La cantante y compositora Tiana Robledo acaba de estrenar su nuevo sencillo Ganas, una pieza que refleja fielmente su estilo íntimo y emocional, donde la música se convierte en vehículo para la conexión personal y espiritual. El tema ya está disponible en plataformas digitales y desde su lanzamiento ha recibido una cálida acogida por parte de sus seguidores, que han encontrado en esta canción un refugio sonoro y emocional.

Ganas es una composición de Tatiana Montoya Zapata y cuenta con la producción de J RIVERS, quien ha sabido envolver la voz de Tiana en una atmósfera delicada y envolvente, que refuerza el carácter introspectivo y sincero de la canción. A través de este tema, la artista vuelve a apostar por una propuesta sonora que huye de artificios y conecta directamente con las emociones más profundas.

En sus redes sociales, Tiana ha compartido su entusiasmo por este lanzamiento, invitando a su público a hacer suya la canción, a escucharla desde el corazón y a dejarse llevar por la sinceridad de su mensaje. Ganas se convierte así en una nueva muestra de su compromiso por ofrecer una música auténtica, que no solo se escucha, sino que se siente.

Tiana ha construido una trayectoria coherente, posicionándose como una de las voces más sensibles y espirituales de la escena actual. Su propuesta musical trasciende géneros, fusionando sonidos modernos con una interpretación cargada de emoción, lo que le ha permitido consolidar una comunidad fiel que sigue cada uno de sus pasos.

Con Ganas, Tiana no solo presenta una nueva canción, sino que reafirma su identidad artística y su capacidad para emocionar a través de su voz. La canción ya está disponible en plataformas digitales y para quienes deseen conocer más sobre sus próximos proyectos y presentaciones, pueden seguirla en sus redes sociales. Una nueva pieza que confirma a Tiana como una artista que canta desde lo más profundo y conecta con quienes buscan algo más que música.

La cantante y compositora mexicana Majo Aguilar presenta su nuevo sencillo titulado “Mala Mala”, una canción que refleja la esencia apasionada y honesta de su propuesta artística. Con este lanzamiento, Majo sigue construyendo su propio camino dentro de la música mexicana, fusionando tradición y modernidad con una voz que lleva consigo la historia de una de las familias más importantes en la cultura musical del país.

Nacida el 7 de junio de 1994 en la Ciudad de México, Majo Aguilar creció rodeada de música y talento. Nieta de dos leyendas como Antonio Aguilar y Flor Silvestre, e hija de Antonio Aguilar hijo, desde muy pequeña descubrió su vocación por el canto, el baile y la composición. A los seis años escribió su primera canción y, desde entonces, no ha dejado de crear, siempre guiada por la convicción de que la música debe cantarse desde el corazón.

“Mala Mala” se suma a su catálogo de temas donde el amor, el desamor y las emociones humanas son protagonistas. Fiel a su lema “si no se canta con el corazón, no sirve”, Majo ofrece en este sencillo una interpretación intensa que conecta con el público desde la honestidad y la fuerza interpretativa que la caracteriza. La canción aborda las contradicciones de los sentimientos, la valentía de mostrarse tal cual se es y la importancia de aceptarse incluso en los momentos menos perfectos.

Este nuevo sencillo ya está disponible en plataformas digitales como Spotify, Apple Music y YouTube, permitiendo a sus seguidores disfrutar de una propuesta fresca y emotiva que respeta las raíces de la música mexicana al tiempo que abraza sonidos contemporáneos.

Para conocer más sobre Majo Aguilar, sus próximos lanzamientos y contenido exclusivo, se puede seguir a la artista en sus redes sociales, donde comparte detalles de su vida, procesos creativos y adelantos de sus proyectos futuros. “Mala Mala” confirma que Majo continúa consolidándose como una de las voces más auténticas de su generación, con una propuesta que honra su legado familiar sin dejar de ser fiel a su estilo personal.

La artista mexicana Violetta Torres, conocida por su estilo camaleónico como cantante, saxofonista y supervisora musical, estrena “Pelirroja”, una canción que fluye entre el R&B y el pop, y que está disponible en video desde el 15 de mayo a través de su canal de YouTube.

Lanzado originalmente el 14 de febrero, el sencillo destaca por su atmósfera suave y seductora, y por una lírica que refleja un amor que se siente casi predestinado. “Pelirroja” no sólo es una exploración de lo romántico y espiritual, sino una dedicatoria explícita en ambiente de terciopelo: es dedicada a la misma chica que aparece en el videoclip.

Con dirección creativa de Saulo Mid e Itzel Quetzalli, el video tiene lugar en una lectura de tarot donde aparecen las cartas El Sol, El Colgado, La Emperatriz y una creada especialmente: La Pelirroja. Esta narrativa simbólica sostiene la idea de un vínculo que trasciende el azar, cargado de señales y significados.

El lanzamiento forma parte del camino hacia su primer EP, programado para este año, y se suma a una serie de colaboraciones que consolidan la propuesta de Violetta: desde la composición de “Le Digo Yo” junto a Bolela, hasta el trabajo visual con el colectivo BLACK EYE, y el arte de portada diseñado por el yisus.

Cantante, saxofonista y supervisora musical, su música destaca un enfoque innovador con sencillos como Reput4, Perdón, Verano:(, Le Digo Yo que salieron en 2024. Violetta Torres integra saxofón, docerolas, synths y bajo sexto para llevar la música urbana a otro nivel, creando un sonido distintivo que evoluciona en cada canción. 

Originaria de la Ciudad de México, Violetta Torres rompe normas y discursos en el programa "Divergentes en Resistencia Modulada" de Radio UNAM, donde explora nuevos horizontes sonoros junto a amigas, amigos y mentores. Su trayectoria incluye colaboraciones con artistas reconocidos como Leonel García, Matisse, Daniel Me Estás Matando, Ximena Sariñana, Jonaz (Plastilina Mosh), Mi Sobrino Memo y Caztro. También ha trabajado como supervisora musical en series de Netflix como "Tríada" y "Oscuro Deseo", así como en la comedia dramática “Cualquier Parecido” de Vix. Además, participó en la película LGBTIQ+ "Del Otro Lado", ganadora en el Festival de Toronto.

La cantante y compositora internacional Cindy Gómez está de vuelta y lo hace con una declaración poderosa en forma de canción. Su nuevo sencillo, “Ámame a la buena”, ya disponible en plataformas digitales, es un himno en español que mezcla pop latino moderno con toques de disco y una narrativa honesta sobre amor propio, límites y empoderamiento femenino.

Con una carrera que ha cruzado fronteras y escenarios de todo el mundo, Cindy Gómez decide ahora reencontrarse con sus raíces latinas a través de este tema vibrante y directo. Reconocida por su trayectoria junto a artistas como Ringo Starr, su trabajo junto a Dave Stewart de Eurythmics y su participación en la franquicia Prince of Persia de Ubisoft, Gómez da un paso al frente con una canción que no busca rupturas, sino respeto.

“Ámame a la buena” se aleja de las baladas tristes para abrazar un mensaje positivo y contundente: “Ámame bien, o no me ames”. La propia artista lo define así: “No es una canción de desamor, es una declaración de límites. Es saber cuánto vales y aceptar solo lo que lo honre. Quise crear algo que fuera divertido y poderoso al mismo tiempo, una canción para que las mujeres la canten con fuerza y alegría”.

El tema ya empieza a ganar espacio en la radio, con apoyo temprano en estaciones EXA FM de Córdoba, Oaxaca y Veracruz, y suena cada vez más en plataformas digitales y redes sociales gracias a su mensaje sin filtros y su sonido pegadizo.

El videoclip oficial, disponible en YouTube, refuerza esa visión, mostrando a Cindy Gómez rodeada de mujeres reales —incluida su propia madre— cantando, bailando y apropiándose de su espacio en escenas cotidianas. Un homenaje visual al valor de vivir la vida desde el respeto propio y la alegría compartida.

Con “Ámame a la buena”, Cindy Gómez no solo presenta una nueva canción, sino que se presenta a sí misma de nuevo: como artista, como mujer y como creadora que decide contar su historia en sus propios términos.

El sencillo ya puede escucharse en todas las plataformas digitales. Para más detalles sobre Cindy Gómez, próximos lanzamientos y contenido exclusivo, síguela en sus redes sociales y sé parte de este movimiento que celebra la fuerza, la autenticidad y el amor bien dado.

La escena global de la música dance recibe un nuevo himno de fiesta con “Santo Domingo”, el más reciente sencillo del DJ y productor italiano Rock-Aro junto al icónico artista urbano dominicano El Chuape. Disponible desde ya en plataformas digitales bajo el sello SSL Music, esta colaboración internacional promete convertirse en un referente de las pistas de baile alrededor del mundo.

“Santo Domingo” es una fusión vibrante de reggaetón, house y sonidos caribeños, creada como un homenaje sonoro a la ciudad natal de El Chuape y a la energía imparable de las calles latinas. Con una base de bajos contundentes, trompetas festivas y coros contagiosos, la canción celebra la identidad, el ritmo y la capacidad universal de la música para unir culturas y hacer mover a todos.

El tema nace de la visión compartida entre Rock-Aro, reconocido por su estilo potente en los escenarios de festivales y clubes europeos, y El Chuape, figura clave en el movimiento urbano dominicano y responsable de éxitos como “Ponme To’ Eso Pa’ Lante”. Inspirados en las raíces caribeñas y la fuerza de las producciones electrónicas europeas, ambos artistas han creado una pieza que equilibra el sabor tradicional con la adrenalina moderna.

Rock-Aro, originario de Sicilia, cuenta con una trayectoria internacional que lo ha llevado a presentarse en Dubái, Abu Dabi, España, Turquía, Venezuela y Monte Carlo, además de colaborar con leyendas como Elvis Crespo y Fulanito. Por su parte, El Chuape ha consolidado su lugar como una de las voces más representativas del dembow y el reggaetón, con más de 30 millones de visualizaciones en YouTube y múltiples éxitos que lo han posicionado en lo más alto de las listas de Italia y República Dominicana.

Sobre la creación del sencillo, Rock-Aro comentó: “Quise hacer algo que se sintiera como bailar en las calles de Santo Domingo, pero con la fuerza de un drop de Ibiza”. Mientras que El Chuape añadió: “Desde que escuché el instrumental supe que esto no era un beat más, tenía el fuego y el sabor con el que crecí, pero con una energía nueva. Teníamos que hacerlo”.

“Santo Domingo” ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a los amantes de la música urbana, electrónica y latina a sumarse a esta fiesta sonora sin fronteras.

Para conocer más sobre Rock-Aro, El Chuape y sus próximos lanzamientos, puedes seguirlos en sus redes sociales, donde comparten adelantos exclusivos, contenido de backstage y noticias de sus presentaciones en vivo. Sin duda, “Santo Domingo” es una celebración de identidad, ritmo y la capacidad inagotable de la música para conectar culturas en una misma pista de baile.

La cantante y compositora chilena Canel@ Pop vuelve a emocionar a su público con el lanzamiento de su nuevo sencillo titulado “Ser pa ti”, una canción íntima y honesta que refleja la esencia de su propuesta artística: crear música que nace desde lo más profundo de sus vivencias personales.

Compositora, cantante y productora, Canel@ Pop ha construido su trayectoria de forma independiente, escribiendo, cantando y produciendo cada una de sus canciones en su estudio casero. Su música es el reflejo directo de sus experiencias, pensamientos y emociones, buscando siempre conectar con quienes, al escuchar sus temas, encuentran historias que también podrían ser suyas.

“Ser pa ti” se presenta como una declaración abierta de amor y vulnerabilidad. En este tema, la artista chilena explora los matices de las relaciones, la entrega total y el anhelo de pertenecer al otro desde un lugar sincero, sin máscaras ni pretensiones. Con una base pop actual y matices suaves, la canción envuelve con una melodía cercana y una letra que invita a dejarse llevar por los sentimientos.

Fiel a su estilo, Canel@ Pop ofrece una interpretación cargada de emoción, con una producción cuidada que resalta su capacidad para crear ambientes sonoros íntimos y honestos. Cada canción es una parte de mí, ha expresado la artista en varias ocasiones, y este nuevo sencillo no es la excepción, consolidando su lugar dentro de la nueva escena pop independiente.

“Ser pa ti” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a todos a descubrir y dejarse acompañar por una artista que hace de su música un refugio emocional para quienes buscan historias reales y cercanas.

Para conocer más sobre Canel@ Pop, sus próximos lanzamientos y detalles de su proceso creativo, puedes seguirla en sus redes sociales, donde comparte momentos de su día a día, adelantos musicales y reflexiones sobre la vida y el arte. Con “Ser pa ti”, Canel@ Pop reafirma que la mejor música es la que se canta desde adentro.

María León vuelve a emocionar a su público con el lanzamiento de Amor a Destiempo, una balada pop que pone sobre la mesa esas historias de amor que aparecen cuando menos se esperan y en el momento más complicado. La canción, publicada el 10 de mayo de 2025 bajo el sello Promotodo México S.A. de C.V., tiene una duración de 3 minutos y ya se encuentra disponible en plataformas digitales.

Este nuevo sencillo muestra a una María León íntima y entregada, explorando los matices de una relación imposible por las circunstancias, pero inevitable por los sentimientos. Amor a Destiempo se convierte así en un reflejo de la madurez artística de la cantante, que ha sabido transformar sus vivencias en piezas musicales que conectan con su audiencia.

El videoclip oficial de la canción está disponible en el canal de YouTube de la artista y ofrece una representación visual que acompaña con sensibilidad la intensidad emocional de la letra. Una producción cuidada que, junto a la interpretación vocal de María León, logra transmitir esa mezcla de nostalgia, deseo y resignación que se esconde detrás de un amor fuera de tiempo.

Recientemente, la cantante presentó en vivo Amor a Destiempo durante el programa Juego de Voces, donde su actuación fue destacada por su entrega, pasión y la honestidad emocional que caracteriza sus interpretaciones. La respuesta del público no se hizo esperar, consolidando este tema como uno de los momentos más aplaudidos de la emisión.

Además de su lanzamiento oficial, María León ha mantenido una intensa actividad en sus redes sociales, compartiendo contenido relacionado con el sencillo y conectando con sus seguidores a través de publicaciones y videos en Instagram y TikTok, donde invita a su público a sumarse al sentimiento de la canción.

Con Amor a Destiempo, María León reafirma su lugar como una de las voces más auténticas del pop latino actual y continúa construyendo una discografía que destaca por su capacidad para contar historias y transmitir emociones desde la verdad. La canción ya está disponible en plataformas digitales, y para conocer más sobre la artista y sus próximos proyectos, se puede seguir su actividad en sus redes sociales.

El artista flamenco urbano del momento, Don José, vuelve a sorprender a su público con el lanzamiento de su nuevo single Entre Copas, una canción que mantiene intacta su esencia mestiza y su estilo inconfundible, combinando las raíces flamencas con los sonidos urbanos más actuales. El tema ya está disponible en plataformas digitales y promete convertirse en uno de los imprescindibles de su repertorio.

Don José se ha ganado un lugar destacado dentro del panorama Flamenco + Flow, participando en los mejores carteles y sumando cientos de miles de reproducciones con éxitos como Pon Reggaeton, Como Yo No Hay Dos Remix o Gitana. Su versatilidad artística le ha permitido refinar un sonido propio, capaz de conectar con diferentes generaciones y públicos, gracias a una fusión natural y sin etiquetas.

En Entre Copas, Don José vuelve a ser fiel a su instinto creativo, firmando tanto la letra como la producción bajo su propio sello discográfico, Poveda Music. La canción narra un juego de miradas y deseo en una noche de copas, con versos como “Son tus ojos que me miran, yo sé bien que me provocan”, y un estribillo pegadizo que se queda a la primera escucha. La mezcla de guitarras flamencas, bases urbanas y su característica voz rasgada hacen de este tema una nueva muestra del estilo único que lo ha llevado a ser un fenómeno viral.

Además de su faceta musical, Don José ha demostrado ser un referente en el mundo de la moda urbana y de autor. Ha colaborado como imagen principal para marcas internacionales como Bluemarble Paris o Tacho Basic, firmas por las que también han pasado figuras de la talla de Maluma, Rosalía o Rauw Alejandro, confirmando su posición como artista polifacético y visionario.

Autodidacta, Don José se encarga personalmente de cada aspecto de su obra, desde la escritura de sus letras hasta la producción final. Entre Copas se suma así a un catálogo cada vez más sólido y diverso, con una propuesta que combina autenticidad, frescura y una conexión emocional directa con su audiencia.

La canción ya está disponible en plataformas digitales y, para quienes deseen seguir de cerca sus próximos proyectos, conciertos y novedades, pueden hacerlo a través de sus redes sociales. Don José sigue consolidando su nombre como uno de los artistas más prometedores y genuinos de la nueva escena flamenca urbana.

La artista madrileña Carmen Lillo vuelve a demostrar por qué es una de las voces emergentes más sólidas y personales de la nueva escena musical con el lanzamiento de Estrella, su nuevo single en colaboración con CCF. Disponible ya en plataformas digitales, la canción es una fusión envolvente de electrónica contemporánea y sensibilidad vocal, un viaje sonoro que conecta con las emociones más sinceras.

Formada en jazz, pero con el pulso firme en las tendencias de la NUEVA OLA, Carmen ha sabido construir una identidad única dentro de la música actual. Desde los escenarios de BigSound Festival, Palacio Vistalegre, Teatro Albéniz o Club113, hasta su paso por La Voz, su capacidad de emocionar y romper con las fórmulas tradicionales ha captado la atención de gigantes como Warner, Sony (IMB Talent) y Universal (Back to Bands).

En Estrella, Carmen Lillo reafirma su capacidad de transformar lo cotidiano en algo trascendente. La canción, que habla de esos momentos en los que una persona se convierte en un faro en medio del caos, combina una base electrónica hipnótica con una interpretación vocal delicada y cargada de matices. La colaboración con CCF aporta una energía adicional que eleva el tema a un plano más dinámico, jugando entre la suavidad y el desahogo emocional.

Cada lanzamiento de Carmen es mucho más que una canción: es una declaración. Autora de temas como Una Voz o Na de Na, sus letras funcionan como conversaciones abiertas con su público, tocando temas de vulnerabilidad, deseo y fuerza personal. Estudiante de Psicología, decidió aparcar su máster para dedicarse por completo a la música, entendiendo que también es un espacio de sanación y encuentro, tanto para ella como para quienes la escuchan.

Su propuesta artística va más allá del sonido. Carmen Lillo se ha consolidado como una Femme Fatale contemporánea, una artista que proyecta cercanía y valentía, capaz de mostrar su lado más delicado, sensual o iracundo sin filtros, y construir desde ahí su propio universo.

Estrella ya se encuentra disponible en plataformas digitales y quienes deseen conocer más sobre su música y próximos proyectos pueden seguirla en sus redes sociales. Carmen Lillo sigue demostrando que su voz no solo interpreta, sino que es capaz de contar historias, remover emociones y conectar con una generación que busca autenticidad en cada acorde.

Carín León sigue consolidando su posición como uno de los nombres más influyentes de la música latina actual. El ganador del GRAMMY llegó a las oficinas de NPR para protagonizar su propio Tiny Desk Concert, un espacio íntimo en el que estrenó su tema “Por La Suave” y regaló versiones en vivo de canciones como “Ese Vato No Te Queda”, “El Amor De Mi Herida” y “Lado Frágil”. La sesión muestra a León en una faceta cercana, reafirmando su capacidad para conectar con la audiencia desde cualquier escenario.

Además, el próximo 22 de mayo, el fenómeno global lanzará Palabra de To’s – Seca Deluxe, una versión extendida de su exitoso álbum Palabra de To’s. Esta nueva edición incluirá cuatro temas adicionales, entre ellos “Me Está Doliendo”, una emotiva colaboración junto a Alejandro Fernández, y “Si Tú Me Vieras”, donde une fuerzas con Maluma, demostrando su versatilidad y alcance dentro y fuera de la música regional mexicana.

Carín León no ha dejado de cosechar éxitos este año, llevándose su primer GRAMMY al Mejor Álbum de Música Mexicana, sumando así a los tres Latin GRAMMYs que ya reposan en su vitrina gracias a su aclamado Boca Chueca Vol. 1. Además, fue el artista masculino más nominado en la 37.ª edición de Premio Lo Nuestro, compitiendo en diez categorías, entre ellas “Artista del Año”, “Álbum del Año” y “Canción del Año”.

Entre sus más recientes colaboraciones destaca también “She Hurts Like Tequila”, junto al cantante multiplatino de country Cody Johnson, reafirmando su talento para cruzar fronteras musicales y conectar con públicos diversos. Carín León continúa demostrando que su éxito no conoce límites.

La joven artista barcelonesa Aterual acaba de estrenar su nuevo sencillo Sigo intentando, una canción que respira optimismo, valentía y que invita a no rendirse nunca, ya disponible en plataformas digitales. Este nuevo tema nace desde la experiencia personal de la cantante, quien ha querido compartir a través de su música un mensaje de esfuerzo, lucha constante y superación, especialmente en el ámbito del amor, aunque aplicable a cualquier aspecto de la vida.

“Sigo intentando es una canción que habla del esfuerzo, de la lucha y de no rendirse jamás. De levantarse una y otra vez, en todas las facetas de la vida, pero sobre todo en el amor”, cuenta la propia Aterual sobre este nuevo trabajo. “La escribí y la compuse inspirándome en vivencias propias, y me gustaría que llegase a todo el mundo, que pudiesen disfrutarla y que les contagie de fuerza y valor para no caer en el desánimo ni en la rendición”.

Detrás de Aterual se esconde una artista polifacética y perseverante, nacida en Barcelona, donde actualmente estudia un grado en Bioinformática en la ESCI – UPF. Desde muy pequeña mostró inquietud tanto por el deporte como por la música, participando en coros escolares, villancicos y musicales, y aprendiendo a tocar la guitarra en su barrio. Su pasión por el canto la llevó a tomar clases y a debutar públicamente a los 16 años en las fiestas populares de su ciudad.

Un año después, su talento la llevó a la final nacional del prestigioso concurso Tour Music Fest (TMF), celebrado en Madrid, una experiencia que marcó su primer gran paso en el mundo musical. Aprovechando los meses de confinamiento en 2020, Aterual abrió su canal de YouTube, Aterual Music, donde comenzó a compartir versiones y composiciones propias, ganando poco a poco seguidores fieles a su estilo sincero y cercano.

Actualmente, Aterual compagina sus estudios universitarios con la gestión de sus redes sociales, la creación de nuevas canciones y sus actuaciones en directo. Su última actuación tuvo lugar en marzo de 2023 en la Festa de Aniversari de la Ràdio en Santa Perpètua de la Moguda (Barcelona), confirmando su conexión con el público y su compromiso con la música en directo.

Con Sigo intentando, Aterual sigue consolidando su identidad como una artista que transforma su mundo interior en canciones cargadas de emoción y esperanza. Una voz emergente a la que seguir de cerca y que, sin duda, tiene mucho que aportar en la escena musical actual.

El single ya está disponible en plataformas digitales y, para estar al tanto de sus próximos lanzamientos y novedades, puedes seguir a Aterual en sus redes sociales.

El artista salvadoreño-estadounidense Chipelo presenta su sencillo más íntimo hasta la fecha, Belleza de Dios, una canción que nace como un regalo sorpresa para el cumpleaños de su novia y que ya está disponible en todas las plataformas digitales. Este nuevo tema, acompañado de un videoclip cargado de emociones reales y momentos compartidos, invita a sumergirse en un universo musical que mezcla afrobeat, reggaetón, R&B y bolero, creando una atmósfera suave, romántica y profundamente personal.

La inspiración para Belleza de Dios surgió de una simple foto playera que su novia tituló con esas mismas palabras. Chipelo convirtió esa frase en una canción completa que refleja no solo el amor, sino también la esencia y gustos musicales de esa persona especial. “Comencé con la música tocando piano y guitarra, escribiendo canciones románticas,” comparte el artista. “Luego empecé haciendo música urbana porque me gusta bailar y hacer un show, pero con esta canción quise volver a mis raíces, ser más íntimo y pensar menos en el show y más en encapsular lo que ella es, qué le gusta a ella en la música, y crear algo que realmente le gustaría. La mejor música sale de los sentimientos más fuertes, y yo escribí esto en los primeros dos meses de conocernos, cuando todavía tenía esas mariposas en mi estómago jaja.”

Producida por 1Heart, con producción adicional a cargo del propio Chipelo bajo el nombre de Más Flow, y mezcla/masterización realizada por J. Medina en The Kitchen DMV, Belleza de Dios representa una evolución artística donde la sinceridad emocional se impone por encima del espectáculo, mostrando una faceta más vulnerable y auténtica del cantante.

Este lanzamiento llega tras el éxito de SIRENA en febrero y sirve como antesala para GRADUACIÓN, un himno dedicado a estudiantes de primera generación que verá la luz a finales de este mes, consolidando a Chipelo como un artista en constante crecimiento y con un mensaje poderoso y cercano.

El sencillo Belleza de Dios ya está disponible en todas las plataformas digitales. Para no perder detalle de sus futuros proyectos y novedades, sigue a Chipelo en sus redes sociales.

Taija New, conocida en la escena musical como The Newbian King, regresa con fuerza con su más reciente sencillo Return It, una canción que nace de una historia personal de desamor y renacimiento emocional. Disponible ya en plataformas digitales, este nuevo tema representa un paso más en la evolución artística de una intérprete que ha hecho de la autenticidad y la diversidad sonora su marca personal.

Return It cuenta la experiencia de Taija tras una ruptura en la que su expareja no solo siguió adelante rápidamente, sino que intentó volver después de todo. La artista decidió canalizar esa mezcla de dolor y determinación en este poderoso himno de Rhythmic Pop, donde su energía competitiva y su identidad única se convierten en protagonistas. El tema refleja también la influencia de las leyendas musicales que marcaron su infancia como niña de los 90, y su firme decisión de no encasillarse en un solo género, sino de crear experiencias musicales inolvidables.

Originaria de Springfield, Massachusetts, Taija New inició su carrera en escenarios modestos de micrófono abierto, donde forjó un estilo enérgico y cercano. Desde entonces, su camino ha sido imparable. Debutó en 2015 con su EP Color Me Complex, cuyo tema principal Newbian King se convirtió en un himno de empoderamiento y visibilidad, celebrando su identidad y desafiando las normas tradicionales.

Su segundo álbum Heart on the Stage, lanzado en 2017, consolidó su lugar en la industria con una gira de dos años que recorrió distintas ciudades de Norteamérica. A lo largo de su carrera, ha compartido escenario con artistas de la talla de Jennifer Hudson, Todrick Hall, K.Michelle y Tiffany Evans, llevando su propuesta a públicos diversos y reafirmando su carácter como artista integral.

En 2023, Taija alcanzó un nuevo hito al obtener consideración oficial para los premios GRAMMY en la categoría de Mejor Interpretación Melódica de Rap por su canción Over Your Allure, reconocimiento que consolidó su creciente prestigio dentro de la escena musical.

Ahora, con Return It, Taija New no solo comparte una nueva canción, sino una declaración de intenciones. Con una base de fans entusiasta, una actuación programada para el próximo Juneteenth en Queens, Nueva York, planes de gira y campañas en sus redes sociales, la artista está lista para hacer aún más ruido y seguir marcando diferencia.

Return It ya está disponible en plataformas digitales. Para conocer más sobre Taija New y sus futuros lanzamientos, no dudes en seguirla en sus redes sociales y ser parte de su creciente comunidad.

El artista neoyorquino Topher Realty Group, conocido por desafiar las convenciones del sonido electrónico y las narrativas culturales, regresa con un provocador y magnético sencillo titulado Je mange un grand cul, ya disponible en plataformas digitales. Este tema forma parte de su próximo y esperado álbum Wav.file, un proyecto que ya ha empezado a generar conversación en los círculos underground de electrónica, art-pop y performance neoyorquino.

Traducido del francés como “Yo como un gran culo”, el título resume con descaro la actitud sin filtros de Topher: humor, hedonismo y arte conceptual entrelazados en una propuesta que va mucho más allá de la provocación. Bajo esa fachada irreverente se esconde una producción exquisita y sofisticada, cargada de bajos palpitantes, sintetizadores hipnóticos y percusiones tribales, todo ensamblado y producido por el propio artista.

“Esta canción no se trata solo de shock value”, explica Topher Realty Group. “Es una declaración de libertad: sexual, creativa y emocional. Rescaté un tema antiguo de mi primer álbum Sighting of Fashion Astro Thot, lo desmonté y lo reconstruí desde una perspectiva house que refleja quién soy ahora como artista y como persona”.

Con Je mange un grand cul, Topher abandona las estructuras predecibles del pop comercial para sumergirse en una estética que fusiona la sensibilidad club europea con la crudeza nocturna de Nueva York. Es un himno sudoroso y elegante para marginados, amantes y bailarines de madrugada, que conecta con esa parte de la audiencia que busca experiencias sonoras audaces, sin etiquetas y profundamente humanas.

El single anticipa la llegada de Wav.file, un álbum que promete consolidar a Topher Realty Group como uno de los nombres imprescindibles de la electrónica alternativa. Su capacidad para combinar teatralidad, virtuosismo técnico y una crítica cultural aguda lo han convertido en un creador de culto, con una propuesta que puede seducir tanto a fans de Arca como de Ye o del Daft Punk más experimental.

Topher Realty Group, artista, productor y performer avant-garde, ha convertido su obra en una herramienta para confrontar tabúes, derribar vergüenzas y celebrar identidades desde la pista de baile y la catarsis emocional.

Je mange un grand cul ya está disponible en plataformas digitales. 

El cantautor NOREH lanzó su esperado segundo álbum NOREH | A film by la vida real a través de 5020 Records. Conceptual en esencia y profundamente personal en su ejecución, este álbum de 15 canciones retrata el viaje cinematográfico de un joven que atraviesa el amor, el desamor y la transformación, fusionando influencias de pop, balada, rock, bolero y más géneros con una sensibilidad emocional y una ambición creativa claras.

Junto con el lanzamiento del álbum, NOREH presentó el tema principal “Porsi” junto a Sin Bandera, una balada emotiva que captura la urgencia de amar en el presente. En lugar de lamentar lo que se ha perdido, “Porsi” reflexiona sobre lo que podría cambiar o desvanecerse, una declaración hecha mientras el amor aún está vivo y ardiendo. Con una vulnerabilidad poética, la canción imagina un futuro donde las cosas ya no sean iguales y transforma ese temor en un homenaje apasionado a lo que hoy existe. Para NOREH, “Porsi” representa un sueño cumplido: colaborar con uno de los dúos que marcaron su adolescencia e influyeron en su camino como compositor.

“Solía cantar sus canciones miles de veces, pensando que podía sonar como ellos”, dijo NOREH sobre Sin Bandera. “Pero la verdad es que son únicos. Eso fue lo que me impulsó a empezar a escribir mis propias canciones. Y ahora, 13 años después de haber escrito la primera, estoy cantando una mía junto a ellos. Es surreal”.

Además del tema, NOREH presentó una serie de piezas visuales inspiradas en cada canción del álbum, una colección de viñetas cinematográficas que dan vida a la historia completa de A film by la vida real a través de imágenes inspiradas en el cine y momentos cargados de emoción.

“Todos tenemos la oportunidad de escribir el guión de nuestra vida, y de reescribirlo en el camino”, compartió NOREH. “Esa idea se refleja mucho en varias de estas canciones. Nunca había sido tan intencional al conectar lo que vivo y observo con lo que también viven los demás. Este puede que sea mi proyecto más personal hasta ahora, pero también es el más inspirado por las historias que escuché de mis fans durante mi primera gira internacional”.

Inspirado por su amor al cine y la narrativa, NOREH construye cada canción del álbum como una escena dentro de una historia más grande, invitando al oyente a sentarse y ver cómo se despliega su evolución emocional. Con letras meticulosamente cuidadas y arreglos dinámicos, el proyecto refleja a un artista más maduro, más intencional y completamente conectado con su identidad.

El álbum también cuenta con colaboraciones especiales junto a artistas que han marcado e inspirado el recorrido de NOREH, incluyendo a Sin Bandera, Jay Wheeler, Corina Smith y Lagos. Como personajes clave en una película, cada colaboración aporta emoción, profundidad y giros importantes a la historia que NOREH quiere contar.

Antes del lanzamiento del álbum, NOREH presentó tres sencillos que ofrecían un vistazo al universo cinematográfico que estaba construyendo. “Tráiler” planteaba la idea de ver un adelanto de la vida de alguien antes de enamorarse, como si fuera el tráiler de una película. “Dieta” exploraba la tensión entre el deseo y la contención a través de una balada sensual con toques de bolero. Y en “Rey” junto a Lagos, reimaginó el clásico de Vicente Fernández para confrontar el arrepentimiento y el exilio emocional desde una perspectiva pop-rock cargada de drama.

Con NOREH | A film by la vida real, NOREH abre un nuevo capítulo que fusiona música y narrativa, consolidándolo como una de las voces más prometedoras y visionarias de la música latina actual. NOREH | A film by la vida real ya está disponible en todas las plataformas digitales.

La escena latina recibe una nueva propuesta musical de la mano de Juanjo Cortés y Miguel Melfi, quienes unen sus voces en El Tequila Me Hace Bien, un tema que ya está disponible en todas las plataformas digitales. La canción mezcla ritmos frescos y pegadizos con una letra que habla de las despedidas sentimentales y ese consuelo que, en ocasiones, se busca en una copa de tequila.

Juanjo Cortés, artista que viene abriéndose camino en la música latina, apuesta por este sencillo como una carta de presentación a lo grande. Su estilo combina lo urbano y lo romántico con un toque fiestero que conecta con quienes han vivido una ruptura y saben lo que significa salir a olvidarlo todo. Por su parte, Miguel Melfi, conocido por su versatilidad y presencia en la música centroamericana, suma su carisma y energía a este proyecto, aportando un matiz personal que eleva la canción a un himno de desahogo y celebración.

El Tequila Me Hace Bien fue lanzada oficialmente el 15 de mayo de 2025 y, desde entonces, ha generado una notable respuesta en redes sociales, donde ambos artistas han impulsado un challenge relacionado con el tema. La canción también se presentó en vivo en Plaza MX Cantina, un espacio de referencia para la música latina en directo, consolidando su acogida entre los seguidores de ambos artistas.

Con este lanzamiento, Juanjo Cortés da un paso firme en su carrera musical y Miguel Melfi confirma su capacidad para adaptarse a nuevos sonidos y colaboraciones. El Tequila Me Hace Bien no solo es una canción para las listas de reproducción de fiesta, sino también un relato musical para quienes han pasado por una historia que, entre amigos y copas, se vuelve un recuerdo menos amargo.

VITO publica el álbum “Mutatio”. Recientemente lanzaba el single que da nombre a este primer largo, una de las canciones más significativas de su repertorio; su título proviene del latín y significa cambio o transformación, una idea que ha sido clave en la creación del primer trabajo discográfico del solista granadino.

“Mutatio", la primera entrega discográfica de VITO, comienza a gestarse varios años atrás, estudiando armonía, buscando la complicidad con los instrumentos, aprendiendo de otras referencias musicales y, en definitiva, profesionalizando el proceso creativo para trazar la argumentación de este magnífico disco.

"Mutatio" refleja precisamente ese proceso: una alteración constante en la búsqueda de una mejor versión de uno mismo, un camino que, paradójicamente, nunca termina. Siempre aparecen nuevas metas e inquietudes. Es esa evolución que nos impulsa hacia dónde queremos estar: "cambiaré de forma para irme volando". "Ojalá que estas canciones, en las que he puesto todo mi cariño, esfuerzo y una parte muy personal de mí, logren llegar al corazón de alguien y despertar alguna emoción, por pequeña que sea. Ese es, al final, el propósito más bonito que puede tener alguien que escribe canciones: conectar con los demás a través de la música. Mientras haya personas dispuestas a escuchar, yo seguiré trabajando con ilusión para seguir creando, aprendiendo y trayendo nuevas canciones en el futuro. Esto apenas comienza". VITO

Musicalmente, el single también refleja esa renovación. Comienza con un piano y una voz, a las que de manera gradual se suman la percusión y diversas capas de sintetizadores. Antes del estribillo, la atmósfera va creciendo hasta alcanzar su punto álgido con una cadencia enérgica y una sobresaliente rítmica. La propuesta del granadino estriba entre el Pop melódico, el Bedroom Pop con resortes del sonido británico.

"Mutatio" ha sido grabado en los estudios Coolmood de Madrid bajo la producción de Pablo Díez y David García, productores que han trabajado con artistas de tanto peso como Los Morochos, Agoney y Marlon, entre otros.

Madrid recibe sus fiestas de San Isidro con una sacudida musical que pone a prueba la memoria popular. La banda CHULA acaba de lanzar Pichi, una oscura y contundente reinterpretación del mítico chotis madrileño popularizado por Celia Gámez en 1931. Lejos de replicar el tono festivo y despreocupado del original, el grupo ofrece una versión cargada de guitarras pesadas, atmósferas densas y un mensaje directo que cuestiona los arquetipos tradicionales y los relatos heredados sin revisión.

El nuevo single, disponible desde el 14 de mayo en plataformas digitales, toma el icónico tema de la revista Las Leandras y lo convierte en una reflexión contemporánea. CHULA mantiene la esencia castiza, pero actualiza su sonoridad con elementos de stoner rock y sintetizadores oscuros, marcando una distancia consciente respecto al musical original. La banda aprovecha esta revisión para desnudar la figura del “chulo que castiga” y evidenciar la violencia machista que ese personaje representa. “Es importante visibilizar que ese arquetipo no es simpático ni entrañable, sino la representación de un proxeneta y un maltratador”, ha declarado la banda en el comunicado que acompaña al lanzamiento.

Como parte de su ejercicio de memoria crítica, CHULA recupera además un verso censurado durante el franquismo, que hacía referencia a Victoria Kent, figura clave del feminismo republicano y directora general de Prisiones en la Segunda República. Un gesto que no solo dignifica la memoria histórica, sino que denuncia los silencios y omisiones del relato oficial en torno a la cultura popular.

Formada durante la pandemia, la banda madrileña ha construido una identidad sonora que mezcla boleros, sones y jotas con guitarras del averno y una clara actitud de ruptura. Juanjo Ozzio (voz y guitarra), Iñaki Cheerleader (guitarra principal), Sebass (bajo) e Iván “Santo” Santana (batería) integran CHULA, una formación que se mueve entre el stoner rock, el rock alternativo y el folclore iberoamericano. Su sonido se nutre de influencias que van desde Queens of the Stone Age hasta los ritmos tradicionales hispanos, con un marcado acento castizo.

En Pichi, el grupo no solo renueva el sonido de un clásico, sino que lo somete a una lectura actual, fiel a su apuesta de reinterpretar la tradición desde una perspectiva crítica. Preguntándose abiertamente “¿somos conscientes de lo que bailamos en las verbenas?”, CHULA propone una revisión cultural que invita a cuestionar las costumbres asumidas y los símbolos festivos heredados sin reflexión.

La producción del single ha corrido a cargo de los propios miembros de la banda, reafirmando su compromiso con la independencia creativa y el control de su discurso artístico. La canción ya está disponible en plataformas digitales, y para conocer más sobre CHULA y sus próximos lanzamientos, se puede seguir su actividad en sus redes sociales.