El carismático artista Gary Sebastian, también conocido como Gaz Mo, vuelve a escena este otoño con “Try”, un single que invita a reflexionar sobre los desafíos del amor en la era contemporánea. En una época en la que las relaciones parecen fugaces y el compromiso escasea, el cantante australiano propone con esta canción un mensaje claro y honesto: vale la pena intentarlo.

Inspirada en la vibrante —y a veces solitaria— vida urbana de Berlín, ciudad que hoy Gary llama su hogar, “Try” relata la historia de una pareja que se encuentra en el punto decisivo entre seguir adelante o rendirse. La canción es un ruego íntimo, una súplica sincera de uno de los protagonistas que pide a su pareja “intentarlo una vez más”, recordando que el amor, como la música, requiere esfuerzo, fe y vulnerabilidad.

La idea nació en una improvisada sesión de jam junto a Mickey Malibu, pero no fue hasta un año después, cuando el productor Jonathan Edward escuchó la maqueta, que el proyecto cobró nueva vida. El resultado es una pieza que combina elegancia melódica con emoción cruda, fiel al estilo inconfundible de Gary Sebastian: una fusión vibrante de jazz, blues, funk y rock ‘n’ roll.

El artista, originario de Melbourne, ha recorrido un largo camino desde sus primeras actuaciones en coros eclesiásticos impulsadas por su madre y su abuela. Desde adolescente, cuando tocaba la guitarra rítmica en una banda local, hasta su actual etapa como cantante, productor y compositor en Berlín, Gary ha mantenido una relación constante con la música. Su pasión, nutrida por influencias que van desde Stevie Wonder, Prince y Michael Jackson hasta Bruno Mars, Pink y John Mayer, se refleja en la riqueza sonora y emocional de su repertorio.

Tras el éxito crítico de su tema navideño “Under the Mistletoe”, “Try” consolida a Gary Sebastian como un artista que no teme explorar las emociones humanas con profundidad. En palabras del propio músico: “Mi amor por la música me ha llevado a un viaje increíble. He aprendido lecciones valiosas y conocido personas talentosas. Me siento agradecido de poder compartir alegría y esperanza con quienes escuchan mis canciones.”

“Try” es más que un tema romántico; es una radiografía del amor contemporáneo, de sus miedos y de su fragilidad, pero también de su poder para transformarnos cuando decidimos dar una oportunidad más.

Try ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Gary Sebastian, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

La artista andaluza sélpide presenta “MoMA (Museum of Misplaced Art)”, un álbum conceptual que convierte la escucha en una experiencia sensorial y emocional, un espacio donde cada canción es una sala y cada sonido, una pieza expuesta. Grabado en Corea del Sur durante su formación como topliner en la industria del K-pop, el disco reúne trece temas en castellano e inglés que transitan entre el pop alternativo, la electrónica, el rock y el reggaetón. En este museo imaginario, no hay una sola estética ni un único lenguaje: cada obra tiene su propio color, su textura, su manera de respirar.

El proyecto —una especie de autorretrato colectivo— convierte la vulnerabilidad en una forma de belleza y la observación en un ejercicio de poder creativo. “MoMA (Museum of Misplaced Art)” no busca ofrecer respuestas, sino construir un mapa emocional donde los referentes, las ciudades y las historias se cruzan y se confunden. sélpide explica su propuesta como “un museo que encuentra belleza en lo cotidiano, donde las canciones son pósters colgados en la habitación de un adolescente, una exposición de lo que amamos y de lo que dejamos atrás”.

Nacida en Jerez y afincada entre allí y Madrid, sélpide es el alter ego de Nuria, una creadora que mezcla idiomas y estilos con naturalidad. En su música conviven el espíritu experimental del pop alternativo europeo con la energía pulida del K-pop, y su voz —a veces introspectiva, a veces incendiaria— se mueve entre el castellano, el inglés y pequeños destellos de coreano.

El álbum, gestado a lo largo de varios años, se construye como una triple exposición: un homenaje a referentes reales, ficticios y espaciales. Las canciones se convierten así en obras que dialogan entre sí desde distintas perspectivas, unidas por un mismo hilo emocional. La grabación de las voces en Seúl fue el último paso de un proceso largo, casi artesanal, en el que sélpide trabajó cada tema como si fuese una instalación sonora.

El recorrido por el disco comienza con “museum audio guide: steal like an artist”, una introducción irónica que invita a entrar al museo y cuestionar los límites de la originalidad. Luego llegan piezas como “girlsgirlsgirls”, donde la artista juega con la idea del espejo y la mirada ajena; “Aquí no muere nadie” y “OOC”, que mezclan vulnerabilidad y energía contenida; o “Esmeralda” y “red velvet”, dos polos opuestos del corazón emocional del disco, entre la pulsión electrónica y la calma acústica.

En la segunda mitad del álbum, canciones como “i’ll drink to that”, “en tallo verde / oropéndola” o “hubris” exploran nuevas texturas, combinando capas de voces, fragmentos rítmicos y atmósferas que desafían el equilibrio. El cierre llega con “madison song (august again)”, “alexandra palace”, “BURN YOURSELF” y “el tapiz de los fantasmas pt. 2”, donde el museo se apaga lentamente y solo queda el eco, una despedida suspendida en el aire.

Más que un debut, “MoMA (Museum of Misplaced Art)” es una declaración de principios. sélpide construye un espacio donde la identidad es movimiento, la vulnerabilidad es fortaleza y la música es una forma de observar el mundo con otros ojos. En su museo, no hay obras intocables, sino reflejos que cambian con cada escucha, espejos que devuelven a cada oyente una versión distinta de sí mismo.

Un álbum que no se contempla: se habita.

El cantautor y músico Matteo Scalusa regresa con una nueva pieza profundamente emotiva titulada “Cécile mi esposa”, una canción que combina sensibilidad, ternura y una declaración de amor sincera. Escrita e interpretada con un tono íntimo, el tema refleja la madurez artística de Scalusa, quien ha sabido construir un estilo propio basado en la honestidad lírica y la calidez melódica.

Detrás del nombre artístico se encuentra Christian Stutzig, músico y compositor originario de Augsburgo (Alemania), cuya pasión por la música comenzó a los nueve años, cuando tomó sus primeras clases de guitarra. A lo largo de los años, su interés por la teoría musical y la composición lo llevó a desarrollar un profundo entendimiento de la armonía y de la estructura de las canciones. Aunque en sus inicios combinó su formación como administrativo con su amor por la música, pronto decidió dedicarse plenamente a la creación artística, lanzando su primer tema en 2016. Desde entonces, su obra ha estado marcada por letras reflexivas y melodías de fuerte carga emocional.

Cécile mi esposa representa una oda al amor verdadero, un homenaje a la persona amada desde la sinceridad más pura. En la canción, Scalusa da voz a un hombre que se dirige a la familia de su amada con respeto y gratitud, reconociendo la belleza y la bondad de quien pronto será su compañera de vida. Con versos como “Gracias por haberla criado, cuando ella era tu princesa, ahora es mía”, el artista logra transmitir un mensaje de respeto, amor y compromiso, envolviendo al oyente en una atmósfera de ternura y devoción.

Musicalmente, la canción se construye sobre una base sencilla pero llena de matices, donde la guitarra juega un papel protagonista. La interpretación vocal, delicada y honesta, resalta la emoción de cada palabra, logrando un equilibrio perfecto entre romanticismo y vulnerabilidad. El estribillo —“Cécile, Cécile mi esposa”— se repite como un mantra amoroso, reforzando la idea de entrega total y de unión profunda.

Más que una simple canción de amor, “Cécile mi esposa” es una declaración que celebra la conexión humana y la promesa de cuidar, respetar y compartir la vida con alguien especial. Matteo Scalusa demuestra nuevamente su habilidad para transformar sentimientos universales en piezas musicales que llegan al corazón, confirmando su lugar como un compositor que valora la autenticidad por encima de las modas.

Cécile mi esposa ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. 

La cantante y compositora puertorriqueña GALE vuelve a sorprender con su nuevo single “No Quería Quererte”, una colaboración junto al talentoso artista español Abraham Mateo que combina el pop moderno con toques dance y una letra tan irresistible como honesta. El tema, incluido en el segundo álbum de estudio de GALE, Lo que puede pasar, muestra una química musical explosiva entre ambos artistas y confirma el gran momento creativo que ambos atraviesan.

En “No Quería Quererte”, GALE y Abraham Mateo narran la historia de un amor que surge sin buscarlo, una conexión inesperada que se impone pese a las advertencias del corazón. La canción juega con la ironía del deseo y la resistencia, con frases directas y seductoras como: “No quería quererte, no quería quererte… pero cuando me miras con esos ojitos, me dan ganas de comerte.” A través de una producción pulida y un ritmo contagioso, el tema captura ese instante en el que la pasión se convierte en destino, aunque ambos protagonistas sepan que puede doler.

Musicalmente, el sencillo combina la energía del pop/dance con una sensualidad marcada por sintetizadores, percusiones latinas y una base rítmica que invita al movimiento. La voz rasgada y expresiva de GALE se mezcla con la versatilidad vocal de Abraham Mateo, creando una fusión de estilos que fluye con naturalidad entre lo emocional y lo bailable.

GALE, nominada a Mejor Nuevo Artista en los Latin Grammy 2023, continúa demostrando su madurez artística y su habilidad para escribir canciones con identidad propia. Antes de brillar como solista, ya había conquistado la industria como compositora de grandes figuras como Shakira, Christina Aguilera, Juanes, Anitta y Manuel Turizo. Su sonido combina la fuerza del pop con influencias punk, dance y latinas, reflejando una personalidad artística potente y contemporánea.

Por su parte, Abraham Mateo aporta a la colaboración su sello inconfundible: una mezcla de carisma, sensibilidad y ritmo. El cantante gaditano, que alcanzó fama internacional a los 14 años con “Señorita”, ha evolucionado hasta convertirse en uno de los artistas más versátiles del pop latino actual, colaborando con nombres como Jennifer Lopez, Luis Fonsi y Sebastián Yatra. Su participación en “No Quería Quererte” refuerza su faceta más pop y demuestra su capacidad para adaptarse a diferentes estilos sin perder autenticidad.

El tema, además de destacar por su impecable producción, muestra un equilibrio entre lo romántico y lo provocador. La letra combina imágenes de deseo, nostalgia y conexión física, dando lugar a una historia que se siente tan real como universal: dos personas que intentan evitar el amor, pero terminan cayendo inevitablemente en él.

Con “No Quería Quererte”, GALE reafirma su posición como una de las voces femeninas más innovadoras del pop latino, mientras que Abraham Mateo continúa consolidando su legado como artista integral y camaleónico.

“No Quería Quererte” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de GALE y Abraham Mateo, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips o colaboraciones, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

La artista onubense María Isabel vuelve a la escena musical con “Pa ti soy la mala”, una canción poderosa y desafiante que consolida su regreso al panorama pop-latino. Este nuevo lanzamiento, el tercero de su próximo álbum, marca una evolución sonora y emocional en la carrera de una de las voces más reconocidas de España.

Conocida por su histórica victoria en el Festival de Eurovisión Junior 2004 con el icónico tema “Antes muerta que sencilla”, María Isabel López Rodríguez —natural de Ayamonte, Huelva— demuestra con este single que ha dejado atrás su imagen infantil para abrazar una nueva etapa de madurez, autenticidad y empoderamiento.

“Pa ti soy la mala” es un canto a la libertad personal tras una relación marcada por la manipulación emocional. A través de una letra directa y contundente, la artista redefine el concepto de “mala” para transformarlo en sinónimo de independencia y autovaloración. “Pa ti soy la mala, ahora soy la gata, la que disfruta la vida y se la vive con su pana…” canta con fuerza, celebrando su capacidad de reconstruirse y dejar atrás el pasado sin miedo ni culpa.

En lo musical, la canción fusiona el pop urbano con matices latinos y un sutil alma de tango, creando un sonido sofisticado y contemporáneo que destaca por su producción moderna y su intensidad interpretativa. Este estilo híbrido refuerza la identidad artística de María Isabel, quien continúa explorando nuevas formas de expresión sin perder su esencia.

Tras un retiro temporal en 2021 por motivos de salud mental y su posterior maternidad en 2023, la cantante regresa más fuerte que nunca, demostrando que la vulnerabilidad también puede ser fuente de poder creativo. Con “Pa ti soy la mala”, María Isabel no solo presenta un nuevo single, sino también una declaración de principios: la de una mujer que ha aprendido a quererse y a poner límites, transformando el dolor en arte.

“Pa ti soy la mala” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de María Isabel, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips o proyectos musicales, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

La artista andaluza Carmen Ferre, una de las voces jóvenes más prometedoras del panorama musical español, presenta su nuevo sencillo “Noviembre”, una balada intensa y profundamente emocional que fusiona el pop con matices flamencos. Con esta canción, la cantautora demuestra una vez más su capacidad para transformar el dolor en arte y conectar con el público desde la verdad más íntima.

Noviembre es una historia contada desde el corazón roto, desde ese punto en el que el amor ya no está, pero los recuerdos aún arden. A través de una letra poética y desgarradora, Carmen repasa los meses del año como si fueran capítulos de una herida que no termina de cerrar: “Enero dice vas por buen camino / Febrero duele cuando yo respiro…”. La canción alcanza su clímax con un estribillo tan bello como devastador: “Y llega noviembre / y me obliga a aceptar que te amo / me recuerda que hoy somos extraños / que soltaste mi mano / y hay alguien que camina a tu lado.”

El tema no solo refleja una pérdida amorosa, sino también la lucha interna por aceptar la realidad y aprender a vivir con la ausencia. Con su voz llena de matices, Carmen Ferre transmite una autenticidad que atraviesa, combinando delicadeza y fuerza en cada frase.

Musicalmente, “Noviembre” se enmarca dentro del pop aflamencado que caracteriza a la artista, con arreglos contemporáneos que realzan su interpretación y una producción cuidada que deja respirar la emoción. Es un tema que invita tanto a la reflexión como al desahogo, donde el tiempo —representado por los meses— se convierte en el verdadero protagonista.

Carmen Ferre ha construido paso a paso una carrera sólida desde su paso por talent shows como La Voz Kids, Got Talent y Tierra de Talento, donde su voz y carisma cautivaron al público. Desde entonces, ha compartido escenario con grandes nombres como Antonio Orozco, Pastora Soler, Vanesa Martín y El Arrebato, consolidándose como una artista completa y con una identidad musical muy personal.

Tras éxitos anteriores como “Cicatrices”, “Nueve Vidas” y “Fuiste tú”, la joven cantautora vuelve a emocionar con “Noviembre”, reafirmando su madurez artística y su capacidad para escribir canciones que se sienten tan reales como universales.

“Noviembre” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Carmen Ferre, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips o proyectos musicales, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

La artista española Mafalda Cardenal sorprende con una colaboración transatlántica junto al fenómeno argentino Luck Ra en “Vete a la Luna (Versión Cuarteto)”, una reinterpretación vibrante y bailable de su exitosa balada pop. Lanzada el 31 de octubre de 2025, esta nueva versión fusiona la sensibilidad melódica del pop español con la energía contagiosa del cuarteto cordobés, dando como resultado un tema que celebra la conexión cultural entre ambos países y una nueva etapa en la carrera de Mafalda.

La canción, que originalmente cautivó por su tono melancólico y honesto, se transforma aquí en una explosión de ritmo y emoción. Con la participación de Luck Ra —uno de los artistas argentinos más escuchados del momento—, “Vete a la Luna (Versión Cuarteto)” adquiere una fuerza renovada sin perder su esencia emocional. La fusión entre la voz suave y melódica de Mafalda y la energía característica de Luck Ra logra un equilibrio perfecto entre nostalgia y celebración.

En su letra, “Vete a la Luna” aborda una despedida amorosa desde la aceptación y la madurez emocional. La protagonista invita a su expareja a buscar nuevos horizontes con versos tan contundentes como: “Así que vete, vete a la luna. Busca algo nuevo, una nueva aventura. Y cuando entiendas que la luna solo brilla por el sol, no me busques.” Es una historia de amor que se despide sin rencor, con un mensaje de liberación y autoconocimiento que conecta directamente con el público joven.

Mafalda Cardenal, originaria de Alicante, se ha consolidado como una de las voces más prometedoras del pop español contemporáneo. Desde sus inicios subiendo canciones a redes sociales, ha construido una sólida base de seguidores y millones de oyentes mensuales en Spotify. Su capacidad para transformar vivencias personales en letras sinceras y luminosas la ha convertido en una referente generacional. Con temas como “Tu Fan”, “La Gente” y “Vete a la Luna”, ha demostrado que su pop emocional también puede tener un pulso universal.

Por su parte, Luck Ra, oriundo de Córdoba (Argentina), continúa expandiendo las fronteras del cuarteto, el ritmo emblemático de su tierra. Tras éxitos como “La Morocha”, “Ya No Vuelvas (Remix)” y “Te Mentiría”, el cantante y productor argentino se ha posicionado como una figura clave en la popularización internacional del género. Su estilo fusiona lo urbano con lo tradicional, aportando a esta colaboración un carácter festivo y genuino que eleva la canción a otro nivel.

El encuentro entre ambos artistas no solo representa una unión musical, sino también cultural: España y Argentina dialogan a través de una canción que invita al movimiento sin dejar de tocar el corazón. “Vete a la Luna (Versión Cuarteto)” conserva la esencia emocional de la versión original, pero con un nuevo aire que la convierte en una canción ideal tanto para cantar con el alma como para bailar hasta el amanecer.

Con esta colaboración, Mafalda Cardenal demuestra su versatilidad artística y su capacidad para trascender fronteras sonoras, mientras que Luck Ra continúa confirmando su liderazgo como embajador del cuarteto argentino ante el mundo.

“Vete a la Luna (Versión Cuarteto)” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Mafalda Cardenal y Luck Ra, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips o colaboraciones, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

La banda danesa Vinyl Floor regresa con fuerza con “Mr. Rubinstein”, el primer single de su próximo álbum “Balancing Act”, que verá la luz el 27 de febrero de 2026. Este nuevo lanzamiento, disponible desde el 31 de octubre de 2025, marca una nueva etapa en la trayectoria del grupo, reafirmando su identidad dentro del rock melódico con una producción cuidada y una atmósfera envolvente.

Grabada en el Studio Möllan de Malmö, Suecia, la canción fue producida por Emil Isaksson y Daniel Pedersen, y posteriormente mezclada y masterizada por Søren Vestergaard en The Shelter. La pieza cuenta además con la colaboración especial del multiinstrumentista Bebe Risenfors (conocido por su trabajo junto a Tom Waits) en los arreglos de viento, y de Christian Ellegaard en las cuerdas, aportando una riqueza sonora que eleva el carácter emocional del tema.

“Mr. Rubinstein” es una composición de tempo medio, dominada por el piano, el órgano y los arreglos orquestales, que transmite una atmósfera melancólica y misteriosa. La letra aborda la compleja y a menudo tensa relación entre el artista y el crítico, inspirada en una historia real que explora el choque de egos y la delgada línea entre la creación y la interpretación.

Formada en 2007 en Copenhague, Vinyl Floor está integrada por los hermanos Daniel Pedersen y Thomas Charlie Pedersen, quienes combinan su pasión por el rock británico de los 60 y 70 con elementos clásicos y contemporáneos. Con más de 200 conciertos a sus espaldas y giras por Reino Unido, Alemania y Japón, el dúo ha construido un sonido único que equilibra nostalgia, sofisticación y frescura.

Lanzado bajo su propio sello Karmanian Records (Kar Rec), “Mr. Rubinstein” ofrece un adelanto del universo sonoro que los fans podrán descubrir por completo en “Balancing Act”, un trabajo que promete consolidar la madurez artística de la banda y su compromiso con la exploración musical.

“Mr. Rubinstein” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Vinyl Floor, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, giras o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

El grupo Alpaca-in-Chief conmemora el primer aniversario de “M Building”, una canción que combina melancolía, humor y optimismo con una autenticidad desarmante. Este lanzamiento especial llega mientras el proyecto prepara una secuela musical que promete ampliar el universo emocional iniciado con este tema, invitando a nuevos oyentes a descubrir su magia original.

Detrás de Alpaca-in-Chief se encuentra Daniel, un músico que se define a sí mismo como “nerd profesional y trovador torpe”, además de ser el fundador y “Alpaca-in-Chief” del reconocido World Scholar’s Cup. Su faceta artística nació durante sus años en la Universidad de Stanford, donde escribió sus primeras canciones —entre ellas “M Building”—, caracterizadas por una mezcla de vulnerabilidad, humor y una fe inquebrantable en la belleza de los pequeños momentos.

“M Building” refleja esa esencia universitaria, con letras impregnadas de nostalgia y melodías que evocan la inocencia del primer amor, las amistades formativas y la búsqueda de significado en medio del caos cotidiano. Aunque fue escrita por un joven Daniel que se describe como “terriblemente desafinado pero infinitamente esperanzado”, la canción conserva un espíritu atemporal que sigue resonando con oyentes de todas las edades.

A lo largo del último año, la música de Alpaca-in-Chief ha encontrado un espacio propio, expandiéndose gracias al apoyo de amigos, colegas y una comunidad de oyentes que celebra su autenticidad. Con el próximo lanzamiento de la secuela de “M Building”, el grupo reafirma su compromiso con la creación de canciones que conectan desde la emoción más genuina y humana.

“M Building” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. 

El DJ y productor belga DJ FJ sorprende con su nuevo single “Bajo el Sol”, una bachata original que combina sentimiento, ritmo y calidez tropical. Inspirado por sus propias emociones, el artista escribió la letra desde el corazón, transformando sus palabras en una experiencia musical profundamente honesta y luminosa.

Con esta canción, DJ FJ, originario de Bruselas, Bélgica, se adentra en el universo latino con una propuesta que fusiona la sensibilidad europea con la pasión caribeña. Eligió el estilo bachata porque —según él— “encaja perfectamente con la emoción de la letra”, logrando así un equilibrio entre la nostalgia, el romanticismo y el deseo de bailar bajo el sol, símbolo de esperanza y conexión.

“Bajo el Sol” no solo resalta la versatilidad de DJ FJ como creador, sino también su capacidad para transmitir sentimientos universales a través del lenguaje musical. La producción ofrece guitarras cálidas, percusiones suaves y una atmósfera envolvente que invita a cerrar los ojos y dejarse llevar por el ritmo.

Este lanzamiento marca un nuevo paso en la trayectoria del artista, consolidando su identidad dentro de la escena internacional y abriendo la puerta a futuras colaboraciones en el mundo latino.

El artista panameño Melfi continúa expandiendo su universo musical con el lanzamiento de “Amuleto”, su nuevo sencillo, una canción que combina ritmos latinos con una atmósfera íntima y emocional. Escrita por Miguel Melfi y Steven Cruz, y producida por Cruz Skilled, Tinely y Bk, esta propuesta reafirma la versatilidad del cantante, capaz de moverse con naturalidad entre el pop urbano, el reguetón, el afrobeat y las baladas sin perder su sello personal.

“Amuleto” representa una nueva etapa para Melfi, un artista que ha construido su camino a base de autenticidad y exploración sonora desde sus inicios durante la pandemia. Con un estilo fresco y una voz cargada de carisma, el panameño propone una historia de amor y energía positiva, en la que las conexiones especiales se convierten en talismanes capaces de transformar la vida. La canción destaca por su mezcla equilibrada entre ritmo, emoción y una producción moderna que invita tanto al baile como a la reflexión.

Nacido en Panamá, Melfi es una de las figuras emergentes más completas del panorama latino. Ingeniero Industrial Administrativo de profesión, combina su faceta artística con una sólida trayectoria mediática. Su paso por programas televisivos y realities internacionales —como Calle 7 (Panamá), ¿Quién es la Máscara? (donde participó bajo el personaje “Coco Loco”), El Poder del Amor (del que fue ganador de la primera edición en 2021) y La Casa de los Famosos Colombia (donde llegó a la final)— le ha permitido conectar con un público diverso en toda Latinoamérica.

En la música, Melfi ha demostrado ser un creador inquieto y en constante evolución. Temas como “Ninguna”, “Compañera de vida”, “Las Ganas”, “Mercedez”, “Mi Cielo” y “A Poca Luz” son muestra de su habilidad para fusionar emociones con ritmos bailables, logrando un equilibrio entre lo romántico y lo moderno. “Amuleto” sigue esa línea, consolidando su propuesta artística dentro del pop urbano contemporáneo con un toque propio e inconfundible.

Con este lanzamiento, Melfi continúa demostrando su compromiso con la música y su deseo de conectar a través de letras sinceras y producciones llenas de color. “Amuleto” es una declaración de fe en las relaciones verdaderas y en la fuerza que nos impulsa a creer en los lazos que nos protegen y nos inspiran.

“Amuleto” ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Melfi, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Celebrando tres décadas de trayectoria y más de siete millones de oyentes mensuales, Carlos Baute reafirma su lugar como uno de los artistas latinos más queridos en España e Hispanoamérica con el lanzamiento de su nuevo sencillo “Quién mejor que tú”.

El cantautor venezolano vuelve a emocionar con una canción que rinde homenaje al amor real, a esas conexiones que transforman la vida y permanecen en el tiempo. Con su característico sello romántico y un sonido renovado, Baute entrega una historia hecha para dedicar, donde la emoción y la sinceridad son las verdaderas protagonistas.

Compuesta junto al prestigioso productor colombiano Andrés Castro —conocido por su trabajo junto a Carlos Vives, Shakira y Sebastián Yatra—, “Quién mejor que tú” marca el regreso de Baute al pop latino con un estilo fresco, elegante y profundamente romántico. La colaboración nació durante un viaje a Miami, cuando ambos coincidieron en el estudio y dieron vida a una idea sencilla pero poderosa. “Si no hay nadie como tú, entonces, ¿quién mejor que tú?”, explica el artista, describiendo la esencia del tema: una declaración de amor hacia esas personas que elegimos una y otra vez.

El sencillo combina arreglos modernos con la calidez melódica que ha caracterizado la carrera de Baute, ofreciendo un sonido contemporáneo sin perder su esencia. El resultado es una canción íntima y universal que celebra el amor desde la certeza, sin artificios ni exageraciones, solo emoción genuina.

El lanzamiento llega acompañado de su videoclip oficial, disponible en el canal de YouTube de Carlos Baute, una pieza visual que refuerza la esencia romántica del tema y transmite la emoción de encontrar a la persona indicada.

Con más de 30 años de trayectoria, millones de discos vendidos y reconocimientos internacionales —incluido el Premio Ondas al Mejor Artista Latino—, Carlos Baute continúa demostrando su vigencia artística. Tras éxitos como “Colgando en tus manos”, “Te regalo” y “Quién te quiere como yo”, el artista venezolano presenta una propuesta que conecta con las nuevas generaciones sin dejar de lado su inconfundible estilo.

“Quién mejor que tú” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Carlos Baute, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

El cantante y compositor sevillano Sabas Ruiz estrena su quinto trabajo discográfico, titulado “Mi momento”, un álbum que refleja la madurez, la evolución y la autenticidad de un artista que ha sabido mantenerse fiel a su esencia mientras explora nuevos horizontes sonoros. Tras años de trayectoria y cuatro discos que lo consolidaron como una voz inconfundible del panorama musical independiente, Sabas regresa con una propuesta potente, positiva y profundamente personal.

Desde su debut con “Sensaciones” en 2011, el artista ha demostrado una dedicación constante a la música. Aquel primer disco, que contó con la colaboración de David Zapata (vocalista del grupo Parachokes), lo posicionó en el mapa musical gracias al éxito de “Nadie como tú”, tema que se mantuvo durante más de ocho semanas en el número uno de Onda Arte Radio. Tres años después, en 2014, Sabas amplió su registro con “Menuda escena”, donde compartió créditos con Borby (The Mamut) y el grupo rapero Malos Hábitos, destacando canciones como “Tú no te escapas”, “Menuda escena” y “Coria y Japón”, esta última convertida en un homenaje a los lazos culturales entre su tierra y el país nipón.

Con “Año sabático” (2018), Sabas Ruiz consolidó su madurez compositiva. Inspirado en sus vivencias con su banda Los Sabáticos, el álbum ofreció canciones como “Brindaremos con champagne” y “Mi vida, tu vida, su vida”, mostrando su versatilidad entre el pop y el rock con un toque andaluz. Más adelante, su cuarto trabajo, “¡Algo está cambiando!”, se centró en la transformación personal y los nuevos comienzos, con temas como “En un segundo”, “Me siento andaluz”, “Cuando miro hacia el espejo” y “La estupidez humana”, todos ellos acompañados de videoclips que fortalecieron su presencia visual y artística.

Ahora, con “Mi momento”, Sabas Ruiz entrega un álbum compuesto por diez canciones que reúnen alegría, reflexión, amor y desamor. En lo musical, fusiona el rock sureño que lo caracteriza con elementos de música electrónica y pop, logrando un sonido contemporáneo, fresco y muy personal. Grabado en los estudios KPF Records y publicado bajo el sello RockCD Records, el disco mantiene la línea de calidad que el artista siempre ha defendido, rodeándose de profesionales de primer nivel para alcanzar un resultado de excelencia.

El primer sencillo del álbum, “La vida es un baile”, llega acompañado de un espléndido videoclip dirigido por Guille Núñez, que ha logrado gran repercusión en medios y plataformas. Con este lanzamiento, Sabas Ruiz inicia una nueva etapa de promoción y presentaciones en directo, reafirmando su compromiso con la música y su conexión con el público.

“Mi momento” ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Sabas Ruiz, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

La cantante y compositora española Lorena Gómez regresa con fuerza con su nuevo single “Déjà Vu”, una canción cargada de mensaje, emoción y autenticidad que marca un nuevo capítulo en su trayectoria musical. Considerada una de las mejores voces del panorama nacional, la artista vuelve a demostrar su enorme capacidad interpretativa y su habilidad para convertir las emociones más profundas en canciones universales.

“Déjà Vu” es una historia de renacer. Habla de volver a encontrarse con una misma tras una etapa de dolor, de recuperar la identidad y de entender que el amor no debería doler. A través de una letra sincera y empoderada, Lorena lanza una declaración de independencia emocional, dejando claro que las relaciones que nos apagan no merecen un segundo intento. Con versos como “Puedo ser tal y como soy, de ti no quiero ni un déjà vu”, la canción se convierte en un himno de liberación y autodescubrimiento.

Musicalmente, el tema combina elegancia, fuerza y sensibilidad. La voz de Lorena brilla con una madurez que transmite plenitud y convicción, mientras la producción equilibra el pop contemporáneo con una instrumentación emocional y cinematográfica, dando vida a una pieza que conecta desde la primera escucha.

Lorena Gómez, nacida en Lleida el 12 de abril de 1986, se subió por primera vez a un escenario con tan solo ocho años y desde entonces no ha dejado de cantar. Su salto a la fama llegó en 2006, cuando se proclamó ganadora de Operación Triunfo, lo que la llevó a firmar con Sony Music y publicar los álbumes “De Película” y “Esta Vez”. A lo largo de su carrera, ha participado en exitosos programas de televisión como Qué tiempo tan feliz, Los mejores años de nuestras vidas y Destino Eurovisión, donde en 2010 alcanzó el tercer puesto con la canción “Amor mágico”.

Tras su paso por España, Lorena se estableció en Miami, donde compaginó su trabajo en televisión y telenovelas con la grabación de nuevo material musical. En 2015 regresó a su país natal y conquistó nuevamente al público con su participación en Tu cara me suena 5, que la consolidó como una artista completa y carismática. Desde entonces, ha lanzado singles como “Indomable” —banda sonora del Tour de Francia—, “Vulnerable a ti” y “Bórrame el recuerdo”, además de compartir escenario con grandes figuras como Antonio José, Pastora Soler, Manuel Carrasco, Niña Pastori, Miguel Poveda, India Martínez, Gente de Zona y José Mercé.

Con “Déjà Vu”, Lorena Gómez reafirma su lugar en la escena musical española como una artista capaz de reinventarse sin perder su esencia. Este nuevo lanzamiento no solo exhibe su talento vocal, sino también su evolución personal: una mujer fuerte, libre y consciente de su propio poder.

“Déjà Vu” ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Lorena Gómez, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

La artista cordobesa Carmen Lemos presenta “La Despedida”, un tema que transforma el dolor de una ruptura en un poderoso mensaje de empoderamiento, libertad y renacimiento. Disponible ya en plataformas digitales, la canción marca una nueva etapa en la carrera de una de las voces más prometedoras del pop latino en español.

Después de conquistar al público con “Un Tequila y un Vallenato” y su más reciente éxito “La Oferta”, Carmen da un paso adelante en su evolución artística, mostrando una interpretación más madura, una producción moderna y una conexión emocional aún más profunda.

“La Despedida” narra el momento en que una mujer decide cerrar un ciclo amoroso que ya no le aporta felicidad. Lo que podría haber sido una historia de melancolía se convierte, gracias a la fuerza interpretativa de Carmen, en un canto de independencia y amor propio.

“Ya no me pesan las horas, tú ya no estás en mi vida. Mi cama ya no te llora, se cerraron mis heridas”, canta la artista con una voz firme que equilibra vulnerabilidad y determinación.

Musicalmente, la canción combina el sabor del vallenato con la frescura del pop moderno, logrando un sonido tan emotivo como bailable. Su estribillo, lleno de energía y actitud —“búscate alguien que te quiera… lo nuestro ya se terminó, que yo me voy de fiesta”— convierte la despedida en una celebración vital.

El lanzamiento llega acompañado de un videoclip filmado en los paisajes naturales de Cádiz, con localizaciones en El Puerto de Santa María y El Palmar, que aportan una atmósfera luminosa y simbólica al relato de la canción. Bajo la dirección de Gabriel Pinal, con producción de Mónica Pinal y dirección de arte de Luis Pinal, el video refuerza el mensaje principal del tema: la despedida no como un final, sino como un nuevo comienzo.

“La Despedida” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Carmen Lemos, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Los talentosos artistas Rick Life y J Kestis presentan “Oishi Baby”, un nuevo sencillo que fusiona emociones profundas, texturas soul y un sonido moderno que trasciende fronteras. La canción combina la sensibilidad del R&B contemporáneo con una producción elegante y cinematográfica, dando forma a una historia íntima entre dos amantes que buscan entenderse a través de la música.

Compuesta y producida por ambos artistas, “Oishi Baby” se construye sobre una base envolvente de melodías suaves, beats delicados y una atmósfera que invita a sumergirse en sus emociones. La voz cálida y expresiva de J Kestis se mezcla con la energía vibrante y la creatividad melódica de Rick Life, generando una sinergia artística que refleja una conexión auténtica y una química innegable. El resultado es un tema que equilibra vulnerabilidad y fuerza, con letras introspectivas que hablan de amor, deseo y la búsqueda de equilibrio en las relaciones humanas.

J Kestis, cantante, productor y compositor radicado en Los Ángeles, se ha consolidado como una de las voces más prometedoras del R&B actual. Su estilo fusiona el storytelling emocional con las texturas suaves del soul moderno, siempre con un enfoque honesto y personal. En canciones como “Take Me Home”, el artista ya había demostrado su capacidad para unir vulnerabilidad y confianza, un sello distintivo que también brilla en “Oishi Baby”. Su trabajo ha sido reconocido internacionalmente, con oyentes en más de 50 países y la colaboración de figuras como el ingeniero ganador del Grammy Gerry “The Gov” Brown, quien ha trabajado con leyendas como Whitney Houston, Prince y Alicia Keys.

Por su parte, Rick Life es una productora, compositora y artista nacida en Japón y establecida en Tokio, cuyo sonido se inspira en la cultura musical estadounidense, fusionando R&B, pop, hip-hop y house. Desde su debut como beatmaker en 2018, ha desarrollado un estilo distintivo y sofisticado que ha captado la atención de la escena global. Sus sencillos “NEVER EASY” y “MOONLIGHT” fueron destacados en playlists oficiales de Apple Music, consolidando su proyección internacional. En 2025, fue seleccionada por Splice como una de las “Producers to Watch”, un reconocimiento a su talento emergente y a su influencia en la nueva ola de creadores musicales.

Con “Oishi Baby”, Rick Life y J Kestis logran una colaboración que trasciende culturas y géneros, ofreciendo un viaje emocional que combina sensibilidad, modernidad y profundidad. La canción es una muestra del poder de la música para conectar mundos distintos a través de un mismo lenguaje: el del sentimiento.

“Oishi Baby” ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Rick Life y J Kestis, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

El aclamado artista, compositor y productor de góspel Marvin Dexter Moore presenta “Right There for You”, su nuevo single, una pieza de neo-soul y R&B chill que combina fe, amor y amistad en un mensaje profundamente reconfortante. Con su característico estilo lleno de alma, armonías suaves y una producción cálida, Moore ofrece una canción que invita a la reflexión y transmite esperanza en los momentos más difíciles.

“Right There for You” es una obra que va más allá de los géneros, fusionando la esencia espiritual del góspel con la sensibilidad contemporánea del soul y el R&B. A través de letras honestas y melodías envolventes, Marvin recuerda que, sin importar cuán largo sea el camino o cuán pesada sea la carga, nunca estamos verdaderamente solos. Su mensaje universal de fe y compañía resuena con fuerza en una época donde el mundo necesita más que nunca canciones que inspiren y fortalezcan el espíritu.

La canción se integra perfectamente en playlists de gospel soul, R&B inspiracional y música de bienestar, con una atmósfera atemporal que eleva y reconforta. Con este lanzamiento, Marvin Dexter Moore busca ampliar su alcance en radios, plataformas y medios internacionales, llevando su mensaje de amor y esperanza a más oyentes alrededor del mundo.

Originario de Birmingham, Alabama, Moore creció rodeado de música y fe. Desde niño, los servicios semanales en la iglesia marcaron su vida y despertaron en él una pasión profunda por el canto y la adoración. Tras mudarse a Los Ángeles en sus veintes, inició oficialmente su carrera en la industria musical, dedicándose a proteger los derechos de compositores, editoriales y artistas. Hoy, Marvin se encuentra en una etapa de plenitud creativa, entregando su arte con el propósito de inspirar, alentar y sanar corazones.

“Soy creyente en Jesús y un sobreviviente”, afirma el artista. “Sé que hay muchos otros sobrevivientes ahí fuera, como yo. Mi música es para ustedes. No somos nuestros pasados, somos nuestros futuros. No podemos cambiar lo que ya ha sucedido, pero sí todo lo que está por venir.”

Con una carrera marcada por la excelencia y la fe, Marvin Dexter Moore continúa consolidándose como una figura esencial dentro del góspel contemporáneo. Tras el éxito de su más reciente colaboración “Give You All My Worship”, junto al galardonado vocalista Leon McCrary, el artista reafirma su misión: usar la música como vehículo para transmitir los valores de fe, esperanza y amor que lo han acompañado desde sus inicios.

“Right There for You” ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Marvin Dexter Moore, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

La cantante y compositora española Alexa Lace presenta su nuevo sencillo Flame On, un potente himno rock que ya está disponible en todas las plataformas digitales. La canción, escrita por los reconocidos compositores Larry King, Joie Scott Poster y Chris Siebold, reúne a un elenco de músicos de talla mundial en una producción de altísimo nivel que marca una nueva etapa en la carrera internacional de la artista.

Flame On combina la poderosa presencia vocal y el magnetismo escénico de Alexa Lace con la interpretación de músicos legendarios. Entre ellos destaca Michael Thompson, uno de los guitarristas más influyentes de la industria, conocido por su trabajo junto a Michael Jackson, Céline Dion, Phil Collins, Bee Gees, Ringo Starr y Eric Clapton, además de haber sido guitarrista de gira de los Eagles junto al fallecido Glenn Frey. A su lado, el teclista de larga trayectoria de Céline Dion aporta su toque distintivo en la programación y arreglos, mientras que la batería corre a cargo de Matt Walker (The Smashing Pumpkins), el bajo por Alan Berliant (Michael Thompson Band), y los coros por Opal Staples (colaboradora de Stevie Wonder, Seal y Toni Braxton) junto al propio Larry King, vocalista principal de Michael Thompson Band y Soleil Moon.

El tema fue producido por Larry King, con grabación y edición a cargo del ingeniero Matthew Prock, quien trabajó directamente con Alexa en estudio. La mezcla estuvo en manos del multipremiado Craig Bauer, ganador de varios Grammy y reconocido por su trabajo con artistas de la talla de Eminem, aportando un sonido pulido, potente y de proyección internacional.

“Este disco es puro rock, audaz y honesto, todo lo que amo”, afirma Alexa Lace. “Trabajar con este extraordinario grupo de músicos y compositores ha hecho que la canción alcance un sonido con el que solo podía soñar.. Es muy distinto a lo que he hecho antes, y espero que al público le guste tanto como a mí”.

Grabado entre Chicago y Barcelona, Flame On es una producción vibrante que fusiona la energía del rock clásico con un sonido moderno, lleno de intensidad y emoción. La canción forma parte del próximo álbum de Alexa Lace, titulado This Is Me, previsto para lanzarse este otoño, y representa un paso decisivo en su expansión internacional.

Nacida en Sabadell (Barcelona), Alexa Lace se ha consolidado como una de las artistas españolas con mayor proyección global. Ganadora de un Hollywood Music Award, ha sido nominada en los Hollywood Music in Media Awards y en los F.A.M.E. Producers’ Choice Awards de Las Vegas como Mejor Intérprete Internacional en Directo. Su música, con presencia constante en radios de Estados Unidos, Canadá, Australia, Alemania y otros países, combina la fuerza del rock con una sensibilidad melódica contemporánea, uniendo pasión, técnica y autenticidad.

Flame On ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Alexa Lace, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El productor y artista ATK Epop vuelve a sorprender con una nueva entrega de su universo sonoro: Sentimental, una canción que combina sensibilidad, sutileza y una profunda carga emocional. En esta producción, Amaia Pop y Álvaro Sanz prestan sus voces para dar vida a un tema que trasciende el pop tradicional, mientras Davi Sanz aporta sus guitarras melódicas, añadiendo un brillo orgánico que eleva la atmósfera general.

Desde los primeros acordes, Sentimental envuelve al oyente en una sensación de calma y conexión emocional. La voz dulce y honesta de Amaia Pop se mezcla con la interpretación intensa de Álvaro Sanz, creando una dualidad que se siente tan humana como poética. La producción de ATK Epop apuesta por la delicadeza, con arreglos que no buscan impresionar desde la grandilocuencia, sino desde la verdad emocional. Cada elemento —la guitarra limpia, el ritmo contenido, la mezcla cristalina— parece colocado con la precisión de quien entiende que menos es más.

La canción reflexiona sobre el valor de sentir sin filtros, sin miedo al juicio ajeno ni a las etiquetas. Sentimental es, en esencia, una invitación a reconectarse con esa parte interior que no siempre encuentra un lugar en el mundo moderno. En palabras de su propia narrativa, el tema habla de una “galaxia interior” donde las emociones tienen su propio lenguaje, libre de modas o expectativas sociales.

La letra, de tono evocador y profundamente introspectivo, construye un relato que mezcla la nostalgia con la esperanza. Su apertura, con imágenes casi cinematográficas, deja entrever la pérdida y la distancia, pero también el poder del recuerdo:
“Hay una casa que nadie habita / Y que solía ser la nuestra / Un polvo cósmico que me visita / En otra galaxia sentimental.”
Más adelante, la canción se transforma en un manifiesto contra la uniformidad emocional, un llamado a la autenticidad en tiempos donde parecer igual a los demás se ha vuelto una tendencia:
“Y todo el mundo habla de que todo el mundo es igual / Porque está de moda serlo / Pero a nadie le va mal / En otra galaxia sentimental.”

Esa tensión entre lo íntimo y lo universal, entre lo real y lo simbólico, es lo que convierte a Sentimental en una joya dentro del pop contemporáneo. No busca ser un hit inmediato ni responder a una fórmula, sino una experiencia emocional que crece con cada escucha. El sonido es limpio, expansivo y envolvente, con un tratamiento vocal que permite que la interpretación brille por su honestidad.

ATK Epop, fiel a su estilo, consigue una producción moderna que conserva un corazón humano, donde cada instrumento respira y dialoga con las voces. La guitarra de Davi Sanz aporta un toque de calidez que complementa la atmósfera etérea del tema, mientras la producción mantiene un equilibrio perfecto entre lo acústico y lo electrónico, generando una sensación de cercanía que atraviesa toda la canción.

Con Sentimental, ATK Epop reafirma su capacidad de crear paisajes sonoros que conectan con la emoción pura, invitando al oyente a mirar hacia adentro y redescubrir el valor de la sensibilidad. Esta colaboración con Amaia Pop y Davi Sanz no solo demuestra la versatilidad del proyecto, sino también su compromiso con un pop que no teme ser profundo, reflexivo y auténtico.

Sentimental, la nueva colaboración entre ATK Epop, Amaia Pop y Davi Sanz, ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de los tres artistas, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Con motivo de las fechas dedicadas a la memoria y la celebración de la vida, Karina Catalán presenta su conmovedora versión del clásico de Ana Gabriel, Mi talismán, dentro de la serie Alabama Sessions. Este lanzamiento llega en un momento especialmente simbólico, coincidiendo con las celebraciones del Día de Muertos, y se convierte en una invitación a recordar con amor y gratitud a quienes ya no están físicamente, pero siguen presentes en el corazón.

En esta interpretación, Karina despliega una voz sincera, cercana y profundamente sentida, respetando la esencia del tema original mientras imprime su propia sensibilidad y experiencia personal. Su interpretación logra capturar la emoción del recuerdo y la fuerza del amor que trasciende el tiempo, conectando con el público desde un lugar de autenticidad y calidez.

La producción conserva la característica estética de Alabama Sessions, con una atmósfera orgánica, arreglos íntimos y una instrumentación sobria que permite que la voz y el mensaje sean los verdaderos protagonistas. Cada matiz de la interpretación se siente como una caricia, un homenaje y una conversación con quienes forman parte de nuestra memoria.

El lanzamiento de Mi talismán coincide con una época del año marcada por la introspección, la nostalgia y la esperanza. En este contexto, la canción se transforma en un puente emocional, un himno para decir “gracias”, “te extraño” y “te llevo conmigo”, reafirmando que el amor permanece más allá del tiempo y la distancia.

Mi talismán ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales, junto con su video oficial, que puede disfrutarse en el canal de YouTube de Karina Catalán. Para conocer más sobre su trabajo, próximos lanzamientos y proyectos musicales, puedes seguir a la artista a través de sus redes sociales.