Celeste Sanazi presenta “Cúlpame”, su nuevo sencillo, una salsa intensa y profundamente emocional que transforma la complejidad de las relaciones humanas en ritmo, verdad y catarsis. La artista argentina radicada en México abre así una nueva etapa creativa marcada por una mayor madurez interpretativa, donde la pasión, el conflicto y la vulnerabilidad se convierten en el motor de una propuesta musical vibrante y honesta.

“Cúlpame” aborda esas relaciones en las que convivir con el amor implica también aceptar el error, la contradicción y la dificultad de soltar a tiempo. A través de una producción poderosa y llena de matices, Celeste convierte el dolor compartido en una experiencia bailable, demostrando que la salsa también puede ser un vehículo para narrar emociones complejas. La artista define la canción como un reflejo de sentirse víctima y victimario al mismo tiempo, una dualidad que se percibe tanto en la letra directa como en la intensidad de su interpretación.

El lanzamiento viene acompañado de un videoclip con una estética cinematográfica cuidada al detalle, dirigido por Diana Martínez y Guigo Sánchez. La pieza audiovisual narra de forma misteriosa y sensual una ruptura amorosa, apoyándose en una paleta de colores expresiva, una coreografía cargada de intención y un lenguaje visual que refuerza el trasfondo emocional del tema. Cada plano está pensado para traducir los estados internos de la historia en imágenes, creando una experiencia visual que dialoga constantemente con la música.

La propuesta artística de Celeste Sanazi se construye desde la fusión. En su universo conviven las raíces tropicales con el pop y los guiños urbanos, siempre al servicio de letras que se atreven a decir lo incómodo desde una mirada femenina auténtica. Sus canciones hablan de vínculos, deseo, injusticias emocionales y procesos de transformación personal, combinando sensibilidad, carácter e ironía sin perder fuerza interpretativa.

Parte de esta solidez artística proviene de su trayectoria como actriz, con experiencia en producciones para plataformas y cadenas como Netflix, Paramount, Nickelodeon, Telefé, Televisa y Viacom. Ese recorrido le ha permitido entender el valor del trabajo en equipo, la narrativa y la entrega emocional, elementos que hoy traslada con naturalidad a su proyecto musical, donde la interpretación ocupa un lugar central.

De cara a 2026, Celeste Sanazi prepara el lanzamiento de un nuevo álbum que promete profundizar en este universo sonoro y emocional. El disco incluirá canciones potentes y emotivas, pensadas para bailar, sentir y reflexionar al mismo tiempo, reafirmando su idea de que la música no es solo algo que se escucha, sino algo que se vive intensamente.

Con “Cúlpame”, Celeste continúa transformando experiencias personales en canciones que conectan desde la verdad, invitando al público a reconocerse en lo que duele, en lo que incomoda y también en lo que libera.

“Cúlpame” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Celeste Sanazi, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

ATK Epop presenta “No digas que me quieres”, un nuevo sencillo firmado junto a Mara Vélez que se sitúa en un punto de encuentro tan arriesgado como elegante entre el flamenco tradicional y una producción de carácter cinematográfico. La propuesta cuenta también con la participación del cantaor gaditano Josele Vargas, cuya voz aporta profundidad y autenticidad a una canción que eleva la raíz flamenca hacia un terreno orquestal, envolvente y emocionalmente intenso.

En esta colaboración, ATK Epop construye una atmósfera sonora cuidada al detalle, donde el respeto por el cante se combina con arreglos de cuerdas, dinámicas amplias y una narrativa musical que remite al cine clásico. El resultado es una pieza que no solo se escucha, sino que se vive, gracias a una producción que acompaña y potencia cada matiz vocal sin restarle verdad ni fuerza expresiva.

La unión de Mara Vélez y Josele Vargas funciona como un diálogo emocional desde dos orillas distintas del mismo sentimiento. La voz aflamencada y delicada de Mara se entrelaza con el quejío profundo de Josele para dar forma a un relato compartido, cargado de dramatismo y honestidad, que redefine el flamenco contemporáneo desde una mirada abierta y actual.

La letra de “No digas que me quieres” se mueve entre la devoción, la duda y el destino. Entre velitas encendidas, luces de colores, música, flores y remedios para el mal de amores, la canción retrata una relación marcada por la contradicción, donde el amor es al mismo tiempo refugio y condena. El estribillo, “No me digas que ya no sientes que soy la mejor de tus bendiciones”, se convierte en el eje emocional del tema, una frase que resume la imposibilidad de desprenderse de un querer que duele, pero que sigue llamando.

Con este lanzamiento, ATK Epop continúa explorando nuevos lenguajes dentro del flamenco, ampliando sus límites sin romper con su esencia. “No digas que me quieres” se presenta así como una obra intensa, sofisticada y profundamente emotiva, en la que tradición y modernidad conviven con naturalidad y coherencia artística.

“No digas que me quieres” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de ATK Epop, Mara Vélez y Josele Vargas, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

SUNOX, nombre artístico de Iván Fernández Marinas, continúa afianzando su identidad dentro de la música electrónica independiente con el lanzamiento de “DEJA VU”, uno de sus trabajos más recientes, estrenado a finales de 2025. El artista y productor valenciano, nacido en mayo de 2005, demuestra con este single una madurez creativa sorprendente para su edad, reafirmando una propuesta sonora que huye de lo convencional y apuesta por una esencia propia, introspectiva y cargada de sensibilidad.

Desde que comenzó a compartir su música de forma pública en 2020, SUNOX ha construido una trayectoria constante y prolífica, con más de veinte temas publicados y varios EPs como Bucle o 19, que reflejan su evolución artística. Su sonido se mueve entre el deep house ambiental, influencias latinas y texturas atmosféricas, creando paisajes sonoros envolventes que apelan directamente a la emoción y al recuerdo.

“DEJA VU” mantiene esa línea estética tan reconocible en su obra, apoyándose en beats delicados y una producción cuidada al detalle para generar una sensación de bucle emocional, acorde con el significado del título. La canción funciona como un retrato de esas conexiones intensas que aparecen cuando menos se esperan, alterando planes, certezas y rutinas, y dejando una huella difícil de borrar.

La letra refleja con honestidad la lucha interna entre la promesa de mantenerse al margen del amor y la irrupción inesperada de alguien capaz de cambiarlo todo. A través de imágenes cotidianas, confesiones íntimas y pensamientos no enviados, SUNOX explora la vulnerabilidad, el apego y la necesidad de encontrar refugio en el otro, abordando también el miedo a perder y la dependencia emocional que nace cuando el sentimiento es real.

Este single representa un paso firme en su consolidación artística, especialmente tras la buena acogida de temas anteriores como “el pequeño refugio”, donde ya dejaba entrever su interés por hablar del paso del tiempo, la nostalgia y las emociones que se repiten como un eco. En “DEJA VU”, esa narrativa se vuelve aún más directa y cercana, reforzada por una atmósfera sonora que acompaña cada verso con sutileza y coherencia.

Con una producción totalmente independiente y bajo su propia gestión, SUNOX continúa demostrando que es posible construir un proyecto sólido desde la honestidad creativa, conectando con una audiencia que busca música que se sienta y se recuerde, más allá de las tendencias pasajeras.

Japiwor presenta “Por amor al arte”, un álbum que funciona como un testimonio artístico, vital y sonoro de una trayectoria marcada por la perseverancia y la independencia creativa. Lejos de responder a las dinámicas habituales de la industria o a una lógica temporal convencional, este trabajo reúne 17 grabaciones realizadas en distintos estudios de Ciudad Real a lo largo de dos décadas, entre 1997 y 2017, dando forma a una obra construida sin prisas, sin concesiones y guiada únicamente por la necesidad expresiva.

El disco es el resultado de un proceso largo y fragmentado en el tiempo, en el que han participado músicos pertenecientes a diferentes etapas y formaciones de Japiwor, además de diversas colaboraciones externas que enriquecen el conjunto. Esa diversidad de momentos, personas y contextos no fragmenta el discurso, sino que lo fortalece, aportando matices, texturas y estados de ánimo que conviven bajo una misma mirada artística.

“Por amor al arte” transita por un rock de baja intensidad con raíces claras en el pop y el rock alternativo de los años noventa, incorporando ecos de indie, grunge, power-pop y una constante voluntad de experimentación. Cada canción refleja una forma muy concreta de entender la música: como un espacio de libertad, honestidad y resistencia frente a la inmediatez, donde lo importante no es el resultado comercial, sino la fidelidad a una voz propia.

Dentro del álbum, “El rito del aullido” destaca como una de las piezas más intensas y representativas del universo de Japiwor. Se trata de una canción poseída por la rabia, atravesada por el delirio y la entelequia, que condensa el lado más visceral y primitivo de Ángel, mostrando una faceta cruda y sin filtros. La letra, de carácter poético y surrealista, construye una sucesión de imágenes salvajes y perturbadoras en las que aparecen bandoleros sin miedo, alpinistas extremos, trogloditas hambrientos o jugadores al borde del abismo, todos ellos unidos por un mismo impulso: la búsqueda del peligro y la ruptura de la moral establecida.

Ese impulso se resume en un estribillo que funciona como un auténtico mantra, “El rito del aullido, de un salvaje final”, una frase que canaliza el espíritu de la canción y refuerza su dimensión casi ritual. A nivel musical, el tema se sostiene sobre guitarras ásperas, atmósferas densas y una tensión constante que transmite urgencia, desasosiego y una furia contenida que nunca termina de estallar, pero que permanece latente durante toda la escucha.

Con “El rito del aullido”, Japiwor tiende un puente entre la melancolía alternativa de finales del siglo XX y una crudeza emocional plenamente vigente, conectando pasado y presente desde una honestidad que resulta especialmente significativa en un contexto de renovado interés por el rock alternativo. La canción se presenta así como un manifiesto, un grito colectivo y sincero donde convergen rabia, poesía y espíritu underground.

“Por amor al arte” no es solo una recopilación de canciones, sino una declaración de principios. Un disco que reivindica el rock como catarsis, como grito primigenio y como forma de liberación, recordando que, más allá de las modas y las tendencias, la música sigue siendo un espacio donde decir lo que duele, lo que arde y lo que necesita ser expresado.

Carmen Avilés lanza “Niña Mariola”, el nuevo single que sirve como adelanto de su esperado primer disco titulado CARMELA, una obra con la que la artista comienza a trazar un universo propio donde la sensibilidad, la raíz y la narración simbólica ocupan un lugar central. En esta ocasión, la canción adquiere una dimensión especial al cobrar vida en la voz de Albertucho, que se convierte en el narrador de esta historia transformada en nana mitológica.

“Niña Mariola” se construye como un relato sonoro delicado y evocador, donde la ternura se entrelaza con el misterio. Entre caracolas, olas y paisajes oníricos, Mariola deja de ser solo un nombre para convertirse en leyenda, como esos cuentos antiguos que pasan de generación en generación y se susurran al oído antes de dormir. La canción bebe del folclore y lo reinterpreta desde una mirada contemporánea, creando una atmósfera íntima y profundamente emocional.

La elección de Albertucho como voz protagonista aporta un carácter narrativo y casi ritual al tema, reforzando esa sensación de estar ante una historia ancestral. Su interpretación transforma la canción en una nana cargada de simbolismo, donde cada verso parece flotar entre el sueño y la vigilia, envolviendo al oyente en un clima de calma y ensoñación.

Con este lanzamiento, Carmen Avilés adelanta algunas de las claves de CARMELA, un disco que promete explorar territorios donde la tradición y la sensibilidad actual dialogan de forma natural. “Niña Mariola” se presenta así como una pieza que combina misterio, folclore y ternura, confirmando la intención artística de la cantante de construir canciones que no solo se escuchan, sino que también se sienten y se imaginan.

“Niña Mariola” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Carmen Avilés, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

The Moorland presenta “Mi Testamento”, el primer adelanto de su próximo disco previsto para 2026 y, al mismo tiempo, la primera canción de la banda interpretada íntegramente en castellano. Este lanzamiento supone un punto de inflexión en la trayectoria del grupo de Binéfar, Huesca, que da un paso valiente hacia una expresión más directa y emocional sin renunciar a la oscuridad y la intensidad que definen su identidad sonora.

En esta ocasión, la banda cuenta con la colaboración de Nerea, cuya voz aporta una fuerza expresiva y una sensibilidad especial que eleva la carga emocional del tema. Su interpretación se integra de forma natural con la instrumentación densa y envolvente de The Moorland, creando un contraste melódico que refuerza el carácter introspectivo de la canción y amplía el espectro emocional del grupo.

“Mi Testamento” conserva las señas de identidad de The Moorland, con atmósferas oscuras, bajos contundentes y una melancolía latente que remite a influencias como Joy Division o Interpol, pero al mismo tiempo refleja una clara evolución hacia un sonido más maduro y experimental. La elección del castellano permite que el mensaje de la letra se sienta más crudo y cercano, abordando temas como el legado personal, la introspección y la huella que dejamos tras nuestro paso.

Formada en el verano de 2022 por Jorge Gallart, voz y guitarra, y Leandro Lasheras, a los sintetizadores, ambos procedentes del proyecto de electro-rock Distopía, The Moorland se completa con Javi Torres al bajo, Óscar Mur a la guitarra y Óscar Satué a la batería. Desde sus inicios, la banda ha destacado por una estética muy cuidada y un sonido que fusiona post-punk, darkwave y shoegaze con una producción contemporánea, lo que les ha permitido ganar una notable proyección dentro de la escena independiente española.

Su crecimiento se ha visto respaldado por el reconocimiento recibido en 2024, cuando fueron galardonados como Mejor Grupo de Aragón en los Premios de la Música Aragonesa, consolidándose como una de las propuestas más interesantes y prometedoras del panorama actual.

El lanzamiento de “Mi Testamento”, publicado a finales de 2025, no solo abre una nueva etapa creativa para The Moorland, sino que también sirve como carta de presentación de lo que será su próximo trabajo discográfico. Además, la banda ha querido agradecer especialmente a Madison y Ethan por sus palabras y por el excelente trabajo realizado en el videoclip que acompaña al tema, una pieza audiovisual que refuerza el universo estético y emocional de la canción.

“Mi Testamento” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de The Moorland, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Barroso lanza “Mi regalo”, un nuevo single profundamente emotivo en el que el artista granadino abre su corazón para compartir una de las experiencias más transformadoras de su vida. Con una letra cargada de ternura, verdad y emoción, la canción se convierte en una declaración de amor anticipada, un canto a la llegada de un hijo y a todo lo que despierta ese momento único.

La historia de Barroso es la de alguien que decidió apostar por su vocación sin red. Vendedor de mercadillo y apasionado del flamenco desde siempre, en 2018 lo dejó todo para dedicarse por completo a la música. Natural de Granada y orgulloso de su tierra, ha sabido construir una identidad artística muy personal, en la que conviven la tradición flamenca con sonidos urbanos como el trap y el reggaetón. Ese equilibrio le ha permitido conectar con un público amplio, primero a través de versiones que superan los dieciséis millones de reproducciones en streaming, y más tarde con composiciones propias que consolidan su voz como autor.

Uno de los momentos más simbólicos de su trayectoria llegó cuando interpretó algunos de sus temas en el estadio de Los Cármenes durante la celebración del ascenso a Primera División del equipo granadino, reafirmando su vínculo con la ciudad y con una comunidad que siente como suya. Canciones como “El Barrio de la Alegría”, junto a Haze, que supera los cuatro millones de streams en Spotify, marcaron un antes y un después en su carrera, mostrando que su propuesta tenía alma, identidad y recorrido.

Con “Mi regalo”, Barroso da un paso más hacia lo personal. La canción nace desde la espera, desde la imaginación de un padre que sueña con el rostro, las manías y la mirada de su hijo antes incluso de tenerlo en brazos. La letra avanza entre imágenes cotidianas y promesas sinceras: noches en vela, canciones susurradas, palabras de amor dichas en silencio, y el deseo profundo de proteger y acompañar. Todo ello envuelto en un lenguaje cercano, directo y honesto, que conecta desde la primera escucha.

El estribillo resume el espíritu del tema con una sencillez conmovedora, presentando al hijo como el mayor tesoro, como la luz que lo cambia todo y detiene el tiempo desde el instante en que se sabe que viene en camino. La canción también incorpora una dimensión espiritual, en la que Barroso pide protección, bendición y fuerza, reconociendo los miedos, pero también la fe y la esperanza que acompañan a este nuevo comienzo.

Musicalmente, “Mi regalo” mantiene la esencia de Barroso, fusionando su alma flamenca con una producción actual que potencia la emoción del mensaje sin restarle naturalidad. La interpretación vocal, sentida y sin artificios, refuerza la autenticidad de una canción que no busca impacto inmediato, sino verdad y conexión emocional.

El tema se completa con un mensaje final que funciona casi como una carta al futuro, en la que el artista expresa el amor incondicional que ya siente, incluso antes del encuentro, y pone en valor la belleza de formar una familia y compartir ese camino junto a la madre.

“Mi regalo” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Barroso, estar al tanto de sus próximos lanzamientos y proyectos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Despistaos calientan motores para uno de los lanzamientos más esperados de su carrera y lo hacen invitando a sus seguidores a formar parte de una celebración muy especial. La banda ha anunciado la llegada de su nuevo disco, “Un millón de madrugadas”, que verá la luz el próximo 20 de febrero de 2026, y que ya se puede reservar en formato vinilo por primera vez, acompañado de una serie de incentivos pensados especialmente para sus fans más fieles.

El anuncio llega en un momento clave para el grupo, que recientemente hizo sold out en un histórico concierto en el Palacio Vistalegre, confirmando el excelente estado de forma que atraviesan Dani, Krespo, Lázaro y Álex. Con este undécimo trabajo de estudio, Despistaos firma una colección de canciones que recupera el sonido más reconocible de la banda, apostando por una vuelta a sus raíces rockeras sin perder de vista las tendencias actuales que han marcado su evolución en los últimos años.

“Un millón de madrugadas” se presenta como un disco que equilibra energía, emoción y madurez artística. Ese espíritu ya se ha podido percibir en algunos de los temas adelantados, como la potente “Mi mejor momento”, el reciente single “Por volver a verte” o las colaboraciones con artistas plenamente vigentes dentro del panorama nacional. Canciones como “Nunca la primera” junto a Veintiuno o “Muérdeme” con Suu muestran la capacidad del grupo para dialogar con nuevas generaciones sin renunciar a su identidad.

Como parte de esta nueva etapa, Despistaos ha querido cuidar especialmente el vínculo con su comunidad, lanzando una preventa del vinilo cargada de sorpresas. Todas las personas que reserven el disco recibirán una postal firmada por la banda y entrarán automáticamente en el sorteo de “La Última Cena”, una experiencia exclusiva que permitirá a un grupo reducido de seguidores cenar con los integrantes del grupo. Además, quince afortunados obtendrán un pase para una listening party privada, donde podrán escuchar el álbum antes de su lanzamiento oficial en un entorno íntimo y cercano.

Con esta iniciativa, Despistaos no solo celebran la salida de un nuevo disco, sino también una trayectoria sólida y una relación muy especial con su público, que ha acompañado a la banda a lo largo de más de una década de canciones, conciertos y emociones compartidas. “Un millón de madrugadas” se perfila así como un punto de encuentro entre pasado, presente y futuro, reafirmando a Despistaos como una de las formaciones más queridas y consistentes del rock nacional.

Artículo de Eva Ladevesa (twitter.com/miviajemusical) para ElFiesta.es

Un pueblo de apenas 4.000 habitantes ha logrado convertirse en el epicentro de una experiencia artística y humana sin precedentes. Noblejas, en la provincia de Toledo, fue el escenario del rodaje del videoclip “Donde habitan los sueños”, un ambicioso proyecto musical y cinematográfico impulsado por el compositor y director Óscar Navarro junto a su Óscar Navarro Symphony Orchestra, que reunió a cerca de 500 personas en una celebración colectiva de la música, la emoción y el espíritu navideño.

Durante cinco intensos días, del 27 de noviembre al 1 de diciembre, las calles de Noblejas se transformaron en un gran plató al aire libre, acogiendo una producción de gran formato poco habitual en un entorno rural. Más de 400 vecinos participaron activamente como figurantes, acompañados por 50 músicos profesionales de la orquesta y un coro infantil de 40 voces, convirtiendo al pueblo en un punto de encuentro donde el arte y la comunidad caminaron de la mano.

El proyecto lleva la firma de Óscar Navarro, uno de los compositores españoles más destacados de su generación, que recientemente ha sido responsable de la Música Conmemorativa del X Aniversario de la Proclamación de Su Majestad el Rey Felipe VI. En “Donde habitan los sueños”, Navarro no solo dirige, sino que también compone una obra original creada específicamente para este videoclip, en la que la música se convierte en el motor narrativo y emocional de toda la historia.

La Óscar Navarro Symphony Orchestra, integrada por 50 músicos profesionales afincados en la Comunidad de Madrid, es el alma sonora del proyecto. Bajo la batuta de Navarro, la orquesta protagoniza algunas de las secuencias más impactantes del videoclip, especialmente las rodadas el 29 de noviembre, jornada que supuso el clímax del rodaje con cerca de 500 personas reunidas entre músicos, equipo técnico, actores y figurantes. Estas escenas lograron una fusión única entre cine y concierto, donde la fuerza visual se unió a la potencia emocional de la música en directo.

A esta atmósfera se sumó el Coro Infantil “La Paloma”, con 30 voces, que aportó la ternura y la magia propias de la Navidad, enriqueciendo el relato con una sensibilidad especial. Cada gesto, cada mirada y cada nota musical fueron captados bajo una cuidada dirección artística que buscó resaltar tanto la belleza del entorno como la emoción genuina de sus participantes.

El videoclip, dirigido por el multipremiado cineasta canario Fran Casanova, cuenta además con una historia profundamente humana. La actriz Xenia Tostado, conocida por su trabajo en series como “Amar es para siempre”, “Física o Química” y “Sin tetas no hay paraíso”, encabeza el reparto junto a los actores infantiles Mila Borrás y Jael Borrás. Juntos dan vida a un relato ambientado en la noche de Reyes, centrado en la familia, los recuerdos y la ilusión compartida, pilares fundamentales del espíritu navideño.

Con una duración aproximada de cuatro minutos y medio, “Donde habitan los sueños” combina una narrativa cinematográfica delicada con la intensidad emocional de una gran orquesta sinfónica, mostrando no solo una historia entrañable, sino también el alma de un pueblo que se volcó por completo en el proyecto.

La música de Óscar Navarro ha resonado en algunos de los escenarios más emblemáticos del mundo, como el Carnegie Hall de Nueva York, el Teatro La Scala de Milán, el Walt Disney Hall de Los Ángeles, el Auditorio Nacional de España o el Teatro Real, consolidando su proyección internacional. Con este nuevo proyecto, Navarro demuestra que la grandeza artística no depende del tamaño del lugar, sino de la capacidad de unir a las personas a través de la música y los sueños compartidos.

El pasado 18 de diciembre se estrenó “Jo pintava un cor”, el primer single del proyecto musical de Chloe Nicole, una joven artista que, a pesar de su corta edad, sorprende por su madurez creativa, sensibilidad y carisma natural. Con tan solo 10 años, esta artista del Empordà comienza a dar sus primeros pasos en la música con una propuesta fresca y honesta que ya apunta a un futuro lleno de posibilidades dentro del panorama musical infantil y juvenil.

“Jo pintava un cor” es una canción original escrita por la propia Chloe Nicole junto a su madre, una colaboración que une talento, emoción y una conexión muy especial que se refleja en cada verso. El tema se mueve dentro del pop bailable, con melodías alegres, ritmos contagiosos y una letra positiva que invita a cantar, bailar y disfrutar, transmitiendo ilusión y optimismo desde la primera escucha.

Sobre el escenario y frente a la cámara, Chloe Nicole brilla con luz propia. Su naturalidad, su energía desbordante y una presencia espontánea hacen que conecte de inmediato con el público, demostrando que el carisma no entiende de edades. Su voz, fresca y sorprendente, se convierte en el vehículo perfecto para un mensaje sincero que nace desde la creatividad y la emoción, sin artificios.

Este primer lanzamiento no solo presenta una canción, sino que marca el inicio de un proyecto artístico cuidado y lleno de sensibilidad. Chloe Nicole no se limita a interpretar, sino que transmite autenticidad, ilusión y una manera muy personal de vivir la música, cualidades que la están posicionando como uno de los nuevos talentos más prometedores del momento dentro de su generación.

“Jo pintava un cor” representa ese primer trazo de un camino que comienza con entusiasmo y que promete crecer paso a paso, acompañado de aprendizaje, creatividad y nuevas historias por contar. Un debut que deja claro que, cuando la música nace desde el corazón, no importa la edad para emocionar y conectar.

“Jo pintava un cor” ya se encuentra disponible en streaming en plataformas digitales. Para más información sobre Chloe Nicole y sus futuros proyectos, no dudes en seguirla a través de sus redes sociales.

NDROID lanza “La Cone”, un nuevo single que irrumpe con fuerza en la escena del trap latino y que reafirma su identidad como productor clave dentro del sonido urbano contemporáneo. Interpretado por Jhey Q y producido por NDROID Music Productions, el tema apuesta por una propuesta oscura, intensa y profundamente callejera, marcada por 808s pesados, percusiones afiladas y un flow agresivo que define su energía desde el primer compás.

“La Cone” se construye sobre una base sonora densa y envolvente, donde el trap latino encuentra un espacio de expresión auténtico y sin concesiones. La producción destaca por su contundencia y precisión, reforzando una atmósfera tensa que acompaña una narrativa centrada en la supervivencia, el poder y la lealtad dentro del entorno urbano. Jhey Q interpreta el tema con seguridad y actitud, encarnando un discurso directo que conecta con la realidad de la calle y sus códigos.

El lanzamiento viene acompañado de un videoclip oficial que potencia aún más el impacto del single. La pieza audiovisual presenta una estética urbana oscura y cinematográfica, poblada de escenas nocturnas cargadas de suspenso. Hombres enmascarados, armas, coches negros y figuras envueltas en sombras construyen un universo visual donde el peligro es constante. La iluminación de alto contraste, los planos cerrados, los ángulos bajos y los movimientos de cámara dramáticos intensifican la sensación de amenaza y refuerzan el carácter crudo de la canción.

En el video, los personajes que rodean a Jhey Q funcionan como símbolos de lealtad, poder y resistencia, elementos fundamentales dentro del imaginario del trap latino. Todo el conjunto logra una coherencia total entre imagen y sonido, posicionando a “La Cone” como una de las propuestas más sólidas dentro del género gracias a su estética hood auténtica y una producción profesional de alto nivel.

Detrás de este lanzamiento se encuentra NDROID, conocido como “La Máquina”, productor neerlandés de reggaetón y música latina/urbana activo desde 1999. Miembro del trío Reggaeton Para Siempre (RPS) junto a Rowano “El Fuego” y Sahied Beats “El Musicólogo”, NDROID ha dedicado décadas a la exploración y difusión de los ritmos latinos. Desde 2008, el colectivo compartió su pasión a través de mixtapes y presentaciones, y tras un periodo de pausa, regresó en 2021 con el objetivo de seguir expandiendo su sonido a través de las redes y nuevas plataformas digitales.

“La Cone” confirma la versatilidad de NDROID como productor y su capacidad para adaptarse a las corrientes más duras del urbano actual sin perder autenticidad. El single se presenta como una pieza ideal para los seguidores del trap latino, la música urbana y los videoclips con una estética intensa y cinematográfica.

“La Cone” ya se encuentra disponible en streaming en plataformas digitales. Para más información sobre NDROID y sus futuros proyectos, no dudes en seguirlo a través de sus redes sociales.

El recinto de la CaixaBank Tarraco Arena acogerá una de las grandes citas musicales del año con el paso de la gira de Mónica Naranjo “Greatest Hits Concerts 2026” el próximo 19 de septiembre.  Un espectáculo concebido para celebrar el 30º aniversario sobre los escenarios de una de las voces más icónicas del pop español, con una de las trayectorias más espectaculares del panorama musical en España y América. Tarragona se convierte así en una de las fechas destacadas de una gira especialmente diseñada para seguir acercando al público a un directo intenso y majestuoso, con la personalidad arrolladora de Mónica Naranjo.

“Greatest Hits Concerts 2026” nace como una celebración por todo lo alto de tres décadas de música, materializada en un show de gran formato que repasa los principales hitos de la discografía de Mónica Naranjo con banda, coristas y bailarines, un potente diseño de luces, vestuario especialmente concebido para el espectáculo y un ritmo escénico de alta intensidad. «Estos 30 años se me han pasado volando. Y lo mejor de todo, es que después de todo este tiempo, seguimos con más energía e ilusión que nunca», señaló recientemente la artista, subrayando el pulso emocional de una propuesta que combina excelencia interpretativa, carácter y cercanía, y que sitúa la voz como eje central de una puesta en escena creada para impactar.

El repertorio convierte el concierto en una auténtica celebración colectiva, recuperando en directo las versiones originales de himnos que forman parte de la historia reciente de la música en español, como “Desátame”, “Sobreviviré”, “Europa” o “Pantera en libertad”, junto a su single “Por un like” y momentos especialmente aclamados por el público, como “Chicas malas”. Con el anuncio de sus nuevos conciertos en 2026, y tras superar más de 60.000 espectadores, el proyecto “Greatest Hits” continúa creciendo para seguir emocionando y conquistando al público en algunos de los escenarios más importantes, el nombre de Mónica Naranjo en un lugar propio entre las voces más potentes, personales y admiradas del panorama musical.

Las entradas para el concierto estarán disponibles a partir de este martes 30 de diciembre, a las 12:00 h, a través de la web oficial de venta www.tickets.tarracoarena.com 

El regreso de Don Omar a España continúa escribiendo páginas históricas y reafirmando su lugar como una de las figuras más influyentes de la música urbana a nivel mundial. El artista puertorriqueño ha agotado todas las entradas para su concierto en Sevilla en cuestión de minutos, una cita prevista para el 18 de julio de 2026 en el Estadio La Cartuja que ya se perfila como uno de los mayores acontecimientos musicales del próximo verano.

Este nuevo sold out llega tras el éxito arrollador de su actuación en Tenerife, donde Don Omar logró vender 40.000 entradas dentro del Tenerife Cook Music Fest, colgando el cartel de entradas agotadas en tiempo récord y dejando a miles de seguidores sin posibilidad de asistir. La respuesta del público sevillano ha sido igual de contundente, demostrando una vez más la extraordinaria conexión que el artista mantiene con sus fans en España y el impacto intergeneracional de su música.

Con este lleno total, Sevilla se consolida como una de las grandes capitales musicales del verano de 2026, al acoger una de las fechas más esperadas del año. El concierto en el Estadio La Cartuja será, además, una nueva oportunidad de ver a Don Omar en directo en España durante 2026, después de haber agotado todas las fechas anunciadas hasta el momento, confirmando la enorme expectación que rodea su regreso a los escenarios españoles.

A sus 47 años y con más de 25 años de trayectoria, William Omar Landrón se mantiene como una figura clave en la historia y evolución del reggaetón y la música urbana latina. Su repertorio está marcado por himnos que han definido a varias generaciones y que siguen sonando con fuerza en todo el mundo, como Danza Kuduro, Dile, Dale Don Dale, Virtual Diva, Salió el Sol, Guaya Guaya u Ojitos Chiquitos, canciones que forman parte del imaginario colectivo de públicos de todas las edades.

La carrera de Don Omar está respaldada por una impresionante lista de reconocimientos, entre los que destacan 3 Latin Grammy, 20 Premios Billboard y 19 Premios Lo Nuestro, además de múltiples nominaciones internacionales, incluyendo los MTV Video Music Awards. En el último año, su influencia volvió a ser celebrada con el Premio Icono Global de Premio Lo Nuestro y su inclusión en la lista de Los 50 Más Bellos de People en Español, confirmando su vigencia y relevancia dentro y fuera del ámbito musical.

El show previsto para Sevilla contará con una producción de gran formato, diseñada especialmente para esta gira, que combinará sus grandes clásicos con una propuesta renovada y una puesta en escena a la altura de su legado. La organización ha adelantado además que el concierto incluirá artistas invitados, cuyos nombres se darán a conocer próximamente, sumando aún más atractivo a una noche que promete ser inolvidable.

Desde la organización se ha querido agradecer el enorme respaldo del público y destacar el carácter histórico de este doble sold out en España, un hito que confirma a Don Omar como uno de los artistas latinos más influyentes, respetados y queridos a nivel mundial, y que convierte su regreso a los escenarios españoles en uno de los grandes eventos musicales de 2026.

Efi Gjika da un paso firme y profundamente honesto con el lanzamiento de su nuevo single “Ajo që Doja”, una canción que habla del proceso de crecer, de enfrentarse a las expectativas ajenas y de la decisión consciente de no renunciar a la propia identidad. Con una narrativa cargada de emoción y verdad, la artista construye un relato que conecta con cualquiera que alguna vez sintió que el camino que eligió no era el que otros habían imaginado para él.

“Ajo që Doja” es, ante todo, la historia de una voz que no se apagó, incluso cuando la ruta cambió. La canción pone palabras a ese momento vital en el que los sueños se transforman, las certezas se tambalean y uno se mira al espejo reconociéndose distinto, pero no derrotado. Lejos de la resignación, el tema abraza la perseverancia y la fidelidad a uno mismo como acto de valentía.

La letra, escrita desde la introspección, recorre imágenes de madurez y aprendizaje. Efi canta sobre planes que no salieron como se esperaban, sobre ilusiones que tuvieron que adaptarse a una realidad cambiante, pero también sobre una convicción inquebrantable: no abandonar aquello que hace latir el corazón. Versos como “S’di me u fik, edhe kur s’ka dritë” reflejan esa idea central de una voz interior que permanece viva incluso en la oscuridad.

Uno de los ejes más potentes del tema es su crítica sutil a la comparación constante y a la búsqueda de validación externa. “Ajo që Doja” reivindica el valor personal frente a los números, los nombres y la aprobación superficial, dejando claro que la música, en este caso, nace de una necesidad auténtica y no del deseo de agradar. Es una declaración de principios que pone el arte y la verdad emocional por encima de las expectativas del público o de la industria.

Musicalmente, la canción acompaña este mensaje con una atmósfera íntima y reflexiva, permitiendo que la voz y la letra sean las grandes protagonistas. Cada nota refuerza la sensación de confesión personal, como si Efi Gjika compartiera un fragmento de su propio recorrido vital, invitando al oyente a reconocerse en él.

Con “Ajo që Doja”, Efi Gjika firma una canción para quienes no pudieron ser lo que otros esperaban, pero eligieron mantenerse fieles a sí mismos. Un tema que no habla de renuncias, sino de transformación, de resistencia silenciosa y de seguir brillando, noche tras noche, nota tras nota, desde la convicción de ser quien realmente se es.

Arcángel despide el 2025 reafirmando por qué sigue siendo una de las figuras más influyentes del género urbano con el lanzamiento de su nuevo single “HOY SE GUAYA”, estrenado el pasado 18 de diciembre bajo el sello Rimas Entertainment. Con este tema, “La Maravilla” regresa sin rodeos al reggaetón puro y caribeño, conectando con la raíz que lo convirtió en un referente y marcando el segundo adelanto oficial de su próximo álbum, titulado La Octava Maravilla.

“HOY SE GUAYA” destaca desde los primeros segundos por su energía festiva y su clara intención de hacer bailar. La producción, a cargo de La Crème, fusiona el dembow clásico con trompetas vibrantes y una percusión tropical que aporta un aire fresco y contagioso, cercano a una mezcla de salsa y reggaetón pensada para la pista de baile. El resultado es un sonido que mira al pasado con respeto, pero que se siente actual y contundente dentro del panorama urbano.

A nivel conceptual, la canción celebra el disfrute como recompensa al trabajo duro, una idea que Arcángel ha defendido a lo largo de su carrera. Esa filosofía se refuerza en el videoclip oficial, grabado en una isla tropical, donde la comunidad, la fiesta y el espíritu latino se convierten en protagonistas. La puesta en escena acompaña perfectamente el mensaje del tema, transmitiendo libertad, calor caribeño y una vibra de celebración colectiva.

En la letra, Arcángel se muestra en su estado más puro, con rimas directas, actitud segura y ese flow elegante que lo ha caracterizado durante más de dos décadas. Sin necesidad de artificios, “HOY SE GUAYA” apuesta por la espontaneidad y la conexión inmediata con el oyente, recordando al público por qué Papi Arca sigue marcando el ritmo del género.

Este lanzamiento llega además en un momento especialmente simbólico para el artista, justo después de completar su ambiciosa gira “Las 7 Maravillas”, con la que hizo historia al visitar las siete maravillas del mundo en apenas 18 días. Un logro que refuerza su estatus legendario y que encuentra en “HOY SE GUAYA” la continuación perfecta: un tema que mira al futuro sin olvidar la esencia que lo llevó hasta ahí.

Con este nuevo single, Arcángel demuestra que, lejos de acomodarse, sigue reinventándose desde la fidelidad a su identidad musical, manteniéndose vigente y relevante en una escena en constante evolución. “HOY SE GUAYA” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Arcángel, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Manuel González, conocido por el gran público como Manuel González (Ex Rebujito), continúa consolidando en 2025 una sólida etapa en solitario con el lanzamiento de su nuevo single “No me digas”, una canción que vuelve a situarlo como una de las voces más honestas y reconocibles del flamenco-pop actual. El artista gaditano, que durante casi dos décadas formó parte del exitoso dúo Los Rebujitos, demuestra una vez más que su proyecto personal no solo mantiene la esencia que lo hizo popular, sino que la ha llevado a un terreno más maduro y contemporáneo.

“No me digas”, publicado en diciembre de 2025, es una canción de desamor narrada desde la frontalidad emocional. Manuel canta a una relación que ya no se sostiene, a ese momento en el que una de las dos partes ha dejado de sentir, y donde la única salida digna es la verdad. El estribillo, directo y sin rodeos, resume el espíritu del tema: “No me digas que me quieres si ya no sientes nada, prefiero no verte más que sufrir sin ver tu cara”. No hay reproche innecesario, sino una petición clara de honestidad para evitar prolongar un dolor que ya es inevitable.

La letra se apoya en imágenes muy reconocibles dentro de su universo emocional, como el contraste entre dos personas que ya no vibran en la misma sintonía: “Yo fuego, tú fría como el hielo”, o frases que funcionan casi como despedidas definitivas: “Vete si quieres descansar de mí, vuelve cuando la duda no viva en ti”. Todo ello envuelto en una interpretación sentida que conecta fácilmente con quienes han pasado por una situación similar.

En lo musical, “No me digas” mantiene la base flamenca característica de Manuel González, pero incorpora un sonido actual que se mueve con naturalidad entre el pop y los matices urbanos, sin perder la cercanía ni el acento emocional que siempre ha definido su carrera. Es una canción pensada tanto para la escucha íntima como para conectar en directo, donde el mensaje cobra aún más fuerza.

Este lanzamiento se suma a un 2025 especialmente activo para el artista. A lo largo del año, Manuel ha ido publicando varios singles que muestran diferentes facetas de su proyecto en solitario, como “Amanecer”, “Vivo” o “Pasan las horas”, reafirmando una evolución constante y una búsqueda sonora que no se conforma con repetir fórmulas. Desde que en 2018 decidiera iniciar su camino fuera de Los Rebujitos, su propuesta ha ganado en libertad creativa, permitiéndole explorar géneros como la bachata y colaborar con productores y artistas que aportan frescura a su sonido.

Con “No me digas”, Manuel González vuelve a demostrar que su fortaleza está en contar historias reales, cantadas desde la experiencia y sin artificios. Una canción que habla de decir basta a tiempo, de elegir la verdad aunque duela, y que confirma que su etapa en solitario atraviesa uno de sus momentos más sólidos y coherentes, manteniéndose fiel a sus raíces mientras sigue avanzando hacia nuevos horizontes musicales.

La colaboración entre Lucah y Monse Limongi llega en uno de los momentos más interesantes del pop romántico en 2025, consolidándose como un encuentro natural entre dos propuestas que comparten una misma sensibilidad artística. “Te Pido” es una balada pop de sonido acústico y melódico que apuesta por la emoción sin artificios, construida desde la cercanía y el cuidado por los detalles sonoros.

El single destaca por una producción delicada que deja espacio a las voces y a la interpretación. La armonía vocal entre Lucah y Monse Limongi es el eje central de la canción, creando un diálogo íntimo que acompaña una letra cargada de sinceridad. “Te Pido” habla de la vulnerabilidad que surge cuando se ama, de la necesidad de pedir una oportunidad o de buscar claridad en medio de la incertidumbre emocional. Es una súplica honesta, melancólica pero también esperanzadora, que conecta con quienes han vivido ese punto frágil dentro de una relación.

En lo musical, el tema se mueve dentro del pop acústico contemporáneo, con guitarras y arreglos orgánicos que refuerzan la sensación de cercanía. La calidez de las voces masculinas de Lucah se entrelaza con la dulzura y la potencia interpretativa de Monse Limongi, dando como resultado una canción que se siente coherente con las trayectorias de ambos y, al mismo tiempo, como una evolución natural de sus universos musicales.

Lucah, dúo mexicano originario de Hermosillo, Sonora, formado por Luis Fernando Huerta y Carlos Colosio, se ha consolidado como uno de los referentes actuales del pop romántico en Latinoamérica. Tras darse a conocer con covers virales en YouTube, lograron construir una identidad propia con canciones como “A Escondidas” o “Domingo en la Mañana”, destacando por sus armonías vocales y letras cercanas que conectan con el público desde la emoción cotidiana.

Por su parte, Monse Limongi es una artista regiomontana con una trayectoria marcada por la versatilidad y la sensibilidad. Su paso por La Voz México, dentro del equipo de J Balvin, la dio a conocer ante el gran público, pero ha sido su trabajo posterior el que la ha posicionado como una voz a seguir dentro del pop alternativo. Con una sólida formación musical y una estética que navega entre el pop, el indie y toques de R&B, Monse ha ganado relevancia en el último año gracias a su capacidad para transmitir emociones reales y profundas.

La unión de Lucah y Monse Limongi ha sido especialmente celebrada en redes sociales, donde ambos comparten una base de seguidores que valora la música honesta, las canciones que se pueden dedicar y los sonidos orgánicos alejados de lo superficial. “Te Pido” responde precisamente a esa expectativa, ofreciendo una pieza íntima que apuesta por la emoción directa y la interpretación sincera.

Con este lanzamiento, Lucah y Monse Limongi confirman que el pop romántico sigue teniendo un lugar sólido en la escena actual cuando se construye desde la verdad emocional. “Te Pido” no busca grandes artificios, sino acompañar, abrazar y poner palabras a sentimientos que muchos reconocen como propios, reafirmando el poder de las canciones hechas desde la sensibilidad y la conexión real con el oyente.

“Le Pido a La Luna” se ha consolidado como una de esas canciones que encuentran su lugar natural en la noche, cuando la ciudad se apaga y las emociones hablan más alto. El tema, firmado por VANINA junto a Alex Rodríguez bajo el sello DLT Records, propone un pop urbano sentimental que conecta desde la primera escucha gracias a su honestidad lírica y a una producción que equilibra sensibilidad acústica y texturas digitales.

El proyecto nace de una colaboración cuidada y transatlántica. El videoclip fue grabado en Madrid, España, mientras que la producción, mezcla y masterización se realizaron en Buenos Aires, Argentina, reforzando ese carácter global que también se percibe en el sonido. La composición vocal y las voces corren a cargo de Vanina Jara, Alex Rodríguez y Tobias Damián Gómez Antolini, con producción musical y mezcla de Cacique y masterización en Estudio Pangea, un equipo que ha sabido respetar la emoción de la canción sin sobrecargarla.

A nivel sonoro, “Le Pido a La Luna” se mueve en un terreno íntimo y nocturno, donde las bases urbanas se combinan con una atmósfera melancólica que envuelve la narrativa. La voz de VANINA aporta fragilidad y cercanía, mientras que Alex Rodríguez suma un contrapunto más terrenal y confesional, generando una química que ha sido clave para el impacto del tema. La producción de DLT Records actúa como hilo conductor, logrando un sonido equilibrado, elegante y emocionalmente directo.

La letra funciona como una conversación interna marcada por la duda, el miedo a volver a confiar y la necesidad de una señal que indique si un amor es real o solo otra herida más. La luna se convierte en testigo y confidente, en un símbolo al que se le pide guía en medio de la oscuridad emocional. Esta carga simbólica, unida a una narrativa sencilla pero efectiva, ha hecho que la canción conecte especialmente bien con oyentes que buscan canciones para momentos de introspección.

Durante el último año, “Le Pido a La Luna” se ha vuelto recurrente en playlists centradas en el indie español y el pop melancólico, confirmando su buena recepción dentro del circuito de pop/urbano emergente. El tema ha sabido encontrar su público sin artificios, creciendo de forma orgánica gracias al boca a boca y a su afinidad con la audiencia nocturna, aquella que conecta con canciones que hablan de vulnerabilidad y emociones sin filtros.

Esta colaboración también sitúa a VANINA y Alex Rodríguez dentro de una escena creativa que en 2025 ha ganado visibilidad, compartiendo espacio con otros proyectos emergentes que exploran el pop urbano desde una perspectiva más íntima y emocional. “Le Pido a La Luna” no busca el impacto inmediato, sino quedarse, acompañar y resonar, demostrando que la sencillez bien construida puede ser profundamente efectiva.

Con este lanzamiento, VANINA, Alex Rodríguez y DLT Records firman una pieza que destaca por su coherencia artística, su sensibilidad y su capacidad para conectar con quienes encuentran en la música un refugio emocional cuando cae la noche.

Belmara continúa consolidando su universo sonoro con el lanzamiento de “Dulce Obsesión”, un nuevo single que resume a la perfección su propuesta artística basada en el feel-good pop, los ritmos latinos y una energía pensada para levantar el ánimo, relajar el cuerpo y dejarse llevar por el ritmo. Con este tema, el artista invita a entrar de lleno en una atmósfera cálida, nocturna y sensual, donde la música se convierte en el mejor refugio emocional.

“Dulce Obsesión” es una canción que respira verano desde los primeros compases. Con una base rítmica marcada por el dembow y una vibra latina constante, el tema combina elementos de Latin Pop, Tropical Pop y Pop R&B, géneros que forman parte esencial del ADN musical de Belmara. La producción fluye entre beats suaves y envolventes, creando un espacio sonoro ideal tanto para la pista de baile como para esos momentos de desconexión en los que solo importa el presente.

La letra construye una historia de deseo y conexión a través del movimiento, la mirada y la complicidad nocturna. Bajo la luna, entre el calor que no se va y el vaivén del baile, “Dulce Obsesión” retrata una atracción intensa pero ligera, sin dramatismos, donde el ritmo guía las emociones y el cuerpo se convierte en lenguaje. Frases que evocan noches de verano, playa, fiesta y libertad refuerzan esa sensación de vivir el momento sin miedo y sin distracciones.

Belmara define su proyecto como un espacio donde conviven múltiples caras del pop contemporáneo, desde sonidos chill hasta melodías más enérgicas y luminosas. En “Dulce Obsesión”, esa versatilidad se hace evidente a través de una canción pensada para disfrutar sin complicaciones, con un mensaje directo y una producción cuidada que prioriza la sensación y el groove. Todo está diseñado para que el oyente se deje llevar, se mueva con el ritmo y se sumerja en una experiencia positiva y envolvente.

Este nuevo single reafirma a Belmara como un artista enfocado en crear música que conecta con las emociones desde lo sencillo, apostando por sonidos accesibles pero bien trabajados, capaces de acompañar tanto una noche de fiesta como un momento íntimo de escucha. “Dulce Obsesión” no busca ser solo una canción, sino una invitación a sentir, a vibrar y a dejarse contagiar por una energía latina que no entiende de fronteras.

Desde Hidalgo del Parral, Chihuahua, el compositor Armando Amparán Infante lanza “¿Para qué seguir?”, un nuevo sencillo publicado el 26 de diciembre de 2025 que se adentra en uno de los territorios más complejos del sentimiento humano: la traición, la infidelidad y la imposibilidad del perdón. La canción plantea una pregunta directa y dolorosa que sirve como punto de partida para una obra cargada de introspección, honestidad y una innovadora exploración sonora.

“¿Para qué seguir?” es una crónica del final inevitable de una relación que nunca tuvo bases firmes. Con versos tan contundentes como “Si sucedió el error / no era bueno el amor”, Armando Amparán construye una letra que no busca adornar el dolor, sino exponerlo tal como es. La canción retrata ese momento exacto en el que dos personas asumen que el daño es irreparable y que seguir adelante juntos solo prolongaría una herida abierta. El relato fluye entre la desolación y la aceptación, mostrando un proceso emocional que muchos reconocen, pero pocos logran expresar con tanta claridad.

La composición nació bajo una estructura mental influenciada por el jazz, un género que se percibe en la libertad de la narrativa y en la manera en que la melodía acompaña el vaivén emocional del texto. Sin embargo, el verdadero punto diferencial de este lanzamiento reside en su proceso creativo. Durante el último año, Armando Amparán Infante se ha sumergido en una búsqueda sonora vanguardista, integrando herramientas de inteligencia artificial como parte activa de su creación musical.

Lo que comenzó como un experimento terminó convirtiéndose en una revelación artística. El propio compositor explica que, aunque siempre imaginó sus canciones bajo ritmos y estructuras cercanas al jazz, el trabajo con inteligencia artificial le permitió alcanzar un nivel de detalle y precisión que antes parecía inalcanzable de manera independiente. Los arreglos musicales, la definición melódica y la textura de las voces alcanzan una profundidad que amplifica la carga emocional de la obra, demostrando que la tecnología, lejos de deshumanizar la música, puede potenciar su capacidad expresiva cuando se utiliza con sensibilidad y criterio artístico.

“¿Para qué seguir?” no es un lanzamiento aislado, sino una pieza clave dentro de un nuevo proyecto discográfico en el que Armando Amparán Infante explora la intersección entre la tradición de la composición humana y las posibilidades infinitas que ofrece la tecnología actual. Con este trabajo, el compositor invita a la comunidad hispanohablante y a los amantes de la música contemporánea a replantearse los límites de la creación musical y a descubrir un universo donde la emoción, la reflexión y la innovación conviven en equilibrio.

Este nuevo sencillo se presenta como una puerta de entrada a un álbum que promete ser tan emocional como experimental, reafirmando a Armando Amparán Infante como una voz inquieta y comprometida con la evolución del lenguaje musical en tiempos de transformación digital.