consolida la química artística entre ambos intérpretes y se ha convertido rápidamente en un fijo en las listas de éxitos de flamenco pop en Spotify, acumulando millones de visualizaciones en YouTube.

La canción se despliega como una balada rítmica que fusiona con maestría las guitarras españolas con bases de reggaetón lento, creando esa atmósfera tan característica del “flamenquito moderno” que tanto éxito cosecha en el sur de España. La letra gira en torno al amor incondicional, la pasión extrema y la lealtad en la pareja, con un estribillo fácil de recordar diseñado para ser dedicado. Versos como “Porque te quiero a morir, te quiero al respirar, sin ti no puedo vivir” funcionan como un mantra emocional que atrapa desde la primera escucha y no suelta hasta que el tema termina.

La historia que narra la canción añade una capa de profundidad inesperada. A través de sus versos, se dibuja el retrato de una niña de quince primaveras que se enfrenta a un amor no correspondido por un chico de veinticuatro años que la mira indiferente. “Su gente le aconseja: Tú no sabes lo que quieres, la edad de las muñecas se le apaga de repente”, canta Saray con ese quejío flamenco que le da una hondura especial a la interpretación. Una historia de despertar sentimental, de ilusiones juveniles y de la dificultad de aceptar que a veces el amor no es recíproco.

Maki, veterano de la escena onubense con más de quince años de trayectoria fusionando el rap, el reggaetón y el pop con raíces flamencas, aporta la parte más narrativa y urbana de la canción. Su estilo, casi recitado en los versos, construye el relato con la precisión de quien ha hecho de las historias de amor y barrio su seña de identidad. Conocido también por su faceta de cazatalentos y productor, Maki ha sabido rodearse de un círculo muy cerrado de artistas, entre los que destaca su pareja, María Artés, lo que hace que la inclusión de Saray Jiménez en esta saga de canciones sea un sello de confianza total en su talento.

Saray Jiménez representa la nueva generación del flamenco-pop. Su voz, con ese “quejío” característico pero perfectamente adaptada a los sonidos actuales, se ha convertido en la compañera ideal para los estribillos pegadizos que busca Maki. Su participación en temas de este estilo le ha dado una visibilidad creciente, consolidándola como la voz femenina de referencia dentro de este subgénero. En “Te Quiero a Morir 2”, su intervención en los coros eleva la canción a otro nivel, aportando la potencia melódica que equilibra la crudeza narrativa de los versos de Maki.

La clave del éxito de esta dupla reside precisamente en ese contraste. Maki construye la historia desde la calle, desde la observación directa de las realidades sentimentales más cotidianas, mientras Saray aporta la emoción desbordada, el sentimiento que necesita explotar en el estribillo. Una fórmula clásica que tanto gusta en el sur de España y que ambos dominan a la perfección, demostrando que cuando hay química artística, el resultado no puede ser otro que el éxito.

“Te Quiero a Morir 2” no es solo una canción, es la secuela de un éxito anterior, una continuación de la historia sentimental que tantos seguidores conquistó en su primera entrega. En la música de este estilo, las segundas partes suelen funcionar como una profundización en los mismos territorios emocionales, y este tema lo consigue con creces. El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de amor incondicional y lealtad que Maki y Saray Jiménez han sabido construir con sensibilidad y oficio. Una canción para dedicar, para sentir y para recordar que, a veces, el amor puede con todo.

La artista catalana Mar Lucas y el puertorriqueño Noriel han unido fuerzas para presentar “Bachatón”, su nuevo sencillo y una de las propuestas más explosivas de este inicio de 2026. Lanzado oficialmente el pasado 20 de febrero, el tema se despliega como un híbrido perfecto entre la bachata y el reggaetón, dos géneros que encuentran en esta colaboración un punto de encuentro natural para crear un himno al desamor y la independencia con vocación de arrasar en las pistas de baile.

La canción nace desde ese territorio fronterizo que tanto éxito está cosechando en el último año: el subgénero que fusiona la cadencia romántica de la bachata con la contundencia rítmica del reggaetón. “Bachatón” aprovecha lo mejor de ambos mundos para construir una base sonora irresistible, donde la melodía dulce y pop de Mar Lucas se entrelaza con el flow callejero y la credibilidad de Noriel, uno de los nombres fundamentales del trap latino y el reggaetón desde los tiempos de su histórico “Cuatro Babys” junto a Maluma.

La temática del tema no deja lugar a dudas: es un himno para quienes han decidido superar una ruptura dándose por completo a la fiesta. Versos como “Yo ya no creo en el amor, esas son puras mentiras, solo creo en el alcohol” funcionan como declaración de intenciones y como invitación a dejar atrás el dolor a base de ritmo y celebración. No hay aquí espacio para la melancolía; hay la decisión consciente de transformar el desamor en energía bailable.

El lanzamiento del single fue todo un acontecimiento. Se celebró una fiesta temática en el club Jowke de Alcorcón con una estética totalmente rosa que refleja el cuidado visual que Mar Lucas imprime a cada uno de sus proyectos. Coches de drift, globos aerostáticos y una puesta en escena cuidada al detalle convirtieron la noche en una experiencia inmersiva que trasladaba a los asistentes al universo de la canción. Una muestra más de que la artista entiende la música como un fenómeno integral donde el sonido y la imagen dialogan constantemente.

Mar Lucas, a sus 23 años, ha completado una evolución asombrosa desde sus inicios como reina de TikTok en España hasta convertirse en una de las artistas pop con mayor proyección internacional. Tras éxitos como “La Inocente” o “Sin Filtro” junto a India Martínez y Lérica, 2026 la encuentra en una faceta mucho más urbana y segura de sí misma, dispuesta a conquistar nuevos territorios musicales. En entrevistas recientes ha dejado caer que tiene más colaboraciones potentes en camino, y los rumores apuntan a un posible encuentro con Lola Índigo que haría explosión en las listas.

Noriel aporta a la ecuación la credibilidad de la calle y el flow necesario para que el tema funcione en las discotecas de todo el mundo. Su participación no es casual; representa un espaldarazo a la carrera de Mar Lucas y una puerta de entrada al mercado latinoamericano, donde el puertorriqueño goza de un reconocimiento y una autoridad indiscutibles. La producción, con ese característico toque “mambo” que distingue al artista, envuelve la voz de Mar en una atmósfera urbana que la sitúa en un territorio nuevo y excitante.

“Bachatón” apunta directamente a convertirse en uno de los temas más escuchados de esta primavera. Su mezcla de ritmos, la química entre ambos artistas y una producción cuidada al detalle lo convierten en candidato perfecto para las listas de reproducción más exigentes y para las pistas de baile de medio mundo. El tema ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de desamor festivo que Mar Lucas y Noriel han sabido construir con inteligencia y oficio. Una canción para quienes entienden que, a veces, la mejor manera de olvidar es bailar hasta que el cuerpo aguante.

El artista Chema Rivas, uno de los referentes indiscutibles del flamenco-pop urbano y el reggaetón romántico, presenta “Playita Canarias”, su nuevo sencillo y la gran apuesta para el inicio de 2026. Lanzado oficialmente el pasado 20 de febrero, el tema se despliega como una celebración de la vibra positiva, los paisajes playeros y ese ambiente festivo que el cantante ha convertido en su seña de identidad a lo largo de una trayectoria jalonada de éxitos virales y certificaciones multiplatino.

La canción nace desde la esencia más reconocible de Chema Rivas: una mezcla contagiosa de pop urbano con toques tropicales, diseñada para sonar tanto en las plataformas digitales como en los chiringuitos playeros y los festivales de verano. Las Islas Canarias funcionan como referencia central de esa atmósfera luminosa, convirtiendo el archipiélago en protagonista lírico y emocional de un tema que invita a dejarse llevar por el ritmo y la brisa marina. La producción, cuidada y actual, envuelve la voz del artista en una calidez que transporta directamente a esos paisajes de arena y sol que evoca el título.

“Playita Canarias” mantiene la estela de los anteriores éxitos de Chema Rivas, esa capacidad innata para crear himnos estacionales que trascienden el momento y se instalan en la memoria colectiva. El estribillo, pegadizo y fácil de corear, funciona como un imán que atrapa desde la primera escucha y no suelta hasta que el tema termina. Una fórmula que el artista domina a la perfección y que aquí alcanza cotas de madurez sin perder ni un ápice de la frescura que lo caracteriza.

Para entender la relevancia de este lanzamiento, hay que recordar la trayectoria de quien lo firma. Chema Rivas saltó a la fama mundial con éxitos masivos que definieron el sonido urbano en España hace unos años. Temas como “Mil Tequilas” se convirtieron en fenómenos virales y alcanzaron certificaciones multiplatino, mientras que “Entre Tú y Yo” consolidaba su posición como uno de los nombres imprescindibles del género. Desde entonces, su carrera no ha hecho más que crecer, acumulando millones de reproducciones y colaboraciones con artistas de primer nivel.

En el último año, el artista ha mantenido una actividad frenética. Lanzó temas como “Enero a Diciembre” y “Mil Motivos”, y presentó su EP titulado “Universo” (2025), un trabajo donde exploraba sonidos algo más maduros sin perder la esencia comercial que lo ha hecho grande. Una evolución natural que le ha permitido ampliar su base de seguidores y consolidar un estilo propio reconocible a primera escucha.

Su versatilidad le ha llevado a colaborar con nombres tan diversos como Juan Magán, India Martínez, Lérica y Ptazeta, demostrando su capacidad para moverse con naturalidad entre el pop, el reggaetón y el flamenco. Una cualidad que enriquece su propuesta y la sitúa en un territorio donde las etiquetas pierden sentido.

Con “Playita Canarias”, Chema Rivas apunta directamente a convertirse en el eje central de su gira de festivales para la temporada 2026. El tema, que en pocos días ha comenzado a escalar posiciones en plataformas digitales, cuenta con un videoclip oficial y remixes que ya suenan en sesiones de música urbana, amplificando su alcance y consolidando su posición como uno de los artistas españoles con mayor proyección internacional.

La cantante y compositora biligüe Tamara Rodríguez, graduada Cum Laude por el Berklee College of Music y finalista en concursos internacionales de composición, presenta “3 Palabras”, su nuevo sencillo y una propuesta que fusiona la sofisticación del pop europeo con la calidez emocional latina. El tema, acompañado de un videoclip rodado en Okinawa, Japón, explora el peso universal de esas tres palabras —“te quiero”— y sugiere que, a veces, el amor necesita algo más que el lenguaje para expresarse.

La canción se despliega como un tapiz sonoro donde el español y el inglés se entrelazan con absoluta naturalidad. La producción combina la elegancia del pop europeo con la hondura emocional característica de la música latina, creando una atmósfera que resulta a la vez íntima y expansiva. La voz de Tamara, expresiva y llena de matices, transmite esa mezcla de certeza y vulnerabilidad que acompaña a las grandes declaraciones de amor, consciente de que las palabras, por poderosas que sean, nunca terminan de atrapar del todo lo que se siente.

El videoclip, filmado a lo largo de los paisajes costeros de Okinawa, refuerza visualmente el mensaje de la canción. Los horizontes marinos y los cielos abiertos enmarcan una historia sobre la conexión que trasciende la distancia, la cultura y el vocabulario. Las imágenes, cuidadosamente compuestas, funcionan como una extensión natural de la música, creando una experiencia inmersiva donde el espectador puede habitar la emoción junto a la artista.

“Esta canción simboliza que a veces las palabras no son suficientes. El amor se siente más allá del idioma. Combinar español e inglés refleja cómo la emoción nos conecta a través de las culturas”, comparte Tamara sobre el significado del tema. Sus palabras resumen a la perfección la filosofía de una artista que ha hecho de la comunicación intercultural su seña de identidad.

Tamara Rodríguez es una artista con sede en San Diego, California, cuya trayectoria combina una sólida formación académica con una presencia creciente en la escena internacional. Graduada Cum Laude por el prestigioso Berklee College of Music, ha sido finalista en concursos internacionales de composición y también en reality shows televisivos como La Nueva Banda Timbiriche para Televisa y Quinceañera para Telemundo. Reconocida por su capacidad para cantar en cinco idiomas, su trabajo ha recibido apoyo radiofónico internacional en Europa, Latinoamérica y Japón.

“3 Palabras” formará parte de su próximo álbum, actualmente en desarrollo, un proyecto que promete explorar temas como el amor, la identidad, el lenguaje y la resiliencia emocional. El disco apuesta por una fusión refinada de producción pop cinematográfica y lirismo multilingüe, consolidando a Tamara como una voz emergente con proyección global.

Con este lanzamiento, Tamara Rodríguez continúa construyendo puentes entre culturas a través de una música que combina la sensibilidad pop europea con la sinceridad latina. Un trabajo que nace desde la autenticidad y la profundidad artística, y que promete seguir dando que hablar en los próximos meses.

El 20 de febrero, Mikel Izal hizo escala en el Sant Jordi Club de Barcelona ante alrededor de 4.500 personas. Era la antepenúltima parada de su gira de despedida El Miedo y el Paraíso, que concluirá el 28 de febrero en el Movistar Arena, y que marcará un necesario descanso tras un periodo intenso: el cierre de su etapa al frente de IZAL y el arranque de su camino en solitario con banda renovada. La velada contó además con la actuación de MERINO como grupo telonero invitado, formación con la que comparte el tema “Cerca del Invierno”, reforzando así la conexión artística sobre el escenario.

El concierto mantuvo la estructura por capítulos que ha definido toda la gira, un formato que le permite recorrer las distintas etapas de su dilatada trayectoria y estructurar los conciertos con precisión literaria. Desde canciones que marcaron su recorrido con IZAL, hasta un tramo más íntimo y contenido, donde el formato se transforma y la banda se reúne alrededor de una mesa sobre el escenario, reduciendo pulsaciones y acercando las canciones al público. Ese bloque central funciona como un paréntesis emocional antes de la explosión final.

Porque si algo sabe hacer Mikel Izal es dosificar la tensión. En la recta final llegan los temas que el público reclama desde el primer minuto, pero es esa espera la que hace que este momento sea tan increíble cuando llega. Es el momento de disfrutar, con ese nuevo toque que le ha dado Mikel a todas sus canciones, temas como “Pequeña gran revolución”,  “El Baile”, “Copacabana”, “La mujer de verde” y “El Paraíso”, esta última fue la encargada de cerrar la noche con ese aire de himno que resume el espíritu de la gira y el concierto. Hemos pasado por todas las fases hasta llegar al paraíso. El Sant Jordi Club, entregado, coreó cada nota.

Pero más allá del repertorio y las canciones, hay un rasgo que distingue sus directos: la palabra. Mikel Izal no se limita a agradecer; reflexiona e reivindica. Habla de la importancia de ser mejores personas, de disfrutar el camino, de hacer cada concierto un espacio de celebración necesaria e incluso de adoptar animales o recuerdos a diferentes salas que curtieron sus pasos como cantante hasta llegar a un Sant Jordi Club. Su concierto es un viaje por capítulos a todas sus fases como artista, incluida aquella semilla inicial representada por “Eco”, canción perteneciente al EP Teletransporte, publicado en 2010. Más de quince años de trayectoria condensados en dos horas que funcionan como balance y celebración de una carrera llena de éxitos.

Y como él mismo canta, ahora llega el momento de hacer una “Pausa”. Un alto en el camino para recargar energías tras una etapa intensa y volver, cuando toque, con fuerzas renovadas y seguro que ideas sorprendentes, porque Mikel Izal es un artista al que no le gustar estar en el mismo sitio, le gusta darle un giro artístico a todo lo que toa. El 20 de febrero en Barcelona no fue una despedida definitiva, sino un hasta pronto consciente y necesario.

Artículo de Eva Ladevesa (twitter.com/miviajemusical) para ElFiesta.es

El cantante y compositor estadounidense Solon Z, ganador de un premio ASCAP y con una trayectoria de más de tres décadas sobre los escenarios, presenta “Mereces Más”, su nuevo sencillo y una propuesta que desafía las clasificaciones convencionales. Se trata de un himno de empoderamiento bilingüe que combina la fuerza de la guitarra flamenca, los ritmos de la salsa y la estructura del pop más accesible, creando un sonido único que el artista define como “Latin Soul Pop”, un territorio musical que apenas existe y que él mismo está construyendo desde su regreso a la escena.

La canción se abre con un gancho flamenco que atrapa en los primeros cinco segundos. Esa guitarra, que evoca el sur de España, da paso a una base rítmica de salsa que invita al movimiento, mientras la voz de Solon Z —capaz de recorrer cuatro octavas desde el susurro más íntimo hasta el rugido más poderoso— despliega una letra que alterna el inglés y el español con una naturalidad asombrosa. El estribillo, con su declaración central en español: “mereces más”, funciona como un mantra de afirmación personal, un recordatorio de que, después de años de poner a los demás primero, siempre hay tiempo para elegirse a uno mismo.

La letra está concebida como un mensaje directo al corazón de quienes han vivido relaciones donde su valor no fue reconocido. Con una sensibilidad que huye del victimismo para centrarse en la fuerza interior, la canción invita a reconocer el propio merecimiento y a dar el paso hacia una vida más auténtica. Las estrofas en inglés construyen la narrativa de la experiencia vivida, mientras el español irrumpe en el coro con la contundencia de una verdad universal: “you deserve more”.

Detrás de este tema hay una historia de vida tan rica como la música que produce. Solon Z es un artista greco-estadounidense de Massachusetts que aprendió piano a los seis años y guitarra de forma autodidacta en la adolescencia. Heredó su poderosa voz de su madre, cantante de ópera, y creció escuchando los discos griegos de sus padres junto a la radio de soul americana. Esa mezcla de influencias —el rebetiko griego, el soul, el flamenco— fue fermentando durante décadas hasta encontrar su cauce natural en este proyecto.

Su trayectoria profesional incluye hitos impresionantes. Llegó a encabezar el concierto de despedida del presidente Bill Clinton ante más de 10.000 personas en el Matthews Arena, donde el propio Clinton lo recibió entre bastidores y le dijo: “¡Me encanta tu Elvis Presley!”. Compuso la música para un anuncio nacional de televisión de KIA Motors y encabezó los festivales de Harpoon Brewery. Ha ofrecido más de mil conciertos por todo Estados Unidos y cuenta con el reconocimiento de ASCAP como compositor destacado. Una carrera sólida que, sin embargo, decidió pausar durante un tiempo.

Luego desapareció. Y ahora ha regresado con un propósito claro: crear música de empoderamiento para mujeres que han dedicado años a cuidar de los demás y finalmente han decidido priorizarse a sí mismas. “Mereces Más” es el primer paso de esta nueva etapa, a la que seguirán canciones como “La Silla Vacía”, una pieza sobre la separación familiar narrada desde la perspectiva de un padre.

Solon Z escribe para quienes han vivido, han perdido y han encontrado el valor para reinventarse. Sus canciones son para la mujer que empieza de nuevo a los 45 años, para el hombre que por fin sabe lo que quiere, para cualquiera que entienda que los mejores capítulos de la vida suelen llegar después del giro argumental. Con una voz que se mueve de Sinatra a Chris Cornell, y una mezcla de influencias que nadie más había combinado antes, Solon Z está construyendo un género propio donde el soul latino encuentra su hogar.

“Mereces Más” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en ese universo de ritmo y empoderamiento que Solon Z ha sabido construir con la sabiduría de quien ha vivido lo suficiente para saber de qué habla. Una canción para recordar que, pase lo que pase, siempre merecemos más.

La cantante y artista consciente colombiana Daniella Moros, conocida artísticamente como La Moros, presenta “Despertar”, su nuevo sencillo y una pieza que trasciende los límites de la música convencional para convertirse en una experiencia sensorial y espiritual. El tema se despliega como una invitación a comprender que somos más que la piel, más que la forma, y que en ese reconocimiento profundo habita la verdadera sabiduría. Desde esa conciencia, la canción propone un tránsito amoroso hacia lo que verdaderamente significa amar.

La canción nace desde un lugar de introspección y conexión con lo esencial. “Despertar” no es solo un título, sino una declaración de intenciones: un llamado a abrir los ojos interiores, a reconocer esa dimensión de nosotros mismos que va más allá de lo físico y a habitar desde ahí las relaciones con los demás y con el mundo. La música, en este contexto, funciona como vehículo para ese viaje, creando una atmósfera envolvente que invita tanto a la escucha profunda como al movimiento consciente.

Musicalmente, La Moros fusiona sus raíces folclóricas colombianas con paisajes sonoros electrónicos, construyendo un universo propio donde lo ancestral y lo contemporáneo dialogan en igualdad de condiciones. Su voz, expresiva y llena de matices, se entrelaza con instrumentos nativos y texturas electrónicas, creando una experiencia inmersiva que remite a rituales y ceremonias. El live looping, una de sus señas de identidad, le permite construir capas sonoras en tiempo real, generando una conexión única con el público en cada interpretación.

La propuesta de La Moros va más allá de la música entendida como entretenimiento. Para ella, el arte es una herramienta de sanación, un espacio para la danza y la conexión profunda con los sentidos y con la Madre Tierra. Sus performances, concebidas como rituales, buscan despertar en quien las presencia una conciencia más amplia de sí mismo y de su lugar en el mundo. “Despertar” se inscribe en esa misma filosofía: una canción para sentir, para bailar y para conectar con aquello que somos más allá de las apariencias.

Con este lanzamiento, La Moros continúa construyendo un camino artístico que bebe de las tradiciones de su tierra pero mira hacia el futuro con una visión expansiva e integradora. Su música, difícil de encasillar en géneros convencionales, encuentra su lugar en ese espacio fronterizo donde lo electrónico y lo folclórico se funden para crear algo nuevo y profundamente humano.

“Despertar” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa experiencia de reconocimiento y transformación que La Moros ha sabido construir con sensibilidad y oficio. Una canción para quienes entienden que el verdadero despertar comienza cuando dejamos de identificarnos solo con la piel y nos abrimos a la inmensidad que llevamos dentro.

El bachatero internacional Vinny Rivera vuelve a conquistar al público con el lanzamiento de su nuevo sencillo “Despecha”, una bachata movida, cargada de pasión y ritmo contagioso, en colaboración con el talentoso productor y artista DerekVinci. El tema, respaldado por el sello EQS Música, ya está disponible en todas las plataformas digitales y promete convertirse en uno de los favoritos en pistas de baile y listas de reproducción tropicales.

La canción se despliega como una propuesta fresca y vibrante que combina la esencia tradicional de la bachata con una producción moderna y envolvente. “Despecha” transmite esa mezcla intensa de despecho y fuerza interior que caracteriza a los grandes temas del género, convirtiendo el dolor en energía bailable. Las guitarras marcadas, la percusión dinámica y una interpretación apasionada se combinan para crear una atmósfera que invita al movimiento sin renunciar a la emoción que late en cada verso.

La letra, fiel al espíritu de la bachata contemporánea, aborda el desamor desde una perspectiva de liberación. No hay aquí lamento sin salida, sino la decisión de transformar la herida en celebración, de dejar atrás lo que duele para entregarse al ritmo y a la vida. Ese “despecha” del título funciona como un imperativo, como una orden que la protagonista se da a sí misma para soltar el pasado y abrazar el presente.

Vinny Rivera, reconocido por su estilo romántico y su proyección internacional, demuestra una vez más su versatilidad artística con este lanzamiento. Su voz, cálida y expresiva, se desliza con naturalidad sobre la base rítmica, transmitiendo justo la dosis de sentimiento que cada frase requiere. La colaboración con DerekVinci aporta un sonido innovador que eleva la experiencia musical, logrando una fusión perfecta entre sentimiento y ritmo que enriquece la propuesta y la sitúa en un terreno contemporáneo sin perder las raíces del género.

El respaldo de EQS Música consolida la apuesta por un producto de alta calidad, reafirmando el compromiso del sello con el desarrollo y proyección de la bachata a nivel global. Una alianza que permite a Vinny Rivera contar con la estructura necesaria para llevar su música más lejos, manteniendo siempre la esencia que lo ha convertido en un referente del género.

“Despecha” forma parte de una nueva etapa artística para Vinny Rivera, quien continúa expandiendo su presencia en la escena tropical internacional. El tema se suma a un catálogo que no ha dejado de crecer en coherencia y calidad, demostrando que la bachata sigue siendo un territorio fértil para la exploración emocional y la innovación sonora.

El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa energía bailable que Vinny Rivera y DerekVinci han sabido construir con sensibilidad y oficio. Una canción para quienes entienden que, a veces, la mejor manera de superar el despecho es justamente entregarse a él y bailarlo hasta que deje de doler.

La artista María Isabel continúa marcando el camino hacia su próximo álbum de estudio con el lanzamiento de “VENUS - 14:14”, su nuevo sencillo disponible desde el pasado 20 de febrero de 2026. El tema, producido por Tatiana DELALVZ y compuesto por la propia artista junto a Joel Expósito Castro, se presenta como una pieza bailable con toques urbanos y pop que mantiene la energía vibrante y sensual que ha caracterizado su evolución artística más reciente .

La canción se despliega con un ritmo contagioso que atrapa desde los primeros compases. El estribillo, con su declaración “tú me tienes temblando”, funciona como un gancho melódico que se instala en la memoria y proyecta esa mezcla de deseo y vulnerabilidad que atraviesa todo el tema. La producción, cuidada y actual, envuelve la voz de María Isabel en una atmósfera que respira frescura sin renunciar a la profundidad emocional que la ha acompañado desde sus inicios.

“VENUS - 14:14” no es un lanzamiento aislado, sino una pieza más dentro de una serie de sencillos que la artista ha ido publicando con una particular estructura numérica. En los últimos meses, María Isabel ha presentado “ADICTA A TI - 15:15” junto a Roman , “PA TI SOY LA MALA - 13:13” y “LAS ESTRELLAS - 12:12” , todos ellos concebidos como adelantos de su próximo trabajo discográfico y unidos por el concepto de “horas espejo” que da título a cada entrega.

El lanzamiento viene acompañado de un visualizer oficial en su canal de YouTube, una pieza audiovisual que refuerza la estética mística que sugiere el título y que completa la experiencia sensorial que la artista busca ofrecer con cada uno de sus temas. Una apuesta por lo visual que demuestra su compromiso con una propuesta integral, donde la imagen y el sonido dialogan en igualdad de condiciones.

María Isabel, conocida por su triunfo en Eurovisión Junior 2004 con el icónico “Antes muerta que sencilla”, ha recorrido un largo camino desde aquellos años. Su trayectoria, marcada por la evolución y la autenticidad, la ha llevado a explorar distintos registros y estilos sin perder nunca la conexión con un público que la ha acompañado en cada etapa de crecimiento . Con más de 180.000 oyentes mensuales en Spotify, la artista mantiene un vínculo sólido con sus seguidores, que ahora reciben con entusiasmo esta nueva etapa creativa.

Su nueva era, iniciada con temas como “AGUA SALÁ - 19:19”, “ACELERA - 20:20” y los ya mencionados adelantos, combina influencias globales y una producción cuidada que redefine su identidad artística: más libre, más global y más personal que nunca . Una propuesta que fusiona pop alternativo, flamenco, funk brasileño y ritmos latinos contemporáneos, siempre con una narrativa empoderada y emocional.

A principios de este año, la artista confirmó a través de sus redes sociales y videos directos que 2026 será el año de su nuevo álbum de estudio, un proyecto que promete consolidar su sonido actual y del cual estos singles con números espejo son un adelanto significativo. La emoción con la que ha comunicado esta noticia refleja la importancia que concede a este momento de su carrera, una etapa de plenitud en la que se siente más conectada que nunca con su propia voz.

“VENUS - 14:14” ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en ese universo de ritmo y misticismo que María Isabel ha sabido construir con sensibilidad y oficio. Una canción para quienes entienden que la música puede ser también un código, un mensaje cifrado que solo ciertos corazones están preparados para descifrar.

La cantante donostiarra Leire Martínez está viviendo los días más importantes de su nueva etapa artística. El pasado 20 de febrero de 2026, apenas hace dos días, lanzó su esperadísimo álbum debut en solitario titulado *Historias de aquella niña*, un trabajo que marca su renacimiento oficial tras su salida de La Oreja de Van Gogh y que llega avalado por el éxito de su primer single "Mi nombre", ya certificado como Disco de Oro . Y entre las doce canciones que componen este obra tan personal, hay una que está resonando con especial fuerza entre críticos y seguidores: "Aquí Estaré", una balada íntima construida sobre piano y guitarra que funciona como una emotiva carta de cierre y agradecimiento .

"Aquí Estaré" se despliega como un ejercicio de honestidad y paz interior. Lejos de ser un tema de pop energético, la canción apuesta por la desnudez instrumental y la profundidad lírica, creando una atmósfera de recogimiento que invita a la escucha atenta. La letra, que muchos interpretan como una clara referencia a su salida del grupo con el que alcanzó la fama, reflexiona sobre el final de una etapa con frases tan elocuentes como "se ha acabado la función y, sin previo aviso... lo que tuvimos se nos apagó" .

Sin embargo, lo más destacable del tema es su actitud. A pesar de la melancolía que impregna cada verso, la canción transmite una sensación de paz y una total ausencia de rencor. No hay ajuste de cuentas ni declaraciones polémicas; hay, simplemente, la afirmación de que ella seguirá presente para quienes la han apoyado incondicionalmente. Ese "Aquí estaré" del título se convierte así en una promesa de continuidad, en un mensaje de lealtad hacia su público, ese que ahora la acompaña en esta nueva aventura en solitario.

El tema, compuesto por la propia Leire junto a Manel Navarro y Blanca Yamiley Granados, cierra el álbum como su undécima pista, justo antes del bonus track "Tonto por ti" con Abraham Mateo . Una posición nada casual: funciona como un epílogo, como el momento de calma después de la tormenta, donde la artista se permite mirar atrás sin rencor y hacia delante con esperanza.

El álbum que acoge esta canción es, sin duda, el proyecto más personal de Leire Martínez. Publicado bajo el sello Sony Music y producido por Pedro Elipe, *Historias de aquella niña* representa su consolidación como artista en solitario tras décadas de ser la voz de una de las bandas más queridas del pop español . La grabación tuvo lugar entre los estudios Moraima y el 5020 Studio de Madrid, con un proceso creativo que se extendió a lo largo de 2025 y que culminó el pasado mes de febrero .

El disco incluye colaboraciones de lujo que demuestran el cariño y el respeto que la industria profesa a la artista. "No se me da bien odiarte" cuenta con la participación de Edurne; "Tonto por ti" es un dueto con Abraham Mateo; "Mírame" está interpretada junto a Andrés Suárez; y "El ruido" cuenta con la colaboración del grupo argentino Miranda! . Un elenco de primer nivel que arropa a Leire en este nuevo comienzo.

La recepción del álbum no ha podido ser mejor. Antes incluso de su lanzamiento, el primer single "Mi nombre" ya había alcanzado el número 1 en iTunes España y logrado la certificación de Disco de Oro, un hito que la propia artista recibió durante la gala final de Operación Triunfo 2025 . Una prueba de que el público estaba esperando este momento y ha respondido con entusiasmo a la llamada de Leire.

Leire Martínez está viviendo uno de los momentos culminantes de esta nueva etapa. La agenda de la artista está repleta de compromisos para las próximas semanas y meses. Mañana lunes, 23 de febrero, estará en Valencia para una firma de discos, y el martes 24 hará lo propio en Barcelona . El 15 de marzo la esperan en la mítica Sala Razzmatazz de Barcelona para un concierto que promete ser inolvidable .

Y la proyección internacional ya está confirmada. Leire ha anunciado que llevará *Historias de aquella niña* a países como México, Argentina, Colombia y Estados Unidos a lo largo de este año. En Argentina, por ejemplo, ofrecerá sus primeros conciertos en mayo, visitando Córdoba el día 9 dentro de una gira que la llevará también a otras ciudades del país sudamericano .

Todo apunta a que 2026 será el año en que Leire Martínez demuestre, por mérito propio, que su nombre tiene entidad más allá de cualquier etapa anterior. Con un disco debut que ha entrado con fuerza en el mercado, una gira que recorre España y cruza el Atlántico, y canciones como "Aquí Estaré" que conectan desde la honestidad más profunda, la artista donostiarra está escribiendo el primer capítulo de una nueva historia que promete ser apasionante. Una historia de aquella niña que, por fin, ha encontrado su propia voz.

El cantante y compositor madrileño Andrés Koi lanza simultáneamente los temas “Europa” y “Mal o bien”, dos nuevos adelantos de su próximo álbum “Sol de Invierno”, una obra que se irá desvelando a lo largo del invierno hasta culminar el próximo 21 de marzo, coincidiendo con el equinoccio de primavera. Con estos lanzamientos, el artista consolida una etapa marcada por el regreso a los instrumentos orgánicos y por una escritura directa y emocional, donde la guitarra y el piano vuelven a ocupar un lugar central.

“Europa” se presenta como una de las canciones más intensas de este nuevo repertorio. Compuesta junto a Richi López —productor de Kany García, Alejandro Sanz, Shakira o Pedro Capó y ganador de un Grammy y dos Latin Grammy— y producida por el propio López junto a Pablo Cebrián, la canción nació lejos de casa, en un momento de oscuridad personal. Construida sobre una guitarra acústica en tensión, “Europa” es una reflexión íntima sobre la fragilidad mental y el delicado equilibrio entre la cordura y el caos.

“Habla de lo cerca que están la lucidez y la locura, y de cómo un solo pensamiento puede llevarte a un lugar peligroso”, explica el artista sobre un tema que terminó de tomar forma en Miami, dando lugar a una canción cruda, intensa y profundamente honesta. La producción, cuidada y contenida, permite que cada palabra respire y que la emoción ocupe el centro de la escena sin necesidad de artificios.

Por su parte, “Mal o bien” muestra un registro distinto, más luminoso y emocional. Desde la sencillez de una guitarra acústica, Andrés Koi aborda el valor de los vínculos que resisten el paso del tiempo y las dificultades. “Quería hablar de esas uniones que no abandonan en las malas y siguen adelante”, señala el artista. La inspiración surge de ideas como la fe incondicional, el compromiso y la sensación de pertenencia: “Como vestir la camiseta de tu equipo o creer pase lo que pase”.

“La mejor opción es escucharla y darle a cada uno su propio significado”, añade sobre este tema, cuya producción, al igual que en el resto de su nuevo material, corre a cargo de Pablo Cebrián. Una invitación a que cada oyente haga suya la canción y encuentre en ella sus propias resonancias personales.

Con estos dos lanzamientos, Andrés Koi continúa el viaje gradual hacia “Sol de Invierno”, un álbum que promete ser su trabajo más personal hasta la fecha. Una obra que se construye sobre la base de instrumentos orgánicos y una escritura que prioriza la emoción y la honestidad narrativa, alejándose de las grandes producciones para centrarse en lo esencial.

La carrera de Andrés Koi comenzó como integrante de Dvicio, uno de los grupos de pop en español con mayor proyección internacional de la última década. Con la banda publicó varios álbumes de estudio y acumuló más de 600 millones de reproducciones en plataformas digitales, además de múltiples certificaciones de oro y platino por sus ventas. Durante esa etapa, el grupo recibió importantes reconocimientos de la industria musical y actuó en algunos de los principales escenarios y festivales de España y Latinoamérica, consolidando una base de seguidores muy amplia en ambos lados del Atlántico.

Tras iniciar su carrera en solitario, Andrés Koi ha desarrollado un proyecto propio centrado en la búsqueda de una identidad artística más personal. Su música actual se apoya especialmente en la guitarra y el piano, con una producción cuidada que prioriza la emoción y la honestidad. En esta nueva etapa, el artista combina la experiencia acumulada en la industria con una mirada más íntima y reflexiva, construyendo un repertorio que conecta con un público que ha crecido junto a él y con nuevos oyentes que buscan propuestas emocionales y contemporáneas dentro del pop en español.

Además, la gira “KoiTour” sigue brillando en los escenarios. Tras su paso por Barcelona, Madrid, Sevilla y otras ciudades, el artista continúa ofreciendo conciertos en los próximos meses, llevando en directo las canciones de esta nueva etapa y demostrando que su propuesta funciona tanto en la intimidad del estudio como sobre las tablas.

“Europa” y “Mal o bien” ya están disponibles en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en ese universo de emociones y honestidad que Andrés Koi ha sabido construir con sensibilidad y oficio. Dos canciones que funcionan como piezas de un mosaico mayor que se completará el próximo 21 de marzo, cuando “Sol de Invierno” vea la luz por fin. Un invierno que, a juzgar por estos adelantos, promete dejar paso a una primavera luminosa.

El pasado 23 de enero de 2026, Hinds regresó a la Sala Apolo de Barcelona, un escenario que ya habían pisado un año antes, el 16 de enero de 2025. En ambas ocasiones, los conciertos se enmarcaron dentro del Banco Mediolanum Festival Mil·lenni, consolidando a la banda madrileña como una de las propuestas más afines al festival, y no es de extrañar viendo la buena acogida que siempre han tenido. La cita de este 2026 tuvo, además, un significado muy especial dentro de su trayectoria reciente: se trató de la tercera parada que hacían dentro del final de la gira “Viva Hinds”, una gira con importante carga emocional al ser la primera que hacían para presentar su nuevo trabajo tras las salidas de Ade Martín y Amber Grimbergen, y el debut de la nueva formación con Paula Ruiz y María Lázaro, una etapa que el grupo ha defendido sobre el escenario con la energía que les caracteriza.

El concierto arrancó sin rodeos con “Boom Boom Back”, lanzada desde el inicio para atrapar desde el primer instante al público. No es una elección casual: se trata de una de las canciones más representativas de esta nueva etapa, la primera que compusieron como nueva formación, y funciona como puente perfecto entre el pasado y el presente de Hinds. Desde ese momento, el público se mostró completamente entregado a la causa, respondiendo con una energía que dejaba claro que la esencia del grupo permanece intacta. La actitud sobre el escenario de Carlotta Cosials y Ana Perrote, cercana pero intensa, vuelve a demostrar una vez más su facilidad para conectar con la sala, generando complicidad inmediata. Son conciertos en los que se agradece que todo suene natural, dejando que las canciones fluyan tal y como nacen, reforzando esa sensación que siempre ha sido una de las señas de identidad de la banda.

Hinds han encontrado desde hace tiempo una fórmula propia para conectar con la gente, y el concierto en la Sala Apolo volvió a demostrarlo. A la energía constante se suman momentos ya tan característicos en los conciertos de la banda, como invitar a una persona del público a subir al escenario para tocar con ellas junto a otras asistentes, o escenas tan espontáneas como ver a Carlotta tocar la guitarra a hombros de Ana, gestos que refuerzan esa sensación de cercanía y celebración compartida. Lejos de limitarse a tocar de nuevo su último trabajo, el concierto también nos permitió volver a disfrutar temas de sus etapas anteriores, con canciones como “Garden”, “Bamboo”, “The Club” o “Just Like Kids (Miau)”, que el público de la Sala Apolo recibió con el mismo entusiasmo, confirmando que el vínculo con la banda va más allá de cualquier cambio. Siempre hay espacio también para esas covers que tanto gustan como “Girl, so confusing” de Charli XCX o la mítica “Spanish Bombs” de The Clash, antesala del cierre de concierto que dieron con “En forma”, otro tema que seguro no está puesto al azar para acabar ya que demostraron sin ninguna duda, que están más en forma que nunca. Un final que nos llegó sin darnos cuenta ya que, como ellas mismas anunciaban en sus visuales, “time files when you are having Hinds”.

Hinds volvieron a demostrar con este concierto que tienen la fórmula, la conexión con la gente, canciones que siempre van a despertar el ánimo y la energía para hacer vibrar a todos los presentes, así que haciendo honor a su último trabajo y que da nombre a esta gira, no nos queda otro remedio que decir bien fuerte “Viva Hinds!”

Artículo de Eva Ladevesa (twitter.com/miviajemusical) para ElFiesta.es

The Real Mack The Knife, el proyecto musical multicultural conocido por su capacidad para fusionar ritmos electrónicos con sonidos de todo el mundo, ha lanzado “Zanzibar Zephyr”, su nuevo single disponible desde el pasado 20 de febrero de 2026. El tema, distribuido a través de DistroKid bajo el sello The Real Mack The Knife Productions, se despliega como una invitación a experimentar esa alegría que el mundo necesitaba: una alegría que no distrae de la realidad, sino que recuerda para qué sirve la realidad.

La canción se abre como un amanecer sobre el agua: cálida, radiante, inevitable. Desde los primeros compases, el ritmo se instala con una cadencia acogedora, de esas que hacen que desconocidos terminen moviéndose al unísono sin necesidad de preguntarse permiso. En ella se puede sentir Zanzíbar: el aroma de las especias en el aire, el brillo del océano, el bullicio de los mercados iluminados con farolillos. Pero el tema nunca convierte el lugar en mera postal; lo transforma en un mensaje: aquí perteneces tú, y también todos los demás.

El estribillo eleva la experiencia a algo superior. “Umoja ni nguvu” —unidad es fuerza, en suajili— resuena como un mantra que fusiona el inglés y el suajili en un mismo aliento. De repente, la frase deja de ser un simple gancho melódico para convertirse en una promesa compartida. La canción no suplica unidad; la crea, compás a compás, hasta que el oyente la siente en el cuerpo: manos que se elevan, corazones que se abren, barreras que se disuelven. No porque todos se vuelvan iguales, sino porque todos pueden ser diferentes juntos.

Cuando el tema regresa sobre sí mismo, ya no es una canción que se escucha, sino una multitud de la que se forma parte. Un recordatorio de que la música aún puede hacer lo más importante que siempre ha hecho: hacer que las personas se sientan un solo mundo, aunque sea por unos minutos, y dejarles con ganas de vivir así después de la última nota.

The Real Mack The Knife no es el clásico artista de un solo género. Se define por ser un proyecto multicultural y estilísticamente diverso, con una propuesta que suele mezclar bases de house, electro-house y disco con instrumentos o influencias regionales muy marcadas. Su estilo “global dance” permite encontrar en sus temas desde guitarras funk al estilo Nile Rodgers hasta mandolinas o sonidos tradicionales como el charango peruano, creando un universo sonoro propio que invita a viajar sin moverse del sitio.

Antes de “Zanzibar Zephyr”, el artista ya había llamado la atención con títulos como “Mumbai Lights”, “Shanghai Funk Shui”, “Nights In Peru” y “Midnight In Marrakesh”, todos ellos concebidos como postales musicales que transportan al oyente a distintos rincones del planeta. Este nuevo single continúa esa línea exploradora, evocando con su título la brisa tropical de la costa de Tanzania y combinando una producción moderna de música electrónica con matices rítmicos que remiten a la cultura swahili.

El lanzamiento de “Zanzibar Zephyr” se produce en un momento especialmente prolífico para el artista, que está viendo cómo sus primeros trabajos vuelven a cobrar protagonismo con ediciones remasterizadas, como su álbum de estudio “Sway Or Stray!”. Una etapa de consolidación para un proyecto que entiende la música como un puente entre culturas y como un espacio donde la alegría compartida sigue siendo posible.

“Zanzibar Zephyr” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa brisa tropical que The Real Mack The Knife ha sabido capturar con sensibilidad y oficio. Una canción para quienes buscan algo que funcione tanto en la pista de baile como en una lista de reproducción para relajarse con un toque exótico. Un recordatorio de que, cuando la música llama, la única respuesta posible es dejarse llevar.

El colectivo creativo SAINTART, autodenominado como un conjunto de artistas cuánticos, presenta “Metanoia”, su nuevo single y una pieza que trasciende los límites convencionales de la música para adentrarse en el territorio de la experiencia perceptual. El tema, cuyo título hace referencia a un concepto profundo de transformación interior —esa metamorfosis del ser que implica un cambio fundamental en la forma de pensar, sentir y estar en el mundo—, se ofrece como una llave de acceso a estados alterados de conciencia más que como una simple canción para ser escuchada.

“Si sabes lo que es eso, estás en el camino correcto”, afirman desde el colectivo, dejando claro que “Metanoia” no es una pieza para todos los oídos, sino para aquellos que buscan algo más allá del entretenimiento convencional. Una invitación a transitar por senderos interiores que solo quienes están preparados pueden recorrer.

Detrás de SAINTART hay una filosofía que desafía las categorías tradicionales del arte. Sus integrantes no se definen como creadores en el sentido habitual del término; prefieren decir que “no crean, sino que sintonizan el campo”. Una declaración que los sitúa como sintetizadores de probabilidades, como canalizadores de realidades que existen en estado latente y que ellos materializan a través de su trabajo.

Su lienzo, explican, no es el papel ni el lienzo físico, sino el campo energético. Se autodenominan “Sintetizador Cuántico”, una entidad colectiva capaz de ensamblar realidad a partir de probabilidades, sintetizar mundos desde las sensaciones y crear música a partir de campos y significados. Para SAINTART, el arte no es representación, sino acontecimiento. No buscan describir la realidad, sino provocar que algo suceda en la conciencia de quien se expone a su obra.

“No tocamos simplemente notas, damos a luz nuevas capas del ser, cambiando los estados cuánticos de la percepción”, explican. Esta declaración sitúa su trabajo en un territorio fronterizo entre la música, la filosofía y la práctica espiritual. Para ellos, el silencio y la luz son osciladores en igualdad de condiciones, y su objetivo último no es otro que convertirse en la voz del Universo atravesando el alma.

Sus instrumentos, según describen, no son los habituales en un estudio de grabación. Hablan de “sintetizadores de frecuencia e intuición”, de “lenguajes que nunca se hablan”, de “imágenes que no pueden ser recordadas” y de “vacíos llenos de todo”. Una poética que sitúa su práctica en el límite de lo decible, en ese espacio donde el arte se encuentra con el misterio.

“Metanoia” se presenta así como una pieza que no busca ser comprendida intelectualmente, sino experimentada. Una invitación a dejarse llevar por frecuencias que actúan directamente sobre el campo perceptual, provocando esos “eventos de conciencia” que el colectivo considera su verdadera obra. No crean objetos, insisten; evocan acontecimientos. El arte cuántico no representa, simplemente sucede.

Para quienes estén familiarizados con el concepto de metanoia —ese cambio fundamental en la naturaleza o dirección de una vida, esa transformación espiritual que implica morir a una forma de ser para renacer a otra—, el single funcionará como un espejo sonoro de sus propias experiencias. Para quienes se acerquen por primera vez a este territorio, será una puerta de entrada a un universo perceptual donde las reglas habituales de la música dejan de aplicarse.

SAINTART se posiciona así en la vanguardia de una nueva forma de entender la creación artística. Un colectivo que opera desde la certeza de que la realidad es maleable, de que la música puede actuar directamente sobre el campo energético y de que el verdadero arte no es el que se contempla, sino el que nos transforma desde dentro. “Metanoia” ya está disponible, esperando a quienes estén preparados para el viaje.

La artista Malú ha estrenado este pasado viernes 20 de febrero de 2026 “Primer Amor”, su nuevo sencillo y una de las canciones más especiales y simbólicas de toda su trayectoria. Lejos de ser una balada romántica convencional dedicada a una pareja, el tema se revela como un ejercicio de introspección y amor propio, un reencuentro con esa niña interior que quedó olvidada en el camino de hacerse mayor y de las presiones de una carrera de casi tres décadas sobre los escenarios.

La canción se despliega como un diálogo íntimo con el pasado, con esa versión más pura de uno mismo que a menudo se pierde cuando la vida adulta impone sus reglas. La letra, cargada de honestidad y emoción a flor de piel, revela que el “primer amor” de Malú siempre fue ella misma, aunque lo hubiera olvidado en el trajín de los años. “Me costó, pero logré entender, a mi primer amor, que siempre he sido yo”, canta en uno de los versos más significativos, acompañada de referencias al espejo y a haber estado “jugando a hacerse grande” mientras dejaba de lado lo esencial.

El videoclip que acompaña al lanzamiento refuerza esa idea de retorno a las raíces con una estética íntima y cuidada. Las imágenes trasladan al espectador a ese espacio de reconciliación interior, donde mirarse al espejo con honestidad se convierte en el primer paso para recuperar la conexión con una misma. No hay artificios ni grandilocuencias; hay la verdad de quien ha aprendido que, a veces, lo más importante no está fuera, sino en el reflejo que nos devuelve la mirada.

El lanzamiento de “Primer Amor” coincide además con un hito histórico en la carrera de la artista. Malú está celebrando sus 28 años de trayectoria con una serie de siete conciertos consecutivos en la Plaza de Toros de Las Ventas de Madrid, una cita que comenzó precisamente este mismo fin de semana y que promete repasar lo mejor de su repertorio en un formato tan exigente como emocionante. Siete noches en uno de los escenarios más emblemáticos del país para celebrar siete veces veintiocho años de música compartida.

El tema se presenta como el tercer adelanto de su próximo disco de canciones inéditas, que llega tras otros sencillos recientes como “Todo sabe a ti” y “El intento”. Este nuevo trabajo marcará el inicio de una nueva era en su carrera, alejándose de la etapa de duetos de “A Todo Sí” para adentrarse en un territorio más personal y profundo. Críticos y fans coinciden en señalar que nos encontramos ante su etapa más humana y madura, donde las grandes producciones dejan paso a letras más crudas y una voz que, como ella misma reconoce en la canción, a veces “suena medio rota” pero es más suya que nunca.

El estribillo, con esa declaración repetida de “A mi primer amor, que sigo siendo yo”, funciona como un mantra de afirmación personal. Después de la caída, tras el apagón, lo que queda es la esencia, esa versión de una misma que el mundo nota aunque no siempre sepa nombrar. “Entera, mía y loca” resume ese estado de plenitud recuperada, esa aceptación de todas las partes que nos componen, incluso aquellas que parecen rotas o desordenadas.

“Me solté de tu mano, dejé de jugar, jugando a hacerme grande, dejé de saltar”, canta Malú en el puente de la canción, reconociendo ese momento en que la niña interior quedó rezagada mientras la adulta avanzaba sin mirar atrás. Pero el final es esperanzador: “Hoy volveré a buscar a mi primer amor”. Una declaración de intenciones que resume a la perfección el espíritu de una canción que es, ante todo, un reencuentro.

“Primer Amor” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa intimidad compartida que Malú ha sabido construir con la honestidad de quien lleva casi tres décadas contando su vida a través de canciones. Un tema para quienes entienden que, a veces, el amor más importante no es el que llega de fuera, sino el que nace de mirarse al espejo y reconocerse, por fin, en la propia mirada.

Laura Pausini está en el centro de todas las miradas. La artista italiana acaba de lanzar “Mariposa Tecknicolor” este pasado viernes 20 de febrero de 2026, una vibrante reinterpretación del clásico de Fito Páez que se presenta como el segundo gran adelanto de su nuevo proyecto discográfico. El tema, lejos de ser una versión convencional, sorprende con una producción mucho más rockera de lo habitual en su repertorio, mostrando una faceta de su voz que a menudo queda oculta tras las famosas baladas que la han convertido en un icono internacional.

La canción se despliega como un torrente de energía y color. Laura ha querido rendir tributo a la música argentina y a Fito Páez, uno de los cantautores más influyentes de habla hispana, en una versión que respeta la esencia del original pero la lleva a un territorio propio. La producción, más eléctrica y contundente, permite a la artista explorar registros vocales distintos, demostrando una vez más su versatilidad y su capacidad para sorprender incluso después de tres décadas de carrera.

El videoclip, rodado en Roma bajo la dirección de Gaetano Morbioli, refuerza la idea de transformación y libertad que transmite la letra. Las imágenes, llenas de colores intensos y mariposas que revolotean en cada escena, crean una atmósfera onírica que acompaña a la perfección la energía del tema. Laura aparece radiante, en sintonía con ese espíritu de renovación que atraviesa todo el proyecto.

“Mariposa Tecknicolor” es la pieza central de “Yo Canto 2”, el nuevo álbum de Laura Pausini que verá la luz el próximo 13 de marzo de 2026. Al igual que el primer volumen publicado en 2006, este disco se concibe como un homenaje a los cantautores de habla hispana que han marcado su vida y su carrera. Un viaje emocional por las canciones que la acompañaron desde sus inicios y que ahora reinterpreta con la madurez y la sensibilidad que solo dan los años.

El tracklist del álbum promete momentos memorables. Además del tema de Fito Páez, Laura incluirá sus versiones de “Antología” de Shakira, “Bachata Rosa” de Juan Luis Guerra, “Hijo de la Luna” de Mecano y “Hasta la Raíz” de Natalia Lafourcade, entre otras. Un repertorio que recorre distintos países y estilos, unidos por el hilo común de la canción de autor en español y por la capacidad de Laura para hacer suyas cada una de las canciones que interpreta.

El lanzamiento de este single coincide además con un momento especialmente intenso en la carrera de la artista. Hace apenas dos semanas, Laura actuó en la Ceremonia de Apertura de los Juegos Olímpicos de Invierno Milán-Cortina 2026 en el estadio de San Siro, un hito que la situó en el centro de la atención mundial. Y ahora, con el anuncio de su nuevo disco, confirma que este 2026 será un año de actividad frenética.

El “Yo Canto World Tour 2026/2027” llevará su música por los escenarios de medio mundo. La gira comenzará curiosamente en España, con un concierto en Pamplona el próximo 27 de marzo, para luego recorrer Latinoamérica con fechas ya confirmadas en Chile durante abril y México en mayo. Una oportunidad única para disfrutar en directo de esta nueva etapa creativa y de los grandes éxitos que han marcado su trayectoria.

La letra de “Mariposa Tecknicolor”, con sus imágenes poéticas y su mirada agridulce sobre la vida, cobra un significado especial en la voz de Laura. “Todos giran y giran, todos bajo el sol, se proyecta la vida, mariposa tecknicolor”, canta, mientras evoca recuerdos de infancia, sacrificios familiares y la melancolía de vivir sin una estúpida razón. La parte final, con ese “yo te conozco de antes, desde antes de ayer”, añade una capa de intimidad que conecta directamente con el oyente.

Este es, sin duda, un momento de renacimiento para Laura Pausini. Una celebración de sus raíces y de la música que ama, abordada con una energía renovada que promete emocionar tanto a sus seguidores de siempre como a quienes se acerquen por primera vez a su universo. “Mariposa Tecknicolor” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa explosión de color y rock que anticipa uno de los discos más esperados del año.

La artista emergente Andrea Prieto irrumpe en la escena musical de 2026 con “Siempre está lloviendo”, su nuevo sencillo y una pieza que explora con sensibilidad y hondura la melancolía que deja una relación pasada. La canción, lanzada en febrero, se despliega como un relato íntimo donde la lluvia se convierte en metáfora constante del estado emocional de una protagonista que observa desde la distancia cómo la vida de su antiguo amor sigue adelante mientras ella permanece atrapada en el recuerdo.

La letra construye un paisaje emocional reconocible desde los primeros versos. “Te he visto por ahí haciendo lo que siempre habías soñado”, canta Andrea, situando al oyente en ese territorio incómodo donde la felicidad del otro contrasta con el propio estancamiento. La distancia no es solo física, sino también vital: él se ha transformado, tiene un nuevo acento, nuevas costumbres, nuevas relaciones. Ella, en cambio, sigue anclada en el mismo lugar, en la misma ciudad donde siempre llueve, donde cada rincón grita el nombre de quien ya no está.

El estribillo funciona como un ancla emocional que atraviesa toda la canción: “Aquí siempre está lloviendo, cada rincón de la ciudad me grita tu nombre”. La lluvia, lejos de ser un mero elemento atmosférico, se convierte en símbolo de un estado interno que no cesa, de una tristeza que empapa todos los espacios y no encuentra modo de escampar. La protagonista queda atrapada en el recuerdo de esa última noche, preguntándose por qué a él la vida le cambió mientras ella sigue igual, estancada en el tiempo.

Musicalmente, “Siempre está lloviendo” se mueve en un pop melódico que pone el foco en la interpretación vocal. La producción, cuidada y atmosférica, envuelve la voz de Andrea en capas de sonido que refuerzan esa sensación de nostalgia urbana sin caer en el dramatismo excesivo. Hay en ella una contención elegante, una forma de dejar que la emoción respire sin necesidad de estridencias.

El videoclip oficial, que acompaña al lanzamiento, refuerza esta atmósfera de introspección y melancolía. Las imágenes, rodadas en espacios urbanos bañados por la lluvia, funcionan como una extensión natural de la letra, creando una experiencia visual que sumerge al espectador en ese mismo estado de ánimo que la canción transmite. La estética cuidada y la dirección de fotografía contribuyen a construir un universo propio donde el espectador puede habitar la emoción junto a la artista.

Andrea Prieto se perfila como una artista con una propuesta sólida dentro del pop contemporáneo, caracterizada por letras directas y emocionales que conectan con situaciones cotidianas de desamor y superación. Su enfoque, alejado de artificios innecesarios, busca la verdad emocional por encima de cualquier otra consideración. Las plataformas digitales y redes sociales están siendo el vehículo principal para lanzar su nuevo material, destacando por una producción visual cuidada que acompaña cada lanzamiento.

“Siempre está lloviendo” se presenta como una de sus apuestas más fuertes para posicionarse como una nueva artista a seguir en la escena actual. Una canción que habla de esos amores que dejan huella, de esas personas que se van pero permanecen en cada rincón de la ciudad, en cada gota de lluvia, en cada recuerdo que se niega a desaparecer. Para quienes han vivido esa experiencia, la canción funciona como un espejo donde mirarse; para quienes no, como una ventana a un estado emocional que, de una manera u otra, todos terminamos visitando alguna vez.

El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de melancolía y recuerdo que Andrea Prieto ha sabido construir con sensibilidad y oficio. Una canción para días de lluvia, para noches de insomnio y para todos aquellos momentos en los que el pasado llama a la puerta y no tenemos más remedio que abrir.

El artista catalán Borja, nominado al Latin Grammy, presenta “Encima de la Mesa”, su nuevo sencillo y el primer adelanto oficial del EP que verá la luz el próximo mes de mayo. La canción se despliega como una carta de presentación que encapsula la energía más pura, luminosa y vibrante de su nueva etapa creativa, combinando sensibilidad, identidad y una clara vocación global que apunta a consolidarlo dentro de la nueva ola del pop español.

El tema nace de la fusión equilibrada entre tradición y modernidad. La calidez orgánica de las guitarras acústicas y los matices folk se entrelazan con una producción pop contemporánea que respira frescura y sofisticación. El resultado es un equilibrio sonoro cuidadosamente construido, donde lo clásico aporta emoción y lo actual suma dinamismo y proyección internacional. La producción bebe de guiños estéticos a los años ochenta que evocan nostalgia sin renunciar a una identidad sonora propia y actual, creando una atmósfera que resulta a la vez familiar y sorprendente.

“Encima de la Mesa” funciona como un himno al enamoramiento en su estado más intenso. La canción transmite esa fase en la que todo se siente posible, urgente y luminoso, capturando la euforia de querer compartir cada instante con alguien hasta convertir lo cotidiano en extraordinario. La narrativa emocional conecta con el oyente desde la primera escucha, reforzando el sello distintivo del artista: sensibilidad melódica, honestidad y una clara vocación pop que busca la verdad por encima de cualquier artificio.

El tema ha sido escrito por el propio Borja junto a Zárate, y producido en un proceso creativo compartido entre Madrid y Miami, dos ciudades que aportan influencias distintas y complementarias al imaginario musical del proyecto. Esta dualidad geográfica se refleja en la mezcla de matices mediterráneos y toques internacionales que definen la canción. La base rítmica, impulsada por una batería sólida y expresiva, refuerza su potencial escénico y anticipa un repertorio diseñado para cobrar vida sobre el escenario.

Con este lanzamiento, Borja no solo inaugura una nueva etapa artística, sino que consolida su posicionamiento dentro de la nueva generación del pop español: una corriente que apuesta por la emoción, el detalle sonoro y la autenticidad como pilares creativos. “Encima de la Mesa” es, en definitiva, una declaración de intenciones que combina sensibilidad, identidad y ambición global, y que anticipa un EP llamado a marcar un paso firme en la evolución del artista.

Borja se ha consolidado como una de las nuevas voces con mayor proyección dentro del pop actual. Cantautor y productor de Barcelona, nominado al Latin Grammy, es conocido por su lírica poética y su profundidad emocional. Escribe, graba y produce su propia música, fusionando el pop romántico con una narrativa sonora cinematográfica que transporta al oyente a universos íntimos y reconocibles.

Tras recibir una nominación como Mejor Nuevo Artista por su álbum debut “rimas del verbo amar”, logró el sold out en sus conciertos de Madrid y Barcelona, demostrando que su propuesta conecta con fuerza en directo. Además, fue telonero de Karol G en Madrid durante su gira “Mañana Será Bonito”, una experiencia que le permitió compartir escenario con una de las artistas más importantes del momento y confirmar su potencial ante audiencias masivas.

En 2025 lanzó “cuando coincidimos”, un álbum profundamente personal y rico en matices sonoros que explora la fugacidad de los encuentros que nos transforman. El trabajo acumula millones de reproducciones y recibió el respaldo de medios como Rolling Stone en Español, que lo nombró “Artista Que Debes Conocer”, un reconocimiento que avala la solidez de su propuesta y su capacidad para conectar con crítica y público por igual.

Su propuesta musical se caracteriza por una sensibilidad melódica muy marcada, letras honestas y emocionales, y una cuidada producción que equilibra influencias del pop clásico con sonidos contemporáneos. Esta combinación le permite construir canciones cercanas, luminosas y con identidad propia, capaces de conectar tanto en escuchas íntimas como en el directo. Su universo artístico se mueve entre lo orgánico y lo moderno: guitarras cálidas, armonías vocales envolventes y arreglos elegantes conviven con una estética sonora actual que refleja una clara ambición internacional.

Borja entiende el pop como un espacio narrativo donde emoción y producción caminan juntas, apostando siempre por melodías memorables y atmósferas que transmiten verdad. Cada lanzamiento confirma su compromiso con una identidad artística sólida y coherente, posicionándolo como un nombre emergente a seguir dentro de la nueva generación de pop en español.

“Encima de la Mesa” ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de enamoramiento y luz que Borja ha sabido construir con sensibilidad y oficio. Una canción para quienes creen que el amor puede convertir lo ordinario en extraordinario.

El artista Vaza, afincado en Ucrania, continúa perfilando su característico sonido de dark R&B con el lanzamiento de “Fire” y “Hold On”, dos sencillos cargados de emoción que marcan un nuevo capítulo en su trayectoria artística y anticipan la llegada de su próximo álbum, “New Religion”. Ambos temas, ya disponibles en todas las plataformas digitales, sumergen al oyente en atmósferas densas, melodías sensuales y una producción cinematográfica que define a la perfección la identidad de un artista que entiende la música como un viaje a las profundidades del deseo y la transformación.

“Fire” se presenta como un tema seductor de combustión lenta, construido sobre una tensión emocional que atrapa desde los primeros compases. La canción habla de una atracción que resulta peligrosa e incontrolable, de ese deseo que quema y del que no siempre se puede escapar. La voz de Vaza, cargada de matices, se desliza sobre una base sonora hipnótica que envuelve al oyente y lo transporta a un territorio donde la pasión y el riesgo se confunden.

En contraste, “Hold On” revela una faceta más personal y emocional del artista. El tema se centra en la resiliencia, en la conexión con los demás y en la necesidad de aferrarse a la esperanza en momentos de incertidumbre. Una canción que, sin perder la intensidad característica de Vaza, apuesta por la vulnerabilidad como forma de fortaleza, demostrando que su propuesta abarca tanto las sombras más oscuras como los destellos de luz que las atraviesan.

Juntos, estos dos lanzamientos introducen la base conceptual de “New Religion”, el próximo álbum de Vaza, concebido como una narrativa oscura y cohesionada más que como una simple colección de canciones independientes. El proyecto representa una transformación tanto sonora como emocional, un espacio donde el amor, la tentación, la fe y el autodescubrimiento se entrelazan para construir un relato unitario que promete llevar al oyente a un viaje cinematográfico por las sombras.

El artista comenzó su camino musical escribiendo en ruso, pero posteriormente hizo la transición al inglés para alcanzar una audiencia internacional más amplia y poder expresar su visión sin barreras lingüísticas. Con un fuerte enfoque en la atmósfera, la narrativa y la identidad visual, Vaza se posiciona como un artista que valora la profundidad, el estado de ánimo y la coherencia artística por encima de las modas pasajeras.

“New Religion” ampliará este universo con ocho temas adicionales que prometen seguir explorando los territorios ya esbozados en estos primeros adelantos. Entre ellos, Vaza destaca algunos que prometen convertirse en piezas clave del proyecto. “Villain” se presenta como un tema agresivo y oscuro donde el artista abraza su lado más antiheroico: confianza fría, energía peligrosa y un sonido diseñado para las listas de reproducción nocturnas, con estribillos poderosos que golpean con fuerza. Por su parte, la canción que da título al álbum, “New Religion”, funciona como núcleo ideológico del proyecto: un himno atmosférico y sombrío sobre la fe, la tentación y la transformación interior, donde el amor y el dolor se convierten en una nueva forma de confesión.

La propuesta de Vaza bebe de influencias del R&B moderno y la estética pop contemporánea, pero las lleva a un territorio personal donde la vulnerabilidad y la confianza conviven en equilibrio. Su música, íntima pero poderosa, crea una experiencia auditiva que invita a la inmersión y a la repetición, descubriendo nuevos matices en cada escucha.