India Martínez es, desde hace años, una de las voces más reconocibles y respetadas de la música española. Nacida en Córdoba, la artista ha sabido construir una trayectoria sólida y coherente basada en una fusión muy personal entre el flamenco más puro, el pop étnico y sonoridades de raíz árabe y latina. Apodada con justicia como “la voz del sentimiento”, su forma de cantar conecta directamente con la emoción, el compromiso y la verdad, tres pilares que vuelven a cobrar todo su sentido en “Niño sin miedo”.

Este tema no es una canción más dentro de su repertorio. “Niño sin miedo” nace ligada a la banda sonora del documental Las huellas de el-Tarajal y se convierte en un grito de esperanza frente a una de las realidades más duras de nuestro tiempo: la crisis migratoria y, especialmente, la situación de los niños que cruzan fronteras huyendo de la violencia, la pobreza o la guerra. Desde el primer verso, la canción interpela al oyente y le obliga a mirar de frente una realidad que muchas veces se prefiere ignorar.

Uno de los elementos más sobrecogedores de la pieza es la colaboración con el Coro ArteSí, formado por niños y jóvenes vinculados a la ONG Olvidados. La unión de la voz desgarradora y llena de matices de India Martínez con las voces blancas, puras y frágiles del coro genera un contraste emocional que pone los pelos de punta. No hay artificio ni grandilocuencia, solo verdad, sensibilidad y un mensaje que golpea directamente en el pecho.

La letra de “Niño sin miedo” habla de la inocencia perdida, de la infancia que se ve obligada a madurar demasiado pronto y de la necesidad urgente de construir un mundo sin barreras físicas ni mentales. Versos como “Niño sin miedo, que no sabe de fronteras” resumen a la perfección la intención de la obra: recordar que, por encima de ideologías, políticas o discursos, está la humanidad y el derecho de todos los niños a vivir sin miedo.

Fiel a su forma de entender la música, India Martínez vuelve a demostrar que el arte también puede ser una herramienta de transformación social. No es casual que los beneficios y la visibilidad de este proyecto estén vinculados a causas humanitarias, apoyando a refugiados y familias en situación de extrema vulnerabilidad. En este sentido, la canción no solo se escucha, se siente y se comparte como un acto de conciencia colectiva.

A lo largo de su carrera, reconocida con nominaciones a los Latin Grammy y galardonada con un Goya por la canción principal de la película El Niño, India Martínez ha mostrado un compromiso constante con las emociones reales y los temas que importan. “Niño sin miedo” se suma a ese legado como una de sus obras más honestas y necesarias, una pieza que invita a parar, escuchar y mirar al otro con empatía.

“Niño sin miedo” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de India Martínez, estar al tanto de sus próximos proyectos y conocer más sobre su compromiso social y musical, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

EQS Música presenta “Roto”, el nuevo sencillo de Vinny Rivera junto a DerekVinci, una colaboración que eleva la bachata contemporánea a un plano más intenso, romántico y sofisticado. El bachatero internacional continúa consolidando su proyección global con una canción que combina sensibilidad, desamor y una producción moderna pensada para conectar con el público desde la primera escucha.

“Roto” es una bachata potente y emocional que habla de la vulnerabilidad que deja una relación quebrada, de esas heridas que no siempre se ven, pero que se sienten con fuerza. Vinny Rivera interpreta la letra con una honestidad palpable, transmitiendo el dolor, la nostalgia y la entrega emocional que caracterizan al género, pero llevándolos a un contexto actual y elegante que dialoga con nuevas audiencias.

La producción, firmada por DerekVinci, destaca por su solidez instrumental, arreglos cuidados y una atmósfera envolvente que potencia cada matiz de la voz. El equilibrio entre tradición y modernidad se convierte en uno de los grandes aciertos del tema, reforzando la identidad de Vinny Rivera dentro de la bachata contemporánea y demostrando que el género sigue evolucionando sin perder su esencia romántica.

Este lanzamiento también subraya el compromiso de EQS Música con la calidad artística y la proyección internacional de la música tropical, apostando por propuestas que respetan las raíces del género mientras exploran nuevos caminos sonoros. Con “Roto”, Vinny Rivera continúa expandiendo su carrera a nivel global, reafirmando su lugar como una de las voces a seguir dentro de la bachata actual.

“Roto” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Vinny Rivera y DerekVinci, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, colaboraciones y nuevos proyectos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

ATK Epop y Amaia Pop unen de nuevo fuerzas para dar forma a “Geometría del amor”, un álbum que funciona como un recorrido emocional por distintas maneras de amar, recordar y aceptar el paso del tiempo. A lo largo de ocho canciones, el proyecto despliega un universo donde el pop emocional, el synth pop, el indie pop y sorprendentes guiños a la raíz latina conviven con naturalidad, consolidando la complicidad artística entre la cantante y el productor.

El disco se construye como un viaje sentimental en el que cada tema representa una forma distinta de sentir. ATK Epop firma una producción elegante y versátil que se adapta al relato de cada canción sin perder coherencia. Desde el synth pop emocional de “Astronauta en tu corazón” y “Mecánico corazón”, hasta la madurez reflexiva que atraviesa “Llegando al final”, pasando por la sensibilidad directa de “Sentimental”, el álbum avanza con un pulso íntimo y sincero. Uno de los giros más llamativos llega con “Que no” y “Afortunado”, dos canciones que incorporan un imaginario mariachi y una raíz latina que amplían el universo sonoro del proyecto sin romper su equilibrio.

El tema que da nombre al disco, “Geometría del amor”, ocupa un lugar central tanto a nivel conceptual como emocional. Esta canción, que cierra el segundo trabajo de Amaia Pop junto a ATK Epop, resume la filosofía del álbum con una apuesta clara por la sencillez como forma de verdad. Con guitarras de Davi Sanz y un sonido indie pop relajado, el tema se aleja del dramatismo romántico para hablar de un amor estable, constante y casi matemático, donde el sentimiento no necesita crecer ni demostrarse para existir. Frases como “Yo te quiero igual / no te quiero más” se convierten en una declaración honesta que abraza la calma, la complicidad y la certeza frente a los excesos emocionales.

La producción acompaña este mensaje con una instrumentación ligera, atmósferas cálidas y una interpretación vocal cercana que refuerza la sensación de intimidad y equilibrio emocional. Todo en “Geometría del amor” parece estar medido al milímetro para que la emoción fluya sin artificios, dejando espacio a la experiencia y al reconocimiento personal del oyente.

Con este trabajo, ATK Epop y Amaia Pop firman un disco coherente, sensible y diverso, en el que cada canción es una pieza distinta de un mismo puzle emocional. Un álbum que entiende el amor desde la experiencia, la honestidad y el paso del tiempo, y que confirma la solidez de una colaboración artística que sigue creciendo con naturalidad.

“Geometría del amor” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de ATK Epop y Amaia Pop, estar al tanto de sus próximos lanzamientos y proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Laia Alcolea vuelve a escena con “Mentiras”, su nuevo single y primer lanzamiento tras la publicación de su debut discográfico El amor no debería doler. Con esta canción, la artista no solo retoma el relato emocional iniciado en su primer trabajo, sino que lo expande hacia territorios más oscuros, arriesgados y conceptuales, consolidando una identidad sonora cada vez más personal, valiente y contundente.

“Mentiras” se construye como un reguetón oscuro y visceral, alejado de los códigos convencionales del género. La producción se apoya en un paisaje sonoro denso y sofisticado donde conviven orquestas y pianos con sintetizadores de corte techno, diseños propios de la música experimental y la fuerza rítmica del reguetón contemporáneo. El resultado es una tensión constante entre lo orgánico y lo digital, entre lo clásico y lo electrónico, que sitúa la canción en un espacio fronterizo y profundamente emocional. En este cruce de lenguajes resuenan influencias de productores como Arca o Sega Bodega, referentes de una electrónica transgresora que prioriza la emoción y el riesgo creativo.

En el plano conceptual, “Mentiras” funciona como una declaración directa y sin concesiones. La canción pone en el centro la necesidad de decir la verdad en un contexto dominado por la mentira, reivindicando la intuición como esa señal interna que alerta de que algo no va bien incluso antes de poder nombrarlo. Laia explora ese territorio ambiguo entre la herida y la lucidez, entre el dolor y una forma de justicia emocional, donde la verdad aparece como la única herramienta capaz de enfrentarse a la falsedad y devolver el control a quien ha sido vulnerado.

Este nuevo single marca el inicio de una etapa creativa más radical tanto en el sonido como en el discurso. Con “Mentiras”, Laia Alcolea reafirma su voluntad de crear música que incomode, que cuestione y que atraviese, abriendo una nueva narrativa artística que promete seguir profundizando en los límites entre lo íntimo, lo emocional y lo político.

Además, el próximo 13 de febrero la artista presentará oficialmente en directo su primer trabajo, El amor no debería doler, en un concierto muy especial en el Café Berlín. Una cita clave que supone un punto de inflexión en su carrera y una oportunidad para experimentar en vivo la intensidad y la honestidad de un proyecto que no deja indiferente. Puedes comprar tu entrada aquí.

Mami K presenta “Tigresa”, un nuevo single que se mueve con soltura entre el urbano latino y el reggaetón, apostando por una energía intensa, actitud firme y un ritmo diseñado para dominar la pista de baile. La canción se construye desde una vibra de club actual, con un enfoque más oscuro y controlado, donde cada golpe rítmico refuerza un mensaje de poder femenino, seguridad y presencia.

“Tigresa” no es solo un tema para bailar, sino una declaración de identidad. A través de una producción contundente y envolvente, Mami K canaliza la fuerza, el instinto y la determinación que simboliza el título del single. La canción conecta con la estética del perreo contemporáneo, pero lo hace desde un lugar consciente, elegante y cargado de intención, lo que la convierte en una propuesta ideal para playlists de reggaetón, urbano latino y voces femeninas que marcan carácter.

El lanzamiento ya ha comenzado a generar una respuesta orgánica notable por parte del público, especialmente en redes sociales. En TikTok, uno de los vídeos vinculados al tema ha superado los 6.000 likes, un dato que refleja un interés real y creciente por la propuesta de la artista, así como la capacidad del single para conectar de forma natural con nuevas audiencias.

Mami K es una artista puertorriqueña que explora el perreo y la música urbana latina a través del movimiento, el ritmo y la identidad. Manteniendo su identidad personal en un segundo plano, su proyecto se centra en el sonido y la atmósfera, priorizando una estética cuidada y una energía de club que se siente tan física como emocional. Esta decisión refuerza el misterio y la fuerza de su propuesta, dejando que la música hable por sí misma.

“Tigresa” forma parte de una nueva etapa creativa que se inició con el single “PERREO” y que continuará desarrollándose con próximos lanzamientos en los que Mami K irá mostrando diferentes facetas de su sonido. Cada entrega amplía su universo artístico, consolidando una narrativa propia dentro del panorama urbano latino actual.

“Tigresa” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Mami K, estar al tanto de sus próximos lanzamientos y descubrir hacia dónde evoluciona su sonido, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

The Merchant’s Last Coin es una canción narrativa que se adentra en los territorios más sombríos de la ambición humana, la identidad y el coste emocional de perseguir el éxito sin límites. Concebida como una balada folk oscura, la pieza construye un relato poderoso y simbólico que funciona como una parábola contemporánea sobre todo aquello que se pierde cuando el deseo de prosperar se convierte en obsesión.

La historia gira en torno a un mercader que realiza un pacto faustiano con Mammon, figura asociada a la riqueza y la codicia. A cambio de oro y prosperidad material, el protagonista comienza a entregar sus recuerdos más valiosos, uno a uno, sin ser plenamente consciente de las consecuencias. El viaje narrativo arranca con su primera transacción, cuando vende “la canción de mi madre por un cofre de oro tan fuerte”, y avanza hacia pérdidas cada vez más íntimas y devastadoras, hasta que no queda nada salvo el eco frío del metal en salones vacíos.

A lo largo de la canción, la letra se apoya en una imaginería rica y evocadora que refuerza su carga simbólica. Balanzas doradas, lenguas de plata, rostros que se desvanecen y cadenas que se cuentan una a una construyen un universo visual cargado de significado, donde el brillo del oro contrasta con la progresiva desaparición de la memoria, la identidad y los vínculos afectivos. Cada imagen actúa como un recordatorio de que el verdadero valor no siempre se mide en riqueza material.

Musicalmente, The Merchant’s Last Coin envuelve esta historia en una atmósfera densa e íntima, propia del folk oscuro, permitiendo que el peso del relato sea el verdadero protagonista. La sencillez instrumental refuerza la sensación de vacío que crece a medida que el mercader acumula riquezas pero pierde aquello que le daba sentido a su existencia.

Más allá de su narrativa, la canción plantea una pregunta directa al oyente: qué estamos dispuestos a sacrificar en nombre del éxito y si el precio que pagamos merece realmente la recompensa. En ese sentido, The Merchant’s Last Coin no solo cuenta una historia ajena, sino que invita a una reflexión profunda y universal sobre las prioridades, la ambición y el valor de la memoria y la identidad en un mundo obsesionado con el logro y la apariencia.

Paula Koops se ha consolidado como una de las figuras más brillantes y reconocibles del llamado nuevo pop español, una generación de artistas que ha sabido recuperar la energía del pop-rock de los años 2000 para adaptarlo al lenguaje, la estética y las emociones de la Generación Z. Con una propuesta directa, divertida y cargada de honestidad emocional, la artista madrileña ha logrado conectar con un público joven que se reconoce en sus letras y en su forma de contar el amor y el desamor sin filtros.

Su salto a la popularidad llegó impulsado por una fuerte presencia en redes sociales, especialmente en TikTok, donde su carisma y cercanía hicieron que su música se viralizara rápidamente. Desde entonces, Paula Koops ha construido una identidad muy definida, tanto sonora como visual. Su estilo bebe del pop energético y melódico, con estribillos pegadizos y letras que hablan de relaciones, rupturas y contradicciones emocionales, todo ello acompañado de una estética inspirada en el instituto americano y el universo cheerleader, una experiencia que ella misma vivió durante su etapa de estudios en Inglaterra.

A lo largo de los últimos años, Paula ha encadenado una serie de éxitos que la han colocado en primera línea del panorama nacional. Canciones como “Línea 7”, “Odio que te quiero” junto a Marmi o “b.o.b.o” se han convertido en auténticos himnos generacionales. En 2024 dio un paso clave en su carrera con el lanzamiento de su primer álbum de estudio, MOTEL, un trabajo que consolidó su discurso artístico e incluyó colaboraciones destacadas como la de Ruslana, ampliando aún más su alcance y visibilidad.

Dentro de este contexto, Barcelona ocupa un lugar muy especial en la trayectoria de Paula Koops. Aunque no se trata solo de un título o una canción aislada, la relación de la artista con la ciudad condal se ha ido fortaleciendo a través de los años, especialmente gracias a sus directos y a una base de fans extremadamente fiel. Barcelona se ha convertido en uno de sus mercados más sólidos, una ciudad donde sus conciertos suelen colgar el cartel de entradas agotadas en cuestión de horas y donde su “familia”, como ella llama a sus seguidores, responde de forma masiva a cada convocatoria.

Esta conexión se ha visto reforzada durante su Novia del Año Tour y con la presentación de MOTEL, giras en las que Barcelona ha sido una parada clave. En sus conciertos en la ciudad, Paula Koops ha contado en varias ocasiones con invitados especiales de la escena catalana, como Miki Núñez, con quien comparte la canción “La Mitad”, o el propio Marmi, reforzando ese vínculo artístico y emocional con el público local. De cara a 2025 y 2026, la artista ya tiene programadas nuevas fechas importantes en Barcelona, incluyendo conciertos en salas emblemáticas como la Sala Apolo y participaciones en festivales de verano, confirmando que su relación con la ciudad sigue creciendo.

La canción “Barcelona” refleja precisamente ese lazo emocional, convirtiendo la ciudad en escenario y refugio tras una historia de amor que aún deja huella. A través de una letra íntima y nostálgica, Paula Koops narra la necesidad de cambiar de entorno para intentar olvidar, aunque el recuerdo persista. Barcelona aparece como un lugar donde nadie menciona a esa persona ausente, pero donde, paradójicamente, se piensa todavía un poco más. El tema conecta con cualquiera que haya buscado en una ciudad nueva la distancia suficiente para sanar, sin conseguir desprenderse del todo de lo vivido.

Con “Barcelona”, Paula Koops vuelve a demostrar su capacidad para transformar experiencias personales en canciones universales, manteniendo ese equilibrio entre ligereza pop y carga emocional que define su propuesta. Su éxito no es casual: responde a una forma honesta de contar historias, a una estética reconocible y a una conexión real con su público, que la ha convertido en una de las artistas imprescindibles del pop actual en español.

“Barcelona” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Paula Koops, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, conciertos, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

David Adavi presenta “Poison (Barcelona Fever)”, un nuevo single que reafirma su identidad dentro del latin dance-pop y que ya se perfila como una de esas canciones diseñadas para sonar alto en noches interminables, pistas de baile y playlists de verano. El tema, ya disponible en todas las plataformas digitales, destila una energía nocturna intensa, marcada por la sensualidad, el ritmo y ese magnetismo peligroso que nace cuando dos miradas se cruzan bajo luces de neón.

Extraído de su álbum “Sweet Sins”, también disponible en streaming, “Poison (Barcelona Fever)” es una declaración de amor a la ciudad de Barcelona y a todo lo que representa su vida nocturna: calor, música a todo volumen, cuerpos en movimiento y una atracción casi inevitable que juega con el riesgo y el deseo. La canción captura ese instante en el que la noche parece no tener fin y todo puede pasar, convirtiendo la experiencia urbana en un relato sonoro vibrante y adictivo.

Uno de los grandes aciertos del single es su carácter multicultural. David Adavi combina inglés con español, catalán y hebreo, reflejando una visión cosmopolita del pop actual y conectando con una generación que vive la música sin fronteras ni etiquetas. Esta mezcla de idiomas no solo aporta personalidad al tema, sino que refuerza su espíritu europeo y global, alineado con las nuevas tendencias del pop bailable.

La producción, a cargo de FMD (Fuchs/Marquesa/Delgado), apuesta por un sonido moderno, pulido y altamente bailable, donde los beats latinos se fusionan con una base dance-pop pensada para el club. El lanzamiento llega además acompañado de contenido exclusivo que amplía el universo del single: el Sagittopia Remix, una versión especialmente orientada a la pista de baile, y “White Light”, un bonus track inédito que no forma parte del álbum y que muestra otra faceta del proyecto.

Con “Poison (Barcelona Fever)”, David Adavi consolida una propuesta que combina sensualidad, ritmo y una narrativa urbana muy reconocible, posicionándose como una voz fresca dentro del pop latino europeo. El tema no solo invita a bailar, sino también a dejarse llevar por esa fiebre nocturna que convierte cada ciudad en un escenario lleno de tentaciones.

“Poison (Barcelona Fever)” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de David Adavi, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, remixes y nuevos proyectos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Ainoa Blanco y Anton Blanco vuelven a encontrarse musicalmente en “Caminito de estrellas”, una colaboración que reafirma la fuerza y la química artística de dos de los nombres más reconocibles del flamenco fusión actual. Ambos artistas han consolidado una presencia muy sólida dentro del panorama musical gracias a su capacidad para unir las raíces flamencas con el pop melódico y los ritmos urbanos y latinos, acumulando millones de visualizaciones en plataformas digitales y una comunidad de seguidores cada vez más fiel.

Aunque cada uno desarrolla su carrera de manera individual, sus colaboraciones se han convertido en un punto de referencia para quienes disfrutan del flamenco contemporáneo. Anton Blanco es conocido por su voz profunda y por su talento para reinterpretar canciones populares desde una sensibilidad flamenca y rumbera muy personal. Temas como “Dame” lo han posicionado como un artista habitual dentro del circuito de la fusión, siempre aportando una carga emocional muy marcada en cada interpretación. Por su parte, Ainoa Blanco destaca por una versatilidad notable, moviéndose con naturalidad entre el flamenco, la bachata y el pop, y conectando con el público a través de canciones como “Palabras de papel” o “La Trampa”, además de versiones que transforman éxitos actuales en relatos íntimos y llenos de sentimiento.

“Caminito de estrellas”, lanzada a finales de enero de 2026, es una de sus colaboraciones más celebradas hasta la fecha. La canción mezcla la esencia del flamenco con una producción pop romántica, creando una atmósfera cálida y cercana que acompaña una letra concebida como una auténtica declaración de amor. A través de metáforas celestiales y un lenguaje poético, el tema habla de una conexión profunda entre dos personas destinadas a encontrarse, utilizando imágenes como dibujar un caminito de estrellas o la alineación de los planetas para expresar la intensidad del vínculo.

Frases como “hoy te voy a pintar un caminito de estrellas para que tú sigas mi huella” o “se van a alinear los planetas porque tú eres mi meta” refuerzan ese tono íntimo y apasionado que define la canción. Las voces de Ainoa y Anton se entrelazan con naturalidad, potenciando la emoción del mensaje y demostrando una vez más por qué su unión artística funciona de manera tan orgánica.

El videoclip oficial ha tenido una gran acogida desde su estreno, destacando por una estética cuidada y una puesta en escena que refuerza el carácter romántico del tema. La imagen acompaña al sentimiento, mostrando a ambos artistas en un registro cercano y sincero, en línea con la sensibilidad que transmiten en sus interpretaciones.

Para quienes descubran ahora esta colaboración, existen otros trabajos conjuntos que confirman la afinidad musical entre Ainoa Blanco y Anton Blanco. Uno de los más destacados es su versión de “Vuela muy alto”, original de Jerry Rivera, donde transforman una salsa clásica en una balada flamenca cargada de emoción, demostrando su habilidad para reinterpretar géneros sin perder identidad.

Ainoa y Anton representan a una nueva generación de artistas que mantienen vivas las raíces del flamenco mientras las fusionan con los sonidos que dominan las listas actuales. “Caminito de estrellas” se presenta además como una canción ideal para dedicar, especialmente en fechas cercanas a San Valentín, gracias a su mensaje directo, romántico y universal.

Si quieres seguir el recorrido artístico de Ainoa Blanco y Anton Blanco, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

El grupo castellonense Anora Kito regresa a la escena independiente con “A tiempo parcial”, un nuevo sencillo que confirma su capacidad para convertir las emociones más frágiles en canciones cargadas de verdad. En esta nueva entrega, la banda se adentra en el territorio del desamor desde una mirada íntima, lúcida y profundamente humana, abordando los vínculos que se desgastan, las entregas desiguales y la dificultad de soltar aquello que ya no encuentra su lugar.

“A tiempo parcial” es una canción sobre amar cuando la balanza no está equilibrada, sobre darlo todo mientras la otra parte solo está de paso. El propio grupo lo resume con una reflexión tan sencilla como certera: por qué deberíamos cambiar para gustar cuando nuestra dedicación es plena y la de la otra persona apenas ocupa un espacio a tiempo parcial. Esa pregunta atraviesa toda la canción y se convierte en el motor emocional del tema.

Producida por Pau Ortiz en los Estudios NU de La Sénia, la canción combina poesía urbana, emoción contenida y un sonido indie pop elegante y preciso. La producción acompaña el relato sin excesos, dejando espacio para que la letra respire y golpee donde tiene que hacerlo. Anora Kito vuelve a demostrar que su fortaleza reside en la honestidad, en la capacidad de decir mucho desde lo cotidiano y lo aparentemente sencillo.

Versos como “tan solo los días impar, con un cuerpo de hojalata y besos por domesticar” retratan con imágenes poderosas la lucha constante entre la razón y el sentimiento, entre lo que sabemos que no funciona y lo que aún nos cuesta abandonar. La canción se mueve entre referencias generacionales, escenas reconocibles y una melancolía contemporánea que conecta con quien ha vivido relaciones marcadas por la ausencia, la rutina o la falta de reciprocidad.

Lejos de caer en el dramatismo fácil, “A tiempo parcial” convierte la vulnerabilidad en una forma de resistencia. El tema reafirma la identidad sonora y emocional de Anora Kito, una propuesta que transita con naturalidad entre la melancolía y la esperanza, entre el dolor y la belleza, recordando que incluso el desamor puede transformarse en arte y en un ejercicio de autenticidad.

Con este nuevo sencillo, Anora Kito consolida su posición como una de las bandas más sinceras y sensibles de la escena independiente nacional, capaces de poner palabras a emociones que muchas veces se quedan atrapadas en silencio. “A tiempo parcial” no ofrece respuestas cerradas, pero sí un refugio para quienes han sentido alguna vez que amaban más de lo que recibían.

“A tiempo parcial” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Anora Kito, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

El próximo 12 de marzo se estrena en el Teatro CaixaBank Príncipe Pío de Madrid Flashback Show Europa – Do you remember?, un espectáculo musical inmersivo que propone un viaje directo a la memoria personal y colectiva a través de las canciones que definieron los años 80, 90 y 2000. Concebido como una experiencia emocional y participativa, el show invita al público a reconectar con momentos vitales, recuerdos compartidos y emociones universales que siguen vivas a través de la música.

Con banda en vivo y voces completamente en directo, el espectáculo reúne a un elenco de primer nivel encabezado por Soraya Arnelas, una de las voces más populares del pop español de las últimas dos décadas, con una sólida trayectoria discográfica, televisiva y su paso por Eurovisión como representante de España. Junto a ella, Diana Hoyos, actriz y cantante colombiana con más de veinte años de carrera en cine, televisión y música, considerada una figura clave de la ficción televisiva contemporánea en su país.

El reparto se completa con Nerea Rodríguez, cantante, compositora y actriz surgida de Operación Triunfo, que ha desarrollado una intensa carrera sobre los escenarios protagonizando musicales como La llamada, Aladdín o El hilo invisible; Lorena Calero, una de las voces más respetadas del teatro musical en España, con títulos como We Will Rock You, Los Miserables o Los chicos del coro, y pieza fundamental en los últimos años de las producciones lideradas por Antonio Banderas; y Edgard Caro, conocido como Sensillo, creador y presentador digital con más de trece millones de seguidores, cuya presencia aporta frescura, humor y una conexión directa con el público actual.

Flashback Show Europa – Do you remember? se articula a través de una trama divertida y emotiva que gira en torno a la amistad, el paso del tiempo y los sueños que se posponen. A lo largo del espectáculo, el público es invitado a revivir sus propios recuerdos al ritmo de canciones icónicas, coreografías enérgicas y una narrativa cercana que apela tanto a la nostalgia como a la celebración del presente.

La puesta en escena combina humor, grandes números coreográficos y un cuidado diseño lumínico y visual que envuelve al espectador desde el primer momento. Todo está pensado para que el público no solo observe, sino que cante, baile y se deje llevar durante toda la función, convirtiendo cada representación en una experiencia colectiva llena de complicidad y emoción.

La temporada arrancará el jueves 12 de marzo de 2026 en el Teatro CaixaBank Príncipe Pío de Madrid y contará con funciones durante los meses de marzo, abril, mayo y junio, consolidándose como una de las propuestas musicales más atractivas de la cartelera madrileña de la próxima primavera. Flashback Show Europa – Do you remember? se presenta así como una cita imprescindible para quienes quieran revivir, celebrar y compartir la banda sonora de varias generaciones desde una mirada actual, vibrante y profundamente emocional.

El artista colombiano Yamid Gutiérrez presenta su nuevo sencillo “Por Traicionera”, una canción de música popular que se sumerge de lleno en el dolor que deja una traición amorosa y en el vacío que provoca el abandono sin explicaciones tras una entrega sincera. Con este lanzamiento, el intérprete reafirma su compromiso con un estilo honesto y directo, enfocado en contar historias reales que conectan con la experiencia cotidiana de su público.

“Por Traicionera” narra la historia de una mujer que se aleja de manera inesperada, dejando atrás a un hombre que lo dio todo por verla feliz. La letra expone el despecho desde un lugar reflexivo y digno, alejándose del reproche superficial para centrarse en la herida emocional que deja la traición. La interpretación de Yamid Gutiérrez es intensa y madura, transmitiendo con claridad la mezcla de dolor, decepción y aceptación que acompaña a este tipo de vivencias.

La canción se apoya en los códigos clásicos de la música popular colombiana, un género que ha sabido convertirse en refugio emocional para quienes buscan verse reflejados en historias de amor, desamor y superación. En este contexto, Yamid destaca por una voz sentida y una forma de cantar que prioriza la emoción sobre el artificio, logrando que el mensaje llegue de manera directa y sin filtros.

Con este sencillo, el artista consolida su propuesta artística como narrador de historias verdaderas, aquellas que no necesitan adornos para ser creíbles porque nacen de experiencias compartidas. “Por Traicionera” no solo habla de una ruptura, sino también de la dignidad que permanece incluso cuando el amor falla, un elemento clave en la conexión que Yamid Gutiérrez mantiene con su audiencia.

Yamid Gutiérrez es un artista colombiano de música popular enfocado en retratar vivencias reales de amor, desamor y procesos de superación personal. Su proyecto musical se fundamenta en letras honestas y en una conexión directa con el público, especialmente con quienes se reconocen en el despecho auténtico y en las emociones profundas que atraviesan este género.

“Por Traicionera” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Yamid Gutiérrez, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

La banda madrileña Bisonte Blanco publica su nuevo single “Nada nuevo bajo el sol”, un lanzamiento que reafirma su evolución dentro del rock alternativo y que consolida un sonido cada vez más denso, oscuro y envolvente. El tema, editado a través del sello Fep Producciones, funciona como un nuevo adelanto de esta etapa creativa en la que el grupo explora con mayor profundidad un universo sonoro marcado por la introspección, la psicodelia y una energía contenida pero poderosa.

“Nada nuevo bajo el sol” destaca por una producción sólida y atmosférica, donde las guitarras crean paisajes envolventes, el bajo adquiere un protagonismo absoluto guiando la estructura melódica y la batería sostiene una tensión constante. La canción remite a referentes como Queens of the Stone Age, The Bravery o Interpol, sin perder una identidad propia que se apoya en el equilibrio entre oscuridad y melodía, uno de los sellos distintivos de la banda.

A nivel lírico, el single se adentra en el terreno del insomnio, las obsesiones y los pensamientos recurrentes que aparecen durante la noche. La letra aborda los miedos, deseos y contradicciones más íntimos desde una perspectiva directa y honesta, conectando con ese estado mental en el que la mente no descansa y las ideas se repiten una y otra vez. Es un retrato emocional que refuerza el carácter introspectivo del proyecto y su forma particular de entender el rock en español.

Bisonte Blanco es una banda de rock alternativo afincada en Madrid que ha sabido construir un sonido ecléctico donde conviven la oscuridad, la psicodelia y una marcada carga melódica. Su propuesta se sostiene en letras en español y en un trabajo instrumental en el que el bajo y las guitarras juegan un papel esencial, aportando profundidad y carácter a cada composición. El grupo está formado por Álvaro a la voz, Juanjo a la batería y percusiones, Albert a la guitarra principal y Santi al bajo, voz y producción, una combinación de perfiles que da lugar a una identidad sonora reconocible y cohesionada.

En el terreno del directo, Bisonte Blanco ha pasado por algunas de las salas más representativas del circuito madrileño como Maravillas, El Sótano, Siroco, Vesta, Cadavra, El Perro, Café La Palma o Fun House, consolidándose como una formación con un directo intenso y una fuerte conexión con el público. En estos conciertos, la banda traslada con fidelidad la densidad de sus canciones, creando una experiencia inmersiva que refuerza su discurso artístico.

Actualmente, el grupo se encuentra trabajando en nuevo material y ha publicado recientemente cuatro singles que refuerzan su transición hacia una sonoridad más psicodélica, marcando un camino claro en su evolución musical. Paralelamente, Bisonte Blanco mantiene una intensa actividad en directo y, de la mano de Fep Producciones y The White Coworking, se encuentra cerrando una gira que les llevará por diferentes ciudades durante los próximos meses. Entre las fechas confirmadas se encuentran el 6 de marzo de 2026 en el Pub Dublín de Gandía, el 21 de marzo en el Bar Mutante de Sevilla, el 1 de mayo en la Sala Filomatic de A Coruña, el 2 de mayo en la Sala Moon de Santiago de Compostela y el 17 de octubre en la Chat Noir de Badajoz.

“Nada nuevo bajo el sol” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Bisonte Blanco, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, conciertos, colaboraciones o nuevos proyectos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Zzoilo arranca el 2026 presentando “Tengo un Plan”, el focus track de su primer álbum de estudio “No Soy Un Artista”. La canción funciona como eje narrativo de un proyecto que marca un punto de inflexión en su carrera, reflejando una evolución personal y creativa que se traduce en un sonido más honesto, maduro y consciente.

El artista valenciano, que alcanzó el #1 global con “Mon Amour” junto a Aitana, se ha sumergido durante los últimos meses en una experiencia vital y artística en México. Un proceso de búsqueda que va más allá de lo musical y que atraviesa la cultura del país desde distintos ángulos: sus calles, su gente y, especialmente, su gastronomía. De esa vivencia nace “No Soy Un Artista”, un disco que establece un paralelismo entre los sabores y las canciones como formas universales de expresión emocional.

“Tengo un Plan” es la primera parada de ese recorrido. Una canción que habla de propósito, identidad y reconstrucción personal, y que refleja con claridad el momento vital en el que se encuentra Zzoilo: entre la ambición, la conciencia de sus errores y la determinación de seguir adelante. Con frases que muestran su día a día y sus planes para el futuro, la producción y el tono del tema apuestan por la cercanía y la emoción sin artificios, dejando que Zzoilo se exprese de manera honesta y directa.

A nivel conceptual, “No Soy Un Artista” se presenta como un viaje emocional, crudo y sensorial, en el que música y cocina se entrelazan como lenguajes capaces de contar historias, evocar recuerdos y conectar con lo esencial. Cada canción funciona como un plato distinto dentro de un mismo menú narrativo, donde la experiencia personal del artista se convierte en algo compartido.

“Este disco nace de escucharme y de permitirme sentir sin intentar encajar en nada. ‘Tengo un Plan’ es el inicio de todo ese proceso.” —Zzoilo.

Con millones de oyentes mensuales y una comunidad fiel que ha acompañado cada etapa de su trayectoria, Zzoilo regresa con una propuesta honesta, híbrida y profundamente humana, que rehúye etiquetas para centrarse en lo esencial: compartir lo que se siente, sin filtros ni personajes.

El artista cordobés Antonio José presenta su nuevo single “Inevitable”, un lanzamiento que marca el inicio oficial de una nueva etapa artística tras el éxito de su álbum El Pacto, publicado en 2023. Con esta canción, el cantante vuelve a situarse en el centro del pop español actual, apostando por una evolución sonora que refuerza su identidad sin renunciar a la emoción que lo ha convertido en una de las voces más queridas del panorama musical.

Antonio José comenzó su relación con el gran público siendo apenas un niño, cuando representó a España en Eurovisión Junior 2005 con el recordado “Te traigo flores”. Años más tarde, su carrera dio un giro definitivo al proclamarse ganador de la tercera edición de La Voz España en 2015, dentro del equipo de Antonio Orozco. Desde entonces, ha construido una trayectoria sólida, respaldada por múltiples Discos de Oro y Platino y por una conexión constante con un público que llena recintos tanto en España como en Latinoamérica.

Reconocido por una voz cálida y cercana, su estilo ha transitado tradicionalmente entre la balada romántica y el pop melódico, siempre con pinceladas de su raíz andaluza. En “Inevitable”, sin embargo, Antonio José da un paso más y apuesta por un sonido pop-rock más enérgico y luminoso, siguiendo la línea marcada por su anterior adelanto “Luz”. La producción se siente más orgánica y potente, pero mantiene intacta la sensibilidad lírica que define su forma de contar historias.

“Inevitable” habla de esas conexiones emocionales que no se pueden frenar, de un amor que, por más que se intente evitar, termina imponiéndose como una fuerza inevitable dictada por el destino. La canción funciona como una oda a la rendición ante los sentimientos, al momento en el que dejar de resistirse se convierte en la única opción posible. El mensaje conecta con una madurez emocional que se refleja tanto en la letra como en la interpretación vocal.

El lanzamiento del single llega acompañado del anuncio de su nueva gira para 2026, una serie de conciertos que confirman el buen momento del artista. Entre las primeras fechas destacadas se encuentran Madrid, donde actuará en Live Las Ventas el próximo 28 de febrero, además de paradas en ciudades como Sevilla y Barcelona, entre otras que se irán desvelando en los próximos meses.

“Inevitable” es también la primera pieza confirmada de su próximo álbum de estudio, cuyo lanzamiento está previsto para los primeros meses de este 2026. Este nuevo trabajo promete consolidar la evolución artística de Antonio José y abrir un capítulo renovado en su discografía, combinando emoción, energía y una mirada más amplia a su universo musical.

“Inevitable” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Antonio José, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Belén Jurado se ha convertido en una de las figuras más polifacéticas y dinámicas de la escena musical actual en Málaga, destacando por una propuesta que une formación clásica, potencia vocal y una clara sensibilidad de club. Su perfil artístico resulta especialmente atractivo para quienes buscan una mezcla sólida entre técnica musical y energía electrónica, y su evolución en los últimos años confirma que es una artista a la que conviene seguir muy de cerca.

Lejos de ser una promesa emergente sin recorrido, Belén Jurado cuenta con una base técnica excepcional que marca una diferencia clara en cada uno de sus proyectos. Es pianista de carrera, graduada en el Conservatorio Superior de Música de Málaga tras más de veinte años de formación, un bagaje que se percibe tanto en sus composiciones como en su dominio del directo. A esta formación se suma una identidad artística muy completa: Belén se define como cantante, DJ y pianista, además de vocal coach, lo que explica el control, la expresividad y la potencia de su voz, especialmente en actuaciones en vivo.

Uno de los pilares fundamentales de su carrera actual es su estrecha relación con la comunidad digital. Belén Jurado es una de las pocas embajadoras oficiales de Twitch en España dentro de la categoría de música, un reconocimiento que habla de su capacidad para conectar con el público y generar contenido de calidad. Sus directos son conocidos por la creación de loops en tiempo real, versiones reinterpretadas y sesiones de DJ, todo ello acompañado de una cercanía que ha dado lugar a una comunidad muy fiel, a la que ella misma se refiere como su familia.

En el plano discográfico, aunque ya había demostrado su personalidad con canciones propias como “Caperucita” o “Nuestra Despedida”, su reciente lanzamiento “Bonito” ha captado especialmente la atención, sobre todo en su versión Remix. En esta nueva etapa, Belén presenta una colaboración con Joseiko Diaz que transforma la canción en un House Remix con claros tintes de Afro House, dotándola de un carácter electrónico y bailable sin perder la carga emocional de la melodía original.

“Bonito” destaca por la manera en la que Belén Jurado consigue unir su faceta de DJ con su inconfundible voz de raíz soul. El resultado es una canción pensada tanto para sonar en un festival como para acompañar largos trayectos en coche, con un ritmo hipnótico propio del house moderno y una esencia melódica que mantiene intacta su identidad artística. La acogida del tema ha sido muy positiva en plataformas como YouTube y en redes sociales, consolidando su transición natural desde el pop y el soul hacia una electrónica más comercial, cuidada y elegante.

Para quienes descubran ahora su música a través de “Bonito”, su catálogo ofrece otras canciones imprescindibles que ayudan a entender la amplitud de su universo creativo. “Caperucita” es una explosiva fusión de electrónica con influencias de la música negra, especialmente soul y gospel, mientras que “Porque te quiero” representa una colaboración muy especial ligada al sentimiento malaguista y al Málaga CF. Por su parte, “Un Mambo, Tú y Yo” muestra una faceta más latina y veraniega, confirmando su capacidad para moverse con naturalidad entre distintos estilos sin perder coherencia.

Belén Jurado es, en definitiva, una artista que derrocha honestidad, pasión y una energía inagotable, capaz de pasar más de trece horas conectada en streaming compartiendo música, procesos creativos y emociones con su público. Su carrera refleja un equilibrio poco común entre disciplina, talento y cercanía, posicionándola como una de las voces más interesantes del panorama actual.

“Bonito” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Belén Jurado, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, sesiones, colaboraciones y proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

“Pucela te quiero” ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales como un lanzamiento especial e independiente que no forma parte de Intineri, el recientísimo álbum de la banda liderada por Marcos Fermoselle. Se trata de una canción profundamente emocional que nace desde la necesidad de volver la mirada atrás y enfrentarse a los recuerdos, a los vínculos y a todo aquello que permanece, aunque ya no exista de la misma forma.

En palabras del propio Marcos Fermoselle, cantante y alma del proyecto, la canción describe las sensaciones que lo atraviesan cada vez que regresa a Valladolid, su ciudad de corazón. Ese retorno activa una especie de viaje interior en el que aparecen “todos los ecos” de su relación con la ciudad: su padre, el Real Valladolid, los negocios, la vida que fue y que su mente había reconstruido con el paso del tiempo. Sin embargo, al reencontrarse con la realidad, descubre que nada de eso sigue ahí. Su padre ya no está y aquello que habitaba en su memoria se ha desvanecido, dejando claro que eran solo ecos. Aun así, lejos de ser una canción amarga, “Pucela te quiero” se convierte en una declaración de amor sincera hacia la ciudad y, sobre todo, hacia su gente. El afecto recibido de amigos, familiares y el fuerte sentimiento de identificación con su club de fútbol son los pilares emocionales que sostienen esta canción cargada de verdad y sensibilidad.

Este nuevo lanzamiento llega en un momento de plena actividad para la banda, que continúa su gira con nuevas fechas ya confirmadas. El 1 de febrero estarán en Donosti, en la Sala Dabadaba a las 19.00 horas; el 6 de febrero regresarán precisamente a Valladolid para actuar en la Sala Porta Caeli a las 21.00 horas; y el 11 de marzo será el turno de Barcelona, con un concierto en la sala Luz de Gas a las 20.30 horas.

La propuesta musical del grupo se apoya en un rock de raíz americana con claros guiños al pop rock nacional más reconocible, evocando referencias como Los Secretos, Fito y Fitipaldis o Leiva. Sin embargo, el verdadero giro diferencial aparece en la temática de sus letras. La mayoría de las canciones están escritas en inglés, a excepción de “Un mundo sin final”, single estrella de Intineri y primera composición en español de la banda, y todas ellas abordan cuestiones relacionadas con el budismo y el conocimiento personal. No es casualidad: Marcos Fermoselle es seguidor de la filosofía budista desde hace más de treinta años, ha conocido al Dalai Lama y realiza viajes frecuentes al Tíbet, experiencias que impregnan de manera directa y sutil todo su universo creativo.

Intineri es un juego de palabras que significa itinerario interior, un concepto que define el recorrido interno que cada persona lleva dentro y que se manifiesta en un destino cambiante, lleno de puertas que se abren y se cierran constantemente. A nivel compositivo, el disco se estructura en dos grandes bloques: una primera parte más rockera, concebida como una cara A, y una segunda más conceptual, la cara B, a la que se suma una última canción de carácter más pop que marca un antes y un después para la banda con su debut en español.

Dentro del primer grupo de canciones, la banda ha buscado una gran diversidad sonora sin perder su identidad. Hay temas con una clara tendencia rock como “Run”, otros con influencias que recuerdan a Peter Gabriel o Coldplay como “You and I”, y canciones como “Lama’s Song”, dedicada al lama del propio Fermoselle, que bebe de referentes como Supertramp o Pink Floyd. El resto del repertorio transita por sonidos muy variados que van desde Paul Simon hasta Van Morrison.

En el segundo bloque, más conceptual, el grupo se adentra en lo más profundo de su discurso artístico. Aquí aparecen canciones especialmente elaboradas y singulares como “After I Think” o “Inner”, donde la creatividad alcanza su punto máximo, junto a temas más directos pero igualmente melódicos como “Hey Mo” o “Lia’s Shout”. El recorrido culmina con “Un mundo sin final”, la ya mencionada canción en español que simboliza una nueva etapa para la banda.

De forma directa o sutil, todas las canciones del proyecto inciden en uno de los conceptos fundamentales del budismo: la reencarnación. Este hilo espiritual atraviesa temas como “Un mundo sin final”, la reflexión sobre la realidad en “After I Think”, la naturaleza interna de las cosas en “Inner”, y los homenajes a figuras clave como Lama Zopa Rinpoche en “Lama’s Song”, además de referencias a personas que transitan por las distintas vidas de cada uno.

“Pucela te quiero” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de la banda liderada por Marcos Fermoselle, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, conciertos, videoclips y nuevos proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

La rapera mexicana La Cuervo presenta el videoclip de su nuevo single “Mente Dinamita”, una potente carta de presentación que funciona como segundo adelanto de su próximo EP titulado Fuegos y que confirma el momento creativo y artístico que atraviesa. El videoclip se estrenará el próximo 31 de enero en su canal oficial de YouTube, mientras que el single llegará a plataformas digitales el 26 de febrero, ampliando el universo sonoro que la artista viene construyendo con este nuevo proyecto.

“Mente Dinamita” aparece después de “Rap Sinceros”, primer sencillo del EP, y continúa delineando la identidad musical de Fuegos, un trabajo que bebe directamente de las raíces del hip hop clásico. El track está montado sobre una instrumental creada por la rapera y productora Fieraa, con producción de Héctor Aníbal Orozco, y se apoya en sonidos que remiten al hip hop de los años 90, aportando un carácter crudo, directo y sin concesiones.

La canción incorpora claras influencias del rap slam colombiano, heredero del boom bap y el hardcore, un estilo reconocible por su velocidad, su energía explosiva y su potencia rítmica. Flows a doble tempo, coros grupales y una cadencia que invita al movimiento inmediato sostienen un discurso lírico en el que La Cuervo reflexiona, con honestidad y sentido del humor, sobre los pensamientos intrusivos, los bloqueos creativos y la presión constante por producir contenido en una industria marcada por la inmediatez y las redes sociales. La lucha contra el olvido y el desgaste creativo se convierte aquí en motor expresivo y en punto de conexión con quienes viven procesos similares.

Al mismo tiempo, “Mente Dinamita” funciona como una reivindicación del hip hop como medicina, tanto para quienes escriben rap como para la sociedad en general. La Cuervo propone gozar, bailar y honrar la esencia de una cultura que ha servido históricamente como espacio de resistencia, catarsis y comunidad.

El videoclip acompaña esta energía con una propuesta visual dinámica y frontal, filmada en distintos escenarios nocturnos que refuerzan la intensidad del track y la presencia escénica de la artista. La pieza busca capturar la fuerza del mensaje y la actitud de La Cuervo, consolidando su identidad estética y su conexión directa con el público.

Más allá de la música, La Cuervo amplía su recorrido artístico con su participación en la película Chicas Tristes, dirigida por Fernanda Tovar, que se estrenará en la Berlinale de Berlín, uno de los festivales de cine más importantes del mundo. En esta producción, la artista participa como actriz y también aporta algunas de sus canciones, integrando su universo musical al lenguaje cinematográfico.

En el plano en vivo, La Cuervo mantiene una agenda activa y diversa. El próximo 31 de enero será una de las artistas invitadas en el show de La Mala Rodríguez en Foro Hilvana, donde actuará como acto abridor junto a Ceiba, Kuicani y más invitadas. En marzo formará parte del encuentro Mujer en Cypher, acompañada de Ximbo y otras raperas, y en mayo presentará oficialmente su EP Fuegos en la Ciudad de México, marcando un nuevo hito en su trayectoria.

“Mente Dinamita” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de La Cuervo, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Paty Cantú es, sin duda, una de las figuras más consolidadas, coherentes y respetadas del pop en español. Con más de dos décadas de trayectoria, su evolución artística la ha llevado de ser la voz de un dúo que marcó a toda una generación a convertirse en una de las compositoras, productoras y creadoras más influyentes de la música mexicana actual. Su carrera es un reflejo de constancia, reinvención y una sensibilidad especial para convertir las emociones en canciones que conectan de forma directa con el público.

Conocida cariñosamente como la “Drama Queen” del pop, un apodo que ella misma ha abrazado con orgullo, Paty Cantú ha hecho del desamor, la vulnerabilidad y el empoderamiento emocional su territorio creativo. Su salto a la fama llegó a principios de los años 2000 como parte del dúo LU, junto a Mario Sandoval, con canciones que hoy son auténticos clásicos del pop latino como “Por besarte” o “La vida después de ti”. Tras la separación del proyecto en 2007, Paty tomó una decisión clave: apostar por su voz propia y construir una carrera en solitario sin concesiones.

Desde entonces ha firmado discos fundamentales como Me quedo sola, Afortunadamente no eres tú o La Mexicana, trabajos que no solo consolidaron su identidad artística, sino que también la posicionaron como una narradora honesta de historias cotidianas, especialmente desde una mirada femenina fuerte y sin filtros. Más allá de su faceta como cantante, Paty Cantú es una música completa que toca guitarra, bajo y piano, además de productora y figura habitual en televisión como coach en programas como La Voz Kids. Su compromiso con la equidad de género en la industria musical también ha sido una constante a lo largo de su carrera.

Su lanzamiento más reciente, “Antes De Que El Mundo Se Acabe”, estrenado oficialmente el 29 de enero de 2026, llega como una de las canciones más íntimas y emotivas de su etapa actual. El tema parte de una premisa tan simple como poderosa: las cosas verdaderamente importantes de la vida no son materiales, sino las personas que amamos, y los sentimientos esenciales no deberían dejarse para después. La canción se presenta como una confesión urgente, una declaración de amor que nace desde la conciencia del tiempo, la fragilidad y la posibilidad de la pérdida.

A nivel sonoro, Paty Cantú se mantiene fiel a su esencia pop, pero continúa explorando sonidos contemporáneos con una producción cuidada y elegante que acompaña unas letras profundamente emocionales. La canción invita a detenerse, a mirar a quien tenemos al lado y a decir aquello que muchas veces se posterga por rutina, miedo o distracción.

El proyecto ha generado una notable expectativa también por su componente visual. El tráiler del tema cuenta con la participación de la actriz Regina Blandón, lo que anticipa una narrativa cinematográfica potente y emocional para el videoclip, reforzando el carácter real y humano de la historia que inspira la canción. No es un detalle menor que el tema esté basado en una historia real, algo que se percibe claramente en la honestidad de su letra, donde versos como “antes de que la memoria falle” o “por si no nos queda otro después, prefiero decirlo de una vez” golpean con una cercanía difícil de ignorar.

Paty Cantú se encuentra actualmente en una etapa de madurez artística en la que no teme mostrarse vulnerable ni experimentar desde la verdad. Su música sigue siendo un espacio seguro para quienes buscan canciones que cuenten historias reales, directas y emocionalmente reconocibles. Como dato curioso, aunque nació en Houston, Texas, Paty siempre se ha sentido profundamente mexicana, una identidad que defiende y refleja constantemente tanto en su estética como en su sonido.

“Antes De Que El Mundo Se Acabe” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Paty Cantú, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Nerea López continúa afianzando su camino dentro de la escena musical española con el lanzamiento de “14 Febrero”, un single que marca un nuevo paso en su evolución como artista y que refuerza su identidad como una intérprete capaz de conectar con el público desde la emoción más honesta. Natural de Chiclana de la Frontera, Cádiz, la cantante ha ido ganando terreno en la industria gracias a su talento, su constancia y una voz que destaca por cantar siempre desde el alma.

Su nombre comenzó a resonar con fuerza tras su participación en La Voz Kids, donde formó parte del equipo de Antonio Orozco, una experiencia que le permitió mostrarse ante el gran público y adquirir una valiosa experiencia televisiva. Más recientemente, Nerea volvió a situarse en el foco mediático al llegar a las fases finales del casting de Operación Triunfo, confirmando su crecimiento artístico y su capacidad para competir en contextos de alto nivel.

Musicalmente, Nerea López se mueve con naturalidad en el terreno del flamenco fusión, un estilo que le permite combinar sus raíces andaluzas con una sensibilidad pop muy marcada. Aun así, su versatilidad vocal le facilita adaptarse a otros registros sin perder autenticidad. Su forma de interpretar, siempre cargada de emoción, ha sido una de las claves para construir una conexión real y cercana con su público, especialmente en los escenarios de Andalucía, donde ha forjado su carrera desde muy joven.

“14 Febrero” es una canción especialmente significativa dentro de su repertorio. El tema, claramente vinculado al Día de San Valentín, explora las emociones del amor desde una perspectiva íntima y sincera, alejándose de los clichés para ofrecer un relato emocional que se apoya tanto en el pop melódico como en matices de su herencia flamenca. La canción refleja un momento vital y artístico importante para Nerea, que sigue dando pasos firmes como solista.

Este lanzamiento se suma a otros trabajos recientes como “Motivos” y “Vida Entera”, canciones que mantienen una línea de pop melódico con una fuerte carga sentimental y que muestran una coherencia artística clara, centrada en las emociones, las relaciones y las experiencias personales. Cada nuevo tema confirma que Nerea López se encuentra en una etapa de expansión creativa y consolidación de su propio lenguaje musical.

En el plano técnico, “14 Febrero” cuenta con letra y melodía firmadas por la propia Nerea López, mientras que la composición, producción, mezcla y mastering han estado a cargo de Juanma Rodríguez, garantizando una producción cuidada y coherente con el universo sonoro de la artista. La producción audiovisual ha sido realizada por Alma Agency, completando un proyecto que cuida tanto el aspecto musical como el visual.

Nerea López es una artista cercana, comprometida con su público y con una trayectoria construida paso a paso desde los escenarios locales hasta los grandes formatos televisivos. Su evolución apunta a un futuro prometedor dentro del panorama musical español, especialmente para quienes buscan voces auténticas y canciones que emocionen sin artificios.

“14 Febrero” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Nerea López, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips y nuevos proyectos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.