Con "Je regarde le ciel", Laurent presenta una delicada pieza de chanson française que se mueve entre la poesía íntima y la emoción a flor de piel. Se trata de una canción luminosa y profundamente sensible, donde la palabra ocupa un lugar central y cada verso parece respirar con calma, invitando al oyente a detenerse y sentir. El tema captura un instante suspendido en el tiempo: ese momento en el que, tras atravesar una etapa oscura, levantar la mirada hacia el cielo y hacia la luz del sol permite que regresen las imágenes positivas y, poco a poco, se reabra la puerta de la esperanza.
La canción transita con naturalidad entre la fragilidad y el renacimiento, apoyándose en una interpretación honesta y contenida que refuerza su autenticidad. La producción, sutil y elegante, deja espacio a los silencios y a las palabras, creando una atmósfera clara y envolvente que potencia el mensaje emocional del tema. "Je regarde le ciel" se inscribe así en la tradición de la chanson française pop, introspectiva y atemporal, ideal para programaciones sensibles y playlists centradas en la emoción, el texto y la suavidad sonora.
Originario de la región parisina, Laurent comenzó su camino musical a mediados de los años 80, influenciado por estilos tan diversos como el folk, el pop, el rock y el pop francés. Estas referencias marcaron profundamente su juventud y despertaron en él un fuerte deseo creativo que lo llevó, desde muy temprano, a buscar su propia identidad musical. Su objetivo siempre fue claro: componer canciones propias capaces de dar forma a ese material intangible que es la imaginación.
Cada tema de su repertorio es concebido como un fragmento de vida, una historia en la que cualquiera puede reconocerse. Para Laurent, componer significa levantar cada canción como si fuera un monumento, una obra con entidad propia y un universo emocional bien definido. Durante años, interpretar sus canciones y compartirlas en círculos reducidos fue su principal meta, pero hoy, con un repertorio sólido y maduro, aspira a que su música llegue a un público mucho más amplio.
Sus canciones funcionan como relatos compartidos, momentos cotidianos que resuenan de manera distinta en cada oyente. Junto a estas historias universales, Laurent también da espacio a composiciones más personales, especialmente aquellas que giran en torno a la música misma, donde deja aflorar un mundo creativo muy propio. Como cantautor, pone toda su energía en la escritura de textos y melodías, siempre con la intención de hacer vibrar sus emociones y conectar de forma sincera con quien escucha.
"Je regarde le ciel" ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas.
“Pobre Diablo” es el nuevo single de Bely Basarte, una composición firmada por la propia artista y producida por Tato Latorre en La Sucursal junto a Alex Granero y la misma Bely Basarte. Lanzado a finales de 2025, el tema se ha convertido en una de las piezas más significativas de su etapa actual, marcando un punto de inflexión en su narrativa personal y artística.
La canción se adentra en el retrato de una relación desgastante, abordando la vulnerabilidad extrema que nace cuando el amor deja de ser equilibrio para convertirse en renuncia. En versos directos y emocionalmente crudos, Bely canta sobre perderse por alguien que quizá no lo merece, divagar sin rumbo por amor y cruzar límites que nunca deberían haberse traspasado. “Pobre Diablo” no es una canción de reproche, sino de toma de conciencia, donde la ironía y la lucidez se convierten en herramientas para cerrar capítulos y recuperar el control.
Musicalmente, el tema mantiene la esencia pop que caracteriza a Bely Basarte, pero envuelta en una producción fresca y actual que refuerza su mensaje empoderado. Frases como “Si te pierdo perderé alguien que me quiso amar, si me pierdes, perderás a quien te quiso de verdad” o “Yo quería ser la que tú quieras, moriría si me lo pidieras… eso no es amor” condensan el corazón de una canción que habla de amor propio, dignidad y aprendizaje emocional.
El lanzamiento llega acompañado de un cuidado trabajo audiovisual producido por Omglobal, con dirección de Ale Lanoix y la propia Bely Basarte. La dirección de fotografía y el etalonaje corren a cargo de María Salto, mientras que la dirección de arte y vestuario está firmada por Lucho Campos. El equipo se completa con Aida Riesco como jefa de producción, Guillermo Centenera como operador de cámara, Nerea Martínez como gaffer y el trabajo de maquillaje y peluquería de Mara Fervi. El resultado es una pieza visual coherente con el universo íntimo y reflexivo de la canción.
Bely Basarte, nacida en Madrid en 1991, es una de las artistas más queridas del pop español actual. Comenzó su carrera compartiendo versiones y composiciones propias en YouTube, donde rápidamente conectó con cientos de miles de seguidores gracias a su voz aterciopelada y su honestidad emocional. A lo largo de los años ha firmado discos aclamados como Desde mi otro cuarto y El camino que no me llevó a Roma, además de poner voz a Bella en la versión en español del live-action de La Bella y la Bestia de Disney.
En 2026, la artista atraviesa una etapa de reconexión y redescubrimiento creativo. Singles recientes como “Amor Letal”, que da nombre a su nuevo disco, “Dolce Far Niente” o “California” reflejan un sonido pop-folk orgánico, íntimo y profundamente personal. “Pobre Diablo” encaja de lleno en este momento vital, consolidando una narrativa más consciente y madura, donde la emoción no está reñida con la claridad.
De cara a los próximos meses, Bely Basarte volverá a encontrarse con su público en una gira prevista para inicios de 2026, con fechas ya confirmadas en Sevilla el 27 de febrero, Granada el 28 de febrero, Barcelona el 10 de abril y Madrid el 21 de noviembre, reafirmando su conexión con el directo y con una audiencia que ha crecido junto a ella.
“Pobre Diablo” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Bely Basarte, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.
Raquel del Rosario estrena su nuevo single “Alma Libre”, una canción que nace del impulso profundo de escapar de lo impuesto y de reconectar con la esencia más auténtica del ser. El tema se presenta como un canto a la libertad interior, una llamada directa a reconocernos más allá de las normas, los miedos heredados y toda esa programación externa que, muchas veces sin darnos cuenta, nos aleja de nuestra propia verdad.
“Alma Libre” es un manifiesto valiente y sanador que pone en el centro la coherencia personal como el mayor acto de valentía. A través de una letra íntima y reflexiva, Raquel del Rosario recorre un camino de aceptación, aprendizaje y liberación, recordando que ningún paso ha sido en vano y que incluso las heridas y los tropiezos forman parte de la construcción de quienes somos. La canción habla de romper contratos internos, dejar atrás falsas promesas y reconciliarse con uno mismo desde un lugar honesto y consciente.
La letra de “Alma Libre” se apoya en imágenes poderosas y emocionales, donde la artista transforma las piedras del camino en cimientos, encuentra diamantes entre el barro y descubre fortaleza en la herida y claridad en la soledad. Todo ello construye un relato de crecimiento personal que invita al oyente a escucharse, a quitarle las máscaras al miedo y a silenciar el ruido del mundo para volver a lo esencial.
Este lanzamiento llega acompañado de una pieza audiovisual profundamente cuidada y coherente con el mensaje de la canción. El guión, la dirección y la edición han estado a cargo de la propia Raquel del Rosario, reforzando el carácter personal y artístico del proyecto. La dirección de fotografía corre a cargo de Pedro Castro, con un trabajo visual que dialoga de forma natural con la narrativa de libertad y conexión con la naturaleza. El caballo Capricho se convierte en un símbolo de esa fuerza instintiva y libre que atraviesa toda la obra, mientras que las localizaciones, en Lo de Marcos, Nayarit, México, y en Pismo Dunes Natural Preserve, California, Estados Unidos, aportan una dimensión orgánica y espiritual al conjunto.
“Alma Libre” no solo es una canción, sino una declaración de principios. Un recordatorio de que vivir alineados con quienes somos, aun cuando eso implique decir que no, es una forma de resistencia y de amor propio. Raquel del Rosario vuelve a demostrar su sensibilidad artística y su capacidad para transformar experiencias personales en mensajes universales que acompañan, inspiran y sanan.
“Alma Libre” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Raquel del Rosario, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.
Gloria se posiciona como una de las propuestas más interesantes de la escena musical reciente con el lanzamiento de su single “Espacio”, una canción que ha despertado un notable interés desde finales de 2025 y comienzos de 2026 gracias a su profundidad conceptual y a una sensibilidad artística poco común dentro del pop contemporáneo. Lejos de fórmulas genéricas, el tema se construye como una reflexión íntima sobre los orígenes, el pasado y la manera en que todo aquello que fuimos termina moldeando lo que somos hoy.
“Espacio” plantea la necesidad de inventar una vida que realmente nos pertenezca, sin renunciar a las raíces ni a la memoria. La canción invita a mirar atrás con honestidad para imaginar finales alternativos a las historias personales, entendiendo el pasado no como una carga, sino como un punto de partida desde el que construir identidad. Su letra, cargada de simbolismo y emoción, convierte la escucha en un ejercicio de introspección que conecta con quienes buscan en la música algo más que entretenimiento.
Musicalmente, Gloria se mueve dentro de un pop actual y elegante, con una fuerte carga lírica que refuerza su carácter reflexivo y artístico. “Espacio” funciona como un ejemplo claro de cómo el pop puede ser una herramienta de autoexploración, capaz de dialogar con inquietudes personales y colectivas desde un lenguaje accesible pero profundo.
La artista es considerada una de las voces jóvenes con mayor proyección dentro de la programación cultural actual, formando parte de ciclos relevantes que combinan música, pensamiento y expresión artística, como los organizados por la Fundación CajaCanarias en 2026. Su perfil destaca por fusionar la música con una narrativa casi teatral o literaria, algo que se refleja tanto en sus canciones como en sus presentaciones en directo, donde el relato y la emoción ocupan un lugar central.
El camino artístico de Gloria comienza a una edad muy temprana, cuando descubre en la música una forma de transformar el miedo en poder y de expresarse con honestidad frente al mundo. A los siete años canta por primera vez ante su familia y son sus padres quienes detectan el potencial de su voz y la animan a formarse. Desde entonces, comienza a destacar en su colegio, representándolo en concursos intercolegiales y recibiendo numerosos reconocimientos.
Durante la adolescencia, marcada por distintos desafíos personales, la música se convierte en su refugio y en una herramienta de sanación. En esta etapa forma parte de un grupo de teatro musical infantil, donde descubre el poder del canto teatral para conectar con públicos de todas las edades y generar un vínculo auténtico desde el escenario. Más adelante, para costear sus estudios universitarios, comienza a trabajar cantando en restaurantes, bares, casas y eventos de su ciudad, una experiencia que refuerza su amor por el directo y su deseo de seguir creciendo artísticamente.
Tras un año de formación en la carrera de Artes Musicales, Gloria siente que su verdadero camino se encuentra fuera del aula y decide arriesgarlo todo para dar vida a su proyecto personal. Desde entonces, su objetivo es compartir con el público la energía, el amor y la pasión que la música despierta en ella, construyendo una propuesta honesta y con identidad propia.
“Espacio” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Gloria, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.
Juanes atraviesa uno de los momentos más emocionantes y significativos de su trayectoria artística. El artista colombiano acaba de lanzar “Hagamos Que” este 22 de enero de 2026, consolidando uno de los regresos más esperados del año y reafirmando su lugar como una figura esencial de la música latina contemporánea.
“Hagamos Que” es el cuarto adelanto de su próximo álbum de estudio, el duodécimo de su carrera, cuyo lanzamiento está previsto para mediados de este año. La canción se presenta como una pieza luminosa, romántica y profundamente emotiva, en la que Juanes celebra el amor eterno desde una mirada poética y serena. La letra explora la sensación de quedar cautivado por una belleza que rivaliza con las grandes obras de arte y el deseo de detener el tiempo a través de un beso, convirtiendo lo cotidiano en algo casi sagrado.
Fiel a su esencia, Juanes vuelve a moverse con naturalidad entre el pop-rock y los matices orgánicos que han definido su sonido a lo largo de los años. “Hagamos Que” llega precedida por otros adelantos como “Una noche contigo”, “Cuando estamos tú y yo” y “Muérdeme”, este último junto a Bomba Estéreo, mostrando un abanico sonoro diverso pero coherente, donde la emoción sigue siendo el eje central. Frases como “No creo en el más allá, pero he visto eternidad en tus ojos” resumen a la perfección el espíritu de la canción y su capacidad para transformar el amor en algo infinito.
El videoclip, rodado en los paisajes naturales de Costa Rica, acompaña visualmente esa sensación de paz, conexión espiritual y contemplación que transmite el tema. La naturaleza se convierte en un reflejo del estado emocional de la canción, reforzando la idea de detener el tiempo y habitar el presente junto a la persona amada.
Juan Esteban Aristizábal, conocido mundialmente como Juanes, hace tiempo que dejó de ser únicamente el artista asociado a himnos generacionales como “La Camisa Negra”. Hoy es una auténtica leyenda viva de la música latina. Recientemente, Billboard lo ha reconocido como el Mejor Artista de Rock Latino del Siglo XXI, un título que respalda una carrera marcada por la coherencia, la evolución constante y una conexión profunda con varias generaciones de oyentes.
Tras el lanzamiento de Vida Cotidiana en 2023, un álbum crudo, introspectivo y muy personal, este nuevo ciclo artístico se percibe mucho más optimista y esperanzador. “Hagamos Que” es una clara muestra de ese cambio de energía, apostando por la luz, el amor y la belleza de los pequeños instantes.
El 2026 se perfila además como un año clave en directo para Juanes, con presentaciones confirmadas en grandes escenarios como el Festival de Viña del Mar, el Vive Latino y una gira por España que incluirá el Movistar Arena de Madrid. A todo ello se suma un dato que confirma su vigencia: Juanes es uno de los artistas con más nominaciones en la historia de los Latin Grammy, con un total de 49, y recientemente ha logrado su primer número uno en el chart de Regional Mexicana de Billboard con una versión especial de “Una Noche Contigo”.
“Hagamos Que” no solo anticipa un nuevo álbum, sino que confirma que Juanes sigue creando desde la emoción, la madurez y una sensibilidad intacta, demostrando que su historia artística aún tiene mucho que decir.
Aisha presenta el videoclip de “Les Pica”, una pieza visual y musical que nace de vivencias personales dentro de la industria musical y que se convierte en un mensaje directo de seguridad, actitud y empoderamiento. La canción surge como respuesta a las miradas ajenas, los juicios externos y la incomodidad que genera ver a alguien brillar sin pedir permiso.
“Les Pica” es un tema que transforma la envidia en combustible creativo. Desde una posición de poder y absoluta autoconfianza, Aisha deja claro que nada puede afectar a quien sabe quién es y lo que vale. Con una letra afilada, cargada de picardía y honestidad, la canción se posiciona como un himno para todas aquellas mujeres que han sido señaladas, cuestionadas o criticadas por destacar demasiado.
En cuanto al apartado visual, la propia Aisha explica que desde el primer momento tuvo claro que el videoclip debía reflejar la confianza en uno mismo, ese punto en el que las opiniones de los demás dejan de importar. La estética es colorida, coqueta y marcadamente femenina, reforzando el mensaje de la canción y mostrando una versión libre, segura y consciente de su identidad artística. El resultado es un videoclip vibrante que acompaña perfectamente la energía desafiante y divertida del tema.
La artista también destaca la importancia de su equipo de trabajo y producción, no solo por el alto nivel profesional, sino por el vínculo humano que los une. Para Aisha, crear desde una conexión real es clave para lograr un sonido sólido y auténtico, y “Les Pica” es una muestra clara de lo que puede surgir cuando el talento y la confianza mutua se alinean.
A nivel sonoro, “Les Pica” cuenta con la producción de Fernando Rojo, Xavy Bally y La Maravilla del Beat. El tema fue grabado, mezclado y masterizado entre Miami y Madrid, consolidando un sonido urbano internacional con una identidad propia que conecta lo global con lo personal.
Aisha LK es una artista nacida en Venezuela, de raíces británicas y marroquíes, actualmente radicada en Madrid. Su proyecto musical refleja una mezcla multicultural muy marcada, donde conviven su esencia latina, influencias anglosajonas y referencias a la escena musical estadounidense. Inició su camino como compositora en 2022 y, desde entonces, ha ido construyendo una propuesta artística con visión global, carácter propio y un mensaje claro.
Con “Les Pica”, Aisha no solo presenta un nuevo videoclip, sino que reafirma su lugar como una voz segura, consciente y decidida dentro del panorama urbano actual, apostando por una narrativa donde la autenticidad y la autoestima son protagonistas.
“Les Pica” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Aisha, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.
Los Primos Chicos lanzan “Radical”, el segundo adelanto de su próximo álbum, un tema que transmite la esencia del grupo y su visión de la vida artística y musical en un mundo globalizado, frenético y muchas veces antiestético. La canción se erige como un grito angustioso y anticonformista, pero a la vez esperanzador, invitando al oyente a reflexionar sobre su propio camino y a encontrar fuerza en la vulnerabilidad.
“Radical” explora la sensación de sentirse fuera de la corriente, de no poder avanzar por caminos trazados por otros, y convierte esa lucha interna en un mensaje optimista: la vida es un río y uno puede ser un ancla, firme pero consciente de sus emociones. La letra aborda sentimientos de culpabilidad e indecisión, reconociendo la oscuridad que nos acompaña a diario, pero también la capacidad de transformarla en impulso creativo. Frases como “El nuevo día será la victoria, es un cambio radical” resumen la filosofía del grupo: el reconocimiento de la vulnerabilidad es, en sí mismo, un acto de radicalidad y fuerza.
La inspiración de “Radical” surge de la vida cotidiana: relaciones, amistades, trabajo, lecturas y reflexiones que generan inquietudes y cuestionamientos sobre el sentido de la existencia y el lugar que ocupa cada uno en el mundo. A través de esta canción, Los Primos Chicos buscan conectar con quienes atraviesan conflictos internos similares, ofreciendo un mensaje de esperanza y de superación personal.
Musicalmente, el single mantiene la identidad del grupo, combinando introspección lírica con una producción que refleja su personalidad única: cercana, honesta y directa. El resultado es un tema que consigue equilibrar la emoción con la energía necesaria para que cada escucha se sienta acompañado y comprendido.
Para presentar “Radical” en directo, Los Primos Chicos han programado varias fechas de conciertos durante los próximos meses: Sabadell (Tardeo59) el 31 de enero, Córdoba (Hangar) el 19 de marzo, Sevilla (Bar Mutante) el 17 de abril, Madrid (Sala Cadavra) el 23 de abril y Granada (Planta Baja) el 11 de junio. Cada presentación promete ser una experiencia intensa donde la energía de la banda se combina con la introspección de sus letras.
“Radical” ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales, donde puedes escucharla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Para seguir de cerca el recorrido artístico de Los Primos Chicos, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, conciertos y proyectos, se recomienda seguirlos a través de sus redes sociales.
El artista colombiano, ganador de cinco Latin Grammy, desarrolló una agenda enfocada en giras internacionales, conciertos con boletería agotada, lanzamientos musicales y nuevos proyectos culturales, fortaleciendo la presencia del vallenato en escenarios de América.
Durante el año realizó la gira “2025 Más Internacional”, con shows en más de ocho países, entre ellos Estados Unidos, México, Canadá, Venezuela, República Dominicana, Paraguay, Panamá, Guatemala y Ecuador, alcanzando a más de un millón de asistentes. Uno de los momentos más destacados fue su presentación en Asunción, Paraguay, donde compartió escenario con Marco Antonio Solís ante más de 60 mil personas.
Entre los principales hitos se registraron tres conciertos sold out en Monterrey, así como funciones en el Teatro Gran Rex de Buenos Aires y el Movistar Arena de Chile, consolidando su posicionamiento en mercados clave de Latinoamérica.
En el ámbito musical, Jorgito presentó ‘La Nostalgia de Poncho’, versión del clásico de Rafael Escalona y adelanto de su álbum lanzado en mayo. A lo largo del año, también desarrolló el sinfónico de su repertorio en Colombia y otros países, y en diciembre lanzó una nueva versión de 'Mi Locura’ junto a la agrupación argentina Los Palmeras.
El 2025 también marcó la expansión de su marca personal con el lanzamiento de “Ay Ombe Coffee by Jorge Celedón”, un proyecto orientado a promover la cultura cafetera colombiana. En el ámbito social, mantuvo su tradicional jornada navideña en Villanueva, La Guajira, donde compartió con más de mil niños y les llevo regalos como siempre lo espera su comunidad.
El 2026 inició con una agenda activa en Colombia, encabezando ferias y fiestas regionales como la Feria de Manizales y el Carnaval de Blancos y Negros. En una de sus presentaciones, Jorge Celedón rindió homenaje al fallecido Yeison Jiménez interpretando “Esta Vida”. Con nuevos proyectos en desarrollo y programación internacional en curso, el artista inicia el año enfocado en la continuidad y proyección de su legado en el vallenato.
Efecto Mariposa presenta “Comienzo”, su nuevo single junto a Gabriel de la Rosa, vocalista de Shinova, una colaboración muy especial que revisita la canción que dio título a su sexto álbum de estudio, publicado en 2014. Aquel disco marcó un punto de inflexión en la historia del grupo, representando una etapa de cambios, evolución y nuevas ilusiones tanto en el plano profesional como en el personal, y hoy vuelve a cobrar vida dentro de un contexto aún más simbólico: la celebración de su 25 aniversario sobre los escenarios.
“Comienzo” fue y sigue siendo una declaración de intenciones. Una canción que habla de reinicios, de impulso vital y de la energía necesaria para seguir avanzando cuando el camino ya recorrido es largo y valioso. No es casualidad que Efecto Mariposa haya elegido este tema para reencontrarse con su público en un momento tan significativo, ni que lo haga acompañados de una de las voces más reconocidas y respetadas del pop alternativo nacional.
Desde el propio grupo explican que esta etapa estuvo cargada de nuevas ilusiones que continuaron alimentando esas simbólicas 219.000 horas de vuelo que los han traído hasta aquí y que siguen marcando el rumbo de su historia. La participación de Gabriel de la Rosa en esta nueva versión de “Comienzo” nace de una admiración mutua que se remonta a un encuentro casual en “El Náutico”, cuando ambas bandas coincidieron de forma inesperada. Aquella idea de cantar juntos quedó sembrada y hoy se materializa como un regalo artístico lleno de complicidad, cariño y profesionalidad.
La voz de Gabriel de la Rosa aporta una nueva sensibilidad al tema, sumando matices emocionales que encajan de forma natural con la identidad sonora de Efecto Mariposa. El resultado es una canción que mantiene intacta su esencia original, pero que se expande y se renueva, reforzando su mensaje de evolución constante y su capacidad para seguir emocionando con el paso del tiempo.
Este lanzamiento se enmarca dentro de “219.000 Horas de Vuelo”, un proyecto que verá la luz en el mes de abril y que funciona como una celebración de sus 25 años de carrera. Un recorrido por canciones que ya forman parte del imaginario colectivo de nuestro país, donde la fragilidad emocional característica del grupo convive con un músculo sonoro sólido y estribillos luminosos que han definido su grandeza a lo largo de los años.
Efecto Mariposa se ha consolidado como uno de los grandes referentes del pop adulto en castellano, con una propuesta fresca, inteligente y de impecable factura. Sus singles superan los 15 millones de reproducciones en las principales plataformas digitales y sus videoclips acumulan más de un millón de visualizaciones, demostrando que su música no solo resiste el paso del tiempo, sino que sigue trascendiendo fronteras y generaciones.
Como parte de esta celebración, el grupo ha anunciado varias fechas dentro de su gira 25 Aniversario, que los llevará por Palencia el 11 de enero, Invernia Fest en Pontevedra el 6 de febrero, Puerto Llano el 14 de marzo y el Festival de Jávea en Alicante el 4 de abril, reafirmando su conexión con el directo y con un público que los ha acompañado durante toda su trayectoria.
“Comienzo” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Efecto Mariposa y Gabriel de la Rosa, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, conciertos o proyectos especiales, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.
La música canaria vive un encuentro muy especial con el lanzamiento de “Culpable”, el nuevo single de K-Narias junto a st. Pedro, publicado el pasado 23 de enero de 2026. Esta colaboración reciente conecta a dos generaciones clave del panorama musical de las islas y da como resultado una canción cargada de emoción, honestidad y sensibilidad, donde el sonido tropical dialoga con una producción moderna y elegante.
“Culpable” se presenta como una balada urbana con tintes de bachata y merengue, una fusión que logra equilibrar la calidez de los ritmos clásicos con una estética actual. La canción invita a moverse suavemente, pero sobre todo a escuchar con atención una letra que pone el foco en el conflicto emocional de sentir algo inesperado por alguien nuevo cuando ya existe una relación previa. La pregunta que atraviesa el tema es clara y directa: por qué sentirse culpable por algo que no se eligió conscientemente, abordando el destino, el desamor y la necesidad de ser honestos con lo que se siente.
Este lanzamiento tiene un valor simbólico muy importante para K-Narias, ya que marca el inicio de una nueva etapa artística coincidiendo con la celebración de sus 20 años de trayectoria. Gara y Loida, consideradas las gemelas pioneras del género urbano en España y conocidas por éxitos históricos como “No te vistas que no vas”, se encuentran inmersas en un álbum aniversario titulado “80 entre las 2”, un proyecto en el que revisitan su legado y presentan nuevas canciones que reflejan su evolución, entre ellas este single.
La colaboración con st. Pedro aporta una dimensión especial al tema. Pedro Hernández, que se dio a conocer de forma masiva en el Benidorm Fest 2024 con su bolero “Dos Extraños”, se ha consolidado como una de las voces más elegantes del pop y el R&B actual. Su timbre aterciopelado y su capacidad para moverse con naturalidad entre la salsa, el R&B y los ritmos latinos tradicionales encajan de forma orgánica con la energía y la experiencia de K-Narias, creando una conexión artística que se siente natural y sincera.
El estribillo de “Culpable” resume la esencia emocional de la canción, hablando de promesas que se rompen, sentimientos que aparecen sin aviso y del miedo a ser responsable de un corazón roto. Es precisamente esa mezcla de vulnerabilidad y ritmo lo que convierte al tema en una propuesta ideal para quienes buscan canciones donde la letra tiene peso emocional sin renunciar a una base rítmica envolvente.
Con esta unión, K-Narias y st. Pedro no solo celebran la riqueza musical de Canarias, sino que demuestran que el diálogo entre generaciones puede dar lugar a canciones con identidad, profundidad y proyección. “Culpable” se siente como un punto de encuentro entre experiencia y frescura, tradición y presente.
“Culpable” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de K-Narias y st. Pedro, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.
Ann Seeza presenta su nuevo single “Dancing On Ashes”, una canción que marca el inicio de una nueva etapa creativa y que se perfila como uno de los lanzamientos más potentes de su trayectoria reciente. Concebido como un tema para soltarse y quemar el pasado, el single se apoya en un pulso EDM intenso y liberador, pensado para transformar la energía acumulada en movimiento, catarsis y renacimiento emocional.
“Dancing On Ashes” funciona como una declaración de intenciones dentro del universo artístico de Ann Seeza. La artista define el tema como uno de sus favoritos a nivel personal, una pieza creada para dejar atrás lo que ya no pesa y avanzar sin miedo. Su fuerza rítmica y su atmósfera envolvente conectan directamente con la pista de baile, pero sin perder la carga emocional que caracteriza toda su obra.
Este lanzamiento se enmarca dentro de “Ghostlight”, el nuevo álbum de Ann Seeza, descrito por la propia artista como la versión más completa y coherente de su sonido hasta la fecha. El disco refleja un momento vital en el que la oscuridad y la claridad conviven, explorando no el miedo en sí, sino lo que viene después: ese resplandor que permanece cuando todo lo demás se desvanece. “Ghostlight” es un trabajo que habla de supervivencia emocional, de lo que queda tras el derrumbe y de la belleza que puede surgir incluso en los escenarios más sombríos.
Musicalmente, el álbum transita entre el dark electropop, el synthpop y el EDM, con una producción a cargo de FMD (Fuchs / Marquesa / Delgado), el mismo equipo responsable de sus anteriores lanzamientos. La conexión creativa entre Ann Seeza y los productores ha permitido llevar el sonido un paso más allá, profundizando en texturas, atmósferas y matices sin perder una identidad sólida y reconocible a lo largo de todo el disco.
A nivel conceptual, “Ghostlight” explora temas como la soledad, el deseo, la lucha interna, los demonios emocionales y las conexiones fugaces. Cada canción forma parte de una narrativa visual y emocional que atraviesa el álbum, invitando al oyente a sumergirse en un universo tan oscuro como luminoso, donde la introspección convive con la energía electrónica.
Ann Seeza se ha consolidado como una cantante magnética dentro de la escena electropop y dark pop, reconocida por su poderosa voz y su capacidad para transmitir emociones profundas con una estética moderna y envolvente. Su sonido se define por sintetizadores densos, beats pulsantes y melodías himnóticas que construyen paisajes sonoros intensos, capaces de atrapar al oyente desde la primera escucha. Sus letras, cargadas de fuerza y reflexión, abordan el amor, la resiliencia y el autodescubrimiento desde una mirada honesta y contemporánea.
Con “Dancing On Ashes”, Ann Seeza no solo presenta un nuevo single, sino una invitación a bailar sobre lo que fue, a encontrar luz en las cenizas y a seguir avanzando con determinación y autenticidad.
“Dancing On Ashes” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Ann Seeza, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.
Juli Obregón es una de las artistas emergentes más destacadas del pop argentino actual y una figura cada vez más influyente dentro de la nueva generación de músicos del país. Originaria de Corrientes, su versatilidad como cantante, compositora, actriz y bailarina la ha llevado a construir una carrera sólida desde muy temprana edad, combinando talento, carisma y una clara evolución artística.
Su vínculo con la música comenzó prácticamente en la infancia. A los 6 años ya se presentaba en público y, con tan solo 12, sorprendió a miles de personas en festivales de su provincia natal, llegando incluso a emocionar a más de 25.000 asistentes en un gran evento donde recibió una ovación de pie. Antes de eso, con apenas 9 años, ya había mostrado su talento en la televisión nacional, dejando claro que su proyección iba mucho más allá de lo local.
Además de su potente voz, Juli Obregón es multiinstrumentista y domina la guitarra, el ukelele y el piano, herramientas que le permiten participar activamente en la construcción de su sonido y su universo creativo. Su estilo musical se mueve principalmente dentro del pop, pero con una evolución constante que incorpora influencias del pop-punk, el euro dance noventero y el pop argentino contemporáneo, logrando una propuesta fresca y reconocible.
A lo largo de su trayectoria, ha sido reconocida con el Premio Iberá a Mejor Artista y ha acumulado millones de reproducciones en plataformas digitales, posicionándose como una de las voces más representativas de la Generación Z. Actualmente, con 20 años, suma más de 250.000 seguidores en redes sociales y supera los 20 millones de streams, cifras que reflejan su conexión directa con el público joven.
Dentro de su discografía, el single “Deja Vu”, lanzado en una etapa previa a sus proyectos más recientes de 2025, ocupa un lugar especial. Aunque Juli ha cosechado éxitos como “Ya Fue”, “Una Trampa” e “Igual”, esta canción fue fundamental para definir su identidad artística. En ella, explora el desamor y la nostalgia desde una mirada honesta y emocional, conectando con vivencias adolescentes y juveniles que forman parte del imaginario de su audiencia.
“Deja Vu” se caracteriza por sus melodías pegajosas y una producción que resalta la capacidad vocal de Juli Obregón, manteniendo esa frescura que la distingue dentro de la escena nacional. La canción funciona como un reflejo de su sensibilidad artística y como un punto de inflexión que anticipaba el crecimiento que vendría después.
Paralelamente a su carrera musical, Juli continúa perfeccionándose como bailarina y actriz, integrando estas disciplinas en cada una de sus presentaciones y reforzando su perfil como artista integral. Con cada nuevo lanzamiento, sigue sorprendiendo y consolidando su lugar en la industria, demostrando que su proyección no es casual, sino el resultado de años de trabajo, formación y pasión.
“Deja Vu” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Juli Obregón, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.
El reconocido intérprete puertorriqueño Charlie Cruz, una de las voces más emblemáticas y respetadas de la salsa romántica, abre un nuevo capítulo en su trayectoria con el lanzamiento de su sencillo “Ella No Tiene La Culpa”. Este estreno no solo representa un nuevo tema, sino el inicio de una etapa renovada para un artista que consolidó su carrera mucho antes de la era del streaming, cuando la salsa dominaba la radio, los escenarios y el corazón del público.
Con clásicos que hoy forman parte del ADN del género como “Amarte es un Problema”, “Labios de Púrpura”, “Bombón de Azúcar” y “Grita Conmigo”, Charlie Cruz ha construido un legado que trasciende generaciones. Aunque suma millones de reproducciones en plataformas digitales, su verdadero impacto proviene de décadas de conexión auténtica con el público y de una presencia artística que ha sabido mantenerse vigente a lo largo del tiempo.
“Ella No Tiene La Culpa” es una salsa contemporánea que respira sensibilidad y evolución. La canción narra la historia de mujeres que, desde la inocencia emocional y el deseo genuino de amar, buscan estabilidad afectiva en un mundo que muchas veces las juzga sin comprender su vulnerabilidad. El tema transmite un mensaje empático y humanizado, resaltando la necesidad de sentirse amadas, valoradas y protegidas, y rompiendo con estigmas sociales que injustamente recaen sobre ellas.
La composición reúne a un equipo de autores de alto calibre: Héctor Marcano, Melissa Castejón, Luis Leal (Voz Veis), Andy Blue, junto al compositor y productor ganador del Latin Grammy Pablo Rodríguez, y el triple ganador del Latin Grammy Carlos Almarza, quien además participó en la producción musical y los arreglos. El resultado es una pieza sólida, elegante y emocionalmente poderosa, que fusiona la esencia romántica de Charlie Cruz con una sonoridad actual y competitiva dentro del mercado global de la salsa.
La dirección artística y producción ejecutiva de esta nueva etapa están a cargo de Héctor Marcano y Melissa Castejón, quienes han diseñado una propuesta moderna, coherente y profundamente conectada con las audiencias actuales, sin perder la identidad romántica, interpretativa y elegante que define al artista.
El sencillo también destaca por la participación de músicos de primer nivel internacional, incluyendo al virtuoso trompetista Yturvides Vilchez y a integrantes del equipo musical de Juan Luis Guerra y 4.40, como Juan B. De la Cruz. Su aporte eleva la producción a un estándar superior de excelencia, precisión y calidad interpretativa, consolidando el tema como un lanzamiento de alto impacto dentro del género.
En esta nueva fase profesional, Charlie Cruz se une a Gogo Music, compañía liderada por el experimentado manager Jorge “Gogo” Guadalupe, figura clave en el desarrollo de la música tropical y responsable de impulsar la carrera de artistas como Alex Bueno, Eddy Herrera, Quinito Méndez, Víctor Manuelle, Puerto Rican Power, Luis Vargas, Monchy & Alexandra, entre muchos otros. Esta alianza estratégica busca fortalecer la presencia del artista tanto en mercados tradicionales como emergentes.
La distribución del sencillo estará a cargo de Gogo Music LLC, con un enfoque estratégico en territorios donde la salsa mantiene una presencia sólida y un consumo activo, incluyendo Puerto Rico, Costa Rica, Venezuela, Ecuador, Colombia y diversas ciudades de Estados Unidos como Miami, Orlando, New York, New Jersey y Virginia, donde las comunidades latinas continúan impulsando la vigencia del género.
Con “Ella No Tiene La Culpa”, Charlie Cruz demuestra que su trayectoria sigue en constante movimiento. Su legado se funde con una propuesta musical actual, emocionalmente profunda y artísticamente impecable, reafirmando su lugar como una figura esencial de la salsa contemporánea y marcando el inicio de una etapa que promete nuevas conquistas, nuevas audiencias y un renovado reconocimiento internacional.
Mario Cassado nos presenta su nuevo single Let Me Love You, una canción de pop europeo con una fuerte identidad emocional donde el amor y el flamenco se dan la mano dentro de una producción actual, elegante y pensada para crecer en grandes escenarios. El tema destaca por su capacidad para conectar con el oyente desde lo íntimo, sin perder de vista una vocación internacional que apunta directamente a festivales y plataformas de gran alcance.
La pasión de Mario Cassado por la música nació desde muy pequeño y ha sido una constante a lo largo de su vida. Con tan solo 6 años debutó en el programa Amigos en la Noche de TVE, presentado por Isabel Pantoja, una experiencia que marcaría un antes y un después en su camino artístico. Aquel día conoció a David Civera, quien estaba a punto de representar a España en Eurovisión y que, con una frase que se convertiría en profecía, le dijo: “Mario, de mayor tienes que ir a Eurovisión”. Desde entonces, ese sueño ha acompañado cada paso de su carrera.
Con el paso de los años, Mario ha construido una formación artística sólida y multidisciplinar, estudiando canto, baile, interpretación, piano y cine, lo que le ha permitido desarrollar una propuesta escénica completa y versátil. Su talento lo ha llevado a participar en distintos programas de televisión en cadenas como Antena 3, Telecinco, Castilla-La Mancha TV y Telemadrid, ampliando su presencia mediática y consolidando su perfil como artista integral.
Paralelamente, ha llevado su arte más allá de las fronteras españolas, formando parte de musicales, espectáculos, cruceros y producciones en hoteles internacionales, con experiencias profesionales en países como Alemania, Dinamarca y Noruega. Este recorrido internacional ha enriquecido su visión artística y reforzado su conexión con el sonido pop europeo que ahora define su nuevo lanzamiento.
Con Let Me Love You, Mario Cassado se presenta al Benidorm Fest con la ilusión intacta de cumplir aquel sueño que nació en su infancia: representar a España en Eurovisión, siempre desde una reflexión consciente sobre el contexto político y ético del momento. Su propuesta combina emoción, raíces culturales y una clara ambición escénica, posicionándolo como un artista que mira al futuro sin olvidar de dónde viene.
“Let Me Love You” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Mario Cassado, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.
NiNMARA nos presenta su nuevo single Love, una canción que se construye desde la emoción directa y la honestidad sonora, apostando por un mensaje universal que conecta con el oyente desde la primera escucha. Con una propuesta cuidada y sensible, el tema se mueve entre la intimidad y la fuerza expresiva, mostrando una identidad artística que pone el sentimiento en el centro y convierte cada nota en un espacio de encuentro.
Love nace como una declaración sincera, una canción pensada para acompañar, abrazar y resonar en quienes buscan reconocerse en la música. NiNMARA apuesta por una interpretación cercana y auténtica, dejando que la emoción fluya sin artificios innecesarios, lo que refuerza el carácter personal del single y lo convierte en una pieza con la que resulta fácil identificarse.
Este lanzamiento supone un paso firme dentro del recorrido artístico de NiNMARA, consolidando una propuesta que prioriza la conexión emocional y la verdad creativa. Love no solo funciona como una canción para escuchar, sino como una experiencia que invita a detenerse, sentir y dejarse llevar, reflejando una sensibilidad artística que promete seguir creciendo en futuros proyectos.
“Love” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de NiNMARA, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.
Melocos regresa con “Madrid”, una canción profundamente emocional que pone el foco en las despedidas inconclusas, el paso del tiempo y todo aquello que se queda suspendido en el aire cuando alguien se va. Disponible desde hoy, 23 de enero, en todas las plataformas digitales, el nuevo single convierte a la capital en escenario, refugio y metáfora de una historia que no termina de cerrarse.
“Madrid” habla de esa persona que se marcha, de las verdades que se confiesan cuando parece que ya es demasiado tarde y de lo fácil que sería volver a empezar si esa llamada llegara. A través de una narrativa sencilla pero cargada de emoción, la canción retrata ese instante en el que la ausencia transforma por completo el paisaje. Frases como “Madrid ya no es Madrid sin ti” convierten a la ciudad en un personaje más, testigo silencioso de un adiós que sigue doliendo.
Este lanzamiento abre una nueva etapa en la trayectoria de Melocos, consolidando su identidad sonora al mismo tiempo que explora nuevos matices en la composición y en la forma de contar historias. El tema ha sido compuesto por Jaime Terrón y producido por Tato Latorre, dando como resultado un sonido íntimo y luminoso que invita al recuerdo, a la melancolía y a la reflexión personal.
Fieles al estilo que marcó a toda una generación, Melocos vuelve a demostrar su sensibilidad y cercanía, así como su capacidad para describir emociones cotidianas que resultan universales. “Madrid” conecta con quienes han vivido una despedida que no terminó de cerrarse, una vuelta inesperada o un recuerdo que sigue presente con el paso de los años. Porque hay ciudades que cambian, sí, pero hay personas que las cambian todavía más.
“Madrid” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Melocos, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.
Zaira presenta “Querido Diario”, un nuevo single cargado de emoción y honestidad que funciona como una carta abierta a su pasado, a sus miedos y a la niña que un día soñó sin límites. La artista vuelve a demostrar su capacidad para conectar con el público a través de una letra directa y profundamente emocional, donde la vulnerabilidad se transforma en fuerza y aprendizaje.
Su relación con la música comenzó desde muy pequeña. Con tan solo 8 años, Zaira se dio a conocer en el programa Menuda Noche de Canal Sur, convirtiéndose rápidamente en una de las artistas más reconocidas del formato y participando en más de 150 emisiones. Aquella primera exposición no solo marcó el inicio de su carrera, sino también el nacimiento de un vínculo muy fuerte con el público, que ha crecido con ella a lo largo de los años.
A los 10 años dio el salto a la ficción participando en la película de Atresplayer Hoy quiero confesar, basada en la vida de Isabel Pantoja, y continuó su recorrido televisivo formando parte de programas como Fenómeno Fan en Canal Sur y Disney Channel, donde llegó hasta la fase de duelos. Estas experiencias tempranas moldearon a una artista que aprendió pronto lo que significaba perseguir un sueño, enfrentarse al miedo y levantarse tras cada caída.
Con el paso del tiempo, Zaira ha ido consolidando su camino en la música y ampliando su universo sonoro gracias a colaboraciones con artistas como Keen Levy, Luis Cortés, Daviles de Novelda, María Artés o Indara, sin perder nunca su esencia. Sus letras conectan de forma directa con quienes la escuchan, generando una identificación real y profunda. Sus seguidores no solo comparten sus canciones en redes sociales, sino que le hacen llegar mensajes contando cómo su música les ha acompañado y ayudado en momentos importantes de sus vidas.
En 2023, Zaira se une a Sound Blaster Records de la mano de Nerso y Scorpion, iniciando una nueva etapa profesional marcada por una mayor madurez artística y una narrativa cada vez más personal. “Querido Diario” es una muestra clara de ese crecimiento. La canción se presenta como un diálogo íntimo consigo misma, donde recuerda a la niña que escribía cartas al amor, reflexiona sobre las caídas que la obligaron a luchar y reivindica todas las historias que nadie podrá arrebatarle.
La letra avanza entre la nostalgia y la esperanza, recordando que la vida comienza cuando se pierde la cuenta y se empieza a amar de verdad, incluso cuando duele. Zaira canta sobre aprender de las heridas, construir murallas con las piedras del camino y brillar con luz propia, no como un acto de rebeldía, sino como una promesa personal. “Querido Diario” no es solo una canción, es un manifiesto de resiliencia, identidad y amor propio.
Con este lanzamiento, Zaira reafirma su lugar como una artista cercana, honesta y capaz de convertir su historia en refugio para muchos, demostrando que crecer también es aprender a mirarse con orgullo y sin miedo.
“Querido Diario” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Zaira, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.
“Hijo de la Luna” ha sido siempre considerada una canción bella, casi etérea, instalada en el imaginario colectivo como una historia delicada y poética. Sin embargo, Fran Triguero ha decidido mirarla desde otro lugar. El artista independiente andaluz acaba de publicar una reinterpretación muy personal del clásico de Mecano, llevándolo a un terreno emocional y visual poco habitual, más cercano al cine que al pop, y revelando la parte más oscura, trágica y desgarradora del relato.
En esta nueva versión, Fran Triguero no busca embellecer la historia, sino subrayar su crudeza. La canción se transforma en un relato casi cinematográfico, donde la fatalidad, la soledad y el destino inevitable adquieren un peso narrativo mayor. Este cambio de enfoque ha comenzado a generar un notable movimiento orgánico en redes sociales, especialmente en formatos cortos, donde el vídeo está despertando debate y conversación precisamente por su valentía al romper con la lectura tradicional del tema.
Francisco Javier Triguero Olmo, conocido artísticamente como Fran Triguero, nació el 19 de septiembre de 1991 en Jaén y se ha consolidado como un cantautor con una fuerte capacidad para emocionar a través de letras honestas y melodías profundas. Su carrera se caracteriza por una notable versatilidad, que le ha permitido moverse con naturalidad tanto en la música comercial como en la composición de himnos deportivos de gran impacto emocional.
Su debut discográfico llegó en 2017 con el álbum Fran Triguero, un trabajo compuesto por diez temas originales y producido por Alejandro de Pinedo, conocido por su trabajo junto a artistas como Enrique Iglesias, Raphael, Rosa López o Pitingo. El disco recibió una excelente acogida, superando los cuatro millones de reproducciones en plataformas digitales. Su single debut, Infieles, acumuló más de 200.000 visualizaciones en YouTube y logró sonar en emisoras como Canal Fiesta Radio, Radio Nervión y Rumbera Sevilla. El álbum contó además con la colaboración de María Villalón en el tema Sin Tí.
En la actualidad, Fran Triguero se encuentra inmerso en su segundo proyecto discográfico, Funambulismo a Ciegas, que está presentando single a single, dejando ver una clara evolución artística y personal. A lo largo de los últimos años ha publicado canciones que han conectado profundamente con el público, como Paseando por Granada (Mi Claudia), una balada íntima producida por Santi Villar; Princesa Pasajera, cuyo videoclip estuvo protagonizado por Elena Olmos; Ayer fue Septiembre, cargada de nostalgia y grabada en las calles de Granada; La Lucha, una canción potente y emotiva que fue candidata al Benidorm Fest 2023; o 22 de Julio, que siguió consolidando este proyecto como una colección de historias honestas y emocionales.
En 2025, Fran ha continuado explorando emociones profundas con La Estación, una canción marcada por el dolor y la nostalgia, y La Vida es un Sueño, un homenaje conmovedor a su abuelo Antonio Olmo, fallecido en 2020 por COVID, donde transforma la pérdida en un canto a la memoria, el amor y la resiliencia.
Paralelamente a su carrera como cantautor, Fran Triguero se ha convertido en un referente nacional en la composición de himnos de fútbol, logrando un hito sin precedentes en España al firmar seis himnos oficiales, dos de ellos para celebraciones centenarias. Entre ellos destacan “100 Años de Ilusión” para el centenario del Real Jaén C.F., el Himno Oficial de la Unión Molinense, “Esparteros a Luchar” para el centenario del Club Deportivo Cieza y el Himno Oficial Jumilla Atlético, además de encontrarse actualmente trabajando en nuevos himnos para la UD Melilla y el Atlético Pulpileño. En todos ellos, Fran logra capturar la identidad, el orgullo y la pasión de los clubes en melodías épicas y memorables.
Con esta reinterpretación de “Hijo de la Luna”, Fran Triguero vuelve a demostrar su capacidad para revisitar historias conocidas desde una mirada propia, valiente y profundamente emocional, reafirmando su identidad artística y su compromiso con una narrativa honesta, incluso cuando esta resulta incómoda o trágica.
“Hijo de la Luna” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Fran Triguero, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.
ATK Epop lanza “Pecados y Milagros”, un nuevo sencillo que une la intensidad interpretativa de Mara Vélez con el cante profundo y sobrio del cantaor gaditano Josele Vargas, dando forma a una propuesta que respeta la raíz del flamenco clásico y la expande hacia un territorio sonoro amplio, elegante y marcadamente cinematográfico. El resultado es una pieza poderosa, emocional y atemporal que confirma la inquietud artística del productor por seguir explorando nuevas lecturas del flamenco contemporáneo.
En “Pecados y Milagros”, ATK Epop firma una producción ambiciosa donde la tradición flamenca convive con una orquesta de gran carga emocional, arreglos sofisticados y una atmósfera que remite claramente al lenguaje del cine. Lejos de diluir la esencia del género, la engrandece, envolviendo las voces en un paisaje sonoro dramático, lleno de tensión, belleza y matices, que eleva la narrativa de la canción a otro plano.
La letra se mueve entre lo terrenal y lo espiritual, construyendo un relato donde cafés para curar el mal de amores, velitas encendidas, luces de colores y pasiones apagadas se convierten en símbolos de una relación marcada por la contradicción. Amor y dependencia, bendición y ruina, deseo y devoción se entrelazan constantemente, reflejando esa frontera difusa entre lo que salva y lo que condena. El estribillo, “soy la peor, la mejor de tus bendiciones”, resume a la perfección la dualidad emocional que atraviesa toda la canción.
Mara Vélez aporta una interpretación cargada de carácter, emoción y presencia, dotando a cada verso de una intensidad casi confesional. Su voz se mueve con naturalidad entre la fragilidad y la fuerza, sosteniendo el peso dramático de la historia. Por su parte, Josele Vargas ancla el tema en la tradición más pura del flamenco con un cante profundo, contenido y lleno de verdad, aportando el equilibrio perfecto entre raíz y emoción. Bajo la dirección y producción de ATK Epop, ambas voces dialogan con respeto, creando una tensión expresiva que mantiene al oyente atrapado de principio a fin.
Con “Pecados y Milagros”, ATK Epop continúa consolidando una línea artística que busca nuevas formas de entender el flamenco sin traicionar su esencia, ampliando su horizonte sonoro y demostrando que la tradición puede dialogar con la modernidad desde la elegancia, la emoción y la ambición creativa. Una obra que no solo se escucha, sino que se siente y se imagina, como una escena detenida en el tiempo.
“Pecados y Milagros” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de ATK Epop, Mara Vélez y Josele Vargas, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.
El aclamado artista australiano Chet Faker vuelve a sumergirse en la emoción y la introspección con “Over You”, su nuevo single y último adelanto antes de la llegada de su próximo álbum “A Love For Strangers”, que verá la luz el 13 de febrero en plataformas digitales y el 24 de abril en formato físico. La canción continúa marcando el camino sonoro de un disco que se perfila como una de las entregas más personales y envolventes de su carrera reciente.
“Over You” es una inmersión hipnótica en los recuerdos agridulces de una relación que estaba predestinada a terminar. Sobre una base electrónica envolvente y translúcida, Chet Faker superpone su inconfundible y sincera voz, guiando al oyente hacia un estado de reminiscencia casi suspendido en el tiempo. El pulso electrónico sostiene la atmósfera mientras el estribillo emerge con fuerza, reflejando esa sensación de perderse en los recuerdos de algo que fue intenso, real y, al mismo tiempo, imposible de recuperar. Es la aceptación melancólica de lo vivido, sabiendo que no podrá repetirse.
Este nuevo tema funciona como una continuación natural de “Can You Swim?”, su anterior lanzamiento, una canción más sombría que mostraba una faceta vulnerable del artista frente al amor. Con “Over You”, Nick Murphy, el compositor, músico y productor ganador de premios ARIA detrás del proyecto Chet Faker, sigue construyendo el universo emocional y sonoro de “A Love For Strangers”, un disco que se mueve entre la electrónica íntima, la honestidad lírica y una producción cuidada al detalle.
El origen de este nuevo álbum está profundamente ligado a un proceso de redescubrimiento personal que Chet Faker experimentó tras el décimo aniversario de su influyente debut “Built on Glass”, un trabajo que marcó un antes y un después en su carrera. Desde entonces, su trayectoria ha estado definida por una creatividad inquieta y sin etiquetas, alternando lanzamientos bajo su nombre real, Nick Murphy, como el aclamado proyecto instrumental “Music for Silence”, y colaboraciones con artistas de la talla de Flume o Marcus Marr. “A Love For Strangers” confirma que su necesidad de explorar nuevos territorios musicales sigue más viva que nunca.
Desde que comenzara su ascenso en 2011, cuando su música se hizo viral incluso antes de que ese concepto fuera habitual, Nick Murphy ha construido un camino único hacia el éxito. Su primer EP como Chet Faker, “Thinking in Textures”, le valió los premios a Artista Revelación del Año y Mejor Single o EP Independiente en los Australian Independent Records Awards, consolidando su reputación como uno de los nombres más prometedores de la escena. Poco después, su versión de “No Diggity” de Blackstreet alcanzó una difusión masiva al aparecer en un anuncio de la Super Bowl, y su álbum debut “Built on Glass” debutó en el número uno de las listas, impulsado por canciones como “Gold” y “Talk Is Cheap”, esta última coronada como número uno en la Hottest 100 de Triple J. Aquel lanzamiento le otorgó cinco premios ARIA y confirmó su impacto global.
Con más de mil millones de reproducciones acumuladas y una carrera marcada por el riesgo artístico y la evolución constante, Chet Faker ha sabido reinventarse sin perder su esencia. En 2021 cerró un nuevo ciclo con “Hotel Surrender”, un álbum que incluyó el exitoso single “Low” y reafirmó la vigencia de su proyecto. Ahora, con “Over You” y la inminente llegada de “A Love For Strangers”, el artista australiano vuelve a demostrar que su exploración musical está lejos de agotarse.
“Over You” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Chet Faker, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.
Cris Imaz continúa construyendo con paso firme el camino hacia su nuevo álbum con el lanzamiento de “Vuela”, un single cargado de simbolismo, sensibilidad y verdad que vuelve a poner en valor su mirada artística y humana. Con esta nueva canción, ya disponible en plataformas digitales, la cantautora nos acerca un poco más a “Creciente”, un trabajo inminente que promete consolidar una de las propuestas más honestas y orgánicas del pop-folk actual.
2025 está siendo un año especialmente intenso y fértil para Cris Imaz, que ha ido desvelando poco a poco las distintas caras de su próximo disco a través de varios adelantos. A lo largo de los últimos meses han visto la luz “Limbo” junto a Marc Wile, “Me aburro”, “manzanilla y miel” con nats y “Paula”, cada uno aportando nuevos matices a su universo sonoro. Ahora, con “Vuela”, la artista da un paso más y lo hace con una canción profundamente emotiva, dedicada a todas esas abuelas que rompen las reglas impuestas, desafían lo que se espera de ellas y se liberan de ataduras para vivir con plenitud.
“Vuela” nace de una pregunta tan sencilla como universal: cómo ser joven para siempre. Una cuestión a la que la propia Cris Imaz responde desde la experiencia y la reflexión, recordándonos que la juventud no tiene que ver con la edad, sino con no perder nunca la curiosidad ni las ganas de probar cosas nuevas. Esa idea atraviesa toda la canción, convirtiéndola en un homenaje a quienes se atreven a vivir sin pedir permiso, volando por encima de los límites sociales.
Este nuevo single vuelve a acercarnos al espíritu de “Creciente”, un álbum en el que la compositora reflexiona sobre el ritmo frenético en el que vivimos y la importancia de habitar el presente. Grabado y producido por Álvaro Navarro, guitarrista de Pedro Pastor y productor de proyectos como Las Nietas de Charli o La Pena, el disco apuesta por un sonido orgánico y cálido, con instrumentos acústicos y un especial protagonismo de las armonías vocales, elementos que definen la esencia artística de Cris Imaz. Un trabajo que supone un gran paso tanto a nivel personal como creativo.
Con un sonido pop-folk muy reconocible, Cris Imaz ha hecho de sus canciones un espacio donde convertir lo adverso en verso. En su directo y en sus grabaciones se rodea de músicos que enriquecen su propuesta, como los chelos de Blanca Sevi, las guitarras de IreNeblina y la percusión de Shadday López, combinando reflexiones cotidianas con arreglos delicados y una cuidada arquitectura vocal.
Su trayectoria comenzó en 2021 con el EP “Empezar a vivir”, un debut íntimo y especial que le permitió conectar rápidamente con el público y llamar la atención del sector profesional. En 2023 fue una de las tres cantautoras finalistas del Tour Music Fest, entre más de 21.000 artistas emergentes de toda Europa, y en octubre de 2025 fue finalista por la Fundación Miguel Ríos para actuar en el Teatro Caja Sonora de Granada, confirmando su proyección y crecimiento constante.
Ahora, Cris Imaz se prepara para dar un nuevo paso decisivo en su carrera con la llegada de “Creciente”, un álbum del que “Vuela” ya forma parte y que se perfila como una obra coherente, valiente y profundamente conectada con su forma de entender la música y la vida.
“Vuela” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Cris Imaz, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.
Víctor Martín comienza el nuevo año reafirmando su lugar como una de las voces más sensibles y prometedoras de la música popular actual con el lanzamiento de “Más”, una canción delicada, profunda y emocional que funciona como carta de presentación de todo lo que está por venir. Producido por Josemi Carmona, el tema marca el inicio de una nueva etapa creativa en la que la honestidad, la elegancia sonora y la emoción vuelven a situarse en el centro.
Considerado aire nuevo dentro del panorama musical de nuestro país, Víctor Martín destaca por una energía luminosa que conecta con la tradición sin dejar de mirar hacia adelante. Graduado con honores en Professional Music por la prestigiosa Berklee College of Music de Boston, su propuesta bebe de referentes claros pero reinterpretados con personalidad propia: la claridad emocional de Antonio Vega, la cercanía poética de Jorge Drexler, la sensibilidad armónica de un Jacob Collier menos barroco y la esencia melódica de un John Mayer en su versión más íntima.
Tras el impacto de su álbum debut Veintitantos, que supuso una declaración de intenciones y un retrato generacional cargado de matices, Víctor abre su 2026 con “Más”, una composición donde pop, raíz, jazz y soft rock californiano se funden con naturalidad. El resultado es una canción que respira identidad y que se presenta como un soplo de esperanza en un panorama musical a menudo previsible, reivindicando la necesidad de emoción, sutileza y profundidad.
Con la guitarra como aliada y la producción exquisita de Josemi Carmona, Víctor Martín se expone sin artificios y canta en primera persona a la duda constante frente a un futuro cada vez más incierto. Frases como “quiero más de lo que tengo, más de lo que sé tener” resumen el espíritu de la canción y revelan a un artista más poético, más melódico y más maduro, consolidado como un cantautor sólido que domina el género con absoluta naturalidad.
Víctor Martín es sinceridad, honestidad y carisma. Su música, por herencia creativa y talento propio, apunta alto y con paso firme. “Más” no es un punto de llegada, sino el inicio de algo mayor, una confirmación de que su camino artístico sigue creciendo en calidad, emoción y verdad.
“Más” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Víctor Martín, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.
Sergio Hortelano inicia una nueva etapa artística con el lanzamiento de “Feliz sin ti”, un single que marca un giro claro en su sonido y en su actitud creativa. Con una base pop latino electrónica, más bailable y luminosa, el artista apuesta por la superación, el optimismo y las ganas de disfrutar, sin perder la honestidad que ha caracterizado su trayectoria desde sus inicios. Tras un regreso firme a la música en 2023 y una evolución constante como compositor e intérprete, Sergio se encuentra en un momento de crecimiento, exploración y conexión directa con el público. En esta entrevista, profundizamos en el significado de “Feliz sin ti”, su camino hasta aquí y todo lo que está por venir.
“Feliz sin ti” supone un cambio claro de sonido respecto a tus trabajos anteriores. ¿En qué momento sentiste que necesitabas dar este giro hacia un pop latino electrónico más bailable y enérgico? Cuando acabé el año pasado la promoción de Soñando fuerte, pensé que era el momento de escribir y componer una nueva canción, pero tenía que ser algo diferente a lo que estaba haciendo hasta ahora, tanto en sonido como en letra. Tenía ganas de algo más movido, para hacer bailar a la gente, y de ahí ha salido “Feliz sin ti”.
La canción habla de superar una ruptura desde una actitud positiva y liberadora. ¿Qué parte de esta historia nace de una experiencia personal y qué parte surge desde la reflexión artística? Los artistas muchas veces hablamos en las letras de las canciones de nuestra propia vida, pero también hay veces que podemos hablar para otros. Este tema en concreto no es una historia personal mía, sino que lo es de alguien cercano a mí, de un amigo.
Has compuesto íntegramente tanto la letra como la música del single. ¿Cómo fue el proceso creativo de “Feliz sin ti” y qué emociones te acompañaron mientras lo escribías? Yo tenía ganas de hacer un tema movido, pero a la vez un tema que no fuera de mi propia vida, ya que los dos temas anteriores prácticamente hablaban de mí. Se me cruzó la historia de mi amigo con algo que le pasó y así empezó la letra. Al verle tan decaído y triste quise animarle y pensé que era el momento de hacer un tema cañero.
A diferencia de otros temas más introspectivos de tu repertorio, aquí transmites alegría y optimismo. ¿Fue un reto expresar el desamor desde un lugar más luminoso? Yo creo que para los artistas es más fácil cantar letras que salen del corazón que cantar otras historias que no son de tu propia vida, pero para mí también era un reto asumir y crear una historia que le pudiera pasar a otra persona. Con este tema he querido innovar tanto en la música, con un sonido diferente a lo que estaba haciendo anteriormente, como en la historia de la letra.
Empezaste en la música muy joven, con solo 17 años, y viviste una primera etapa intensa de escenarios y aprendizaje. Mirando atrás, ¿qué crees que aprendiste en esos años que hoy sigue siendo clave en tu carrera? Creo que la lucha, la constancia y el sacrificio. Todo eso lo empecé a aprender con 17 años y hoy, ya con unos cuantos años más, me doy cuenta de que todo sigue igual. Lo que pasa es que ahora ya todo lo que hago lo disfruto; antes era diferente.
Tras ese primer ciclo, decidiste hacer un parón largo en tu trayectoria. ¿Qué te llevó a tomar esa decisión y qué cambió en ti durante ese tiempo fuera de la música? Tuve un parón musical de varios años por desilusión con la música. Por aquel entonces yo era muy joven y pensaba que todo era súper fácil. Cuando me di cuenta de que no iba a poder vivir de la música, se me vino el mundo abajo y decidí parar un tiempo para pensar y reflexionar. Pero a todo el mundo al que le gusta algo, aunque pare un tiempo, al final tiene que volver, porque es lo que más te llena en la vida. Así fue. Ahora, desde que me levanto hasta que me acuesto, solo pienso en música. Es lo que me hace fuerte y lo que me hace vivir; sin la música no sé qué podría ser de mí.
Tu regreso en 2023 fue muy activo, con concursos, radio, televisión y nuevos singles. ¿Cómo viviste ese reencuentro con la música después de tantos años? Lo viví con mucha ilusión. Todo lo que hacía intentaba disfrutarlo al máximo, como si fuera la última vez que me subiera a un escenario.
Desde “Quisiera” hasta “Soñando fuerte” y ahora “Feliz sin ti”, se percibe una evolución constante. ¿Cómo definirías tu crecimiento artístico en estos últimos años? Quien me conoce de hace unos años seguramente haya notado el cambio, tanto en la música como en el estilo musical. Soy un artista polivalente, me gustan muchos estilos y por eso intento cambiar. Sobre todo, lo que estoy intentando es dar con el estilo musical que más me pega, con el que más seguro me siento y con el que más feliz soy. Creo que estoy llegando a ese punto y ahora mismo estoy haciendo lo que realmente me gusta.
“Soñando fuerte” era un tema muy personal sobre tu día a día. ¿Qué relación existe entre esa canción y la actitud vital que hoy refleja “Feliz sin ti”? Con “Soñando fuerte” lo que quería era que la gente me conociera, mostrar cuál era mi día a día. Ahora que quienes me siguen ya me conocen un poquito más, tenía ganas de hablarle directamente a la gente, y que alguien se sienta identificado con este tema también me hace muy feliz.
Has actuado en diferentes escenarios, pero los conciertos en tu ciudad natal, Móstoles, parecen tener un significado especial. ¿Qué representan para ti esos directos en casa? Cantar en mi ciudad, en mi pueblo, es lo que siempre he soñado durante toda mi vida. Ver en las fiestas a todos los artistas famosos que venían y pensar: “¿Algún día estaré ahí?”. Poder realizar ahora ese sueño es muy bonito. Estar con toda mi gente, con mi familia y mis vecinos, es algo impresionante que no se puede expresar con palabras.
En esta nueva etapa, ¿qué importancia le das a conectar con el público a través del baile y la energía positiva que transmite tu música? He llegado a un punto en mi vida en el que lo que me apetece es pasármelo bien y que la gente también disfrute con mis canciones.
Tus dos últimos trabajos han contado con videoclip. ¿Qué papel juega lo visual en tu proyecto artístico y cómo te gusta complementar la música con la imagen? Creo que las dos cosas juegan un papel muy importante actualmente en la música, y sobre todo para los cantantes emergentes como yo. Es fundamental tanto lo visual como lo que se escucha, para poner cara y voz al artista. Eso también hace que me pueda seguir mucha más gente.
Has logrado que tu música suene en radios de España y también en Argentina. ¿Cómo vives esa proyección internacional y qué te aporta como artista? Para mí es algo muy importante, porque muchas veces hay un dicho que siempre repito: nadie es profeta en su tierra, y eso tiene mucha verdad. A veces se valora más a los artistas fuera que dentro de su propia casa. Así que quién sabe, si aquí no doy el pelotazo, lo mismo puedo darlo fuera, jeje.
De cara al futuro, ¿qué puede esperar el público de Sergio Hortelano en cuanto a nuevos lanzamientos y sonidos tras “Feliz sin ti”? Estoy en un momento en el que me quiero pasar bien, disfrutar con el público y hacer bailar mucho, porque es lo que me llena actualmente y lo que quiero hacer.
Si tuvieras que definir esta etapa actual de tu carrera con una sola idea o emoción, ¿cuál sería y por qué crees que es el momento más importante de tu camino hasta ahora? Definiría esta etapa con la palabra lucha. Es algo que llevo haciendo toda mi vida: luchar por lo que más quiero, y hasta que no lo consiga no voy a parar.
Después de liderar el ranking global de TikTok y alcanzar el Top 3 de Shazam a nivel mundial con “Dame Un Grrr”, Fantomel y Kate Linn regresan con un nuevo movimiento diseñado para trascender fronteras. Su nueva apuesta se titula “Elástico” y reúne a tres nombres clave de la escena internacional: Willy William, Ben Cristovao y Jombriel.
Lejos de ser una colaboración puntual, “Elástico” funciona como un auténtico punto de encuentro entre escenas, culturas y públicos diversos. El resultado es un tema de alta energía que combina ritmos de latin pop con producción electrónica y una estructura pensada para conectar tanto en la pista de baile como en las plataformas digitales.
El peso internacional del proyecto se apoya en la identidad y trayectoria de cada uno de sus protagonistas. Willy William, responsable de algunos de los mayores éxitos globales de la última década, aporta su pulso rítmico inconfundible. Fantomel y Kate Linn refuerzan el componente viral que ya los ha convertido en habituales de los charts sociales. Ben Cristovao suma la fuerza de uno de los artistas más influyentes de Europa Central, mientras que Jombriel representa a la nueva generación latina que está ganando terreno con fuerza en el streaming global.
La dimensión visual también juega un papel clave en este lanzamiento. El videoclip de “Elástico”, rodado en Tenerife a principios de 2026, apuesta por una estética futurista en la que conviven moda urbana, coreografías marcadas y una narrativa pensada para el consumo rápido y compartible, alineada con los códigos actuales de TikTok y Reels.
El estreno llega acompañado de una estrategia centrada en redes sociales, con challenges de contenido generado por usuarios, activaciones junto a creadores digitales y eventos de presentación tematizados, reforzando desde el primer momento la vocación viral del proyecto.
Compuesta de forma conjunta por los propios artistas y sus equipos, “Elástico” se presenta como un tema claramente orientado al mercado internacional, con potencial para encajar en playlists editoriales de Latin Pop, Dance y Electronic, y para consolidar el salto definitivo de Fantomel y Kate Linn como nombres recurrentes dentro del circuito global.
Carmen Murcia lanza su nuevo single “Aunque falten corazones”, una rumba emotiva y profunda que habla de la familia, los recuerdos y la necesidad de celebrar la vida incluso cuando existen ausencias. La canción adquiere un significado todavía más intenso a la luz de acontecimientos recientes que han marcado a la sociedad, reforzando su mensaje central: vivir, crear momentos y atesorarlos para recordar con amor a quienes ya no están. Tal y como expresa la propia artista, “cuando te vas, llega sin avisar”, una frase que resume con honestidad la fragilidad de la vida y la importancia de valorar cada instante compartido.
“Aunque falten corazones” supone una evolución natural dentro de la trayectoria artística de Carmen Murcia. Se trata de una canción íntima y, al mismo tiempo, universal, que aborda la pérdida, la memoria y la fuerza necesaria para seguir adelante cuando la vida obliga a despedirse. El tema nace como un homenaje personal a sus abuelos, pero trasciende lo autobiográfico para convertirse en un abrazo colectivo para todas aquellas personas que han experimentado una ausencia significativa.
Desde un lugar emocional sincero, la canción habla de todas las formas posibles de ausencia y de cómo el amor permanece incluso cuando hay sillas vacías. Lejos de instalarse únicamente en el dolor, “Aunque falten corazones” propone una mirada luminosa, donde el recuerdo se transforma en fuerza y la gratitud se impone al vacío. Es, en palabras de la artista, “una canción para brindar por lo vivido, para recordar juntos y para sonreír a pesar de las ausencias”.
En el plano musical, el tema se sitúa dentro de la rumba actual con raíz flamenca. La producción, a cargo de Curro Merino, apuesta por un sonido cercano y orgánico, donde la voz de Carmen Murcia ocupa un lugar central. Guitarras cálidas, una percusión suave y arreglos cuidados acompañan la interpretación sin restarle naturalidad, respetando la esencia flamenca mientras dialogan con un lenguaje contemporáneo. Todo el conjunto refuerza el mensaje emocional de la canción, poniendo la sensibilidad y la verdad en primer plano.
El concepto que envuelve “Aunque falten corazones” gira en torno a la familia y a lo cotidiano: los momentos compartidos, las miradas, los gestos sencillos y esa huella emocional que permanece con el paso del tiempo. Es un retrato honesto de la vida misma, donde la memoria se convierte en un acto de amor y resistencia.
Carmen Murcia es una cantante e intérprete de Murcia con una trayectoria consolidada en la música de raíz y la copla. Ha contado con presencia en televisión local, autonómica y nacional, participando en programas como A tu Vera, en espacios musicales de TVE y como colaboradora habitual en el programa Ailoviu. En 2021 lanzó el single “Volver a vivir”, producido por Pedro Contreras, y ahora presenta “Aunque falten corazones”, una canción que conecta emoción, memoria y raíz desde una mirada actual y profundamente humana.
“Aunque falten corazones” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Carmen Murcia, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.
Con especial atención al mercado español, Slayter fortalece su presencia internacional con la colaboración junto a JC Reyes, un referente del trap en España. Esta unión no solo muestra la versatilidad del artista puertorriqueño, sino que también conecta ritmos y estilos de ambos lados del Atlántico, ofreciendo a los fans europeos una muestra del sonido auténtico de Slayter sin perder la esencia que lo ha consolidado en Puerto Rico.
El cantante urbano puertorriqueño Slayter lanza su esperado EP “MODO GREMLIN”, un proyecto de ocho tracks dominados por el trap que reafirma su posición como uno de los talentos emergentes más sólidos del género. Este lanzamiento llega tras el exitoso álbum “Dile no a las drogas”, que estableció a Slayter como un artista con visión y capacidad para fusionar letras auténticas con ritmos urbanos contemporáneos.
“MODO GREMLIN” reúne colaboraciones estratégicas con JC Reyes, Midnvght, NTG, Almighty, Huan62 y Izaak, aportando diversidad y frescura a cada track sin perder la coherencia musical que caracteriza al trap de Slayter. Cada canción refleja su estilo directo y crudo, con temáticas que van desde historias de amor hasta la vida en el ghetto, pasando por referencias a la cultura urbana actual.
El track principal, “Ese cul* es drog*”, destaca como un sensual tema de trap que cuenta con la participación de Midnvght y NTG. La canción narra una historia de amor mientras incorpora elementos típicos del trap y la vida en el barrio, todo sobre un beat producido por Vibez y Lowend. Este tema se posiciona como el corazón del EP, capturando la energía y la estética sonora que Slayter ofrece en “MODO GREMLIN”.
A lo largo de su carrera, Slayter ha demostrado su versatilidad y capacidad para unir culturas y estilos musicales de distintos países. Ha colaborado con artistas de gran renombre dentro del panorama urbano latino, incluyendo a Ozuna, Eladio Carrión, Cris MJ, Yovngchimi, JC Reyes, FloyyMenor, Clarent, Pablo Chill-E, Julianno Sosa, entre muchos otros. Estas alianzas no solo fortalecen su propuesta artística, sino que también reflejan su compromiso por crear puentes entre distintas escenas urbanas, llevando su música más allá de Puerto Rico y conectando con públicos de toda Latinoamérica y más allá. Cada colaboración aporta un matiz único al trabajo de Slayter, desde el flow y la energía del trap hasta las fusiones de ritmos latinos urbanos, demostrando que su visión trasciende fronteras y estilos, consolidándolo como un artista global en constante evolución.
Con este EP, Slayter demuestra su capacidad para evolucionar dentro del género, manteniendo su autenticidad y conectando con su audiencia a través de historias y ritmos que reflejan la realidad urbana. “MODO GREMLIN” no solo consolida su trayectoria tras “Dile no a las drogas”, sino que lo establece como un referente del trap puertorriqueño contemporáneo.
Manayëve lanza “Agustin”, su nuevo single, una propuesta que marca con firmeza el inicio de su etapa como artista solista y que refleja la amplitud musical y emocional que define su identidad artística. Originaria de Île-de-France, Manayëve ha construido su recorrido sobre los escenarios a lo largo de años de participación en comedias musicales amateurs y espectáculos musicales, una experiencia que hoy se traduce en una interpretación segura, expresiva y profundamente conectada con el público.
Su universo musical se nutre de influencias como el R’n’B, la soul y las músicas caribeñas, aunque su trayectoria la ha llevado a moverse con naturalidad entre distintos estilos. Esta versatilidad le permite explorar un repertorio amplio, donde cada canción se convierte en un espacio de libertad creativa y en una oportunidad para mostrar las múltiples facetas de su voz y de su sensibilidad. “Agustin” se inscribe en esa búsqueda, consolidando una propuesta moderna, honesta y emocionalmente rica.
La música de Manayëve destaca por su capacidad para transmitir emociones genuinas, fruto de un recorrido artístico diverso y de una clara intención de ofrecer canciones auténticas y vibrantes. Su ambición es dar forma a un proyecto fiel a todas las influencias que la han acompañado a lo largo de los años, sin encasillarse en un solo género y permitiendo que cada composición refleje una parte de su historia y de su evolución personal y musical.
Paralelamente, la artista también muestra su afinidad con sonidos caribeños y atmósferas sensuales en temas como “Fais-moi vibrer”, un zouk envolvente que celebra el amor verdadero, la intimidad y el deseo desde un enfoque delicado y profundo. Con una combinación sutil de piano suave y ritmos cálidos, Manayëve construye paisajes sonoros hipnóticos que invitan a dejarse llevar por la emoción y la cercanía de los sentimientos.
Con “Agustin”, Manayëve reafirma su voluntad de crear una música viva, sincera y conectada con la emoción, dando un paso decisivo en su carrera solista y abriendo el camino a futuros lanzamientos que seguirán explorando la riqueza de su universo artístico.
“Agustin” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Manayëve, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.
The Phil King Project lanza “Hard Life”, su más reciente sencillo, una canción de pulso firme y espíritu terrenal que se apoya en la experiencia vivida para hablar de resistencia, constancia y carácter. Escrita y producida por Phil King, la pieza se mueve con naturalidad entre el rock, el soul y sutiles matices de jazz, dando forma a una propuesta sonora sólida, madura y profundamente humana.
Lejos de apostar por exhibiciones técnicas o fuegos artificiales con la guitarra, “Hard Life” se construye desde el ritmo, el groove y la atmósfera. La canción avanza sobre guitarras rítmicas precisas, una base perfectamente encajada y una sección de metales expresiva que aporta peso melódico y carácter sin desviar la atención de su mensaje central. Todo en el arreglo parece responder a una decisión consciente, generando una sensación de cercanía, de algo vivido y sentido, más que simplemente interpretado.
En el plano lírico, “Hard Life” aborda la perseverancia desde un lugar sobrio y contenido. No hay dramatismo exagerado ni romanticismo forzado, sino una convicción silenciosa que reconoce que las dificultades moldean a las personas y que, en muchos casos, seguir adelante ya es una forma de victoria. La canción evita los clichés habituales y confía en la contención, el tono y la honestidad emocional para conectar con quien la escucha.
Con décadas de trayectoria escribiendo, produciendo y colaborando con músicos profesionales de distintos géneros, Phil King reafirma con The Phil King Project su compromiso con la autenticidad. Su enfoque sigue centrado en la composición sólida, en interpretaciones que respetan la historia que se quiere contar y en una música que no persigue tendencias pasajeras, sino que se sostiene por su verdad y su coherencia artística.
“Hard Life” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas.
Andy lanza “Poquito a poco”, el segundo sencillo de su esperado álbum “Solo”, un proyecto muy personal que verá la luz el próximo mes de marzo y que coincidirá con el inicio de su nueva gira. Tras la buena acogida de “Marioneta”, este nuevo tema marca un giro emocional y estilístico dentro del disco, mostrando una faceta más íntima, romántica y reflexiva del artista.
Si en “Marioneta” Andy apostaba por una energía más intensa y un pulso marcado, en “Poquito a poco” decide bajar las revoluciones para dejar espacio a la emoción. La canción se construye desde la sensibilidad, con una letra que conecta de manera directa con quien la escucha y que reivindica un tipo de amor que no se desgasta con el tiempo, sino que se fortalece con los años. Es un canto al amor que permanece, que evoluciona y que se sostiene más allá de los comienzos idealizados.
El sencillo ha sido compuesto por Ismael Moya y producido nuevamente por Juanma Leal, responsable del sonido de todo el álbum “Solo”. La producción logra un equilibrio delicado entre nostalgia y actualidad, una combinación que conecta con la memoria emocional del oyente sin perder frescura. El propio Andy reconoce que los arreglos lo transportan a sus inicios musicales, evocando los años noventa y los primeros dos mil, una etapa clave en su formación artística que hoy dialoga con su presente creativo.
El lanzamiento viene acompañado de un videoclip dirigido, una vez más, por Jonai Mancilla y Carlos Villanego. El rodaje tuvo lugar a mediados de diciembre en distintas localizaciones de Granada, como el Mirador de San Nicolás, el Albaicín y una espectacular casa en Sierra Nevada. Estos escenarios aportan una atmósfera cálida y contemplativa que encaja a la perfección con el tono del single, reforzando su carga emocional y su carácter introspectivo. La elección de los espacios y la logística del rodaje fueron posibles gracias a Abelardo Cárdenas, amigo cercano del artista, cuya colaboración fue clave para dar forma visual a la canción.
Con “Poquito a poco”, Andy confirma la versatilidad de su nuevo proyecto en solitario y eleva las expectativas en torno a un álbum que promete mostrar todas sus caras como intérprete. “Solo” se perfila como un trabajo honesto y maduro, donde conviven distintas emociones, estilos y momentos vitales, consolidándose como una de las propuestas más interesantes dentro de la escena musical actual.
Andy Morales es conocido por ser una de las voces del emblemático dúo Andy & Lucas. Nacido en Cádiz, creció rodeado de música, arte y carnaval, una influencia decisiva que se refleja en su forma de sentir el ritmo y en la emoción que transmite sobre el escenario. Desde muy joven participó activamente en el Carnaval de Cádiz, una auténtica escuela de creatividad y expresión que moldeó su identidad musical y escénica.
Su primera gran aparición pública llegó con el concurso “Veo Veo”, donde ya dejó claro su talento natural para el canto y su carisma frente al público. Aquella experiencia fue el primer paso de un camino que lo llevaría a convertirse en una de las voces más queridas de la música en español. Con Andy & Lucas alcanzó un éxito rotundo, con millones de discos vendidos, giras internacionales y canciones que se convirtieron en himnos de toda una generación durante más de dos décadas.
Ahora, Andy inicia una nueva etapa artística en solitario, manteniendo intacta su esencia pero explorando nuevos sonidos, letras más personales y una visión musical renovada. Este proyecto refleja la madurez de un artista que ha crecido junto a su público y que busca reencontrarse con él desde un lugar más íntimo, sincero y libre. Fiel a sus raíces gaditanas y con el corazón puesto en la música, Andy se presenta como un intérprete completo, capaz de transmitir tanto la alegría del sur como la profundidad de sus propias vivencias.
“Poquito a poco” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Andy, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.
El inicio de 2026 ha dejado uno de los encuentros musicales más comentados del momento con el lanzamiento de “CAMBIARÉ”, el nuevo single de Luis Fonsi y Feid. Publicada oficialmente el 20 de enero de 2026, la canción rompió expectativas al alejarse del reggaetón o la balada pop que muchos anticipaban, apostando en su lugar por una salsa moderna que conecta tradición y actualidad con una naturalidad sorprendente.
El tema fue producido por la reconocida dupla Andrés Torres y Mauricio Rengifo, quienes lograron una fusión elegante entre el estilo melódico y romántico de Fonsi y el lenguaje urbano y directo que caracteriza a Feid. El resultado es una canción bailable y emocional al mismo tiempo, donde el ritmo caribeño sirve de base para una letra cargada de arrepentimiento, promesas de cambio y vulnerabilidad tras una ruptura amorosa. El relato se mueve entre la súplica sincera y la esperanza de una segunda oportunidad, combinando el sentimiento clásico de la salsa con el tono coloquial tan reconocible del Ferxo.
Uno de los momentos clave en la historia de “CAMBIARÉ” fue su presentación sorpresa durante las Fiestas de la Calle San Sebastián en el Viejo San Juan, Puerto Rico. Allí, frente a miles de personas, Luis Fonsi y Feid interpretaron un adelanto del tema en vivo, generando una reacción inmediata del público y convirtiendo el lanzamiento en una auténtica celebración colectiva. Esa energía festiva y callejera también se refleja en el videoclip oficial, dirigido por Carlos Pérez, que retrata una vibrante celebración en San Juan y refuerza la identidad caribeña de la canción.
Este lanzamiento llega en un momento especialmente significativo para ambos artistas. Luis Fonsi se encuentra inmerso en una etapa de reconexión con sus raíces caribeñas, explorando nuevos caminos sonoros tras años de éxitos globales que lo consolidaron como una de las voces más reconocidas de la música en español. Por su parte, Feid continúa afianzándose como uno de los grandes referentes del género urbano colombiano, demostrando con “CAMBIARÉ” una versatilidad que le permite adaptarse con soltura a ritmos tropicales sin perder su esencia.
La colaboración nació de manera orgánica durante una sesión en Los Ángeles y, desde su estreno, la canción ha escalado rápidamente en listas de éxitos y tendencias digitales, impulsada por una fuerte respuesta del público y por el impacto viral del hashtag FonsiXFeid. “CAMBIARÉ” no solo une dos generaciones y dos universos musicales, sino que también confirma que la salsa puede dialogar con el presente sin perder su alma.
En paralelo, el arranque de 2026 también ha estado marcado por otros regresos sonoros comentados, como el de Cameron Dallas, quien volvió a la música el pasado 3 de enero con su EP “CATCH!”. Este trabajo breve y experimental supuso una ruptura total con su pasado como estrella de Vine, apostando por un sonido crudo y vanguardista que refleja su independencia creativa y su evolución personal tras años de exposición mediática. Aunque desde universos muy distintos, ambos lanzamientos evidencian una tendencia clara: artistas consolidados que apuestan por la honestidad, la exploración y la libertad creativa.
“CAMBIARÉ” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Luis Fonsi y Feid, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.
Louis Tomlinson presenta “Imposter”, su nuevo sencillo y tercer adelanto de “How Did I Get Here?”, el álbum que verá la luz este viernes 23 de enero. Con este lanzamiento, el artista británico vuelve a demostrar su capacidad para combinar honestidad emocional y solidez musical en una canción que se mueve dentro de un indie pop crudo, sostenido por una línea de bajo marcada y guitarras directas que acompañan una de sus letras más personales hasta la fecha.
“Imposter” fue escrita por Louis junto a Nico Rebscher y Dave Gibson, y aborda de forma frontal la experiencia del síndrome del impostor y la sensación constante de no ser suficiente. La canción pone voz a una lucha interna que muchos comparten, resumida en frases tan directas como “No consigo sacarme de la cabeza esta sensación de que soy un impostor. Ya no sé realmente quién soy”, una confesión que atraviesa todo el tema y lo convierte en uno de los momentos más vulnerables de su nuevo trabajo.
El propio Louis ha explicado que la canción nació en un entorno muy especial. “Imposter se escribió en la selva de Costa Rica. A nivel conceptual, se apoya en la idea de la identidad. Probablemente sea el tema más melódico del disco, y estoy muy emocionado de que el mundo por fin pueda escucharlo”, comenta el artista. Esa atmósfera aislada y natural fue clave en el proceso creativo de un álbum que profundiza más que nunca en quién es realmente como compositor e intérprete.
El single llega acompañado de un videoclip de tono reflexivo, protagonizado por el actor ganador de un premio RTS James Nelson-Joyce, conocido por sus papeles en producciones como This City Is Ours y A Thousand Blows. La pieza visual refuerza el discurso introspectivo de la canción, ampliando su significado y conectando con la sensación de búsqueda personal que atraviesa todo el proyecto.
“How Did I Get Here?” es el tercer álbum de estudio de Louis Tomlinson y supone un nuevo paso en su evolución artística. Para este trabajo, el músico se exigió al máximo en todas las facetas creativas. Tras recopilar ideas iniciales en el campo inglés, se trasladó a Santa Teresa, Costa Rica, durante tres semanas a principios de 2025, donde se sumergió por completo en la escritura y grabación junto a su principal colaborador y coproductor Nico Rebscher, conocido por su trabajo con artistas como Aurora y Alice Merton. El entorno y la atmósfera del lugar influyeron de forma decisiva en el sonido y el enfoque emocional del disco.
Los adelantos previos ya habían dejado claras las ambiciones del álbum. El primer single, “Lemonade”, fue incluido en importantes listas de reproducción de Radio 1, Radio 2 y Capital en el Reino Unido, y Louis lo interpretó en el Live Lounge de Radio 1 junto a una versión de “Too Sweet” de Hozier. El segundo lanzamiento, “Palaces”, recibió elogios de medios como Clash Magazine, que lo describió como “una pieza melódica de indie magnífica y refinada, con un verdadero sentido del teatro y el drama en la voz”. Además, el tema fue presentado en una sesión de Amazon Music Presents y en el Capital’s Jingle Bell Ball en el The O2 de Londres.
En paralelo al lanzamiento del álbum, Louis continúa ampliando su presencia internacional con actuaciones destacadas y eventos especiales. Esta semana ofrecerá un concierto íntimo en Racket, Nueva York, aparecerá en The Tonight Show With Jimmy Fallon y celebrará en Londres el evento inmersivo How Did I Get Here? The Experience en The Outernet. Todo ello como antesala de su gran gira mundial de arenas, How Did We Get Here?, que recorrerá Europa y Norteamérica a partir de marzo de 2026.
España será una de las paradas clave de esta gira, con dos fechas ya confirmadas para el próximo mes de abril: el 12 de abril en el Palau Sant Jordi de Barcelona y el 13 de abril en el Movistar Arena de Madrid, donde Louis Tomlinson se reencontrará con su público español en uno de los momentos más sólidos de su carrera en solitario.
Tras su etapa como miembro de One Direction, Louis se presentó oficialmente como solista con Walls en 2020, un álbum calificado como “excelente” por Rolling Stone que superó los 1,2 millones de copias vendidas y acumuló cerca de mil millones de reproducciones. Dos años después, Faith In The Future confirmó su crecimiento artístico al alcanzar el número uno en países como Reino Unido, España, Argentina y Bélgica, además de posicionarse en el Top 5 del Billboard 200. Su impacto en directo quedó patente con la Faith in the Future World Tour, una gira global que agotó arenas y estadios en decenas de países y consolidó su estatus como uno de los intérpretes más demandados del momento.
“Imposter” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Louis Tomlinson, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.
Evaluna Montaner inicia el 2026 reafirmando su identidad artística con el lanzamiento de “Rollitos de Papel”, un nuevo single que apuesta por la introspección, la sencillez y la honestidad emocional. La actriz y cantante venezolana, nacida en 1997, continúa consolidando una carrera musical coherente y sensible, construida tanto a través de proyectos en solitario como de colaboraciones junto a su esposo, el artista colombiano Camilo, con quien ha compartido algunos de los momentos más significativos de su trayectoria reciente.
En “Rollitos de Papel”, Evaluna se aleja de la urgencia y del ruido para centrarse en un mensaje profundamente humano. La canción utiliza la metáfora de un ratoncito girando sin parar dentro de una rueda para describir la sensación de agotamiento que produce avanzar sin un rumbo claro, atrapado en una dinámica que no conduce a ningún lugar. Frente a esa imagen, la letra propone una revelación sencilla pero poderosa: es al detenerse, al dejar de correr, cuando aparece la paz y se hace visible el cuidado de la otra persona.
A lo largo del tema, Evaluna transmite la seguridad que encuentra al caminar acompañada, sin prisa y sin expectativas desmedidas. La canción habla de un amor que no exige grandes gestos, sino presencia, escucha y miradas sinceras, reforzando la idea de que para sentirse querida no hace falta mucho. Esta visión se traduce en una narrativa cercana, casi doméstica, donde los pequeños detalles y los instantes compartidos adquieren un valor central.
Musicalmente, “Rollitos de Papel” mantiene la esencia melódica y dulce que caracteriza a Evaluna, pero incorpora una madurez lírica evidente. La producción acompaña la intimidad del mensaje, dejando espacio a la voz y a la emoción sin sobrecargar el arreglo, lo que refuerza la sensación de calma y recogimiento que atraviesa toda la canción. Es un tema que invita a escuchar sin distracciones, a bajar el ritmo y a habitar el silencio junto a quien se ama.
Este lanzamiento se suma a una etapa vital y artística en la que Evaluna ha sabido equilibrar su faceta creativa con su vida familiar. En los últimos años, canciones como “Índigo” y “PLIS” reflejaron ese momento de transformación personal, y “Rollitos de Papel” continúa ese camino desde un lugar aún más reflexivo. Lejos de grandes declaraciones, la artista pone el foco en la importancia de detenerse y valorar lo cotidiano, reivindicando una vida simple, compartida y construida paso a paso.
La respuesta del público no se ha hecho esperar. Muchos seguidores han elogiado la honestidad de la canción y la forma en que retrata una relación basada en la calma, el respeto y el crecimiento conjunto, identificándose con un mensaje que contrasta con la velocidad habitual de la industria y de la vida moderna.
“Rollitos de Papel” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Evaluna Montaner, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.
Jordi Arkano lanza “La chica del cuadro”, un nuevo single en español que confirma su madurez artística y su capacidad para convertir las emociones más profundas en canciones elegantes y honestas. El tema se mueve entre el soul-pop y un aire claramente ochentero, con un halo de misterio que envuelve una historia marcada por el recuerdo persistente de alguien que, aunque ausente, permanece imborrable en la memoria.
Musicalmente, “La chica del cuadro” destaca por su ritmo vivo y envolvente, sostenido por una interpretación vocal clara y expresiva que guía al oyente a través de una letra emocional y evocadora. La canción habla de ese recuerdo que se resiste a desaparecer, de una imagen que sigue ahí, suspendida en el tiempo, cargada de nostalgia y preguntas sin respuesta. Arkano construye la narrativa con sensibilidad y contención, dejando que la emoción fluya sin excesos, apoyada en una producción que equilibra calidez y sofisticación.
Jordi Arkano es un músico versátil y con alma, cuya trayectoria ha transitado con naturalidad por estilos como el soul, el pop, el rock y el funk. Durante años ha dado vida a grandes clásicos junto a formaciones como Vamp's Soul, revisitando joyas de las décadas de los cincuenta a los ochenta, y The Iconics, rindiendo homenaje a figuras icónicas como Elvis Presley y Tom Jones. Esa experiencia ha forjado un artista con profundo respeto por la tradición, pero también con la inquietud constante de encontrar su propia voz.
Su proyecto actual nace de una necesidad vital de expresión personal. A través de un álbum conceptual, Jordi Arkano propone una crónica sonora del desamor, inspirada en una ruptura real y narrada con una honestidad desarmante. Cada canción representa una etapa emocional distinta: desde el misterio y la fascinación inicial, reflejados en temas como “La reina de Oriente”, hasta el desgarro más crudo de un blues rompevenas como “Abrazos de escalón”. En este recorrido, “La chica del cuadro” ocupa un lugar clave, funcionando como un punto de equilibrio entre la elegancia musical y la introspección lírica.
En sus composiciones no hay artificios ni poses. Arkano utiliza su voz, la guitarra y el saxo como herramientas para transformar el dolor en arte, fusionando la elegancia del soul con una narrativa directa que conecta de forma inmediata con cualquiera que haya amado y perdido. Su música suena clásica y atemporal, pero al mismo tiempo cercana y profundamente humana.
Con “La chica del cuadro”, Jordi Arkano invita a adentrarse en un universo donde las influencias clásicas se encuentran con historias que aún necesitan ser contadas, y donde cada canción es una confesión sincera. Un paso firme hacia una etapa creativa en la que el artista se muestra sin máscaras, dejando que la emoción sea el verdadero hilo conductor.
“La chica del cuadro” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Jordi Arkano, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.
Teotlson irrumpe en la escena musical con “Bajo las Estrellas”, su single debut, marcando el inicio de un proyecto que apuesta por una visión fresca, contemporánea y profundamente arraigada en las raíces latinoamericanas. La banda está formada por los músicos mexicanos residentes en Suiza Miguel Kaire, a cargo de la percusión y la voz, y Mario Valencia, conocido como el Vange, en guitarra y segunda voz, junto a la bajista suiza Angie Mei, completando una formación intercultural que define desde el origen el espíritu del proyecto.
El nacimiento de Teotlson fue tan natural como inesperado. Miguel y Mario se conocieron de manera casual durante una jam session en Boswil, donde descubrieron no solo una conexión musical inmediata, sino también un origen compartido que reforzó el entendimiento creativo entre ambos. A partir de ese encuentro espontáneo comenzó a gestarse una propuesta común que, con el tiempo, encontró su equilibrio definitivo con la incorporación de Angie Mei al bajo, aportando solidez, matices y una nueva dimensión sonora al grupo.
El sonido de Teotlson propone una reinterpretación actual de la cumbia latinoamericana, alejándose de fórmulas previsibles para explorar terrenos más atmosféricos y experimentales. Su música se construye a partir de cumbias a tiempo lento, guitarras psicodélicas y texturas modernas que beben tanto de la chicha peruana como de la cumbia mexicana, integrando estas influencias desde una perspectiva abierta y exploratoria. El resultado es un paisaje sonoro que honra las tradiciones del continente mientras se atreve a expandirlas hacia nuevos horizontes.
Desde su concepción, el proyecto nace marcado por la independencia y la búsqueda de una identidad auténtica, sin ataduras a esquemas comerciales. Teotlson es una banda pensada para el directo, donde la fuerza rítmica de la cumbia y la psicodelia se transforma en una experiencia hipnótica y envolvente. En vivo, la música se convierte en un espacio de conexión directa con el público, guiado por pulsos profundos y una energía que invita tanto al movimiento como a la introspección.
“Bajo las Estrellas” funciona como una carta de presentación clara y coherente con esta filosofía. La canción se apoya en un pulso de cumbia profundo y atmosférico, acompañado por melodías evocadoras y voces expresivas que transmiten cercanía y emoción. Lejos de la grandilocuencia, el tema apuesta por la sutileza y la construcción de una atmósfera nocturna que envuelve al oyente y lo invita a dejarse llevar.
Este primer lanzamiento es solo el comienzo de una etapa creativa más amplia. Teotlson tiene previsto publicar nuevos singles de forma regular, explorando distintas fusiones de ritmos latinoamericanos hasta dar forma a un álbum completo que consolide su propuesta sonora. Con este debut, la banda busca conectar con oyentes abiertos a nuevas corrientes dentro de la música latina, así como con medios, radios y plataformas que apuesten por proyectos independientes, interculturales y con una fuerte identidad artística.
“Bajo las Estrellas” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Teotlson, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.
Cameron Dallas ha vuelto a la escena musical con un giro tan inesperado como revelador. Tras varios años manteniendo un perfil más bajo después de su explosión mediática como estrella de Vine y YouTube, el artista estadounidense inicia 2026 presentando “CATCH!”, un nuevo proyecto que marca una clara ruptura con su pasado musical y con la imagen que muchos aún conservan de él.
Lanzado el 3 de enero de 2026, “CATCH!” funciona tanto como single principal como título de su nuevo EP. Se trata de un trabajo conciso y directo, de apenas 13 minutos de duración, compuesto por siete canciones cortas que apuestan por la inmediatez y la experimentación sonora. Lejos del pop juvenil que definió etapas anteriores de su carrera, como “She Bad”, este nuevo material se mueve en un terreno mucho más vanguardista, con una energía cruda, estructuras poco convencionales y espacios sonoros que coquetean con el caos y la libertad creativa.
El tracklist incluye títulos como “Another Word for Horny”, “Sike”, “Future”, “Gaslight Anthem”, la propia “CATCH!”, “Sweat, Sweaty Dreams” y “Sinking”. Cada tema funciona casi como una instantánea emocional, reforzando la sensación de urgencia y espontaneidad que atraviesa todo el EP. En especial, la canción que da nombre al proyecto parece simbolizar el momento vital y artístico que atraviesa Dallas: una etapa en la que crea sin pensar en fórmulas comerciales ni en la radio, priorizando una expresión que se siente completamente suya.
Para quienes lo descubrieron en 2014, el Cameron Dallas de 2026 es un artista profundamente distinto. Fue uno de los pioneros del fenómeno influencer y miembro destacado de MAGCON, colectivo que impulsó carreras como las de Shawn Mendes o Nash Grier. Desde entonces, ha construido una trayectoria multifacética que incluye el modelaje para firmas como Calvin Klein, la actuación en cine y teatro —con participaciones en proyectos como Expelled y Mean Girls en Broadway— y el emprendimiento tecnológico. En 2023 vendió su plataforma Fanfix por 65 millones de dólares, un movimiento que le otorgó la independencia financiera necesaria para explorar la música desde un lugar más honesto y sin presiones externas.
Esa evolución profesional ha ido de la mano de un crecimiento personal igualmente significativo. Dallas ha hablado abiertamente sobre sus luchas con la adicción y la salud mental, y esa transparencia se refleja en las letras de “CATCH!”, donde prima una narrativa más cruda, introspectiva y directa. El proyecto no busca agradar a todos, sino conectar desde la autenticidad con quienes estén dispuestos a acompañarlo en esta nueva etapa.
Aunque ya no ocupa el centro de la conversación mediática como hace una década, las cifras demuestran que Cameron Dallas conserva una base de seguidores fiel y atenta. En plataformas como Spotify, canciones como “Sike” y “Gaslight Anthem” han comenzado a acumular miles de reproducciones en poco tiempo, señalando que su transición hacia un pop experimental y menos complaciente está despertando curiosidad y conversación entre oyentes nuevos y antiguos.
“CATCH!” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Cameron Dallas, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.
Dos artistas malagueños con trayectorias muy distintas pero complementarias se encuentran por primera vez en una colaboración que ya empieza a llamar la atención del pop español. Belén Jurado y Chema Rivas presentan “Mil Motivos”, un single breve y directo que fusiona la elegancia vocal y musical de Belén con el pulso urbano y actual que define el sonido de Chema, dando como resultado una canción fresca, accesible y con una clara vocación comercial.
“Mil Motivos”, con una duración aproximada de dos minutos y cincuenta segundos, ha comenzado a posicionarse en las listas de novedades de pop español a comienzos de este año. El tema destaca por su equilibrio entre sensibilidad y ritmo, combinando una interpretación vocal cuidada con una producción moderna que conecta con el sonido que domina actualmente las plataformas digitales. La química entre ambos artistas se percibe desde la primera escucha, reforzando la sensación de una colaboración natural y bien medida.
Belén Jurado, natural de Benamocarra, Málaga, es una artista polifacética que ha sabido construir una carrera singular dentro de la escena musical. Cantante, DJ y pianista, cuenta con una sólida formación académica tras graduarse en el Conservatorio Superior de Piano de Málaga, culminando catorce años de estudios de música clásica. Sus primeros pasos profesionales estuvieron ligados a concursos locales y actuaciones en hoteles, pero con el tiempo fue especializándose en el house vocal y la música electrónica, convirtiéndose en una figura habitual de las pool parties de la Costa del Sol. En el entorno digital, Belén se ha consolidado como una de las grandes embajadoras de la música en Twitch España, donde realiza directos con loops, sesiones de DJ y versiones en vivo que reúnen a miles de seguidores.
Por su parte, Chema Rivas es uno de los nombres más reconocibles del pop urbano en España. Originario de Granada, pero muy vinculado a Málaga, comenzó su relación con la música a los 13 años tocando blues y rock con la guitarra. Con el tiempo, su sonido evolucionó hacia una propuesta más latina y comercial, sin perder la autenticidad que siempre ha defendido como parte esencial de su identidad artística. Su salto definitivo a la popularidad llegó con “Mil Tequilas”, tema con el que obtuvo un Premio Odeón a Mejor Canción Urbana, al que siguieron otros éxitos como “Entre tú y yo” y “Uhlala”. Su música combina reguetón pop, R&B y balada, siempre desde una perspectiva emocional que él mismo define como música que sale del corazón.
Una de las curiosidades de esta colaboración es que ambos artistas comparten raíces andaluzas y una base musical tradicional, Belén desde el piano y Chema desde la guitarra, que con los años han sabido transformar y adaptar a los sonidos modernos que dominan la radio y el streaming actual. “Mil Motivos” es un claro ejemplo de esa evolución, donde la formación y la experiencia se ponen al servicio de una canción pensada para conectar con un público amplio.
El videoclip del single acompaña esta unión de estilos con una estética muy cuidada, grabada en exteriores y pensada para resaltar la química entre ambos. La imagen urbana y desenfadada de Chema convive con la presencia sofisticada y elegante de Belén, reforzando visualmente el concepto de la canción y aportando una identidad clara al proyecto.
Con “Mil Motivos”, Belén Jurado y Chema Rivas no solo firman una colaboración puntual, sino que muestran cómo dos mundos musicales distintos pueden encontrarse y complementarse, dando lugar a una propuesta actual, sólida y con proyección dentro del panorama pop nacional.
“Mil Motivos” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Belén Jurado y Chema Rivas, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.
Eloise Viola presenta “Drive Straight”, una canción que captura con precisión ese estado emocional en el que convivimos en dos mundos al mismo tiempo. Por un lado, el presente luminoso de enamorarse, conducir con el techo bajado y dejarse llevar por el momento; por otro, la mente atrapada en un bucle que regresa al pasado, recorriendo el pueblo fantasma de las relaciones fallidas, los miedos y los eternos “¿y si…?”. Con una narrativa honesta y envolvente, la artista británica vuelve a demostrar su capacidad para transformar emociones complejas en canciones que conectan de forma directa y visceral.
Musicalmente, “Drive Straight” se mueve en ese territorio que Eloise Viola domina con naturalidad: ritmos bailables que invitan al movimiento mientras la letra expone una vulnerabilidad cruda y reconocible. La canción refleja esa contradicción tan humana entre querer avanzar y, al mismo tiempo, sentirse arrastrado por recuerdos e inseguridades. Es un tema que se disfruta tanto en soledad como en la pista de baile, fiel a ese concepto que define gran parte de su obra y que muchos describen como llorar en la pista de baile.
Originaria de Brighton y afincada en Londres, Eloise Viola es una cantante y compositora independiente que se está consolidando como una de las voces más interesantes del Pop Dance y el R&B contemporáneo. Su propuesta destaca no solo por su potencia vocal, que ha sido comparada con artistas como Adele o Jess Glynne, sino también por su enfoque lírico, donde combina una sensibilidad emocional profunda con una energía electrónica cercana a referentes como Robyn o Becky Hill.
A lo largo de su carrera, Eloise ha utilizado su música como una plataforma para hablar abiertamente sobre amor propio, salud mental y positividad corporal, temas que nacen directamente de sus propias vivencias durante sus veintitantos años. Canciones como “Electricity”, uno de sus mayores éxitos, reflexionan sobre la importancia de aprender a quererse antes de amar a otros, mientras que “Hunger” aborda con valentía la presión social sobre el cuerpo y los trastornos alimenticios. Por su parte, “Listen” se presenta como un himno a la intuición y a la confianza en la propia voz interior.
Aunque la metáfora de conducir, avanzar o mantenerse en el camino aparece de forma recurrente en su narrativa de superación personal, el proyecto más ambicioso de Eloise Viola hasta la fecha es su álbum debut “Glasshouse”, lanzado en mayo de 2024. Este trabajo utiliza la casa de cristal como símbolo de la fuerza que existe en la vulnerabilidad, mostrando a la artista transparente y expuesta, pero al mismo tiempo resistente. En ese contexto, “Drive Straight” encaja como una extensión natural de su universo creativo, donde avanzar no significa olvidar, sino aprender a convivir con lo vivido.
La independencia es otro de los pilares que definen a Eloise Viola. Al gestionar su carrera de manera autónoma, mantiene un mensaje auténtico y una relación directa con su audiencia, algo que se percibe tanto en sus lanzamientos como en sus presentaciones en vivo. Su crecimiento se ha visto impulsado por giras junto a artistas internacionales como Anastacia y por su participación en festivales Pride en distintos puntos de Europa, donde su mensaje de autoaceptación y libertad encuentra un eco especialmente fuerte.
“Drive Straight” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Eloise Viola, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, directos, colaboraciones o nuevos proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.
Sergio Hortelano presenta su nuevo single “Feliz sin ti”, una canción pop latino electrónico con la que el artista da un paso decidido hacia un sonido más actual, bailable y enérgico. Concebido para hacer bailar y transmitir buenas vibraciones, el tema ha sido compuesto íntegramente por el propio Sergio, tanto en letra como en música, y refleja con claridad el momento vital y creativo que atraviesa en esta nueva etapa de su carrera.
“Feliz sin ti” habla de la superación tras una ruptura, de dejar atrás el pasado y reencontrarse con la felicidad desde una actitud positiva y liberadora. Lejos del dramatismo, la canción apuesta por un mensaje de optimismo y disfrute, invitando a mirar hacia adelante con ligereza y ganas de vivir. Su base electrónica, combinada con elementos del pop latino, refuerza ese espíritu festivo y fresco que conecta de manera directa con el público.
La relación de Sergio Hortelano con la música comenzó desde muy joven. A los 17 años realizó su primera actuación en directo, dando inicio a una etapa de varios años sobre los escenarios de salas y discotecas, donde interpretaba versiones de otros artistas junto a dos temas propios. Aquella primera fase estuvo marcada por la ilusión, el aprendizaje y el contacto constante con el público, sentando las bases de su identidad artística.
Tras ese periodo inicial, Sergio decidió hacer un parón en su carrera, una pausa que le permitió tomar perspectiva y reencontrarse con su vocación. Su regreso a la música se produjo con fuerza en 2023, año en el que volvió a los escenarios y a la actividad creativa participando en concursos, sonando en numerosas emisoras de radio, apareciendo en televisión y publicando nuevos lanzamientos que marcaron el inicio de esta segunda etapa.
A lo largo de su trayectoria, Sergio Hortelano ha editado varios trabajos dentro del pop, mostrando una evolución constante tanto en sonido como en interpretación. Desde sus primeros temas “Se terminó el amor” y “Contigo”, ambos de 2002, hasta “Quisiera” en 2023 y “Soñando fuerte” en 2024, su discografía refleja un crecimiento progresivo y una búsqueda permanente de nuevas formas de expresión. Sus dos últimos trabajos han contado además con videoclip, reforzando su apuesta por un proyecto artístico completo y cuidado.
Con el lanzamiento de “Feliz sin ti”, previsto para el 16 de enero de 2026, Sergio Hortelano marca un claro cambio de estilo respecto a sus trabajos anteriores. Este nuevo single abre una etapa más luminosa, actual y conectada con el presente, en la que el artista explora nuevos sonidos y amplía sus registros musicales sin perder la esencia pop que ha definido su carrera.
Actualmente, Sergio Hortelano se encuentra en un momento de crecimiento y nuevos lanzamientos, centrado en seguir creando canciones pop con las que el público pueda disfrutar, bailar y sentirse identificado. Su objetivo es continuar luchando por llevar su música a más personas, sonar en más radios, aparecer en más televisiones y llenar su agenda de nuevas actuaciones, consolidando así esta renovada etapa artística.
“Feliz sin ti” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Sergio Hortelano, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.
El inicio del año llega acompañado de un lanzamiento cargado de memoria, sensibilidad y respeto por la historia del rock alternativo mexicano. Madame Récamier presenta su versión de “Ojalá fuera tu voz”, tema originalmente incluido en Mar adentro en la sangre (2000), como parte del álbum Devotos: Tributo a Santa Sabina, un proyecto colectivo que rinde homenaje a una de las bandas más influyentes surgidas a finales de los años ochenta.
En esta reinterpretación, la cantautora capitalina traslada la canción a un terreno íntimo y delicado, envuelto en atmósferas trip-hop que potencian su carácter introspectivo. Fiel a una trayectoria marcada por la exploración sonora y la elegancia emocional, Madame Récamier logra imprimir un sello personal en el tema sin perder la esencia poética y profunda que caracteriza la obra original de Santa Sabina. Melancolía, ternura y una cuidada sensibilidad conviven en una versión que dialoga con el pasado desde una mirada contemporánea.
La artista ha compartido que esta versión nació de un proceso orgánico y profundamente personal. La semilla del proyecto surgió durante sus clases de canto, cuando junto a una alumna comenzó a grabar coros de manera natural, dando forma a un primer demo de la canción. Años más tarde, con la invitación a participar en el tributo, ese camino encontró su destino. La producción se retomó en estudios Nueva York, recuperando aquellas voces iniciales y construyendo una versión pensada desde el respeto, el amor y la admiración. Durante todo el proceso creativo, Madame Récamier tuvo presente la figura de Rita Guerrero, preguntándose si los sonidos y atmósferas creadas conectarían con su espíritu y su poesía, convirtiendo esta reinterpretación en un homenaje honesto y consciente.
Devotos: Tributo a Santa Sabina no solo celebra el legado musical de la banda, sino que también tiene un propósito solidario. Todas las ganancias recaudadas por el álbum serán donadas a una institución dedicada a la lucha contra el cáncer de mama, sumando una dimensión social y humana a este proyecto colectivo.
Al igual que los sencillos previamente lanzados, “Ojalá fuera tu voz” fue masterizada por el reconocido productor Gerry Rosado, responsable del último álbum de Santa Sabina, Espiral (2003), aportando continuidad sonora y un vínculo directo con la historia del grupo homenajeado. El arte de las portadas de los sencillos que se publicarán en plataformas digitales está a cargo del artista René Zubieta, reforzando la identidad visual del proyecto.
La nómina de participantes en Devotos: Tributo a Santa Sabina es tan diversa como las influencias que marcaron a la banda original. El álbum reúne propuestas que van desde La Era Vulgar, Sara Valenzuela, Olinka, Combo Movox y Jessy Bulbo, hasta el Coro Virreinal de la Universidad del Claustro de Sor Juana y la banda internacional de metal gótico Anabanta. El recorrido sonoro incluye reggae, cuartetos de cuerdas con voz soprano, jazz y distintas variantes del rock, dando forma a un homenaje plural, contundente y profundamente respetuoso.
Con este lanzamiento, Madame Récamier inicia el año sumándose a un proyecto colaborativo de gran valor simbólico, al tiempo que continúa la promoción de su quinto álbum de estudio, Caprichos, estrenado el año pasado. La artista se prepara además para llevar este material al escenario con presentaciones en vivo en el interior de la República, consolidando una etapa de madurez artística y constante movimiento creativo.
“Ojalá fuera tu voz” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Madame Récamier, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, presentaciones en vivo, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.
El cantante y tenor Edu Tejada presenta su nuevo sencillo “Llegué un poco antes de tiempo”, una canción profunda y honesta que pone palabras y melodía a una de las experiencias emocionales más universales: cuando el amor no llega al mismo ritmo para dos personas. Con letra y música de su autoría, el artista construye un relato íntimo que habla del dolor silencioso que queda cuando se ama intensamente y, aun así, no es suficiente para sostener una historia compartida.
A través de una interpretación cargada de emoción y verdad, Edu Tejada da voz a ese momento en el que el corazón se adelanta, se entrega sin reservas y descubre que el otro aún no estaba preparado para recibirlo. Lejos del dramatismo excesivo, la canción se mueve desde la madurez emocional y la aceptación, convirtiéndose en un testimonio sincero de desamor y aprendizaje personal. La sensibilidad con la que el artista aborda esta vivencia permite que el oyente se reconozca en cada frase, en cada silencio y en cada nota sostenida.
Musicalmente, “Llegué un poco antes de tiempo” se apoya en una base melódica elegante y contenida, diseñada para dar todo el protagonismo a la voz. La interpretación vocal de Edu Tejada transita entre la vulnerabilidad y la fortaleza, mostrando un equilibrio delicado que refuerza el mensaje de la canción. La letra, escrita desde la introspección y la experiencia, conecta de forma directa con quienes han amado sin medida y han tenido que aprender, no sin dolor, a soltar aquello que no podía florecer en ese momento.
Este lanzamiento reafirma la identidad artística de Edu Tejada como intérprete y creador capaz de transformar emociones complejas en música cercana y humana. Su propuesta aporta una mirada sensible a la música latina contemporánea, abriendo espacio a la expresión emocional masculina y rompiendo estereotipos que durante años han limitado este tipo de relatos dentro del género. Con cada nuevo trabajo, Edu demuestra que la honestidad emocional también puede ser una forma de valentía artística.
“Llegué un poco antes de tiempo” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Edu Tejada, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.
