Por sexto año consecutivo, la Fundación CEU presenta su tradicional villancico solidario a beneficio de Cáritas, una iniciativa que vuelve a unir música y compromiso social en plena Navidad. En esta edición, los protagonistas son Hermanos Martínez, quienes, acompañados por los niños del coro del Colegio CEU San Pablo Sanchinarro, interpretan el tema “Feliz Navidad”, compuesto en colaboración con Cadena 100. El videoclip del proyecto verá la luz el próximo 18 de diciembre y se enmarca dentro de la campaña navideña de Cáritas, que este año invita a la sociedad a implicarse activamente para que tener una vida digna deje de ser una cuestión de suerte, recordando que derechos como la vivienda, el empleo, la educación, la salud o la seguridad no deberían depender del azar.

Para Hermanos Martínez, participar en este villancico y apoyar la labor de Cáritas ha supuesto una experiencia especialmente significativa. El grupo destaca que les ha permitido comprobar cómo, cuando se comparte, la música puede convertirse en una herramienta real para ayudar, concienciar y transmitir valores de solidaridad y humanidad. Cantar por una buena causa, aseguran, da aún más sentido a su trabajo artístico y conecta directamente con el verdadero significado de la Navidad: estar cerca, acompañar y mirar a los ojos a quienes tenemos alrededor, especialmente a quienes atraviesan momentos difíciles.

“Feliz Navidad” no busca la perfección formal, sino que se plantea como un canto profundamente humano, capaz de ofrecer un respiro a quien lo necesite, de servir como recuerdo para quienes ya no están y de actuar como un recordatorio de que cualquier día puede ser una oportunidad para recomenzar. Con este mensaje, la Fundación CEU, Hermanos Martínez y Cadena 100 unen sus voces con un doble objetivo claro: recaudar fondos para Cáritas y encender en cada oyente una pequeña llama de esperanza.

El villancico solidario del CEU alcanza así su sexta edición, consolidándose como una tradición navideña con fuerte impacto social. En años anteriores, la iniciativa ha contado con la participación de artistas y grupos como Modestia Aparte, Hakuna, Siempre Así, Pastora Soler y Ainhoa Arteta. Toda la recaudación obtenida a través del código Bizum 00089 se destinará íntegramente a Cáritas, y la canción podrá escucharse a través de las redes sociales de Cáritas Española y de la Fundación Universitaria San Pablo CEU.

Hermanos Martínez nació en el seno de una familia profundamente vinculada a la música, donde Álvaro, Borja y Jaime crecieron rodeados de guitarras y de las melodías de The Beatles. Desde muy jóvenes comenzaron a componer sus propias canciones y en 2017 lanzaron su primer álbum, que dio paso a una exitosa gira por España en 2018. Tras una pausa motivada por compromisos profesionales y estudios en el extranjero, seis años después decidieron retomar su proyecto musical, acompañados de Efu y Alvarito y bajo la producción de Pablo Cebrián. Durante 2025 han recorrido España con una intensa gira, agotando entradas en salas como La Riviera en Madrid y sumando actuaciones en citas como El Jardín de las Delicias, las Fiestas del Pilar de Zaragoza o Starlite Xmas, con un 2026 que se presenta cargado de nueva música y directos.

“Feliz Navidad” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Hermanos Martínez y estar al tanto de sus próximos lanzamientos, conciertos y proyectos solidarios, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Lucila de la Fuente lanza “Parque de atracciones”, una propuesta pop con alma mediterránea que combina nostalgia, dramatismo y una crítica sutil al turismo masivo y a los clichés asociados a lo sureño. La canción transforma lo que parece una historia de amor de verano en una metáfora más profunda sobre los lugares que se usan, se disfrutan y se abandonan, capturando con sensibilidad el pulso emocional de quienes viven entre la identidad propia, la memoria y las expectativas ajenas.

Escrita originalmente para su candidatura al Benidorm Fest, “Parque de atracciones” fusiona el pulso de las baladas pop internacionales con la emoción del pasodoble, dando lugar a un sonido cálido, contemporáneo y profundamente reconocible. Bajo esa apariencia luminosa, la canción reflexiona sobre cómo ciertos espacios —una playa, un barrio, una ciudad— van perdiendo parte de su esencia cuando se transforman para satisfacer miradas externas, sin señalar culpables concretos pero cuestionando la arrogancia de pensar que todo puede moldearse según quien más paga.

En el plano musical y emocional, Lucila rinde un homenaje sutil a referentes que marcaron el imaginario colectivo, como Massiel con “La, La, La”, Lucía con “Él” y la icónica “Mediterráneo” de Joan Manuel Serrat. A ello se suma el sample del pasodoble “España Cañí”, que completa el universo sonoro de la canción. Estas referencias no aparecen desde la imitación, sino desde la emoción, filtrándose en los pliegues melódicos, en el carácter de la voz y en una forma de narrar que mira de frente a la nostalgia.

Sobre el origen del tema, la cantautora explica que lo escribió entre finales de octubre y principios de noviembre de 2025, mientras vivía en Estocolmo, recién llegada y sin una red de contactos, en plena búsqueda de abrirse camino como compositora. En ese contexto, le impactó comprobar cómo muchas personas reducían España a recuerdos de alcohol barato, playas o apartamentos, dejando de lado casi por completo los aspectos culturales, una experiencia que le generó tristeza y que terminó dando forma al trasfondo de la canción.

En “Parque de atracciones”, Lucila juega conscientemente con estereotipos reconocibles como la costa blanca, el baile, los labios rojos o el sol omnipresente, utilizándolos tal y como suelen proyectarse desde fuera, como postales vivas o papeles que hay que interpretar. Desde ahí, la canción cuestiona esa mirada simplificada y cómoda que convierte ciudades, culturas y personas en productos turísticos, reforzando la idea de que todo puede consumirse sin consecuencias.

“Parque de atracciones” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Lucila de la Fuente, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Sonia Gómez regresa a la escena musical con su nuevo lanzamiento “10 Minutos”, un single pop cargado de frescura, picardía y un sutil aire nostálgico que conecta con sonidos de otras épocas sin renunciar a una producción actual y novedosa. La canción refleja una actitud directa y decidida, manteniendo ese equilibrio entre lo clásico y lo contemporáneo que define esta nueva etapa de la artista.

“10 Minutos” funciona como una clara declaración de intenciones: o se da el paso, o se pierde la oportunidad. A través del concepto del tiempo, Sonia construye un mensaje con un toque canalla en el que deja claro que no está dispuesta a seguir esperando a nadie ni a desperdiciar minutos que no vuelven. Es una canción que habla de tomar decisiones, de valorarse y de vivir el presente con determinación.

El tema nace de una sesión de estudio marcada por la naturalidad y la energía positiva. La propia artista ha confesado que el proceso fue espontáneo y sincero, centrado en disfrutar, experimentar y dejarse llevar, algo que se percibe claramente en el resultado final. “10 Minutos” ha sido compuesto por Sonia Gómez junto a Héctor Hugo Izquierdo y Noemí Pérez, y producido, mezclado y masterizado por Tato Latorre, quien también ha participado en la instrumentación, logrando un sonido pulido, dinámico y con una fuerte personalidad.

Con este lanzamiento, Sonia Gómez reafirma su lugar como una de las voces pop a seguir, combinando carisma, sensibilidad y letras cercanas que conectan de forma directa con el público. “10 Minutos” es solo un adelanto de la nueva etapa que está construyendo, más madura y fiel a su esencia, y marca el inicio de un camino que promete grandes pasos, siempre con la premisa clara de no perder el tiempo.

Además, la artista ya ha confirmado sus próximas fechas en directo, donde presentará este nuevo single ante el público. Sonia Gómez actuará el 28 de mayo de 2026 en Madrid, dos citas imprescindibles para disfrutar de su música en vivo.

Después de varios años de silencio, búsqueda personal y redefinición artística, el exintegrante de AURYN, Carlos Marco, regresa a la música como solista con “SUPERFICIAL”, un tema de pop electrónico que marca el inicio de una nueva etapa en su trayectoria. Se trata de un regreso que combina vulnerabilidad, madurez y un sonido contemporáneo, situando al artista en una línea creativa más honesta y emocional.

“SUPERFICIAL” es una reflexión directa sobre las relaciones actuales, caracterizadas por conexiones rápidas, intensidades pasajeras y vínculos que rara vez llegan a profundizar. La canción aborda el miedo a sentir demasiado, a mostrarse tal como uno es y a dejar caer las defensas emocionales. En ese choque entre la independencia, la prisa y el desapego aparece el deseo de una conexión real que el protagonista nunca termina de encontrar.

El tema está compuesto por Carlos Marco junto a Tony Sánchez-Ohlsson y producido por Alba Reig, integrante de Sweet California. Musicalmente, “SUPERFICIAL” fusiona melancolía y energía en una producción directa que incorpora elementos de synthwave e indie pop, sin perder el pulso mainstream. Este lanzamiento supone además un punto de inflexión en su carrera, ya que por primera vez, tras siete discos publicados, Carlos Marco canta íntegramente en español, acercando aún más la emoción de la canción al público.

El videoclip refuerza el concepto de esta nueva etapa a través de una potente metáfora visual: romper el hielo, tanto a nivel profesional como emocional. En él, Carlos Marco aparece atrapado en un universo congelado, intentando conectar con alguien que vive desde la frialdad y lo percibe solo como una opción más entre muchas. Una imagen que simboliza su propio proceso personal y artístico.

Con más de quince años de trayectoria, Carlos Marco es un artista multidisciplinar que ha desarrollado su carrera como cantante, compositor, productor, director musical y presentador. A lo largo de su camino ha publicado siete discos, alcanzando siete números uno en ventas, superando las 200.000 copias vendidas y sumando tres discos de platino, un disco de oro, dos Premios LOS40 y un MTV EMA a Mejor Artista Europeo, entre otros reconocimientos.

Su voz ha formado parte de bandas sonoras como “Cuando te volveré a ver” de Rompe Ralph (Disney) y “Atrapa la bandera” (Mediaset Cinema). Además, ha compuesto para artistas nacionales e internacionales y ha firmado sintonías televisivas como la de Mask Singer. En paralelo, compagina su carrera musical con su labor como presentador y colaborador en medios como Los 40, Europa FM, Telecinco y Antena 3, y ha sido jurado y director musical en formatos de éxito como Got Talent, Mask Singer, The Dancer, Drag Race, Idol Kids y más de una veintena de producciones audiovisuales.

Más allá del escenario, Carlos Marco también ha desarrollado una sólida faceta empresarial. Publicista de formación, ha construido un ecosistema profesional de referencia dentro de la industria musical española, que abarca escuelas de canto, sellos discográficos y agencias de management.

Con “SUPERFICIAL”, Carlos Marco inaugura una etapa más madura, emocional y contemporánea en su carrera. Un proyecto en el que se desnuda artística y personalmente, combinando una producción de pop electrónico moderno, una identidad vocal propia y un mensaje íntimo que conecta con una generación que necesita volver a sentir algo real.

Desde este viernes 12 de noviembre ya está disponible en todas las plataformas digitales y YouTube “DANCE OR DIE”, el nuevo single y videoclip de SORAYA. Tras un breve respiro con su anterior tema, “Placebo”, la artista vuelve a subir revoluciones para poner a bailar estas navidades con un nuevo adelanto de su disco “Ilúmina”.

“Dance or die” es un tema con un profundo carácter cinematográfico plagado de estrofas dramatizadas que cuentan una increíble historia que nos lleva a un potente drop en el estribillo.

El single va acompañado de un videoclip, de potente imagen, en el que veremos la faceta más actoral de Soraya junto a un ecléctico elenco de artistas que conviven en este universo que nos interpela directamente ¿bailas o mueres?

 El idilio de Soraya con la música de baile se remonta hasta sus inicios. Ya en su paso por Operación Triunfo firmó una de las actuaciones más icónicas en la historia del formato con el éxito de la música disco “I am what i am” de Gloria Gaynor. Tras sus primeros temas inéditos más enfocados en otros estilos, la cantante empieza a coquetear con géneros más bailables en sus discos de versiones de los 80´s incluyendo varios hits y remixes de clásicos del género disco.

Tras su paso por Eurovisión en 2009 se le abren las puertas de Europa y es ahí cuando la carrera de la artista empieza a girar a la electrónica. En los años posteriores actúa por diferentes países y firma colaboraciones con importantes figuras internacionales como Kate Ryan o Antoine Clamaran y actúa junto a David Guetta entre otros.

Toda esta experiencia internacional abre el camino a dos discos de música pop electrónica. En 2010 se lanzan “Dreamer” y su reedición “Dreamer Reloaded” que cuentan con el trabajo de importantes productores y DJ´S internacionales como Juan Magán, Wally López, Bedük, Antoine Clamaran, Iván Torrent y Jordi Garrido (TeeandGee). El disco llegó a ser número 1 en España y entró con fuerza en Francia gracias al éxito de las colaboraciones con Clamaran “Live your dreams” y “Stick Shift”.

En 2013, y tras el éxito de otro de sus hits electrónicos “Con Fuego”, llega el que para muchos es el mejor disco en la carrera de Soraya. “Universe in me” y su Edición Deluxe son el resultado de un minucioso trabajo de corte internacional junto al equipo sueco Tortuga, compuesto por Isabel Guzmán, Jockim y Bjorn Olovsson.  La grabación a caballo entre Madrid y Estocolmo estuvo marcada por la producción de  Ollie Olsson, responsable de trabajos para artistas de la talla de Robyn, Morcheeba, Teddybears o Snoop Dogg. En el disco destacan temas como “Plastic”, “Neon Lovers” o "Is it worth it", compuesto por el referente del dance estadounidense Kerli.

Tras varios años en los que su vida personal marcó un camino musical diferente, Soraya regresa ahora con más fuerza que nunca a las pistas de baile. Para esta nueva etapa la artista se ha rodeado de un joven, pero talentoso equipo de trabajo para crear “Ilumina”, el disco con el que volverá a su género predilecto: el pop electrónico.

María Gil presenta junto a Haze su nuevo single “Mi Momento”, una poderosa colaboración que fusiona la emoción del flamenco con la contundencia del rap, dando forma a una canción profundamente honesta que habla de esfuerzo, identidad y perseverancia. El tema nace como un reflejo de las vivencias personales de ambos artistas y del camino recorrido hasta acercarse a sus sueños, convirtiéndose en un relato musical de resistencia y fe en uno mismo.

“Mi Momento” destaca por unir dos universos musicales que, lejos de enfrentarse, dialogan con naturalidad. El cante de María Gil aporta sensibilidad, raíz y emoción, mientras que los versos de Haze suman fuerza narrativa, crudeza y verdad. La canción habla de luchar cuando todo parece cuesta arriba, de no rendirse ante las caídas y de recordar siempre de dónde se viene, un mensaje que atraviesa toda la letra y conecta con la experiencia vital de sus intérpretes.

María Gil, artista murciana de tan solo 19 años, continúa consolidando una propuesta personal que bebe del flamenco y lo mezcla con estilos como el pop, la bachata y otros géneros actuales. Tras lanzamientos como “Bendito Amor”, da un paso firme con “Mi Momento”, mostrando una madurez artística notable y una voz que transmite convicción, vulnerabilidad y determinación. En este single, su interpretación se convierte en el eje emocional de la canción, sosteniendo un mensaje de esperanza y superación.

A su lado, Haze, nombre artístico de Sergio López Sanz, aporta su inconfundible sello de rap flamenco y su mirada callejera y reflexiva. Referente del rap sevillano, Haze cuenta con una trayectoria marcada por la coherencia y el compromiso con la palabra. Más allá de la música, su historia personal suma peso al discurso de la canción: retomó sus estudios, aprobó el acceso a la universidad, se graduó con sobresaliente en Filología Hispánica y actualmente ejerce como profesor, utilizando la literatura como herramienta para motivar a los jóvenes. Además, es autor del libro “El niño que salió del barrio”, donde recopila poemas y canciones que narran momentos clave de su vida, muchos de ellos en sintonía con el espíritu de “Mi Momento”.

La producción del tema corre a cargo de Raúl Nadal y Skash, mientras que la grabación fue realizada por Pedro Alba y Manu MB. La mezcla y el máster han sido trabajados por Pedro Alba en La Línea Record, logrando un sonido equilibrado que respeta la esencia de ambos estilos y realza tanto la fuerza lírica como la carga emocional de la canción. El videoclip oficial se estrenó en noviembre de 2025, reforzando visualmente el mensaje de esfuerzo y constancia que define el single.

“Mi Momento” no es solo una colaboración, sino una declaración de intenciones. Es el encuentro de dos generaciones y dos caminos distintos que confluyen en un mismo mensaje: confiar en lo que se lleva dentro y seguir adelante pese a las dificultades.

“Mi Momento” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de María Gil y Haze, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Mister Fazo regresa con fuerza a la escena musical con el lanzamiento de su nuevo single “Mamacita”, una propuesta cálida, multicultural y vibrante que llega acompañada de su videoclip oficial y que ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales. Tras haber conquistado al público con su álbum Persévérance, masterizado en el reconocido Bomb Factory, el artista reafirma su identidad con un tema que conecta desde la emoción y la diversidad sonora.

Nacido en Bangui, en la República Centroafricana, y establecido desde hace años en Lyon, Mister Fazo ha construido una carrera marcada por la autenticidad y la honestidad artística. Autor, compositor e intérprete, se define sobre todo como un narrador sincero de vivencias reales. En “Mamacita” no solo entrega una canción, sino un grito del corazón que combina lo íntimo con lo universal, ideal para mantener la energía del verano incluso en plena temporada de regreso a clases.

El single destaca por su carácter bilingüe, mezclando francés y español de forma natural y fluida. Escrito por el propio Mister Fazo y con arreglos de Mister O, el tema cuenta con la colaboración de la cantante colombiana Maryludc (MDC), cuya química vocal con Fazo resulta evidente desde el primer compás. Juntos construyen una atmósfera envolvente que transita entre la sensualidad y la energía pura, rompiendo barreras idiomáticas y culturales.

“Mamacita” se apoya en una base de ritmos afro-urbanos, matices latinos y una actitud heredada del hip-hop, dando forma a una pieza que representa a la perfección el universo musical de Mister Fazo. Es música mestiza, directa y honesta, que huye de los clichés para apostar por una identidad sonora propia y reconocible.

En el apartado técnico, el tema fue masterizado en Altho-Studio, garantizando un sonido cuidado y de alta calidad. El lanzamiento se completa con un videoclip oficial pensado para conectar de inmediato con el público, reforzando el mensaje emocional de la canción y su espíritu multicultural. Con este estreno, Mister Fazo reafirma su misión artística: conmover desde la verdad, apostando por una música profundamente humana y sin artificios.

“Mamacita” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Mister Fazo y Maryludc, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

La banda Casa de Canes lanza su nuevo single “Yo No Elegí Vivir Sin Ti”, una canción íntima y honesta que aborda el amor desde un lugar poco complaciente: la ausencia, la aceptación y la permanencia emocional cuando una historia termina sin que exista una elección real. Lejos del dramatismo excesivo, el tema se construye desde la serenidad de quien asume la pérdida, pero reconoce que el sentimiento sigue habitando en algún lugar profundo.

Dirigida a un público adulto contemporáneo, la canción conecta con oyentes que valoran letras directas, arreglos sobrios y una interpretación sincera, sin artificios. “Yo No Elegí Vivir Sin Ti” pone el foco en esas relaciones que se rompen sin explicaciones claras, donde no hay culpables ni decisiones conscientes, solo la necesidad de aprender a convivir con lo que quedó incompleto.

Musicalmente, Casa de Canes reafirma su identidad sonora, fusionando el alma del blues, el pulso del reggae y la energía del rock en español, todo ello sostenido por una base rica en ritmos latinos y solos de guitarra intensos. Su sonido, que transita entre lo sensual y lo explosivo, aporta una voz singular al panorama del rock alternativo, con una propuesta emocional, arriesgada y profundamente rítmica.

La banda está formada por los hermanos Andrés Ruby en la voz y guitarra y Marco Ruby en batería y percusión, junto a Pedro Marín en el bajo, Alex Santo en la guitarra líder y Roberto Pérez en teclados y coros. Juntos construyen canciones que hablan de amor, deseo, identidad y resistencia, conectando con la herencia musical latina mientras empujan el género hacia nuevos territorios expresivos.

Con este nuevo lanzamiento, Casa de Canes invita a un viaje sonoro donde la tradición se encuentra con la rebeldía y el ritmo cuenta su propia historia, consolidando una propuesta que apuesta por la emoción real y el peso de las palabras. “Yo No Elegí Vivir Sin Ti” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Casa de Canes y estar al tanto de sus próximos lanzamientos y proyectos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

La artista urbana Babywine continúa demostrando su fuerza, disciplina y crecimiento dentro de la industria musical al posicionarse en tendencia con dos de sus temas al mismo tiempo, un logro que marca un antes y un después en su carrera.

Con una autenticidad inconfundible, una presencia que domina las plataformas digitales y un estilo que conecta directamente con el público, Babywine celebra este momento como uno de los más significativos de su trayectoria. Según expresó, esta noticia la llenó de tal emoción que “casi lloró al enterarse”, confirmando la importancia que tiene este avance para ella y para los fanáticos que la han apoyado desde sus inicios.

“Este logro representa sacrificio, trabajo constante y la fe que he puesto en mi proyecto. Tener dos canciones corriendo en tendencia al mismo tiempo es una bendición y una confirmación de que voy por el camino correcto”, compartió la artista.

El ascenso de Babywine llega en un momento clave, donde la escena urbana continúa exigiendo nuevas voces, propuestas frescas y figuras femeninas que eleven el movimiento. Su presencia en plataformas como Instagram, TikTok y Spotify ha logrado captar la atención de medios especializados, incluyendo portales como Trap House Latino, quienes destacaron el logro como parte de la nueva ola del género.

Con esta exposición orgánica, una nueva imagen profesional y estrategias de comunicación reforzadas, Babywine se prepara para nuevas colaboraciones, contenido visual de alto impacto y un calendario de trabajo que promete seguir llevando su proyecto a otro nivel.

Este comienzo confirma que Babywine no solo está en tendencia — está en su mejor momento artístico, posicionándose como una de las artistas féminas más prometedoras de la música.

Mau y Ricky regresan con fuerza y una visión renovada gracias al lanzamiento de “Te Quiero”, su nuevo single junto a Kapo y el primer paso de una etapa que, según ellos mismos, significa “volver a casa con la libertad creativa que siempre soñamos”. Esta nueva fase llega de la mano de Sony Music en alianza con su sello propio, Why Club Records, una combinación que les permite mantener la independencia artística que siempre han defendido, respaldada por una estructura global que impulsa su música a una escala aún mayor. Con este lanzamiento, el dúo venezolano reencuentra su esencia: energía, espontaneidad y una frescura que se convierte en la columna vertebral de lo que será su próximo álbum.

“Te Quiero” no solo sirve como carta de presentación del sonido que marcará esta nueva era, sino que también simboliza un regreso a lo genuino. La canción apuesta por la sencillez emocional y por una producción vibrante que conecta directamente con la identidad musical que Mau y Ricky han venido construyendo a lo largo de los años. La colaboración con Kapo inaugura una serie de uniones artísticas que formarán parte del disco, reflejando el deseo del dúo de crear rodeados de personas que sienten como familia. “Queríamos que esta etapa se sintiera como lo que más nos gusta, hacer música rodeados de nuestra gente”, han expresado.

La llegada de “Te Quiero” coincide además con un anuncio muy esperado por sus seguidores: Mau y Ricky presentarán esta nueva etapa en España, el país elegido como punto de partida para compartir en directo parte del álbum que están preparando. Los artistas han confirmado tres fechas en formato íntimo, una oportunidad única de verlos en cercanía y descubrir sus nuevas canciones antes del lanzamiento oficial. Estas presentaciones tendrán lugar el 5 de marzo en Barcelona, el 7 de marzo en Valencia y el 8 de marzo en Madrid, con entradas ya disponibles para el público.

Este movimiento artístico se complementa con uno de los pasos más trascendentes en la carrera de los hermanos Montaner: la apertura de Casablanca Studios en Miami, un espacio creado especialmente para potenciar su creatividad y convertirse en un lugar de encuentro para compositores, productores y amigos. Este estudio no solo funcionará como el epicentro de su nueva producción musical, sino también como un laboratorio creativo en el que planean desarrollar proyectos, colaboraciones y nuevas propuestas que trasciendan su propio repertorio.

Para Mau y Ricky, “Te Quiero” marca el comienzo de una etapa más auténtica, más personal y llena de posibilidades. Con una alianza discográfica estratégica, un estudio creativo propio, nuevas colaboraciones y un sonido que promete sorprender, el dúo se prepara para escribir uno de los capítulos más importantes de su trayectoria. Y, como ellos mismos han señalado, lo que vemos ahora es solo el principio de todo lo que está por venir.

Leire Martínez, en plena nueva etapa tras su salida de La Oreja de Van Gogh, y Edurne, una de las voces más icónicas del pop español, presentan No se me da bien odiarte, el primer dueto oficial entre ambas artistas y uno de los lanzamientos más esperados de la recta final de 2025. La canción, estrenada el 12 de diciembre, marca un momento clave tanto para la carrera solista de Leire como para la amistad y complicidad artística que las une desde hace años.

Después de convertirse en la voz de LODVG durante más de quince años, Leire inicia una nueva aventura creativa que desembocará en su primer álbum en solitario, Historias de aquella niña, previsto para febrero de 2026. Este proyecto representa un paso valiente en su evolución musical y emocional, un viaje íntimo hacia su propia identidad artística. En este contexto aparece No se me da bien odiarte, una colaboración cargada de significado que le permite explorar una sensibilidad distinta, más directa y confesional.

Edurne, conocida por su versatilidad y su capacidad para moverse con soltura entre el pop, el musical, la televisión y la interpretación, aporta su estilo característico a un dueto que ya está siendo comparado con las grandes colaboraciones femeninas del pop nacional. Con una trayectoria que incluye Eurovisión, teatro musical y su papel como presentadora y jurado en programas como La Voz Kids, Edurne refuerza aquí su imagen de artista cercana, sólida y con una sensibilidad vocal única.

No se me da bien odiarte aborda la dificultad de olvidar a alguien que ha marcado profundamente, aunque el amor se haya convertido en dolor. La letra expresa esa frustración íntima, ese deseo contradictorio de que la otra persona falle para poder cerrar un capítulo que se resiste a terminar. Su verso central resume a la perfección esa lucha interior: “No se me da bien odiarte, por favor pon de tu parte. Solo me falta rogarte y pedirte que me falles, porque prefiero mil veces una guerra entre los dos”. La interpretación conjunta de Leire y Edurne eleva este mensaje con una química vocal poderosa, unida por la honestidad y la emoción compartida.

La canción ha sido recibida con entusiasmo por medios y seguidores, que celebran el reencuentro de dos artistas con estilos distintos pero complementarios, capaces de construir un diálogo musical lleno de matices. El resultado es un tema que combina fuerza y vulnerabilidad, y que se perfila como uno de los duelos líricos más destacados del pop español contemporáneo.

No se me da bien odiarte ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Leire Martínez y Edurne, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlas muy de cerca a través de sus redes sociales.

La joven cantautora española Lu Decker, una de las voces emergentes más sensibles y prometedoras del pop actual, presenta Apago la Luz, un nuevo single que confirma su capacidad para transformar experiencias profundamente personales en canciones que tocan fibras universales. Nacida en Santa Cruz de Tenerife en 2005 y criada en Cantabria, Lucía de Décker Bustamante —conocida artísticamente como Lu Decker— ha construido una comunidad masiva desde el confinamiento de 2020 gracias a sus covers, mashups y composiciones compartidas en TikTok, donde supera los dos millones de seguidores. Su talento como compositora y multiinstrumentista, junto con una voz dulce cargada de intención, la han convertido en una figura destacada de la nueva generación del pop español.

Apago la Luz muestra una faceta especialmente vulnerable de la artista. Con un estilo que se mueve entre la balada acústica y la emoción cinematográfica, la canción se adentra en el territorio del perdón, la ausencia paterna y la complejidad de reconciliarse con un pasado que marcó la infancia. La letra, de enorme carga emocional, parte de un sueño premonitorio —“Puede que anoche en un sueño alguien vino a decirme que te vas”— para construir un diálogo íntimo entre una hija y el padre que nunca estuvo, pero al que ahora acompaña en su despedida definitiva. Los versos despliegan una narrativa desgarradora y madura, especialmente al confrontar la contradicción de quien sufrió la ausencia pero aun así elige sostener, perdonar y apagar la luz en el último momento.

El tema destaca por imágenes potentes como “si un monstruo viene a verte me toca a mí vigilar, como nunca lo hiciste tú”, un reflejo de cómo la artista transforma el dolor en una especie de amor final, honesto y compasivo. Apago la Luz se inscribe dentro del universo confesional que caracteriza a Lu Decker, quien ha explorado distintos paisajes sonoros —pop electrónico, baladas íntimas e incluso ritmos inspirados en el funk carioca— sin perder nunca la sensibilidad que la define.

Esta nueva canción se suma a su creciente repertorio de éxitos, antecedido por temas como La carta que nunca te escribí, que supera los 17 millones de reproducciones en YouTube y ha consolidado su presencia como una compositora con un talento singular. Con reconocimientos como el Premio TikTok España en 2021 y una audiencia que crece con cada lanzamiento, Lu Decker continúa afianzándose como una de las voces jóvenes más importantes del panorama musical.

Apago la Luz ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Lu Decker, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

GALE y Abraham Mateo vuelven a unirse para darle nueva vida a su exitosa colaboración No Quería Quererte, esta vez con el lanzamiento oficial de su videoclip, una pieza cargada de estética, sensualidad y una narrativa visual que intensifica la conexión explosiva presente en la canción. El tema, incluido en Lo que puede pasar —el segundo álbum de estudio de la cantautora puertorriqueña— suma ahora una nueva dimensión gracias a este estreno, que celebra el gran momento creativo que ambos artistas atraviesan.

En el videoclip, GALE y Abraham Mateo interpretan la historia de un amor que aparece sin aviso, una atracción que se resiste, pero que finalmente domina cada gesto y cada mirada. La producción audiovisual refleja con precisión la ironía y el magnetismo que plantea la letra del tema, donde los protagonistas intentan evitar un sentimiento que, a pesar de sus advertencias internas, termina siendo inevitable. La tensión se potencia con escenas que juegan con luces intensas, atmósferas nocturnas y una coreografía emocional que acompaña versos como: “No quería quererte, no quería quererte… pero cuando me miras con esos ojitos, me dan ganas de comerte.”

El ritmo pop/dance del single se traslada al lenguaje visual mediante movimientos fluidos, colores vibrantes y una estética contemporánea que mezcla sensualidad y vulnerabilidad. La voz rasgada de GALE y la versatilidad vocal de Abraham Mateo encuentran eco en una puesta en escena que resalta la química artística entre ambos, consolidándose como uno de los duetos más sólidos y atractivos del pop latino actual.

GALE, nominada a Mejor Nuevo Artista en los Latin Grammy 2023 y reconocida compositora para figuras como Shakira, Christina Aguilera, Juanes y Anitta, confirma nuevamente su madurez creativa. Su presencia en el videoclip exhibe fuerza, actitud y una estética personal que conecta con su sello musical: un pop cargado de energía, influencias punk y ritmos latinos.

Abraham Mateo, uno de los artistas más versátiles del panorama pop latino, aporta su carisma y sensibilidad a la producción visual. Con una carrera que lo llevó a la fama internacional desde muy joven y colaboraciones con Jennifer Lopez, Luis Fonsi o Sebastián Yatra, su interpretación en el videoclip refuerza su estilo camaleónico y su capacidad para transmitir emoción en cada escena.

El videoclip de No Quería Quererte no solo complementa la historia detrás del tema, sino que la amplifica, convirtiéndose en una pieza indispensable para los seguidores de ambos artistas. Con una producción impecable, imágenes sugerentes y una narrativa cargada de pasión contenida, el estreno promete convertirse en uno de los momentos audiovisuales más comentados del año dentro del pop latino.

El videoclip de No Quería Quererte ya puede disfrutarse en YouTube, mientras que el tema se encuentra disponible en todas las plataformas digitales. Para seguir de cerca los próximos lanzamientos, videoclips y proyectos de GALE y Abraham Mateo, no dudes en acompañarlos a través de sus redes sociales.

El Coca-Cola Flow Fest vivió uno de sus momentos más inesperados y memorables cuando Enzo Durand y la leyenda argentina del rap freestyle, Cacha, aparecieron juntos en el Coke Studio Stage para interpretar su colaboración Que Dios te bendiga. La multitud, eufórica, gritó el título del tema como si se tratara de un mantra colectivo, y aunque no había sacerdotes en el escenario, la energía se sintió casi espiritual: eran Enzo y Cacha predicando su música ante miles de seguidores que no dudaron en elegirlos incluso por encima de presentaciones simultáneas de artistas como Nata y Cris MJ.

La actuación fue una de las grandes sorpresas que el festival tenía guardada para los fieles amantes del movimiento urbano. Enzo Durand, artista emergente de la Ciudad de México nacido el 7 de marzo de 2001, ha logrado convertir cada escenario en una auténtica catedral del género urbano. Su estilo versátil, con melodías pegadizas y un flow marcado, lo posiciona como una de las promesas más sólidas del R&B y el trap nacional, recordando por momentos a referentes contemporáneos como Chris Brown o Tory Lanez.

A su lado brilló Cacha, nacido en Lobería, Buenos Aires, cuyo nombre real es Eduardo Ignacio Cachavilano. Reconocido mundialmente como uno de los freestylers más hábiles y respetados, ha dejado huella en competencias icónicas como El Quinto Escalón, FMS Argentina y Red Bull Batalla de los Gallos. Su dominio del doble tempo y su capacidad para conectar con el público lo han convertido en una figura indispensable del rap argentino. En los últimos años ha expandido su carrera hacia la música grabada, mudándose a Miami para enfocarse en su álbum y evolucionar su propuesta artística.

Que Dios te bendiga, una de las colaboraciones más recientes de ambos artistas, fusiona elementos de house y dancehall con las raíces urbanas que los caracterizan. La canción, nacida de un encuentro orgánico en el estudio, captura la vulnerabilidad emocional que ambos compartían al atravesar rupturas personales similares. Esta coincidencia dio forma a un tema de desamor que, lejos de la confrontación, apuesta por la sanación, el valor propio y el deseo sincero de bienestar para quien se marcha, aunque duela.

El recibimiento del público ha sido notable, y su interpretación en el Coca-Cola Flow Fest lo confirmó: la conexión entre Enzo Durand y Cacha trasciende géneros y escenas, generando un momento inolvidable para los seguidores del universo urbano. Con esta colaboración, ambos artistas consolidan no solo su crecimiento individual, sino también un puente artístico entre México y Argentina que promete seguir dando de qué hablar.

La escena rock española recibe un nuevo impulso con el lanzamiento de “Auxilio”, el primer single de ÉVAT, una banda madrileña formada en 2024 que irrumpe con una propuesta sonora y conceptual tan contundente como necesaria. “Auxilio” es una llamada de socorro convertida en canción, un clamor que denuncia la velocidad con la que nacen y mueren las modas y la presión constante por encajar en una sociedad que convierte la identidad en un producto desechable. Frente a ese vértigo, ÉVAT apuesta por la autenticidad, por la crítica social y por una música que nace desde la emoción y el inconformismo.

El tema combina riffs afilados, instrumentales intensas y una interpretación vocal cargada de angustia, mezclando la tradición del Rock Clásico con influencias diversas, resultado de las distintas sensibilidades de cada integrante del grupo. Con frases como “Experimentan conmigo siempre” o “Vas pasado de moda”, la banda expone el peso de la presión social y da voz a quienes se sienten obligados a ajustarse a estándares efímeros que no representan quiénes son realmente.

ÉVAT está integrado por Teff como vocalista, Gloria Enamorado a la guitarra, Diego Garrido a la batería y Carlos De Las Heras al bajo. Juntos crean un sonido que rompe moldes, jugando con elementos del Rock, pero también explorando más allá: influencias de jazz, blues, técnicas modernas y efectos que tejen una identidad musical propia. Su filosofía es clara: incomodarse para crecer, arriesgar para decir algo relevante y utilizar la música como espacio de expresión honesta y crítica.

“Auxilio” es solo el primer paso de un proyecto que nace de la inconformidad y de la defensa del arte con alma. La banda se propone abordar temas humanos, incómodos e incluso tabú, combinando sensibilidad artística con una energía que impacta desde la primera escucha. Buena muestra de ello es el sonido heterogéneo del single, donde cada cambio, cada riff y cada golpe de batería busca transmitir emoción y dejar una marca en quien escucha.

“Auxilio” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de ÉVAT, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, conciertos, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

La cantante rusa Svetlana Goncharova y el artista español Roberto Liaño unen fuerzas para presentar una nueva y cautivadora interpretación de Quién Será, transformando el icónico clásico en una bachata moderna cargada de elegancia, emoción y sensibilidad. La colaboración destaca por la cálida y envolvente voz de Svetlana, que imprime un matiz íntimo y apasionado a la canción, mientras que Roberto Liaño aporta su sello característico en la producción, fusionando ritmos latinos con un sonido contemporáneo de proyección internacional.

La versión ofrece una lectura fresca del tema original, respetando su esencia melódica pero transportándolo a un terreno rítmico donde la bachata se convierte en el vehículo perfecto para reforzar su nostalgia y romanticismo. El resultado es una pieza que conecta tanto con los amantes de lo clásico como con las nuevas generaciones, gracias a un arreglo que equilibra tradición y modernidad.

Svetlana Goncharova y Roberto Liaño, ambos comprometidos con la creación de música que traspasa fronteras culturales, consolidan con esta colaboración una alianza artística que promete seguir explorando sonidos globales y emocionantes. Su reinterpretación de Quién Será reafirma la voluntad de ambos artistas de tender puentes entre estilos, idiomas y sensibilidades, ofreciendo al público una propuesta única dentro del panorama latino actual.

ATK Epop estrena “De rosas y espinas”, el tema que pone punto final a su nuevo EP Nunca se pondrá el sol, una obra en la que convergen sensibilidad, honestidad y un enfoque profundamente emocional del amor. La canción reúne nuevamente a Valeria C y Álvaro Sanz, quienes ya habían demostrado una química vocal especial en trabajos anteriores, y aquí vuelven a encontrarse sobre una producción luminosa, íntima y cuidadosamente equilibrada.

“De rosas y espinas” aparece como la conclusión perfecta del EP, ofreciendo una mirada transparente a la dualidad del amor: lo bello y lo doloroso, lo que florece y lo que hiere. A lo largo de la canción, la letra transita por recuerdos marcados por la intensidad, como el verso “Cuarenta noches sin dormir por tu culpa”, una confesión que resume el desvelo, la ausencia y ese rastro persistente que dejan las historias importantes. La narrativa, cargada de nostalgia, invita a volver al lugar donde nació un sentimiento que permanece en el tiempo, perfumado por ese “aroma del rosal” que simboliza todo lo vivido.

El estribillo —“De rosas y espinas, el amor y el dolor… lo bonito y lo peor que nos trae el amor”— concentra la esencia del tema: una balada que no teme hablar de las contradicciones del afecto, de los contrastes que lo hacen tan humano. ATK Epop construye un paisaje sonoro que abraza con suavidad y profundidad cada verso, dejando espacio para que las voces de Valeria C y Álvaro Sanz se entrelacen con una naturalidad conmovedora.

Desde la producción se percibe un trabajo minucioso que busca potenciar la vulnerabilidad del texto sin restarle claridad emocional. El resultado es un cierre que resuena más allá de la última nota, invitando al oyente a reconocer en la música sus propias contradicciones afectivas. La imperfección, en “De rosas y espinas”, se convierte en poesía: un recordatorio de que el amor deja cicatrices, pero también el perfume de lo que alguna vez fue bello.

Con este lanzamiento, ATK Epop consolida Nunca se pondrá el sol como un proyecto cargado de coherencia artística y sensibilidad, subrayando su capacidad para unir talento, emociones y una narrativa cuidada. “De rosas y espinas” no solo funciona como epílogo del EP, sino como una pieza que invita a la introspección y al abrazo de las experiencias que marcan la vida de manera indeleble.

Los artistas urbanos Vakero y Farruko presentan su nueva colaboración, “Arte Remix”, un tema que fusiona el sabor del rap y el hip hop dominicano con la versatilidad del reguetón y la música urbana puertorriqueña. Lanzado el 5 de diciembre de 2025, el remix ofrece una nueva dimensión a “Arte”, el sencillo original de Vakero, consolidando la unión de dos generaciones de la música latina.

Vakero, conocido como “El Cantante de los Raperos”, es un referente del movimiento urbano dominicano. Originario de San Pedro de Macorís, ha sabido combinar el rap y el hip hop con ritmos tropicales como merengue, salsa, bachata y dembow, convirtiéndose en un pionero de la fusión dentro del género. Su voz ronca y su flow característico han marcado hits como “Se Partió El Lápiz” y “Qué Mujer Tan Chula”, consolidando su legado en la música urbana de República Dominicana.

Por su parte, Farruko, oriundo de Puerto Rico, es uno de los artistas más influyentes de la música latina actual. Conocido por su versatilidad, ha explorado el reguetón, trap, dancehall, pop y música electrónica, alcanzando proyección internacional con éxitos como “Pepas”. Su incorporación a “Arte Remix” aporta un toque fresco y global, ampliando el alcance del sencillo original y fortaleciendo la conexión entre el sonido dominicano y puertorriqueño.

“Arte Remix” mantiene la esencia romántica del tema original, convirtiéndose en una oda a la mujer. La letra emplea metáforas artísticas para describir la belleza y el valor de la persona amada, con frases destacadas como: “Yo te miro a los ojos y veo Arte, eres un en un millón, eres aparte, mami por todos los siglos voy a amarte”. El resultado es un tema sensual, emotivo y bailable, que combina melodías melódicas con la fuerza rítmica que caracteriza a ambos artistas.

El lanzamiento de este remix refuerza la relevancia de Vakero dentro de la música urbana latina y permite a Farruko continuar consolidando su presencia en colaboraciones internacionales. La producción logra un equilibrio entre el sonido auténtico del rap dominicano y la energía contemporánea del reguetón, logrando un tema listo para sonar en clubes, plataformas digitales y radios de todo el continente.

“Arte Remix” ya se encuentra disponible para escuchar en plataformas digitales, ofreciendo a los fanáticos de ambos artistas una versión renovada y potente de un tema que celebra la pasión y el arte en la música urbana. Para seguir de cerca la carrera de Vakero y Farruko, conocer sus próximos lanzamientos y proyectos, se puede seguir a ambos a través de sus redes sociales.

La cantautora Sofía Ellar regresa con “Te Dejo En Alto”, un single profundamente emocional que reafirma su capacidad para narrar, con honestidad y delicadeza, los procesos internos que acompañan una ruptura. La canción se convierte en un testimonio sincero sobre el final de una historia de amor, donde el respeto por lo vivido convive con la necesidad de tomar distancia y recuperar la propia voz. Con su sensibilidad habitual, Ellar transforma el duelo en una reflexión luminosa sobre la libertad emocional, el valor de soltar y la importancia de dejar a la otra persona en lo más alto, incluso cuando los caminos se separan.

“Te Dejo En Alto” destaca por una letra cuidada, íntima y profundamente humana, tejida entre recuerdos, escenarios compartidos y casi cinco años de una vida a dos que dejaron huella. El contraste entre “te dejo en alto” y “déjame en bajo” funciona como el latido emocional del tema: despedirse con amor, aunque duela; protegerse cuando ya no queda nada que sostener. Sofía recorre estos paisajes sentimentales con su voz cálida y cercana, transmitiendo la mezcla de nostalgia, claridad y fortaleza que acompaña a quienes deciden seguir adelante sin rencor.

Sofía Ellar, nacida en Londres en 1993 y criada en España, ha construido una de las carreras independientes más sólidas de los últimos años. Con su estilo pop-folk melódico y narrativo, ha conquistado a un público fiel que la sigue desde sus inicios en redes sociales hasta la consolidación de álbumes como “Seis Peniques” (2017), “Nota en do” (2018) y “Libre” (2022), este último uno de los discos físicos más vendidos en España. Artista, compositora y empresaria, Ellar ha sabido mantener un proyecto propio que destaca por su autenticidad, su sensibilidad y su conexión emocional con la audiencia.

En “Te Dejo En Alto”, la artista muestra una vez más su habilidad para convertir vivencias personales —a menudo asociadas por el público con su ruptura sentimental en 2021— en canciones universales. El tema recoge imágenes potentes: noches compartidas, escenarios, decisiones que marcaron un “para siempre” que finalmente no fue. Todo ello envuelto en una producción cálida, sentimental y elegante, que refuerza la esencia narrativa de la composición.

La canción se extiende como un gesto de madurez emocional. Sofía honra los recuerdos mientras deja claro que también sabe poner límites: “Déjame en bajo, que yo seguiré cantando… y que barrer no fue lo nuestro, y mi suelo sigue brillando”. Una frase que resume la fuerza del mensaje: la vida continúa, y el brillo propio nunca debe apagarse.

“Te Dejo En Alto” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Sofía Ellar, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, conciertos, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

La cantautora gallega Sara Sístole inaugura una nueva etapa artística con el lanzamiento de “Paxaros”, su primera canción publicada en gallego y el segundo adelanto de su próximo LP. Tras el éxito de “Quiero decirte amor”, la artista vuelve con un tema íntimo, poético y profundamente emocional que confirma su crecimiento musical y su conexión cada vez más sólida con sus raíces.

“Paxaros”, producida por The New Raemon, se construye como un poema sonoro que dibuja imágenes de ternura al amanecer entre dos amantes. Es una canción que habla de cómo el amor no solo acompaña, sino que transforma: cambia la mirada, altera el paisaje interno y vuelve irreconocible lo cotidiano. Su estribillo, delicado y revelador —“Si vienes a por mí, tal vez, no pueda volver a mirar como miro... nada sea lo mismo”— resume la esencia de este viaje emocional. El lanzamiento llega acompañado de un videoclip cuidado y cinematográfico que amplifica la atmósfera íntima del tema, reforzando su dimensión sensorial.

Originaria de A Coruña, Sara Sístole se ha consolidado como una de las voces más emotivas del panorama estatal. Con su primer álbum, “Peces rojos”, producido por Nacho Mur (La M.O.D.A.), agotó entradas en el Café Berlín de Madrid y llamó la atención de la crítica y del público por su sensibilidad interpretativa y su habilidad para construir historias que llegan al corazón. Desde entonces, ha colaborado con artistas como Manu Martínez y actuado en salas tan emblemáticas como Clamores, Siroco, Libertad 8 o Casa de la Mar.

Su trayectoria incluye hitos como abrir conciertos de Gonzalo Hermida y María Parrado en La Sala del Movistar Arena, así como presentar su trabajo “De viento y sol” en una gira nacional. En los últimos años, ha estrechado lazos con músicos de Argentina y México, llevando su música más allá de España y apostando por una identidad internacional. Especial relevancia tuvo su colaboración, en febrero de 2025, con el reconocido artista argentino Coti, quien la invitó a compartir escenario en varias ocasiones, impulsando aún más su proyección.

“Paxaros” simboliza un paso importante en la evolución artística de Sara Sístole: cantar en su lengua materna, explorar nuevas texturas emocionales y anticipar un segundo LP que verá la luz en los próximos meses, nuevamente bajo la producción de The New Raemon. Este nuevo proyecto promete consolidarla como una de las voces más sensibles y auténticas de la nueva canción de autor.

“Paxaros” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Sara Sístole, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.