Belinda presenta “Heterocromía”, uno de los temas más comentados y virales de su álbum Indómita, publicado en junio de 2025, y una canción que marca un punto clave en la evolución artística de la cantante. Con una propuesta lírica afilada y una identidad visual poderosa, el single se ha convertido en una declaración de intenciones dentro de una etapa definida por la libertad creativa, el empoderamiento y una comunicación mucho más directa con su público.

El título “Heterocromía” toma como punto de partida el término médico que describe la condición de tener ojos de diferente color, pero en la canción funciona como una metáfora de la dualidad, las apariencias y las contradicciones que habitan en ciertas personas y en determinados entornos sociales. Belinda utiliza esta idea para construir una sátira mordaz sobre la élite, el clasismo y los códigos de un mundo que se sostiene más en la imagen que en la autenticidad.

Musicalmente, la canción sorprende desde su introducción, inspirada en la melodía de la película de Disney Los Aristogatos, un guiño irónico que sirve de antesala a un relato cargado de crítica social. A partir de ahí, Belinda despliega una letra provocadora, inteligente y sin filtros, que no tarda en generar conversación y viralidad. Frases como “Y tu palacio me lo paso por el booty”, “¿Qué gatos son los que solo juegan golf?” o “Ese clasismo está más oxidado que una armadura del siglo XVI” se han convertido en consignas ampliamente compartidas, consolidando el impacto cultural del tema.

“Heterocromía” forma parte de Indómita, el álbum con el que Belinda regresó oficialmente el 5 de junio de 2025 bajo el sello Warner Music México. Este trabajo representa una reinvención sonora y conceptual, donde la artista explora géneros como el pop, el trap y los corridos tumbados, terreno en el que ha sido apodada como “Beli Bélica”. El disco incluye colaboraciones destacadas que amplían su espectro musical, como Jackpot junto a Kenia Os, 300 Noches con Natanael Cano, Mírame Feliz con Xavi y Never Not Love You junto a Thirty Seconds to Mars.

El lanzamiento del single se vio reforzado por el estreno de su videoclip oficial el 11 de diciembre de 2025. La pieza audiovisual apuesta por una estética setentera con claras referencias a Brigitte Bardot y desarrolla una narrativa que satiriza el llamado “mundo fresa”. Ambientado en una residencia antigua, el video retrata una fiesta de alta sociedad donde los gestos, las actitudes y los comportamientos se exageran hasta rozar lo absurdo, subrayando el mensaje crítico de la canción con humor y elegancia visual.

En el contexto de 2025, “Heterocromía” se inscribe en un año especialmente activo para Belinda. Además de su regreso musical con Indómita, la artista ha destacado también en su faceta actoral con su participación en Mentiras: La Serie, consolidando una etapa de madurez artística y versatilidad creativa. Esta nueva era se define por letras más personales, una narrativa de empoderamiento femenino y una voluntad clara de romper con expectativas y etiquetas.

“Heterocromía” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde continúa generando conversación y consolidándose como uno de los temas más representativos de esta nueva etapa de Belinda. Para seguir de cerca su recorrido artístico, sus próximos lanzamientos, proyectos musicales y audiovisuales, la artista invita a acompañarla a través de sus redes sociales.

Dani J da un nuevo paso en su trayectoria artística con la presentación de “Bailándote”, el single con el que se postula como candidato al Benidorm Fest 2026. En esta propuesta, el artista fusiona su inconfundible esencia bachatera con otros estilos musicales, ampliando su universo sonoro para conectar con públicos diversos y llevar al escenario del festival una descarga de energía, sensualidad y buenas vibras.

“Bailándote” es una canción que habla de deseo, conexión y entendimiento inmediato entre dos personas. Para Dani J, el baile funciona como un lenguaje universal capaz de unir a desconocidos en cuestión de segundos, sin necesidad de palabras. El tema no solo cuenta una historia, sino que refleja esa conexión profunda entre cuerpo y alma que nace a través del movimiento, convirtiendo la pista de baile en un espacio de comunicación emocional y libertad.

La composición del tema corre a cargo de Rafa Vergara, quien presentó una primera versión alejada del terreno bachatero. Fue entonces cuando Dani J incorporó su ADN artístico para transformar la propuesta y llevarla a su propio terreno, dotándola del sello personal que lo ha convertido en un referente internacional del género. A este proceso creativo se sumó Juan Francisco Parra, responsable de la producción y mezcla, aportando solidez y frescura a un sonido pensado para emocionar y hacer bailar a partes iguales.

El lanzamiento de “Bailándote” llega acompañado de un videoclip dirigido por Álvaro Paz, rodado en Madrid y concebido desde una estética íntima y sencilla. La pieza audiovisual pone el foco en el eje central de la canción: la química entre una pareja y la conexión que se genera a través del baile. El rodaje estuvo marcado por un imprevisto que acabó convirtiéndose en anécdota: el tacón de la bailarina se enganchó en una pulsera de Dani J y le provocó una herida en la nariz imposible de ocultar, lo que obligó al equipo a improvisar sobre la marcha con filtros rojos y juegos de luces para poder continuar la grabación sin perder la magia del momento.

Con “Bailándote”, Dani J llega a Benidorm dispuesto a contagiar al público de ritmo, sensualidad y la energía positiva que siempre ha caracterizado su propuesta artística, reafirmando su capacidad para evolucionar sin perder la esencia que lo define.

Reconocido como el bachatero más importante de Europa, Dani J lleva desde 2014 revolucionando la música latina con una fusión personal de bachata y géneros como el pop, el flamenco, el trap o el R&B. Su proyección internacional se consolidó en 2016 con “Quitémonos la ropa”, tema que lo situó entre los diez artistas más prometedores según Google Play Music. Desde entonces, ha ofrecido más de 380 conciertos en más de 30 países, llevando su música a los cinco continentes.

En 2022 fundó su propio sello discográfico, 13 PRO MUSIC, y desde entonces se ha mantenido en lo más alto de las listas con canciones como “7 pecados”, “Caprichito” y “Atemporal”. En 2025 ha vuelto a sorprender con nuevos lanzamientos como “Rosas” y “Entre la Espada y la Pared”, llamados a convertirse en nuevos himnos dentro de su repertorio. Con más de 350 millones de reproducciones acumuladas, Dani J se ha consolidado como una figura clave en la evolución de la bachata contemporánea, destacando no solo como cantante, sino también como bailarín, productor y compositor.

Cada año, Dani J emprende una ambiciosa gira mundial, sumando nuevos éxitos a su directo y reafirmando su papel como embajador internacional de la bachata made in Spain. Más que un artista, Dani J se ha convertido en una experiencia que combina evolución, pasión y una conexión auténtica con el público.

ATK Epop regresa con un nuevo lanzamiento en el que vuelve a demostrar su sensibilidad como productor y narrador emocional. Junto a Amaia Pop y Álvaro Sanz, presenta “Llegando al final”, una balada synth-pop luminosa que habla de crecimiento personal, autoconocimiento y de ese momento vital en el que, tras muchas vueltas, uno empieza a tener claro qué quiere y qué no.

El single combina electrónica suave y envolvente con guitarras acústicas cálidas, construyendo un paisaje sonoro delicado que acompaña una historia profundamente cotidiana. En esta colaboración, Amaia Pop aporta su característico sello vocal íntimo y cercano, mientras que Álvaro Sanz suma profundidad y contraste, dando forma a un diálogo honesto entre dos personas que comparten inquietudes, cargas y silencios. La letra recorre conversaciones aparentemente simples, desde relaciones pasadas hasta la hipoteca, la renta o la soledad compartida, retratando con naturalidad una etapa vital reconocible para toda una generación.

“Llegando al final” no habla de un cierre literal, sino de un punto de llegada emocional. Es ese instante en el que se deja atrás la indecisión constante para abrazar una verdad liberadora: las promesas más importantes no siempre se hacen a otros, sino a uno mismo. Frases como “todas las promesas que he cumplido, las he cumplido conmigo” se convierten en el eje emocional de una canción que pone en valor la autenticidad, la coherencia personal y la serenidad que llega con los años.

La producción de ATK Epop equilibra con acierto las texturas sintéticas del synth-pop con una instrumentación orgánica que aporta calidez y cercanía. El resultado es una balada melancólica pero luminosa, que no se recrea en la nostalgia, sino que mira hacia adelante con calma y aceptación. La canción captura la esencia de quienes han aprendido que no hay nada más valioso que saber lo que se quiere y permitirse ser feliz haciendo lo que está en sus manos.

Con “Llegando al final”, ATK Epop, Amaia Pop y Álvaro Sanz dan voz a una generación que ha dejado atrás la urgencia por llegar a algún sitio para empezar a disfrutar del camino. Una propuesta honesta, elegante y profundamente humana que conecta desde la sencillez y la verdad emocional.

ASHA da un paso decisivo al frente de su carrera artística con “Turista”, la canción con la que competirá en el Benidorm Fest 2026 y que marca un punto de inflexión en su trayectoria. Reconocida internacionalmente como la compositora detrás de éxitos multiplatino junto a artistas como Lola Índigo, Becky G, C. Tangana y Danna Paola, la creadora presenta ahora una propuesta profundamente personal que une emoción, memoria e identidad desde una mirada femenina y contemporánea.

“Turista” se construye como un viaje emocional que habla del amor, la distancia y la búsqueda de uno mismo. La canción narra la historia de un amor fugaz, de esos que solo ocurren una vez, bajo el sol del Mediterráneo, y que con el paso del tiempo se diluyen en los recuerdos. La protagonista recorre estaciones, playas y momentos compartidos mientras busca a alguien que ya no está, preguntándose si aquel vínculo fue real o simplemente parte del viaje. En ese tránsito, la nostalgia se mezcla con la duda y la aceptación de lo efímero.

Más allá de la historia íntima, “Turista” propone una lectura generacional. Es el retrato de quienes viven entre culturas, acentos y pasaportes, de una generación que no pertenece a un único lugar, sino a muchos a la vez. En este contexto, la figura del turista se transforma en una metáfora de la vida actual, marcada por el movimiento constante y por la idea de que el hogar no es un punto fijo en el mapa, sino las personas, los recuerdos y las experiencias que dejan huella.

A nivel sonoro y narrativo, la canción refleja esa identidad plural de forma orgánica, incorporando español, francés, inglés y árabe como parte natural del relato. Las guitarras envuelven la canción en una atmósfera de verano mediterráneo que parece no terminar nunca, mientras la voz de ASHA guía al oyente con suavidad hacia la melancolía, los recuerdos y ese pasado que nunca acaba de desaparecer del todo.

La propuesta llega respaldada por una trayectoria excepcional como compositora. Entre 2018 y 2019, con apenas 20 años, ASHA se consolidó como hitmaker internacional. Fue la única compositora, junto a la artista y el productor, de “Ya No Quiero Na” de Lola Índigo, un tema que alcanzó el triple platino, se viralizó en todo el país y llegó al puesto número 9 del Global Viral Top 50 de Spotify, convirtiéndose en un fenómeno cultural. Meses después, fue convocada por el equipo de Becky G para componer junto a C. Tangana en Madrid el tema “Booty”, que logró triple platino en Estados Unidos y doble platino en España. Ese mismo año, en Ciudad de México, compuso “Oye Pablo” para Danna Paola, alcanzando triple platino y doble diamante en México.

ASHA se graduó de la universidad en julio de 2019 acumulando ya tres grandes éxitos internacionales y certificaciones de platino en España, México y Estados Unidos, consolidando una carrera creativa marcada por la sensibilidad, la diversidad cultural y una conexión emocional genuina con el público.

Nacida en Marruecos y criada entre culturas, ASHA, cuyo nombre real es Hajar Sbihi, es una cantante y compositora multiplatino cuya trayectoria internacional la ha situado como una de las voces más singulares de su generación. Su primer contacto con la industria llegó de la mano de Quincy Jones y RedOne en el proyecto global Bokra, una experiencia que despertó en ella la conciencia del poder de la música para trascender fronteras. A los dieciocho años se trasladó a España, donde inició su carrera como compositora y comenzó a construir un catálogo de éxitos que hoy supera los 1.300 millones de reproducciones.

Tras firmar con Warner Music México, dio el salto como intérprete con varios singles que resonaron en España, Latinoamérica y Marruecos, llevando al frente una identidad multicultural que siempre había estado presente en su obra. Hoy, como artista independiente, ASHA presenta “Turista” como una declaración de intenciones, una canción en cuatro idiomas que funciona como puente entre culturas, lenguas y emociones.

Con esta propuesta íntima, honesta y profundamente contemporánea, ASHA llega al Benidorm Fest 2026 más preparada que nunca, uniendo su bagaje como compositora de grandes éxitos con una voz propia que aspira a representar a España en Eurovisión desde la autenticidad y la emoción.

Rubén Nasville da un paso firme en su trayectoria con el lanzamiento de “Oxígeno”, su álbum debut, una obra que se adentra sin concesiones en la lírica de la supervivencia para erigirse como un testimonio esencial de rock de autor. El artista zaragozano consolida así una propuesta honesta y valiente, nacida de una necesidad vital, que ya ha sido aclamada por su visceralidad y su intensidad sonora. El disco se encuentra disponible en formato vinilo a través de la web oficial del artista, invitando al público a acercarse a una obra concebida como un auténtico artefacto emocional.

“Oxígeno” no es un ejercicio discográfico al uso, sino una crónica de supervivencia construida desde la experiencia personal y el enfrentamiento directo con el miedo. Las canciones funcionan como cicatrices abiertas y, al mismo tiempo, como actos de valentía, dando forma a un relato en el que el artista se expone sin máscaras. En este debut, Nasville asume la esencia más exigente del rock, aquella que deja al músico temblando en el centro del escenario, y lo hace con un caudal de épica sonora que atraviesa todo el álbum.

La carga literaria es uno de los grandes pilares de “Oxígeno”. La lírica de Rubén Nasville convierte cada verso en una metáfora poderosa, sin esquivar la confrontación con la adversidad. Producido por David Santisteban y grabado con especial cuidado en Estudio Uno y Estudio Le Goliat, el disco traza un itinerario emocional que comienza en la duda y el desconcierto para desembocar en una calma recobrada, fruto de la aceptación y la resiliencia. Sonoramente, el álbum destaca por su robustez y profundidad, donde la épica de Dire Straits se encuentra con la hondura soul de Ray Charles y Nina Simone, todo ello filtrado por una energía contemporánea que dialoga, en el ámbito nacional, con la honestidad de Leiva y la fuerza de M Clan.

El eje de la superación atraviesa el disco de principio a fin y se hace especialmente visible en canciones como “Finisterre”, una alegoría de sanación en la que el rock más auténtico habla del regreso a lo esencial con versos cargados de significado, como ese “Atardece en el punto final” que resume el cierre de una etapa. Por su parte, el tema que da nombre al álbum, “Oxígeno”, se erige como un grito de renacimiento y libertad, una decisión inaplazable de soltar el peso acumulado y volver a respirar. Esta arquitectura emocional responde a una necesidad vital que el propio Nasville ha expresado con claridad: “Estas canciones me salvaron. Ahora quiero que insuflen vida con los demás”.

El corazón narrativo de “Oxígeno” late con especial intensidad en dos piezas clave. “Fotos a contraluz”, acompañada por un cuidado apoyo visual protagonizado por el actor Pepe Lorente, captura la reconstrucción de un amor que se reconoce en la sombra, el reencuentro entre dos almas que vuelven a sentirse vivas. El clímax emocional llega con “Huracán”, un estallido de vida compartida que cuenta con la participación vocal de Litus y que celebra ese vértigo dulce que devuelve el pulso a quien lo ha perdido, tal y como expresa el propio compositor al describir la sensación de flotar y dejarse llevar hasta el centro del huracán.

Con “Oxígeno”, Rubén Nasville firma una obra que demuestra que la música, como el aire, es un elemento vital. Un debut rotundo que transforma la adversidad en un caudal de rock honesto, sanador y profundamente humano, y que confirma al artista zaragozano como una voz con identidad propia dentro del panorama del rock de autor.

AQUIHAYAQUIHAY sorprenden a sus seguidores con el lanzamiento de “Lo Dejamos Pasar”, un nuevo sencillo que representa el retorno a la esencia R&B que convirtió al colectivo en uno de los proyectos más influyentes de la escena alternativa mexicana. Integrada por Jay Lee, Neqer, Phynx, Zizzy y Nehly, la banda originaria de Monterrey vuelve a conectar con su sonido más íntimo y emocional, apostando por la sensibilidad y la nostalgia que siempre han definido su identidad.

Desde su surgimiento en 2018, AQUIHAYAQUIHAY se consolidó como un referente dentro de la música mexicana contemporánea, siendo pioneros de una revolución sonora que fusionó el R&B con elementos de la música urbana, el reggaetón y el trap. Esta propuesta no solo redefinió el panorama musical nacional, sino que también influyó de manera directa en el desarrollo de la escena alternativa en México y Latinoamérica, inspirando a una nueva generación de artistas.

A lo largo de su trayectoria, el grupo ha llevado su música a escenarios clave de la república mexicana y Centroamérica, destacando su participación en festivales de gran formato como Tecate Pal Norte en 2024. Tras un descanso de año y medio, la agrupación regresó recientemente a los escenarios, provocando una respuesta cargada de euforia y nostalgia entre su público. El reencuentro se dio de manera sorpresiva durante el concierto de Zizzy en el foro Rubens 6, el pasado jueves 4 de diciembre, un momento que rápidamente se convirtió en un acontecimiento especial para sus seguidores.

Durante esa noche, además de interpretar algunas de sus canciones más representativas, AQUIHAYAQUIHAY presentó por primera vez “Lo Dejamos Pasar”, un tema concebido como un regalo para quienes han acompañado su camino desde los inicios. La canción abre una nueva etapa para la agrupación, manteniendo intactos los elementos que los han convertido en un referente: autenticidad, sensibilidad, una fuerte base de R&B y una conexión honesta con su audiencia.

Con este lanzamiento, AQUIHAYAQUIHAY no solo mira hacia atrás para reconectar con su esencia, sino que también deja entrever el inicio de un nuevo capítulo creativo. ¿Estamos ante el sencillo que marcará el rumbo del proyecto durante el próximo año? ¿Qué sorpresas prepara la banda para quienes han sido parte de su historia desde el principio? La conversación apenas comienza.

Hay festivales que se limitan a ocupar un espacio y otros que logran crear un universo propio. Bajo el cielo de Fuengirola, la edición de 2026 se prepara para ser mucho más que una sucesión de directos; es un manifiesto de resistencia cultural y excelencia sonora. Con la confirmación de la neerlandesa Jennifer Cooke, la primera dama de Hexagon, el festival abraza una dimensión cosmopolita donde el vocal DJ deja de ser una etiqueta para convertirse en una experiencia inmersiva. En Cooke convergen el vigor de los grandes estadios y una militancia política necesaria que la sitúa como el rostro global del empoderamiento femenino. En la jornada central del sábado 30 de mayo, su propuesta se alineará con el pop operístico de Violeta, la maestría arquitectónica de Fangoria y la energía arrolladora de Chanel para demostrar que, cuando la música se empuña con inteligencia, el baile es la herramienta de visibilidad más poderosa de nuestro tiempo.

El Fulanita Fest trasciende su condición de cita musical para consolidarse como un ecosistema de vanguardia, identidad y compromiso en el corazón de Fuengirola. En su edición de 2026, que se celebrará del 25 al 31 de mayo, el certamen refuerza su proyección internacional con la incorporación de la artista neerlandesa Jennifer Cooke. La intérprete, reconocida como la primera dama de Hexagon por el prestigioso Don Diablo, protagonizará la jornada central del sábado 30 de mayo en el escenario de Marenostrum. Cooke, cuya trayectoria incluye hitos en templos de la electrónica como Tomorrowland y Ultra, aterriza con su innovador formato de vocal DJ, una propuesta de inmersión sensorial donde su poderosa voz en directo se entrelaza con una arquitectura sonora de alta energía. La presencia de Jennifer Cooke dota al festival de una dimensión que va más allá de lo sonoro. Como protagonista de una de las producciones originales de Netflix con mayor alcance mundial, Cooke se ha erigido en un icono del empoderamiento femenino y la visibilidad. Su activismo en favor de la inclusión y su participación en campañas como RITA en Ámsterdam resuenan con los valores de un festival que es, por derecho propio, un bastión de la visibilidad lésbica en Europa. Su actuación se sumará a un cartel de excepción que ya cuenta con la sofisticación de Violeta, una artista que simboliza el triunfo de la perseverancia con su álbum inspirado en La Traviata, y la maestría escénica de figuras de la talla de Fangoria y Chanel.

El festival no se agota en los escenarios, pues la denominada Fulanita Experience convierte a Fuengirola en un epicentro de convivencia. Esta filosofía se refleja en el minucioso trabajo de Bosska en el look & feel, dotando a la cita de una identidad visual única y reconocible. La agenda cultural incluye un ciclo de cine LBT, jornadas deportivas de fútbol, vóley y baloncesto femenino, y el espacio Fulanita Fest en Familia, diseñado para la resiliencia de las familias diversas. La programación musical arrancará el jueves 28 de mayo con la Muestra de Artistas Andaluzas en el Puerto Deportivo, un evento gratuito donde tres finalistas competirán por actuar en el Orgullo de Madrid y abrir la edición de 2027. El viernes 29 de mayo, el Castillo Sohail acogerá la Fiesta de Bienvenida con los directos de Aiko y la jerezana Laura Gallego, quien revoluciona la copla con su set electrónico, junto a las sesiones de Lunnas DJ, Cori Matius, Mery Martín y Adame. Tras el clímax del sábado en Marenostrum frente al mar, el broche de oro llegará el domingo 31 de mayo con la Fiesta Brunch de Clausura. En este escenario se celebrará la icónica Gran Paella Bollera, con opciones sin gluten y el ritmo de Maruja Limón, Sofía Cristo, Claudia León y los cierres de Bailaferias y Flashback Dls. El compromiso del festival con su excelencia artística no se detiene aquí: el próximo lunes la organización desvelará un nuevo avance de cartel de enorme relevancia que promete redefinir el futuro del evento.

Fulanita Fest 2026 se celebrará en Fuengirola, Málaga, del 25 al 31 de mayo de 2026, con actividades culturales y de ocio durante toda la semana y programación musical principal del 28 al 31 de mayo. Entre las primeras confirmaciones figuran Jennifer Cooke, Fangoria, Chanel, Violeta, Maruja Limón, Sofía Cristo y Claudia León. El jueves 28 de mayo tendrá lugar la Muestra de Artistas Andaluzas a las 21:30 h en el Puerto Deportivo de Fuengirola, un evento gratuito en el que actuarán las tres finalistas del certamen para el empoderamiento del talento femenino andaluz, cuyo premio incluye abrir el escenario del Fulanita Fest 2027 y actuar en el Orgullo de Madrid. El viernes 29 de mayo se celebrará la Fiesta de Bienvenida en el Castillo Sohail, con los directos de Aiko, representante de Eurovisión 2024 por Chequia, y Laura Gallego, la jerezana que ha revolucionado la copla con su DJ set electrónico, además de sesiones de Lunnas DJ, Cori Matius DJ, Mery Martín DJ y Adame DJ. El sábado 30 de mayo, desde las 17:30 h, tendrá lugar el Fulanita Fest Marenostrum en Marenostrum Fuengirola, la jornada principal del festival con las actuaciones de Jennifer Cooke, Violeta, Fangoria y Chanel, además de DJ, zona de food trucks y actividades frente al mar, convirtiéndose en punto de encuentro para miles de mujeres LBT de todo el mundo. El domingo 31 de mayo, de 13:00 h a 23:00 h, el Castillo Sohail acogerá la Fiesta Brunch de Clausura con la Gran Paella Bollera, food trucks con opciones gluten free y las actuaciones de Maruja Limón, Sofía Cristo y Claudia León, además de sesiones de Bailaferias, Mery Martín, Adame y Flashback Dls. De forma paralela, la Fulanita Experience ofrecerá una semana completa de actividades deportivas, culturales y de ocio, incluyendo un ciclo de cine LBT y jornadas de fútbol, vóley y baloncesto femenino. Asimismo, Fulanita Fest en Familia contará con un espacio seguro e inclusivo para las familias diversas, con actividades en la playa, zonas de juegos y entretenimiento para todas las edades, reafirmando el compromiso del festival con la resiliencia de las mujeres lesbianas cabezas de familia.

Clauw continúa consolidando su lugar dentro de la escena urbana y pop española con el lanzamiento de “D4LE”, un nuevo single que apuesta de lleno por la sensualidad, la actitud y la energía de fiesta. El tema, ya disponible en plataformas digitales, captura la química intensa entre dos personas que se desean mutuamente, envolviendo al oyente en una atmósfera atrevida donde el ritmo y el deseo se convierten en protagonistas desde el primer segundo.

“D4LE” se construye sobre una base de reggaetón que mira de frente al sonido oldschool, recuperando su esencia más clásica, pero incorporando matices innovadores que reflejan la identidad musical que Clauw está haciendo suya poco a poco. Con un hook pegadizo que se queda en la cabeza desde la primera escucha, la canción combina actitud, sensualidad y una vibra claramente orientada al club, confirmando la evolución de la artista hacia terrenos cada vez más bailables sin perder su sello personal.

Nacida en Barcelona en 2001 y afincada actualmente en Madrid para desarrollar su carrera, Clauw se ha convertido en una de las figuras emergentes más interesantes del panorama urbano actual. Cantante y compositora, su propuesta se mueve con naturalidad entre el pop contemporáneo, el reggaetón y el afrobeat, siempre con un enfoque emocional muy marcado y una voz suave, pero llena de carácter, que la hace reconocible desde las primeras notas.

Tras debutar en 2023 con canciones como “1000 Veces” y “Cerca del Cielo”, Clauw dio un paso decisivo a comienzos de 2024 con el lanzamiento de su primer EP, “HATARI”, un trabajo que la posicionó como una de las grandes promesas del género urbano. Desde entonces, ha mantenido una estrategia constante de lanzamientos single a single, con temas como “Labios”, “Celoso” u “Hora de 100pre”, construyendo una audiencia fiel especialmente en plataformas como Spotify y TikTok, donde sus estribillos suelen viralizarse por su frescura y cercanía.

En este contexto, “D4LE” representa un movimiento claro hacia un sonido más enérgico y orientado a la pista de baile, sin renunciar al toque sensual que define a la artista. Su alianza con el productor Dímelo Milo y el trabajo junto a la productora Cosmophonix España han elevado notablemente la calidad de su sonido, mientras que su cuidada estética visual, moderna y chic, refuerza una imagen coherente que conecta con el público joven.

“D4LE” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Clauw, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips y nuevos proyectos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Sagittopia regresan con fuerza a la escena musical con el lanzamiento de “Risk Of Eclipse”, un potente y envolvente single electro-pop que cuenta con la colaboración del joven vocalista David Adavi. La canción ya se encuentra disponible para escuchar en plataformas digitales, marcando un nuevo capítulo en el universo sonoro del proyecto y reafirmando su apuesta por una electrónica emocional con clara vocación pop.

“Risk Of Eclipse” combina una producción electrónica moderna y vibrante con una composición cargada de sensibilidad, en la que se explora el frágil equilibrio entre la luz y la oscuridad dentro de una relación al borde del colapso. A través de la metáfora de un eclipse, la canción retrata ese momento crítico en el que dos personas luchan por no alejarse, cuando el amor parece a punto de apagarse pero aún conserva la posibilidad de volver a brillar. Lejos de quedarse en la melancolía, el tema transmite un mensaje esperanzador, recordando que la unión, la conexión y la voluntad compartida pueden hacer que la luz regrese incluso en los instantes más oscuros.

Sagittopia es el proyecto de dance-pop creado por el productor A-Slim, con base en Barcelona, y su nombre evoca paisajes galácticos y mundos utópicos que se reflejan claramente en su identidad musical. Inspirado por los sonidos vibrantes de los años 80, el proyecto propone un viaje sonoro a través del tiempo y el espacio, donde melodías contagiosas y ritmos enérgicos se combinan para ofrecer una experiencia nostálgica y, al mismo tiempo, actual, capaz de conectar con oyentes de distintas generaciones.

La colaboración con David Adavi aporta una nueva dimensión emocional a “Risk Of Eclipse”. Con tan solo 18 años, el cantante pop destaca por una propuesta fresca que fusiona melodías mediterráneas con beats modernos. Crecido entre dos culturas, David refleja en sus canciones un deseo universal de conexión y pertenencia, cualidades que se perciben claramente en su interpretación vocal, aportando cercanía y autenticidad al tema.

“Risk Of Eclipse” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Para más información sobre Sagittopia, David Adavi y sus futuros proyectos, no dudes en seguirlos a través de sus redes sociales.

Tigre y Diamante estrena "Estafa Piramidal" un disco que mezcla tensión con fragilidad, llevando el grupo a una nueva madurez creativa. En los textos, se mantiene su lenguaje crudo habitual, pero afilan su vena punk a base de poesía sucia, humor negro y un realismo descarnado que no se detiene ante las intimidades más inconfesables... Entretanto, en las músicas siguen presentes las guitarras secas, pero aparecen muchas más capas que construyen un muro sónico, donde aflora una nueva fragilidad pop ausente en entregas anteriores.

Los poliédricos once temas que componen el álbum presentan una interesante diversidad... En el tema "Palomas entre halcones" (Feat. Tania Pereira) plantean una escena casi cinematográfica, donde la calma aparente convive con la sensación constante de amenaza; por otro lado, en "Amanecer en la playa" (Feat. Srta. Trueno Negro), hacen un streap tease emocional para mostrar rutinas que se rompen y recuerdos que evocan tensiones antiguas...

Otra de las canciones, "Los asesinos de tus hijos", escenifica una imagen brutal para criticar la cultura popular a través de símbolos reconocibles, donde la normalización de lo violento recibe una crítica política, pero sin consignas. En "Albino busca sexo", se mueven entre la provocación y la ternura torcida, retratando personajes que siguen avanzando a pesar de parecer que están a punto de romperse.

"Minutos musicales" introduce una sensibilidad más introspectiva, mientras que "Soy adicto" (Feat. Nacho Vegas e Igor Paskual), una de las piezas más crudas del álbum, estalla para presentar la obsesión como un inventario de impulsos que ellos gritan, mientras el resto se resiste a admitirlos en voz alta. En "Quieres ser mi amigo", el grupo mezcla humor negro con un trasfondo emocional incómodo: relaciones que no encajan, afectos que se estiran hasta convertirse en lo contrario...

"Represalias químicas" es el momento más atmosférico del disco, perturbadora porque el paisaje bucólico del fondo no solamente no es un refugio, sino que se convierte en un espejo que devuelve imágenes más duras de lo esperado. "Ámame de viernes (Tic-Tac)" juega con la memoria y el paso del tiempo, poniendo el foco en pequeños gestos que hacen que incluso el cuerpo recuerde lo que uno preferiría olvidar. En "Los lunes no te quiere nadie", retratan el desgaste sentimental y una resignación que a veces duele más que la ruptura. El momento más pop del disco llega en "Contigo" (Feat. Milana Bonita), donde la nueva sensibilidad del grupo se hace más patente de lo habitual gracias a la colaboración del grupo invitado.

En "Estafa Piramidal" Tigre y Diamante consolidan su lugar dentro del pop de guitarras actual, pero no por la defensa de fórmulas preestablecidas, sino por mantenerse fieles a un lenguaje propio que combina lo áspero y lo vulnerable. El álbum luce bajo el foco sucio que hace reconocible a la banda, con melodías luminosas que contrastan con las tinieblas de los textos y aportan una voz nihilista, que no resuelve ni cierra, pero intenta acompañar al oyente por un territorio incómodo y emotivo. 

No es fácil componer un disco que golpee y acaricie al mismo tiempo, pero no se puede esperar otra cosa de un grupo emocionalmente afrontativo, artísticamente honesto y tan aficionado al ruido guitarrero como son Tigre y Diamante.

Agus Padilla presenta “VIP”, su nuevo single junto al artista y productor panameño BK, una colaboración que refuerza su posición como una de las voces femeninas más sólidas del género urbano en el Cono Sur. Lanzado y distribuido bajo el sello Warner Music Chile, el tema llega para encender la pista con una propuesta directa, segura y cargada de actitud, donde la energía nocturna y la confianza personal se convierten en protagonistas.

Nacida el 10 de diciembre de 2001 en el barrio Brazo Oriental de Montevideo, Agus Padilla comenzó su camino artístico a una edad muy temprana, subiendo covers a Facebook y YouTube cuando apenas tenía 12 años. Ese primer impulso digital fue el punto de partida de una carrera que no tardó en despegar. En 2017, su single debut “Ni tu amiga ni tu amante” se convirtió en un éxito masivo que la catapultó a la escena urbana regional y le permitió abrir conciertos para artistas de la talla de Daddy Yankee y Bad Bunny.

Desde entonces, Agus Padilla ha construido una trayectoria marcada por la constancia y la versatilidad, consolidándose dentro del reguetón, el RKT y el pop urbano. En los últimos años ha lanzado colaboraciones con nombres destacados como Ecko, Lit Killah y Mesita, y en 2023 presentó su EP Modo Perreo, un proyecto que reafirmó su identidad artística y su conexión con el público. Paralelamente, su carisma la ha llevado también a la televisión, participando en programas como MasterChef Uruguay y ¿Quién es la máscara?, ampliando su alcance más allá de la música.

“VIP” representa un nuevo paso en esta evolución. La canción apuesta por un sonido urbano y de perreo, pensado para el disfrute nocturno y la vibra de la fiesta, haciendo honor a su título y a la idea de exclusividad que atraviesa toda la narrativa. La colaboración con BK, quien además se encarga de la producción, mezcla y masterización, aporta un sonido compacto y contundente, alineado con las tendencias actuales del género, pero con una identidad clara.

En lo lírico, el tema se apoya en frases que refuerzan una estética de empoderamiento y seguridad, con referencias al baile, la energía del club y la selección cuidadosa de quién merece estar cerca. Lejos de ser solo una canción festiva, “VIP” transmite una actitud de control y confianza, donde la protagonista se mueve con libertad y decisión en su propio espacio.

La unión entre Agus Padilla y BK funciona como un cruce natural entre dos artistas que entienden el pulso del urbano contemporáneo y que apuestan por un sonido pensado para conectar de inmediato con el público. “VIP” se suma así a una serie de lanzamientos que confirman a Agus como una figura clave dentro de la nueva generación de artistas femeninas del género.

“VIP” ya se encuentra disponible en streaming en plataformas digitales. Para más información sobre Agus Padilla y sus futuros proyectos, no dudes en seguirla a través de sus redes sociales.

La banda Frank Suz & The Crazzy 88’s presenta su nuevo single “Yakuza Lovers”, disponible a partir del 18 de diciembre, una canción que se perfila como una de las composiciones más representativas de su repertorio. Concebida casi como una pieza fetiche dentro de su universo creativo, el tema condensa a la perfección el imaginario sonoro y cinematográfico del grupo, reafirmando su identidad y su gusto por las atmósferas con carácter de culto.

“Yakuza Lovers” se mueve en un medio tiempo de espíritu surfero que fluye con naturalidad y sorprende al oyente con un inesperado puente chachachá, antes de desembocar en un estribillo luminoso y expansivo que evoca paisajes mediterráneos y transporta directamente a las costas de Grecia. Exotismo, músculo rítmico y una narrativa musical muy visual conviven en una canción que no entiende de límites estilísticos y que invita a dejarse llevar.

La pieza podría encajar sin esfuerzo en la banda sonora de una película de Guy Ritchie, formando parte de ese menú sonoro tan particular que la banda define como Callos de Wagyu, donde cada ingrediente está elegido con precisión. A este universo se suma la colaboración de Hendrik Röver, que aporta un solo de guitarra memorable, elegante y contundente, elevando aún más la intensidad del tema.

El Vox Continental cobra un papel protagonista desde los primeros compases, marcando la melodía principal con personalidad propia hasta terminar explotando en un solo desgarrador que pone el broche final a una canción que confirma a Frank Suz & The Crazzy 88’s en uno de sus momentos más inspirados y creativos.

El lanzamiento de “Yakuza Lovers” llega acompañado de una serie de conciertos que llevarán a la banda por distintas ciudades en los próximos meses, donde el público podrá disfrutar de este nuevo tema en directo junto al resto de su repertorio.

Próximos conciertos
Sábado 27 de diciembre – Wurlitzer, Madrid
Viernes 16 de enero – Ibi Ateneu
Viernes 23 de enero – Peter Rock, Valencia
Viernes 6 de febrero – La Solana, Ciudad Real
Sábado 7 de febrero – Sala Combo, Tomelloso

El artista emergente 3MA! presenta “Veramente libero”, un nuevo single que marca un paso firme en su recorrido musical y confirma su apuesta por una escritura directa, honesta y profundamente humana. Con una sensibilidad especial para retratar las contradicciones del presente, el cantante italiano continúa construyendo un universo sonoro que no esquiva las preguntas incómodas y que invita a reflexionar sobre el sentido del tiempo, el futuro y la libertad personal.

“Veramente libero” es una canción cargada de energía y significado, pensada tanto para las nuevas generaciones como para los adultos que se cuestionan el rumbo de su vida. A través de imágenes cotidianas y reconocibles, como el sonido del despertador, la carrera constante contra el reloj o las redes sociales convertidas en ladrones de atención, el tema plantea una pregunta universal: ¿somos realmente libres o simplemente estamos persiguiendo una idea de futuro que otros nos han vendido?

El corazón del single se encuentra en su estribillo, directo e impactante, que interpela al oyente sin rodeos y lo invita a mirarse de frente. Esa reflexión no nace desde el juicio, sino desde la empatía, proponiendo una pausa necesaria en medio del ruido diario. La letra anima a no posponer la vida para un “después” indefinido y a no desperdiciar el tiempo atrapados en la rabia o el miedo.

A lo largo del tema, el río que atraviesa el texto funciona como una potente metáfora de la experiencia humana, con momentos de crecida y otros de sequía, simbolizando las caídas, las esperanzas y las segundas oportunidades que forman parte del camino de cualquier persona. Musicalmente, “Veramente libero” logra un equilibrio entre energía e introspección, sosteniendo un mensaje que acompaña al oyente y le deja espacio para reconocerse y decidir por sí mismo.

El cierre del tema refuerza esta idea con un mensaje claro y universal: vivir de verdad antes de que el tiempo se agote. Con este lanzamiento, 3MA! se consolida como una de las voces sinceras de la nueva escena musical italiana, capaz de hablar del presente y del futuro con sensibilidad, autenticidad y una mirada crítica que no pierde la esperanza.

“Veramente libero” no es solo una canción, sino una pregunta abierta dirigida a cualquiera que alguna vez haya sentido el temor de estar desperdiciando su vida. Un punto de partida más en un proyecto artístico que promete seguir creciendo y explorando nuevas historias, emociones y verdades.

“Veramente libero” ya se encuentra disponible en streaming en plataformas digitales. Para más información sobre 3MA! y sus futuros proyectos, no dudes en seguirlo a través de sus redes sociales.

La artista independiente Chloe Saint anuncia el lanzamiento de su segundo single, “Viral”, que llegará el próximo 18 de diciembre de 2025 y marca un punto de inflexión en una carrera emergente que ya ha demostrado un notable impulso sin el respaldo de un sello discográfico ni una infraestructura tradicional. Nacida en los Hamptons, la cantautora continúa construyendo una identidad artística definida por el pop inteligente, cargado de referencias culturales y una mirada crítica hacia el mundo que retrata.

Tras un debut que no pasó desapercibido, Chloe Saint se posicionó como una nueva voz dentro del pop alternativo con “I Wanna Be a Hamptons Wife”, una canción que combinó comentario social, ironía y melodías altamente pegadizas. El tema logró una difusión destacada a nivel internacional, con emisión en 98 estaciones de radio en todo el mundo, 596 reproducciones monitorizadas por WARM, más de 2.700 airplays globales estimados y una suma total de 2.862 spins. A esto se añadieron más de 561.000 visualizaciones en TikTok y más de 20.000 reproducciones en Spotify, cifras especialmente significativas para una artista independiente en etapa inicial.

La recepción mediática acompañó ese crecimiento. Kindline Magazine describió el debut como “un cóctel brillante de sarcasmo cómplice, ganchos pulidos y encanto travieso”, destacando su tono glamuroso y juguetón, así como la capacidad de Saint para equilibrar actitud y sinceridad dentro de un universo pop sorprendentemente autoconsciente. Precisamente esa autoconciencia es uno de los rasgos que distingue su propuesta, ya que Chloe Saint no se limita a parodiar la cultura contemporánea, sino que participa activamente en ella mientras la analiza desde dentro.

Con “Viral”, esa identidad se vuelve aún más clara. Sobre una producción de pop bailable y sofisticado, la artista explora la psicología de la atención, la identidad y la ambición en una era digital donde la visibilidad funciona tanto como moneda de cambio como sistema de presión. Lejos de un discurso triunfalista, la letra se plantea como una reflexión crítica desde alguien que comprende los mecanismos de la industria y del ecosistema digital. Frases como “I don’t need your algorithm, I was born with the spark” o “Not a trend. Not a phase. I’m a page you can’t erase” apuntan a una narrativa que cuestiona el valor de lo viral y la dependencia de los algoritmos para validar el talento.

Mientras su primer single jugaba con la iconografía del estatus y la aspiración, “Viral” se adentra en las estructuras invisibles que sostienen esa idea de éxito: los códigos estéticos, las expectativas sociales y la lógica de la circulación constante. El resultado es una canción que funciona tanto como himno pop como comentario meta sobre la cultura de la influencia, capaz de enganchar desde el primer estribillo y, al mismo tiempo, invitar a una lectura más profunda.

El origen de Chloe Saint en los Hamptons no actúa como un simple elemento biográfico, sino como un punto de observación que impregna su escritura. Los códigos de presentación, deseo y proyección social propios de ese entorno se filtran en sus canciones con una atención especial al detalle. En lugar de apoyarse en caricaturas o clichés, Saint utiliza el glamour como un lenguaje narrativo, una herramienta expresiva que da contexto a sus historias sin vaciarlas de contenido. Esa capacidad para construir un mundo atractivo sin caer en lo superficial es uno de los elementos que la separan de otras propuestas emergentes.

En un panorama pop que suele premiar la inmediatez por encima de la perspectiva, Chloe Saint se perfila como una artista más interesada en la autoría que en la aceleración. “Viral” no la presenta como alguien persiguiendo la fama a cualquier costo, sino como una creadora que observa, cuestiona y redefine el concepto de visibilidad, sin renunciar a un instinto melódico que podría llevarla precisamente a ese lugar que analiza.

“Viral” ya se encuentra disponible en streaming en plataformas digitales. Para más información sobre Chloe Saint y sus futuros proyectos, no dudes en seguirla a través de sus redes sociales.

Miguel Paolo Melfi Vásquez, conocido artísticamente como Melfi, se convierte en el nuevo artista de portada de elfiesta.es, un reconocimiento que refleja el momento clave que atraviesa su carrera y la conexión que ha logrado construir con el público de toda América Latina. Artista panameño, polifacético y en constante evolución, Melfi inició su camino en la música durante la pandemia, un periodo que marcó un antes y un después en su vida creativa y personal, apostando por un proyecto musical auténtico y cargado de emociones.

Su propuesta artística se distingue por una fusión fresca y versátil de géneros como el reggaetón, el afro, el pop, las baladas y otros sonidos latinos, dando forma a un estilo propio que conecta tanto con las pistas de baile como con historias íntimas de amor y desamor. Aunque muchos lo descubrieron primero en la televisión, la música ha sido siempre su verdadera pasión, un espacio donde canaliza vivencias personales y experiencias intensas que han acompañado su exposición mediática.

El gran salto a la fama de Melfi llegó a través de los realities, un formato en el que supo destacar por su disciplina, carisma y capacidad de liderazgo. Sus inicios en la televisión se dieron en Calle 7 Panamá, donde comenzó a construir una imagen sólida frente al público. Sin embargo, fue en 2021 cuando su nombre se proyectó internacionalmente tras ganar la primera temporada de El Poder del Amor, grabado en Turquía, junto a la artista ecuatoriana Andreína Bravo. Este triunfo lo posicionó como una figura reconocida en toda la región y lo consolidó como uno de los rostros más fuertes del entretenimiento latino.

En 2024, su participación en La Casa de los Famosos Colombia volvió a situarlo en el centro de la conversación mediática. Su paso por el programa estuvo marcado por momentos intensos, polémicas y un romance muy comentado con la actriz Nataly Umaña, alcanzando finalmente el tercer lugar y reafirmando su capacidad para generar interés y debate entre la audiencia. Esta exposición, lejos de eclipsar su faceta musical, sirvió como impulso para que más personas se acercaran a su proyecto artístico.

En paralelo a su recorrido televisivo, Melfi ha desarrollado una carrera musical constante dentro del pop urbano, lanzando sencillos que han conectado especialmente por su carga emocional y su tono confesional. Canciones como Compañera de vida, Las Ganas, Te Imagino y A Poca Luz reflejan un artista que no teme mostrarse vulnerable y que transforma sus vivencias en canciones honestas. Su crecimiento lo ha llevado también a presentarse en escenarios de gran visibilidad como Teleton de Panamá, consolidando su presencia dentro de la industria musical latina.

Más allá del escenario y las cámaras, Melfi destaca por un perfil poco común en el medio artístico. Es Ingeniero Industrial de profesión, graduado en Panamá, y ha sabido combinar su formación académica con su faceta creativa. Además de cantante, ha trabajado como modelo, presentador de televisión en el programa El After y creador de contenido, demostrando una versatilidad que le ha valido el apodo de Golden Boy en algunos de los programas en los que ha participado, gracias a su racha de victorias y a su magnetismo personal.

La inclusión de Melfi como artista de portada en elfiesta.es no solo celebra su trayectoria hasta el momento, sino que también reconoce a un artista en pleno proceso de expansión, que continúa explorando sonidos, fortaleciendo su identidad musical y construyendo un vínculo cada vez más sólido con su público. Su historia es la de alguien que supo aprovechar la exposición mediática para transformar la atención en una plataforma creativa, con una visión clara de hacia dónde quiere llevar su carrera.

La música de Melfi ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadir sus canciones a tus listas favoritas.

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Veintiuno y Yarea unen fuerzas en “Puñalada”, un single lanzado oficialmente el 12 de diciembre de 2025 que llega como una de las colaboraciones más especiales y emotivas del pop-indie español reciente. La canción supone una revisión de un tema previo de la banda toledana, reinventado ahora desde un nuevo prisma emocional gracias a la participación de una de las voces más sensibles y honestas de la escena actual.

“Puñalada” se construye como una metáfora cruda y profundamente humana sobre el desamor, la nostalgia y ese dolor que, aun empezando a cicatrizar, uno no quiere dejar marchar del todo porque es lo último que queda de una relación. La frase que articula el corazón del tema, “Voy a hacerme un tatuaje donde fue tu puñalada, porque ya se está curando y me gustaba que me recordase a ti”, resume con precisión esa contradicción emocional entre sanar y aferrarse al recuerdo.

La unión de Veintiuno con Yarea aporta una nueva dimensión a la canción. La voz de Diego Arroyo, habitual en el universo pop, funk y rock de la banda, se entrelaza con la interpretación íntima y delicada de Yarea, generando un contraste que potencia el impacto emocional del tema. El resultado es una pieza que oscila entre la energía característica de Veintiuno y la fragilidad confesional que define a la artista bilbaína, logrando un equilibrio tan doloroso como bello.

Veintiuno, banda originaria de Toledo formada por Diego Arroyo, Yago Banet, Pepe Narváez y Rafa Pachón, ha recorrido un camino sólido desde la autogestión hasta convertirse en uno de los nombres imprescindibles del pop-rock español. Su sello distintivo, canciones extremadamente pegadizas acompañadas de letras ácidas, irónicas o melancólicas, les ha permitido conectar con un público amplio y colaborar con artistas como Love of Lesbian, Zahara o La La Love You.

Por su parte, Yarea Guillén se ha consolidado como una auténtica contadora de historias dentro del indie y el pop emocional. Afincada en Madrid, su música transita entre la intimidad y la melancolía, con una sensibilidad que también la ha llevado a destacar como compositora para otros artistas. En 2025 lanzó su segundo disco, Involuntario, reafirmando una identidad artística marcada por la honestidad y la cercanía emocional. Su participación en “Puñalada” no solo suma una nueva capa interpretativa, sino que subraya la naturaleza confesional de la canción.

Todo apunta a que este lanzamiento forma parte de una reedición especial vinculada al universo de Veintiuno, titulada El último baile de Delirio y Equilibrio, una lectura que se intuye a través de las siglas “EUBDDYE” presentes en la portada. En ese contexto, “Puñalada” funciona como una pieza clave que revisita el pasado desde la madurez emocional, ampliando el significado original del tema.

Con esta colaboración, Veintiuno y Yarea firman una canción que no busca cerrar heridas, sino mirarlas de frente, aceptar su huella y convertir el dolor en un recuerdo que todavía late. “Puñalada” es, en esencia, una celebración de la vulnerabilidad y de esas cicatrices que, aunque duelan menos, siguen definiendo quiénes somos.

“Puñalada” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Veintiuno y Yarea, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

ATK Epop y la carismática vocalista Mara Vélez se unen esta Navidad para presentar “Caminando pa’ Belén”, un villancico que dialoga con la tradición desde una sensibilidad actual, emotiva y profundamente personal. La canción nace del encuentro entre la visión orquestal y cinematográfica de ATK Epop y la fuerza interpretativa de Mara Vélez, cuya voz aflamencada aporta identidad, raíz y una carga emocional que atraviesa todo el tema.

“Caminando pa’ Belén” se construye sobre un delicado entramado sonoro en el que conviven piano, violines, una guitarra marcadamente española y arreglos orquestales que evocan el clasicismo navideño. A esta base se suman elementos inesperados, como trompetas con aroma mexicano, que aportan un matiz sorprendente y amplían la tradición hacia una estética más abierta y universal. El resultado es una pieza luminosa, cálida y envolvente, que respira Navidad sin quedarse anclada en el pasado.

La voz de Mara Vélez se convierte en el eje emocional de la canción. Su interpretación, cargada de matices y naturalidad, conecta la raíz popular y flamenca con un enfoque contemporáneo y casi cinematográfico. Cada frase transmite cercanía y emoción, guiando al oyente por un viaje sonoro que invita tanto a la contemplación como al recogimiento propio de estas fechas.

La letra de “Caminando pa’ Belén” recupera figuras y símbolos clásicos del imaginario navideño, como la Virgen, los Reyes y los pastores, y los envuelve en un lenguaje poético que mezcla paisaje, misticismo y sentimiento interior. A través de imágenes como el desierto, el cielo azul o la flor de cactus, la canción propone un recorrido íntimo que va más allá del relato tradicional, explorando también la búsqueda personal y la emoción interna.

El lanzamiento se completa con un videoclip animado que acompaña visualmente el espíritu de la canción, reforzando su carácter evocador y su atmósfera de cuento contemporáneo. La animación funciona como una extensión natural del universo sonoro, sumando una capa visual que conecta con públicos de distintas generaciones.

Con “Caminando pa’ Belén”, ATK Epop y Mara Vélez logran una obra que honra la tradición navideña al mismo tiempo que la reinterpreta desde la emoción, la mezcla cultural y una sensibilidad artística actual. Un villancico que invita a detenerse, escuchar y sentir, demostrando que la magia de la Navidad también puede reinventarse sin perder su esencia.

Después del contundente regreso que significó “En Llamas”, No Te Va Gustar presenta “Todo Mal”, el segundo adelanto de Florece En El Caos, su próximo álbum de estudio que verá la luz el 8 de enero. Con este nuevo lanzamiento, la banda uruguaya profundiza el carácter rockero, filoso y directo que marca esta etapa, sumando además una colaboración de enorme peso simbólico y artístico: la participación de Ciro Martínez, una de las voces más influyentes del rock argentino, histórico líder de Los Piojos y referente absoluto al frente de Ciro y Los Persas.

El impacto de “Todo Mal” es inmediato. Desde el riff inicial de armónica, preciso y cargado de identidad, hasta la interpretación vocal, Ciro imprime una energía inconfundible, intensa y profundamente emocional, que dialoga con naturalidad con el pulso de No Te Va Gustar. La canción fluye con fuerza y actitud, reforzando el costado más áspero y frontal del nuevo material, sin perder la sensibilidad que caracteriza a la banda.

La colaboración no surge de manera aislada, sino que se apoya en una relación larga y afectuosa entre NTVG y Ciro Martínez. A lo largo de los años han compartido escenarios en Montevideo y Buenos Aires en múltiples oportunidades, con momentos especialmente recordados como la participación de Ciro junto a la banda en el Hipódromo de Palermo en 2022, donde interpretaron un emotivo cover de “Tan Solo” y luego “Tan Lejos”, con Ciro en voz y armónica. Esa conexión también se ha manifestado de forma recíproca, con Emiliano Brancciari participando en shows tanto de Ciro y Los Persas como de Los Piojos, incluyendo su presencia en el estadio River Plate durante el show de regreso de Los Piojos a comienzos de este año.

El lanzamiento de “Todo Mal” llega acompañado de un videoclip dirigido por Pablo Abdala, que documenta la visita de Ciro al estudio de No Te Va Gustar en Montevideo. El video funciona como un pequeño documental íntimo que captura el encuentro, los ensayos, la grabación y la atmósfera creativa que se generó durante esos días, mostrando sin artificios la complicidad y la energía que dieron forma a la canción.

Florece En El Caos representa un nuevo capítulo creativo para No Te Va Gustar. En mayo de este año, la banda trasladó su base de operaciones al barrio Parque Rodó, uno de los más emblemáticos de Montevideo, donde construyó su propio estudio, pensado especialmente para acompañar una búsqueda sonora más consistente, filosa y actual. A principios de junio, con el estudio recién terminado, el grupo se encerró a ensayar más de veinte canciones con la intención de seleccionar el material definitivo. Una semana después, junto al productor Nico Cotton y el ingeniero Carlos Imperatori, quien ya había trabajado con la banda en Suenan las Alarmas, Otras Canciones y Luz, comenzaron una intensa maratón de tres semanas que dio forma a las diez canciones que integran el álbum.

El nuevo disco continúa la tradición de No Te Va Gustar de reinventarse en cada trabajo, manteniendo su raíz emocional y melódica, pero apostando esta vez por un enfoque más directo, cohesionado y crudo. Las letras profundizan en preocupaciones universales desde una mirada más madura y contemplativa, mientras que el ensamble instrumental refuerza una identidad sonora unificada. El resultado es un álbum potente y refrescante, que logra capturar el espíritu turbulento de la época y transformarlo en un mensaje de resistencia y esperanza.

De cara al futuro, No Te Va Gustar ya confirmó que en 2026 emprenderá la gira internacional de presentación oficial de Florece En El Caos, con fechas anunciadas en Argentina, Colombia, Ecuador y Paraguay, y muchos más shows por revelar próximamente. Entre los conciertos confirmados, se destaca la presentación oficial en Buenos Aires, el primer show del año en Argentina, que tendrá lugar el 25 de abril en el Estadio Ferro, un hito que marcará el comienzo de esta nueva etapa para la banda.

BRAKO presenta “Choripán”, un single vibrante y festivo que reafirma su identidad como un proyecto musical único, donde la emoción humana y la tecnología se funden para crear canciones que no necesitan un cuerpo ni un rostro para sentirse cercanas. Detrás de este universo sonoro se encuentra Fernando Pérez Valencia, nacido en León, criado en Asturias y actualmente residente en Fuerteventura, quien, aun desarrollando su actividad profesional lejos de la industria musical tradicional, descubrió en la música una vía para transformar sus ideas y emociones en paisajes sonoros propios.

BRAKO no es una persona, es una voz, una entidad creativa que da forma a historias construidas desde la sensibilidad, pero expresadas a través de atmósferas digitales. Fernando escribe cada letra y diseña cada sonido, cuidando cada detalle del proceso creativo, con una libertad absoluta que define el proyecto: sin límites, sin cuerpo, solo música. “Choripán” es un claro ejemplo de esta filosofía, una canción que nace desde el juego, el disfrute y la necesidad de celebrar el momento presente.

El tema se apoya en una base rítmica contagiosa y directa, pensada para la pista de baile, donde el movimiento es el lenguaje principal. Desde sus primeras líneas, “Choripán” invita a soltar el cuerpo, dejar atrás el drama y entregarse al ritmo, construyendo una escena nocturna cargada de energía, calor y complicidad colectiva. La letra retrata una noche sin final, entre pasos de baile, brindis improvisados y ese ambiente donde la música lo domina todo.

El estribillo, pegadizo y desenfadado, convierte la palabra “choripán” en un mantra festivo que simboliza el cierre perfecto de la noche: después del baile, llega el sabor, la risa compartida y el disfrute sencillo. No hay pretensiones ocultas, solo la intención clara de hacer bailar, sonreír y conectar con esa parte instintiva que busca disfrutar sin pensar demasiado. Frases como “que la vida es corta y hay que disfrutar” resumen el espíritu de la canción y del propio proyecto BRAKO.

A nivel sonoro, “Choripán” combina elementos latinos, percusiones marcadas y una producción pensada para amplificar la sensación de calor y movimiento. Es una canción que funciona tanto en un contexto de fiesta como en la escucha individual, transmitiendo una energía inmediata que no necesita explicación. BRAKO demuestra así que su universo emocional también tiene espacio para la diversión, el humor y la celebración, sin perder coherencia artística.

Con este lanzamiento, BRAKO continúa expandiendo un proyecto que se mueve al margen de las normas tradicionales de la industria, apostando por la libertad creativa y por una identidad que se expresa únicamente a través del sonido. “Choripán” no es solo una canción para bailar, es una invitación a vivir el momento, a dejarse llevar y a entender la música como un espacio de encuentro.

“Choripán” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales. Para más información sobre BRAKO y sus futuros proyectos, síguelo a través de sus redes sociales.

Auraluz presenta “Utopía”, un single que se despliega como un viaje sonoro entre el retro-pop, los pulsos funk y melodías etéreas que invitan a dejarse llevar. La canción construye un ambiente cálido y envolvente, donde la sensibilidad pop moderna dialoga con texturas analógicas para dar forma a un universo onírico en el que la emoción guía cada movimiento. Con una vibra nocturna y luminosa, “Utopía” se posiciona como una propuesta ideal para quienes buscan pop alternativo y electro-pop suave con identidad propia.

El proyecto Auraluz funciona como un verdadero portal sonoro en el que lo etéreo se vuelve ritmo y la vibra se percibe casi de manera física. Su propuesta mezcla con audacia elementos retro y contemporáneos, creando un lenguaje musical donde el funk, el disco y el pop elegante conviven con naturalidad. Cada canción parece brillar como una constelación en movimiento, construyendo un espacio sonoro que no apela a la nostalgia, sino a la exploración sensorial.

Escuchar “Utopía” es como entrar en una habitación bañada por neones cálidos, donde las melodías evocan sueños futuristas inspirados en las décadas de los setenta y ochenta. Los grooves invitan al movimiento, mientras las atmósferas envuelven al oyente con un encanto hipnótico que se mantiene desde el primer compás hasta el final. En Auraluz, los sonidos vintage no miran al pasado, sino que se resignifican en un presente sonoro que abraza lo analógico y lo moderno con equilibrio y personalidad.

La magia de “Utopía” toma forma gracias a la voz de Violeta Navarrete, que aporta delicadeza y carácter, y al bajo de Francisco González, cuya presencia rítmica sostiene y da profundidad al groove. Todo ello se articula bajo la producción de Cristóbal Hidalgo, quien transforma cada capa sonora en un paisaje emocional, cuidando cada detalle para que la canción fluya de manera orgánica y magnética.

En “Utopía”, lo místico se convierte en groove y la energía cobra vida de forma sutil pero constante. Auraluz no propone solo una escucha, sino una experiencia que se siente, se disfruta y, casi sin darse cuenta, termina hechizando al oyente. Con este lanzamiento, el proyecto reafirma su identidad y deja claro que su música está pensada para acompañar momentos íntimos, nocturnos y luminosos a la vez.

“Utopía” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Auraluz, estar al tanto de sus próximos lanzamientos y proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.