Clauw, una de las voces emergentes más prometedoras del panorama musical español, vuelve a desplegar su magnetismo artístico con “LUCI”, su nuevo single, ya disponible en streaming y acompañado de un videoclip oficial que se estrenó recientemente en YouTube. La artista barcelonesa, nacida en 2001 y actualmente afincada en Madrid, continúa afianzando su sonido personal dentro del pop urbano con influencias de reggaetón, R&B y afrobeat, un terreno que domina con naturalidad desde que comenzó a trabajar estrechamente con su productor de confianza, Dímelo Milo.

Desde su llegada a Madrid en 2023, Clauw ha ido puliendo una identidad musical propia que combina melodías suaves, ritmos sensuales y una sensibilidad contemporánea que la distingue de la nueva generación de artistas urbanos. Con el lanzamiento de su EP “HATARI” en 2024 —recibido con entusiasmo por el público— y con temas previos como “1000 Veces”, “Cerca del Cielo”, “Celoso” o “Labios”, la cantante ha demostrado su capacidad para construir un imaginario sonoro íntimo, directo y profundamente emocional.

“LUCI” representa una nueva pieza dentro de este universo, manteniendo el sello seductor y envolvente que caracteriza a Clauw. En esta ocasión, la artista propone una atmósfera íntima donde conviven el deseo, la conexión emocional y la intensidad física de una relación marcada por una química poco común. La letra, cargada de imágenes sensoriales y referencias contrastadas —subir al cielo, bajar al infierno— explora ese vínculo magnético que desarma y atrae al mismo tiempo. Uno de los ganchos más reconocibles del tema, “sí nena buena y contigo soy Lucito”, funciona como un juego de palabras irresistible que sintetiza el espíritu de la canción: pasión, entrega y un toque de picardía.

Con una producción moderna y delicadamente construida junto a Dímelo Milo, “LUCI” sigue consolidando a Clauw como una figura fresca, segura y en constante expansión dentro del género urbano-pop. Su voz limpia, su capacidad melódica y su forma de transmitir emociones la han convertido en una de las artistas jóvenes a seguir muy de cerca.

“LUCI” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Clauw, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Javier Corcobado continúa desvelando joyas de Solitud y Soledad, el ambicioso proyecto doble con el que celebra cuatro décadas de carrera artística. Como último adelanto, presenta una nueva versión de “Susurro”, esta vez acompañado por Andrés Calamaro, un artista cuya relación con Corcobado se remonta a los vibrantes años 90, cuando ambos compartían vecindario, noches largas y sesiones improvisadas en el corazón de la movida madrileña. Aquellos encuentros, marcados por una admiración mutua, sembraron una conexión que hoy cristaliza en una colaboración cargada de historia y emoción.

“Susurro” nació a principios de los 2000 como un intento de Corcobado por expandir sus propias fronteras creativas, buscando escribir canciones pop que reflejaran las inquietudes de una sociedad convulsa, no tan distinta de la actual. Su primera aparición fue en Editor de Sueños (2006), donde destacaba como una pieza punzante, directa y profundamente lúcida. A pesar de ser uno de sus temas más brillantes, pasó más desapercibido dentro de su repertorio, algo que esta nueva versión viene a subsanar.

La aportación de Andrés Calamaro —voz icónica del rock hispano— y el sonido renovado de la banda actual de Corcobado dotan al tema de una profundidad inédita. La frase “Guerras, torturas y engaños en la televisión, y lo único que puedo hacer es susurrar esta canción…”, escrita hace más de dos décadas, resuena en 2025 con un peso renovado, casi profético. Sobre una base pop melódica y contenida, la canción eleva una reflexión sobre el estado del mundo, la fragilidad humana y ese gesto íntimo —susurrar— que se convierte en acto de resistencia frente al ruido ensordecedor de la realidad.

Este lanzamiento anticipa la llegada de Solitud y Soledad, un disco doble que verá la luz el 28 de noviembre y que se perfila como la obra más completa y madura de Corcobado. La primera parte, Solitud, reúne diez composiciones originales que muestran un dominio absoluto de su particular estilo —ese lenguaje corcobadiano que solo él ha sabido moldear—. La segunda, Soledad, revisita diez singles esenciales de su trayectoria, reinterpretados junto a artistas que han acompañado su camino: desde Alaska con “Dame un beso de cianuro” hasta Aintzane con G de Gloria en “El mar es mi corazón”, pasando por la participación estelar de Calamaro en este nuevo “Susurro”.

En este proyecto late también la huella de las influencias que Corcobado ha reconocido siempre: The Velvet Underground, Lou Reed, Nico, Las Grecas o Elvis Presley. Ecos que aparecen entre líneas, discretos pero esenciales, reforzando la densidad emocional de un álbum que combina experiencia, vulnerabilidad y una creatividad más viva que nunca.

“Susurro” no es solo una revisión de un clásico oculto: es una actualización necesaria, un puente entre épocas, una canción que crece con su autor y que hoy encuentra un eco perfecto en la voz y sensibilidad de Andrés Calamaro. Juntos firman una versión que mira hacia atrás sin nostalgia y hacia adelante sin miedo.

“Susurro” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Javier Corcobado, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Malos Trapos continúa afianzando su crecimiento dentro de la escena independiente española con el lanzamiento de “Figurante”, un nuevo single que llega para tocar un nervio generacional: el cansancio emocional, la incertidumbre y el desconcierto que atraviesan hoy a muchos jóvenes. El grupo madrileño, en activo desde 2010 y actualmente inmerso en la publicación de los singles que formarán su segundo álbum previsto para 2026, presenta una balada de pop rock intensa, honesta y atravesada por una sensibilidad cruda que se siente tan personal como colectiva.

“Figurante” es una canción que habla sin filtros del desaliento ante una realidad que parece cada vez más irracional y difícil de descifrar. Con versos que evocan incendios internos, la sensación de ser un espectador de la propia vida y la lucha contra el estrés constante, Malos Trapos construye un relato emocional que pone palabras a un malestar generacional ampliamente compartido. La letra retrata a alguien que se siente fuera de lugar, “un desastre sin resolver”, alguien que sube al escenario cargando heridas que intenta ocultar mientras busca respuestas que no llegan.

La producción del single corre a cargo de Vermudegrifo —responsable del sonido de proyectos como Miss Penas y Vengabea—, uno de los nombres más estimulantes de la nueva ola independiente. Su trabajo aporta a la canción un equilibrio preciso entre la delicadeza melódica y la intensidad de un rock emocional que respira vulnerabilidad. El videoclip, realizado por Visuala Studio, refuerza esta estética íntima con imágenes sobrias e impactantes, manteniendo el foco en la carga emocional del tema, como ya hicieron con artistas como Marlon, Playa Cuberris o Sidecars.

Formado por Carlos Serrano (voz y guitarra), Manuel Moreno (coros y batería) y Carlos Bravo (coros y bajo), Malos Trapos ha consolidado una trayectoria marcada por la constancia y el crecimiento orgánico. Tras publicar dos maxi singles y estrenar su primer álbum homónimo en 2020, la banda ha ido ganando fuerza gracias a un directo cada vez más sólido, colgando el cartel de sold out en diferentes conciertos y preparando el terreno para el que será uno de sus lanzamientos más importantes.

Con “Figurante”, la banda demuestra que sabe mirar de frente a las emociones difíciles y transformarlas en canciones que hablan directamente a quienes se sienten perdidos, exhaustos o a punto de quebrarse. La mezcla de sinceridad, potencia instrumental y una narrativa que abraza la fragilidad convierte al tema en una de sus propuestas más resonantes hasta la fecha.

“Figurante” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Malos Trapos, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Giuseppe Cucè y Pandi presentan “El mundo es verdadero”, el nuevo single que verá la luz en todas las emisoras de radio el 27 de octubre de 2025 y que llegará a plataformas digitales el 24 de octubre bajo el sello TRP Vibes. El tema, firmado por Giuseppe Cucè y Riccardo Samperi con la colaboración creativa de Pandi, es una pieza que abraza la tradición mediterránea y la vibra latina con un espíritu visceral, cálido y profundamente humano, pensada para resonar con el público hispanolatino.

La canción se despliega como un viaje sensorial que explora la verdad del mundo desde sus contradicciones: una realidad frágil y melancólica, pero también ardiente, festiva y cargada de deseo. Entre imágenes de calles desgastadas, noches bajo una luna negra y sueños perseguidos a pie descalzo, el tema construye un universo donde la nostalgia convive con la resistencia, y donde cada sombra parece pedir a gritos un renacimiento. Gracias al cuidadoso trabajo de traducción y adaptación al español realizado por Alessandro Spagna —Pandi—, el texto recupera una fuerza rítmica y emocional que lo convierte en un relato universal.

“Quise transmitir la idea de que la verdad del mundo no es perfección, sino contraste: la soledad junto al abrazo, la nostalgia junto a la fiesta, la oscuridad junto a la luz”, explica Giuseppe Cucè. “Es una canción que invita a transformar el dolor en movimiento y la memoria en un impulso hacia la vida”.

En lo musical, “El mundo es verdadero” es un tema latino-pop vibrante donde conviven son, guajira, rumba y danzón, entrelazados en una producción que prescinde de bases sintéticas y apuesta por la autenticidad del sonido acústico. Percusiones latinas, cuerdas cálidas y una instrumentación orgánica generan un ambiente que fusiona la energía caribeña con una sensibilidad poética de raíz mediterránea. El resultado es un paisaje sonoro lleno de vida, tierra y emoción.

El single contó con letra original de Giuseppe Cucè; traducción y adaptación de Pandi; música compuesta por Cucè y Riccardo Samperi; producción artística y arreglos de Samperi y Pat Legato; y grabación, mezcla y dirección sonora desarrolladas en TRP Studios por el propio Samperi. Entre los músicos que dan cuerpo al tema se encuentran Pat Legato en programación de percusiones y teclados; Riccardo Samperi en guitarras; Alberto Fidone al contrabajo; Gionata Colaprisca en percusiones; Marcello Leanza en saxofón tenor y flauta; Nando Sorbello en trombón; Marco Bella en saxofón alto y Francesco Bella en trompeta. La portada del single es obra de Chiara Samperi.

El videoclip oficial, dirigido por Gianluca Scalia para Kemedia y producido por Track Records Productions, acompaña la canción con un lenguaje visual que entrelaza realismo poético y simbolismo. Calles llenas de historia, locandas bañadas en melancolía, noches luminosas y escenas de baile latino conviven con imágenes de raíces mediterráneas, componiendo un relato introspectivo y coral que amplifica la fuerza evocadora del tema.

Giuseppe Cucè, cantautor siciliano de escritura visceral, ha construido una trayectoria marcada por su sinceridad artística. Con álbumes como La mela e il serpente y Attraversando Saturno, se ha consolidado como una de las voces más auténticas de la escena independiente italiana. En 2025 presentó 21 grammi, un disco conceptual que indaga en la memoria, la fragilidad y la energía vital, del cual nace la versión italiana del tema, È tutto così vero. Su labor creativa se expande, además, al teatro y las artes visuales, colaborando con artistas nacionales e internacionales.

“El mundo es verdadero” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Giuseppe Cucè & Pandi, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

La historia de Squeeze siempre ha estado rodeada de ingenio, carisma y canciones inolvidables, pero incluso para una banda tan emblemática del rock y pop británico, pocas historias pueden compararse con la que da origen a su nuevo proyecto: Trixies, un álbum compuesto hace 50 años por Chris Difford y Glenn Tilbrook antes incluso de que comenzara su brillante carrera… y que jamás llegó a grabarse. Ahora, cinco décadas después, este trabajo oculto por el tiempo encuentra finalmente su voz, y Squeeze presenta su primer adelanto: “Trixies Part One”, una pieza vibrante y evocadora de apenas tres minutos que verá la luz el 6 de marzo de 2026.

La génesis de Trixies se remonta a 1974. Difford, entonces con 19 años, y Tilbrook, apenas con 16, acababan de conocerse y empezaban a componer juntos, inmersos en una época donde los álbumes conceptuales y las óperas rock marcaban el pulso de la música. En medio de esa efervescencia creativa nació un álbum completo, una colección de canciones ambientadas en un club nocturno ficticio llamado Trixies, influenciadas por la narrativa vivaz del submundo literario de Damon Runyon y por la ambición sonora que superaba su limitado virtuosismo juvenil. Aun así, por falta de recursos y experiencia, nunca se atrevieron a grabarlo.

Durante décadas, estas canciones quedaron guardadas, casi olvidadas, mientras Squeeze construía una de las carreras más respetadas del pop británico: himnos como “Up The Junction”, “Tempted”, “Cool For Cats”, “Another Nail In My Heart” o “Labelled With Love”; giras mundiales; premios tan prestigiosos como el Ivor Novello a la Contribución Sobresaliente a la Música y Cultura Británica; o reconocimientos como el premio “Icono” de Mojo. Todo eso ocurrió después… pero Trixies ya existía.

El hallazgo reciente de la cinta original cambió el destino de aquel álbum perdido. Con más de 600 conciertos desde su reunión en 2007 y un sonido consolidado que combina virtuosismo, energía y sensibilidad, la banda decidió cerrar un círculo histórico: grabar, por fin, ese disco que empezó todo. El resultado llegará el 6 de marzo de 2026 con la publicación oficial de Trixies, producido por su reconocido bajista Owen Biddle, cuya experiencia con artistas como The Roots, Al Green o John Legend aporta una nueva dimensión a estas canciones.

“Trixies Part One” es la puerta de entrada a este universo: una introducción de ritmo vibrante, atmósfera de club y personajes coloridos que encapsula la esencia del proyecto. Canciones como “The Place We Call Mars”, “Don’t Go Out In The Dark” o la seductora “Why Don’t You”, junto a joyas acústicas como “You Get The Feeling”, forman parte de este viaje que, en su día, superaba las capacidades técnicas de sus creadores adolescentes. Hoy, en cambio, pueden interpretarlas con la maestría de toda una vida dedicada a la música.

Para Difford, revisitar esas composiciones ha sido tan emocionante como revelador: “Nos dedicamos por completo a componer; eran canciones para las que simplemente no teníamos la experiencia musical suficiente para grabarlas en condiciones”. Tilbrook añade: “Las canciones que compusimos entonces me asombran. Son exactamente las mismas, solo que ahora puedo enseñarlas a la banda… ¡en aquel entonces ni siquiera sabía cómo se llamaban aquellos acordes!”.
Ambos coinciden en la emoción del reencuentro: “Me emocionó hasta las lágrimas”, confiesa Tilbrook. “Son buenísimas”, añade Difford, “y me llena de alegría comprobar que, siendo tan jóvenes, escribimos algo así”.

La publicación de “Trixies Part One” marca el comienzo de un acontecimiento histórico para la banda y para los seguidores del pop británico: el renacimiento de un álbum perdido que, 50 años después, encuentra el momento perfecto para brillar.

“Trixies Part One” ya se encuentra disponible para reservar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Squeeze, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Caro Abadía y Melfi, dos de los talentos más queridos y seguidos de Panamá, unen sus voces y sus historias en Una vida entera, un single romántico que captura la esencia de su relación y la transforma en una declaración musical llena de ternura, complicidad y verdad emocional. La creadora de contenido, cantante y locutora Caro Abadía, junto con el cantante y presentador Miguel Melfi —conocido por su impacto mediático en La Casa de los Famosos Colombia— presentan una canción que refleja el camino que han construido juntos desde que el amor los sorprendió en plena pandemia.

Su historia personal, que empezó de manera íntima y se hizo pública después de la participación de Melfi en el reality, se ha convertido en parte fundamental del vínculo artístico que hoy comparten. Tras colaborar en proyectos como su podcast El Chicle TV, la música se ha convertido en un nuevo espacio donde ambos exploran una conexión profunda que traspasa la pantalla y llega al estudio. Una vida entera nace justamente de ese sentimiento: el deseo sincero de caminar juntos, cuidarse y elegirse una y otra vez.

El tema destaca por su sensibilidad y por una letra que mezcla dulzura, deseo y un compromiso que va más allá del presente. Versos como enséñame tu universo y más o quédate una vida entera y más resumen la promesa de un amor que se proyecta hacia el futuro, mientras líneas como déjame cuidar tu corazón o tú me cambiaste el mundo subrayan la luz que han encontrado el uno en el otro. La interpretación de ambos logra transmitir cercanía y honestidad, haciendo que el single se sienta no solo como una canción, sino como un pedazo de su historia compartida.

Musicalmente, Una vida entera envuelve con una atmósfera cálida y envolvente, donde sus voces se entrelazan en armonía para construir un mensaje claro: el amor verdadero transforma, acompaña y promete quedarse. El single se convierte así en un reflejo de su relación fuera de cámaras, de su crecimiento como pareja y de su deseo de seguir compartiendo proyectos que conecten con su público desde un lugar genuino.

Una vida entera ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Caro Abadía y Melfi, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

José Romero, cantautor barbateño que ha convertido la música en su forma de vida, presenta Esos labios, un single que nace de un instante real, sencillo y mágico en su pueblo natal. Con una trayectoria que lo ha llevado a compartir escenario con artistas de la talla de Carlos Baute, Amaral, India Martínez y Los Rebujitos, el compositor continúa consolidando su propuesta artística, esta vez desde la emoción más pura y la inspiración cotidiana.

Fiel a su estilo, José Romero combina en esta nueva etapa la profundidad de sus letras con una sonoridad que se mueve entre el pop, el rock y, en esta ocasión, la calidez de una bachata cargada de sentimiento. Esos labios surge de una escena espontánea ocurrida en el paseo marítimo de Barbate, donde dos lugares muy especiales para el artista —La Galería Café Bar y Essencia Café y Copas— se han convertido en refugio, inspiración y parte fundamental de su universo creativo. Entre aromas de café, la brisa del mar y el murmullo de las conversaciones, Romero encuentra historias que respiran vida, miradas que se cruzan y emociones que se encienden sin avisar.

Fue precisamente allí, mientras la tarde caía sobre el mar y un último café se enfriaba sobre la mesa, cuando una mirada inesperada lo atrapó. Una chica bonita, una sonrisa compartida y un intercambio de gestos que hicieron que el mundo desapareciera por unos segundos. Ese instante, suspendido en el tiempo, dio origen a Esos labios: una canción que captura la chispa del enamoramiento y la magia de los momentos simples que marcan para siempre.

El single, compuesto desde el corazón y producido por su amigo José María Moreno, fue grabado en el estudio La Luna Récords en Barbate. Más que una canción, Esos labios es también un homenaje a los rincones que alimentan su creatividad, a la vida que transcurre entre cafés, historias anónimas y sensaciones que inspiran melodías. Romero invita a su público a entrar en su mundo, a sentir con él y a recordar por qué la música tiene la capacidad de transformar lo cotidiano en eterno.

Esos labios ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de José Romero, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Alba LaMerced representa a una nueva generación de cantautoras que combinan folk, pop y canción de autor con una sensibilidad poética y social. Seleccionada entre 61 proyectos para protagonizar Interautor Música 2025, la artista cruzará por primera vez el Atlántico para presentarse en Uruguay, donde actuará en la gala de los Premios Graffiti y ofrecerá varios conciertos. Con un proyecto que reivindica la identidad, la emoción y la palabra, Alba vive este viaje como un impulso vital y artístico.

¿Qué fue lo primero que sentiste cuando te confirmaron que habías sido seleccionada para Interautor Música 2025? Cuéntanos cómo viviste ese instante a nivel emocional.

Fue una gran noticia tanto a nivel personal como profesional, ya que el hecho de cruzar el charco con tu música y de la mano de una entidad como SGAE hace que te sientas una privilegiada. Me dio mucha alegría y satisfacción ver que se estaba valorando lo que estoy creando como artista.

Dijiste que llamaste a tus padres en cuanto recibiste la noticia. ¿Qué significa para ti compartir este logro con tu familia?

Sí, para mí su apoyo es fundamental y lo primero que hago cada vez que logro algo del estilo es comunicárselo a ellos. Son una parte muy importante en mi proyecto y trabajamos mano a mano para construir todo este universo que me rodea como artista.

Ser elegida entre 61 proyectos no es poca cosa. ¿Sientes que esta selección reafirma tu identidad artística y la dirección que estás tomando?

Sí, creo que es un privilegio, como decía antes, hay mucho arte en mi país y haber sido seleccionada es algo de lo que aún no soy consciente. Creo que siempre nos estamos transformando como artistas, por lo menos en mi caso, y esta oportunidad me hace darme cuenta del valor que tiene el universo artístico en el que estoy trabajando.

Viajas por primera vez a Uruguay. ¿Qué expectativas tienes respecto al país y a su escena musical?

Es un país muy rico culturalmente, creo que me ha aportado muchas cosas bonitas. Me hubiera gustado disfrutarlo más, pero el tiempo que estuve lo aproveché bien y pude empaparme de las raíces culturales y la emoción de los uruguayos.

Actuarás en una gala tan simbólica como los Premios Graffiti. ¿Cómo te preparas mentalmente para un escenario tan significativo?

Ha sido una gala preciosa llena de compañeros maravillosos con los que tuve la suerte de compartir escenario. La sala Zitarrosa es un lugar emblemático en Montevideo y para mí fue una suerte compartir mi música allí. Pude interpretar dos canciones, Nana del caballo grande y El café (que aún no ha salido). Fue todo un regalo.

¿Qué te gustaría que el público uruguayo descubriera de ti en estos conciertos?

El público uruguayo fue realmente maravilloso. La acogida fue muy bonita e incluso algunas de las personas que vinieron a los conciertos se sabía mis canciones. Creo que esto es algo a destacar sobre todo para una artista emergente como yo que aún no contempla tales escenarios.

En tus canciones confluyen lo íntimo y lo social. ¿Cómo equilibras esas dos dimensiones cuando compones?

Equilibrar lo íntimo y lo social es algo muy natural en mi proceso creativo. Para mí, lo personal siempre acaba siendo político: las historias de mi familia, mis raíces, mis emociones —esas son las que me permiten conectar con realidades más amplias. Cuando compongo, parto de una emoción muy concreta, algo vivido, algo que me duele, que me ilusiona o que me inquieta, y a partir de ahí intento proyectarlo hacia algo universal. No escribo para dramatizar, sino para que lo que me pasa resuene más allá de mí misma: que otras personas puedan reconocerse en lo que cuento. Al mismo tiempo, me importa que el mensaje social tenga elegancia, poesía y verdad, no un panfleto. Ese es el equilibrio: honestidad emocional + reflexión colectiva.

Tu tema La Ciudad aborda la pérdida de identidad cultural por el sobre turismo. ¿Crees que este tipo de mensajes conecta también con otras ciudades del mundo?

Totalmente. Aunque la canción nazca de mi experiencia en Málaga —mi ciudad, la plaza de La Merced, mi historia personal—, la problemática de la identidad urbana, la turistificación y la gentrificación no es exclusiva de aquí. Muchas ciudades del mundo están perdiendo su “alma local” bajo presiones similares: la vivienda, la cultura tradicional, los barrios de siempre… Creo que “La Ciudad” puede hablar a gente de muchas urbes porque esas transformaciones se están dando casi en todas partes. La nostalgia, la memoria del barrio, el miedo a que lo auténtico desaparezca —es algo casi universal en contextos urbanos actuales.

¿Qué aprendizajes esperas llevarte de esta estancia en Montevideo, tanto musicales como personales?

Este viaje a Montevideo a través del programa Interautor Música es para mí una oportunidad enorme de crecimiento. Musicalmente, espero empaparme de la escena uruguaya: no solo escuchar, sino también compartir, componer, ver cómo otros autores viven su día a día creativo, cómo interpretan sus raíces, su cultura y su identidad en su música. Personalmente, creo que me va a abrir la cabeza: convivir con otro país, con otra sensibilidad, con nuevas formas de entender el arte, la comunidad y la colaboración. También es una forma de reforzar mis propias raíces, de preguntarme qué parte de mi identidad quiero llevar conmigo, qué puedo aportar y qué puedo aprender.

Mencionas que te gustaría nutrirte de nuevas sonoridades. ¿Hay ritmos latinoamericanos que ya te inspiran especialmente?

Sí. En mi música ya hay guiños a ritmos latinoamericanos en parte porque mi curiosidad musical es muy amplia. Por ejemplo, en Ciudad Matriz combino folk, pop, canción de autor, e incluso tiene matices de tango, chacarera y bachata. Esos ritmos me inspiran por su historia, por cómo cuentan el dolor, la comunidad, el desarraigo y el arraigo. Me interesa mucho también trabajar con ritmos de América Latina que me sean nuevos, mezclarlos con lo que ya sé hacer, y ver qué surge de esa fusión.

¿Cómo definirías el momento artístico en el que te encuentras justo antes de dar este salto internacional?

Creo que estoy en un momento de transición y expansión. Con Ciudad Matriz se cierra un ciclo íntimo, muy de raíces, muy personal, y al mismo tiempo se abre uno nuevo: el de llevar mi música más allá de lo local, al intercambio, al diálogo con otras culturas. Es un punto de inflexión donde ya no solo pienso en mi ciudad o en mi historia, sino en cómo esa historia puede dialogar con otras, cómo mi música puede ser puente. Es un momento de valentía, de aprendizaje y de mucha ilusión.

Además de tocar junto a Gonzalo Brancciari, ¿te gustaría aprovechar el viaje para crear nuevas canciones o colaboraciones?

Sí, eso es algo que me encantaría. No solo ver a Gonzalo como un compañero de escenario, sino también como un colaborador creativo: componer juntos, intercambiar melodías, escribir a dúo, experimentar con nuestras voces y mundos. Creo que estoy aprovechando el programa para que no sea solo un intercambio de conciertos, sino un verdadero cruce artístico. Además, he podido conocer a otros músicos locales, productores, cantautores uruguayos.

¿Qué representa para ti formar parte de un proyecto que conecta culturalmente España y Uruguay?

Formar parte de Interautor Música es para mí algo muy significativo. Es, en esencia, un puente entre dos mundos con mucha tradición literaria y poética, con una cultura de canción de autor que en España y Uruguay siempre ha tenido fuerza. Representa la posibilidad de internacionalizar mi voz, sí, pero también de ser parte de un diálogo más profundo: compartir historias, sensibilidades, memoria cultural. Es también un honor participar en algo que va más allá de un concierto: es un intercambio humano, artístico, social.

¿Cómo te imaginas que esta experiencia puede influir en tu próximo trabajo discográfico?

Mi siguiente disco probablemente va a estar marcado por este cruce transatlántico. Imagino canciones que nazcan en Montevideo, o después de eso, con influencias nuevas, con ritmos latinoamericanos filtrados, con colaboraciones uruguayas o más latinoamericanas. También imagino un disco con más amplitud: hablando no solo de mis raíces malagueñas, sino de lo que supone ser una artista viajera, de cómo la ciudad cambia cuando la observas desde lejos y de cómo conecta con otras ciudades. Este intercambio puede ser la chispa para un proyecto más global, más híbrido, más diverso.

Y mirando más allá de noviembre, ¿qué metas te gustaría alcanzar después de este intercambio?

Consolidar una base en Latinoamérica: que mi música no solo suene aquí, sino que también tenga presencia, que el público uruguayo y de otros países latinoamericanos me conozca más. Crear un disco nuevo inspirado por esta experiencia, como te decía, con colaboraciones y ritmos latinos. Seguir participando en ciclos de intercambio o convocatorias similares para tejer redes artísticas internacionales. Aprovechar lo vivido para crecer personalmente y como creadora: llegar a tener mayor madurez, más confianza para tomar riesgos creativos. Seguir tocando en festivales importantes y giras, tanto en España como en Latinoamérica, para que este puente no sea un momento aislado, sino un paso hacia una carrera más internacional.

TAMI TAMAKO irrumpe con fuerza en la escena musical con Jaque mate, un single que confirma su evolución artística y su salto definitivo desde el mundo de la danza y la creación de contenido hacia una carrera como cantante. Nacida y criada en Sevilla pero de origen japonés, Tami ha construido un universo artístico propio que fusiona cultura, movimiento y una potente identidad visual. Su trayectoria, marcada por la disciplina de la danza clásica y la expresividad escénica, encuentra ahora un nuevo canal en esta primera propuesta musical llena de actitud, ritmo y un mensaje de empoderamiento.

Formada en ballet en los conservatorios profesionales de Sevilla y Madrid, y graduada en Coreografía e Interpretación de la Danza, Tami desarrolló una intensa carrera como bailarina antes de abrirse camino también como modelo en campañas, anuncios y eventos. Con la llegada de las redes sociales, descubrió una plataforma donde podía unir todas sus pasiones: la danza, la estética visual y la narración. Su enfoque innovador, su dominio del movimiento y su conexión con la cultura japonesa y coreana la llevaron a crear una comunidad masiva con más de 1,7 millones de seguidores en TikTok, más de 850 mil en Instagram y 1,6 millones de suscriptores en YouTube. Sus famosos dance covers de K-pop y sus contenidos sobre cultura asiática la convirtieron en una figura influyente, capaz de emocionar y entretener en igual medida.

Impulsada por esta conexión con su público y por el creciente interés que generaban sus proyectos artísticos, TAMI TAMAKO ha decidido dar un paso más y debutar como intérprete musical. Jaque mate es la carta de presentación perfecta: una canción vibrante, atrevida y contundente que combina influencias pop y urbanas con una actitud desafiante. La letra narra la ruptura definitiva con una relación tóxica, reivindicando el autocontrol, la fuerza interior y la libertad. Con frases directas como te hice un jaque mate ¡move! ¡boom! o ahora soy invincible, el tema se convierte en un himno empoderador donde Tami despliega personalidad, ritmo y seguridad sobre una base explosiva.

El single destaca por su energía coreográfica, un sello inevitable en la artista, y por su capacidad para transmitir una historia clara a través de imágenes sonoras y visuales. Jaque mate confirma que TAMI TAMAKO no solo domina la puesta en escena, sino que también está preparada para conquistar el panorama musical con propuestas frescas, dinámicas y llenas de identidad.

Jaque mate ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de TAMI TAMAKO, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Sá Bello presenta Reggaeton loco, un single que simboliza un regreso fortalecido y renovado tras años de experiencia sobre los escenarios europeos. El rapero y cantautor ha recorrido clubes italianos en Alemania y otros puntos de Europa interpretando sus propias composiciones, un camino que le ha permitido perfeccionar su estilo y reunir un repertorio lo suficientemente amplio como para llenar varios álbumes completos. A lo largo de su carrera ha trabajado con numerosos productores, explorando sonoridades diversas y afrontando retos de distribución que, en ocasiones, limitaron la visibilidad de su obra debido a la falta de promoción adecuada. Hoy vuelve con energía y con una visión clara: llevar su música más lejos que nunca.

Reggaeton loco surge de esta nueva etapa creativa en la que Sá Bello apuesta por fusionar su esencia urbana con un enfoque innovador. Este lanzamiento demuestra su determinación por expandir sus fronteras artísticas y consolidar un sonido propio dentro del panorama actual. Además, el artista ya tiene planificados varios proyectos futuros que prometen abrir nuevos caminos dentro de este estilo musical, reforzando su compromiso con la evolución constante y la búsqueda de nuevas formas de expresión.

Reggaeton loco ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Sá Bello, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

El fenómeno musical del año continúa creciendo y conquistando corazones. Tras el reciente anuncio de los conciertos de Operación Triunfo 2025 en grandes ciudades como Madrid, Barcelona y Valencia, se confirman ahora diez nuevas incorporaciones a esta esperadísima gira, que acercará los espectáculos en directo de los 16 concursantes del talent show de Prime Video a aún más rincones de España.

Miriam Rodríguez, artista y presentadora del programa Conexión OT, reveló anoche las nuevas fechas que ampliarán el recorrido de la gira OT25 En Concierto. Las ciudades de Bilbao, A Coruña, Granada, Murcia, Alicante, Santander, Fuengirola, Chiclana de la Frontera, Mairena de Aljarafe y Zaragoza se suman a un tour que promete desplegar la energía, el talento y la emoción del programa sobre los principales escenarios del país. Será una oportunidad única para que los fans disfruten de actuaciones memorables de sus artistas favoritos, quienes han conquistado a millones de espectadores a través de Prime Video.

Los 16 concursantes de OT 2025 recorrerán algunos de los recintos más emblemáticos de España para compartir con el público la emoción, la entrega y el talento que los han convertido en referentes para toda una generación de seguidores. La gira ofrecerá una experiencia musical irrepetible, con los temas más emblemáticos de la edición, coreografías inéditas y una producción espectacular que trasladará la magia del plató a los escenarios de todo el país.

Calendario confirmado de conciertos de Operación Triunfo 2025:

Bilbao – sábado, 18 de abril de 2026 (BEC)
A Coruña – domingo, 19 de abril de 2026 (Coliseum)
Granada – viernes, 8 de mayo de 2026 (Plaza de Toros)
Murcia – sábado, 27 de junio de 2026 (Plaza de Toros)
Madrid – jueves, 3 de julio de 2026 (Movistar Arena)
Barcelona – viernes, 10 de julio de 2026 (Palau Sant Jordi)
Alicante – viernes, 17 de julio de 2026 (El Muelle Live)
Valencia – sábado, 18 de julio de 2026 (Roig Arena)
Santander – viernes, 24 de julio de 2026 (Magdalena en Vivo)
Fuengirola – viernes, 31 de julio de 2026 (Festival Marenostrum)
Chiclana de la Frontera (Cádiz) – sábado, 8 de agosto de 2026 (Concert Music Festival)
Zaragoza – sábado, 12 de septiembre de 2026 (Pabellón Príncipe Pío)
Mairena de Aljarafe (Sevilla) – viernes, 18 de septiembre de 2026 (Centro Hípico)

Las entradas para todas las fechas confirmadas ya están disponibles a través de la web oficial de la gira, www.giraot2025.com, y en los puntos de venta habituales. Toda la información actualizada sobre fechas y ciudades podrá consultarse también en los canales oficiales del programa y en Prime Video España.

Los conciertos de OT 2025 están organizados y producidos por Proactiv Entertainment, en colaboración con Gestmusic y Prime Video, responsables del formato televisivo.

Malú vuelve a demostrar por qué es una de las artistas más respetadas del panorama musical español con el lanzamiento de Sueños de Libertad, el nuevo tema principal de la serie diaria de Antena 3 que lleva el mismo nombre. A lo largo de casi tres décadas de trayectoria, la cantante ha construido una carrera sólida, versátil y profundamente influyente, con más de dos millones y medio de discos vendidos desde su debut en 1998 hasta la actualidad. Su voz, inconfundible y llena de carácter, ha marcado generaciones y continúa ocupando un lugar privilegiado tanto en la música como en la televisión.

Además de su presencia en los escenarios, Malú ha dejado huella en la industria audiovisual gracias a su participación como coach en diversas ediciones de La Voz y La Voz Kids, así como por su papel como jurado en Mask Singer: adivina quién canta. Su carisma y fuerza interpretativa la han convertido en una figura habitual y muy querida dentro del entretenimiento español, y ahora vuelve a ese espacio con una propuesta musical cargada de sensibilidad y simbolismo.

El nuevo sencillo, Sueños de Libertad, fue creado especialmente para acompañar la identidad sonora de la serie, convirtiéndose en su melodía de cabecera a partir de esta temporada. Malú fue la artista escogida para interpretar esta canción inédita, compuesta por Alejandro Martínez, Luís Ramiro y Marwán —este último autor e intérprete de la versión anterior del tema. El videoclip oficial se estrenó el 21 de noviembre de 2025, aportando una dimensión visual que refuerza el mensaje emocional y profundo que la canción transmite.

Con una interpretación intensa, elegante y plenamente fiel a su estilo, Malú imprime en Sueños de Libertad la esencia de la historia que acompaña. Su voz se convierte en el vehículo perfecto para dar vida a los pilares temáticos de la ficción: la búsqueda de la identidad propia, la necesidad de liberarse de un pasado que pesa y el impulso por superar los obstáculos internos y externos que frenan el crecimiento personal. La artista consigue transformar estos conceptos en un mensaje lleno de esperanza, emoción y autenticidad, ampliando la profundidad narrativa de la serie.

La llegada de este single supone no solo una aportación musical relevante, sino también un reencuentro de Malú con el gran público televisivo. Su participación vuelve a situarla en un espacio donde su presencia resulta natural y poderosa, reafirmando el vínculo que ha construido entre su música y los relatos audiovisuales que la acompañan.

Sueños de Libertad ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Malú, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Sebastián Yatra vuelve al terreno urbano con una fuerza renovada y lo hace de la mano de Xavi, el fenómeno mexicano que ha conquistado a millones de jóvenes. Juntos presentan LA FKN VIBRA, un reguetón electrizante lanzado el 21 de noviembre de 2025 que captura esa energía indescriptible que, como el propio Yatra afirma, “no se puede explicar con palabras, solo se puede sentir”. El resultado es un single que celebra la autenticidad, la euforia del presente y la magia irrepetible de una noche de fiesta vivida sin filtros.

La colaboración destaca por unir dos mundos complementarios: la trayectoria consolidada de Yatra, figura indiscutible del pop latino global y un maestro de la versatilidad, con el ascenso meteórico de Xavi, cuya sensibilidad musical ha conectado profundamente con el público joven. LA FKN VIBRA funciona como un punto de encuentro entre ambos, retomando el pulso urbano que el colombiano había explorado en etapas anteriores y que ahora recupera con un lenguaje fresco, directo y contagioso.

El tema se sostiene en un reguetón de alta energía, cargado de ritmo, actitud y un coqueteo que atraviesa toda la letra. La canción gira en torno a esa “vibra” especial que se siente al conectar con alguien en la pista de baile: miradas que se cruzan, emociones sin explicación y esa sensación de libertad que solo aparece en noches que parecen no tener fin. Con un lenguaje atrevido y referencias a la vida nocturna, el tema celebra el deseo, la complicidad y la intensidad del momento. Entre versos que evocan la distorsión alegre de la fiesta —“Ando bien borracho en la discoteca”— y frases que mezclan ternura con picardía —“Hasta el más bandido viéndote bebé se enamora”—, LA FKN VIBRA abraza la esencia del reguetón contemporáneo.

El videoclip, dirigido por Borja Respaldiza, refuerza esa apuesta por la espontaneidad y la energía real. Rodado durante una fiesta verdadera, sin guiones rígidos y rodeado de amigos de los artistas, el video captura a Yatra y Xavi en un ambiente de libertad pura. Influencers como Tammy Parra y Barbarita se suman a la escena, aportando una frescura que refleja el espíritu del tema: noches que fluyen solas, donde la vibra manda y lo único importante es estar presente.

La unión entre Yatra y Xavi no solo simboliza un encuentro generacional y cultural —Colombia y México respirando al mismo ritmo—, sino también un puente entre la experiencia y el impulso juvenil. Ambos artistas brillan con su sello propio y al mismo tiempo encuentran un punto común en esta celebración de la vida nocturna, el deseo y la conexión auténtica.

LA FKN VIBRA ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Sebastián Yatra y Xavi, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Muñecas vuelve sobre sus propios pasos para reescribir la historia emocional de Cicatriz, una de sus canciones más intensas, y lo hace a través de un remix que encuentra nueva vida gracias a la voz magnética de la artista mexicana Lizi Lay. Me hacés tan mal no solo reformula un tema clave dentro del universo de la banda rosarina, sino que también consolida el puente creativo que Muñecas viene construyendo con México desde la gira de 2022 y colaboraciones recientes como Triste Corazón junto a Pehuenche.

De ese intercambio nace el encuentro con Lizi Lay y el productor Yuno Forquetina, una conexión que desemboca en la idea de reimaginar Cicatriz bajo una nueva clave sonora. La canción, estrenada el jueves 13 de noviembre, se vuelve territorio compartido entre dos mundos: el del nuevo rock argentino de Muñecas y el pop alternativo e indie pop que caracteriza a Lizi, una artista que ha brillado en escenarios como el Lunario del Auditorio Nacional, el Metropolitan y diversos festivales de México.

En esta versión, la herida original —esa batalla eterna entre dos mitades que conviven y se enfrentan dentro de la misma persona— adquiere un pulso diferente. Lizi Lay aporta una interpretación capaz de dialogar con la oscuridad sin renunciar a la ternura, encontrando el punto exacto donde la fragilidad se vuelve fuerza y la cicatriz vuelve a sangrar, pero esta vez desde un lugar compartido. Su presencia reabre la herida y le imprime una resonancia nueva, extendida a ambos lados de la frontera.

El remix, producido por Fabricio Zero, reconstruye el paisaje emocional del tema con texturas que profundizan en la contradicción, el desborde y la vulnerabilidad humana. Bajo una atmósfera vibrante y nocturna, la canción despliega sombras que se mueven en soledad, amores que arden bajo la piel y mitades que chocan con fina frivolidad. La voz original de Muñecas fue grabada entre estudios de Argentina y México —Estudios Sasha, Círculo de Estrellas Estudio, Estudio de Muñecas y Domo Estudio— con mezcla del propio Zero y masterización de Santiago De Simone.

Para Muñecas, este lanzamiento se integra a la etapa abierta por Melancolía y Otros Vicios Modernos, un álbum que marcó un antes y un después en su trayectoria. Con tres discos editados, presencia en festivales como Marvin en CDMX, Bandera y la apertura para Babasónicos en Rosario, la banda confirma su lugar como una de las propuestas más inquietas del nuevo rock argentino. Sus canciones se mueven entre la melancolía, el humor y la ironía, encontrando belleza en la imperfección cotidiana y en esa introspección que late entre lo íntimo y lo colectivo.

Lizi Lay, por su parte, continúa expandiendo su proyección internacional mientras prepara su álbum debut Reiniciar, grabado en Sonic Ranch. Con colaboraciones junto a Fármacos, Celia Becks y Vidaury, y un recorrido por múltiples ciudades y escenarios, se ha consolidado como una de las voces emergentes más prometedoras de la escena independiente. Su versión de La Llorona, que ingresó al Top 50 Viral de Spotify México con más de 117 mil reproducciones en menos de 24 horas, confirma su alcance y sensibilidad artística.

Me hacés tan mal ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Muñecas y Lizi Lay, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlas muy de cerca a través de sus redes sociales.

La escena urbana latina suma un nuevo capítulo con Por Una Noche, el single que reúne a dos voces femeninas de enorme influencia: la mexicana Ingratax y la venezolana Corina Smith. Lanzado el 31 de octubre de 2025, el tema marca una colaboración que fusiona estilos, personalidades y trayectorias distintas, pero unidas por una misma esencia: la fuerza de las mujeres que dominan el panorama musical contemporáneo.

Corina Smith, reconocida por su versatilidad dentro del pop urbano y por una carrera que comenzó en la televisión venezolana, aporta su sello característico: melodías envolventes, sensibilidad interpretativa y una presencia sólida dentro del género. Ingratax, por su parte, llega con la potencia de una artista que se ha consolidado primero en redes y luego en la industria, donde el reggaetón y el pop urbano se han convertido en su terreno natural. Juntas construyen un tema que celebra el cruce entre dos universos culturales y musicales.

Por Una Noche se mueve entre el reggaetón suave y el R&B melódico, manteniendo ese equilibrio entre ritmo y emoción que define tanto a Corina como a Ingratax. Aunque no existe una explicación oficial sobre su significado, el título sugiere una historia impulsiva, quizá un encuentro efímero, una decisión tomada al calor del momento o un instante de libertad emocional que rompe la rutina. Es una pieza que vibra con la energía nocturna y con la idea de vivir intensamente, aunque solo sea “por una noche”.

El resultado es una canción que destaca por la química vocal de ambas artistas, su capacidad para alternar suavidad, actitud y vulnerabilidad, y un sonido pulido que se siente fresco dentro del género urbano. La colaboración funciona además como un puente entre dos generaciones y dos países, reafirmando el papel central que las mujeres están ocupando en la música latina.

Por Una Noche ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Ingratax y Corina Smith, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlas muy de cerca a través de sus redes sociales.

ÖPIK regresa con una pieza poderosa y visceral titulada El 13, un tema de pop rock que utiliza la mala suerte como chispa narrativa para detonar un cambio profundo. En esta canción, la banda captura el instante exacto en el que el encantamiento se reconoce y se rompe, ese punto de quiebre donde la mala racha deja de ser excusa y se convierte, por fin, en una puerta de salida.

Publicada el 21 de noviembre de 2025, El 13 presenta a un protagonista atrapado en una maldición muy concreta: ese “trece” que cae una y otra vez sobre su espalda, convirtiéndose en símbolo de repetición, desgaste y fatalismo. Cada paso que da lo hunde un poco más, hasta que la lucidez —áspera, tardía y necesaria— irrumpe para forzar el fin del bucle. La voz lo reconoce sin rodeos, con una confesión que resuena como golpe de realidad: “Ya sé que te mentí a veces… Por eso estoy aquí otra vez”. La aceptación del error se convierte en el motor del desencantamiento, cargando el tramo final del tema de una energía casi exorcista.

En lo musical, El 13 se abre con una figura de guitarra sencilla y casi desnuda, que pronto queda envuelta por una estrofa de ritmo machacón. Desde ahí, el ascenso es imparable: capas que se acumulan, una base que se tensa a cada compás y unas guitarras que terminan estallando en los estribillos finales, justo cuando la canción revienta y libera toda su fuerza contenida. La letra acompaña este viaje con imágenes cargadas de mala fortuna —un gato que aparece a destiempo, una espiral imposible de romper, un trece adquirido como trofeo envenenado—, elementos que dan forma a un hechizo que se sostiene por pura obstinación hasta que la realidad exige su pago.

El sonido del single vuelve a apoyarse en la batería incisiva y dinámica de Juanjo Rojo, cuyo pulso sostiene el crecimiento explosivo del tema. Sobre él se despliegan las guitarras de Pablo Biedma, ya marca registrada de ÖPIK, capaces de pasar de la limpieza melódica a la abrasión emocional cuando la canción lo pide. José León sostiene el bajo y la guitarra acústica, pone la voz principal y firma la producción junto a Biedma, logrando un acabado nítido, tenso y abiertamente desgarrador.

El 13 ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de ÖPIK, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

RXRXBBIT vuelve a sorprender con SUNK COST, un lanzamiento que combina la energía vibrante del dance pop con una profundidad lírica que se revela poco a poco. Lejos de limitarse a ofrecer un tema bailable, la artista aprovecha este single para explorar las complejidades de perseguir el éxito dentro de un sistema marcado por la inequidad de clase y el peso del capitalismo, una lucha que muchas personas viven a diario. A través de una crítica sutil pero incisiva, RXRXBBIT pone sobre la mesa la naturaleza autodestructiva de seguir adelante por pura inercia emocional y económica, aun cuando todo indica que sería mejor dejar ir, exponiendo así el mecanismo de la falacia del costo hundido que tantas veces moldea nuestras decisiones.

Fiel a su esencia artística, el tema ha sido autoproducido, un sello que la acompaña desde sus primeros lanzamientos y que vuelve a brillar en esta entrega. Con SUNK COST, RXRXBBIT continúa ampliando su camino creativo y se adentra en un territorio donde lo experimental convive con la accesibilidad pop, construyendo un sonido propio que evoluciona sin perder autenticidad. El resultado es un trabajo que no solo invita a bailar, sino también a cuestionarse, celebrar, y reflexionar desde la pista.

SUNK COST ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de RXRXBBIT, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El artista sueco Phinders irrumpe con fuerza en la escena con Eat, Sleep, Padel, Repeat, un single donde el ritmo se funde con el espíritu hasta que la frontera entre deporte y trance se vuelve irreconocible. Desde las primeras notas, la canción propone un viaje donde cada golpe, cada respiración y cada repetición se transforman en liturgia. Procedente del silencio y la bruma, este nuevo ritual comienza con un único gesto: un disparo, un saque, un aliento.

En esta pieza, Phinders convierte el pulso del pádel en un paisaje sonoro cinematográfico, dando forma a una colisión hipnótica de percusión tribal, bajos subterráneos y capas melódicas electrónicas que vibran entre lo físico y lo trascendente. El artista logra que la obsesión se vuelva meditación y que el movimiento adquiera significado, creando un espacio donde disciplina y entrega conviven en tensión perfecta. Eat, Sleep, Padel, Repeat funciona como un mantra para quienes persiguen la perfección aun sabiendo que nunca llegará, y aun así encuentran calma en la búsqueda infinita.

El single se enraíza en el cinematic techno noir, pero respira un calor tropical y un pulso dance-pop que evocan el ritmo global del juego. No es solo un lanzamiento: es la apertura de un ritual que anuncia el nacimiento del universo sonoro de Prima Infinitas, el álbum que verá la luz a comienzos de 2026. Como afirma Phinders, “El ritual de la repetición es lo que nos mantiene vivos. Perseguimos el mismo saque, el mismo beat, hasta que se convierte en verdad”.

Phinders, compositor y productor sueco —bajo el nombre real de Patrik Hinders—, construye música que transita entre luz y oscuridad, entre memoria y movimiento. Su estilo, moldeado por las nieblas escandinavas, los colores de la aurora y el reflejo ámbar de la luna, se mueve entre naturaleza y código, entre lo animal y lo algorítmico, entre el cuerpo y el alma. En su propuesta, cada beat es un aliento y cada tema, una búsqueda de transformación, pertenencia y soledad.

Eat, Sleep, Padel, Repeat, publicado el 21 de noviembre de 2025 bajo sello independiente, no es solo una canción: es el primer latido de un mundo propio, la puerta de entrada al universo espiritual y sonoro de Phinders.

Eat, Sleep, Padel, Repeat ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Phinders, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

El desamor puede romperlo todo, pero también puede encender la chispa que impulsa a renacer. Esa es la esencia que Yucari Gómez captura en Lo Jodiste, su nuevo single, donde mezcla la fuerza del pop retro futurista con una historia de traición que cualquier corazón ha experimentado alguna vez. Con sintetizadores brillantes, beats intensos y una vibra eléctrica que envuelve desde el primer segundo, la artista mexicana convierte la herida en fuego y la rabia en impulso. Desde la frase “El pasado quedó en un adiós…”, la canción abre un viaje emocional que atraviesa el dolor, la nostalgia y, finalmente, la liberación absoluta. Entre lo retro y lo moderno, Yucari transforma el quiebre sentimental en un mensaje poderoso: incluso cuando todo se derrumba, el ritmo sigue.

Con Lo Jodiste, Yucari Gómez reafirma su compromiso por explorar nuevos paisajes sonoros dentro del pop. Su capacidad para fusionar estéticas retro con una visión fresca y futurista vuelve a hacerse evidente, mostrando una versatilidad que la distingue entre los nuevos talentos de la música independiente. Este lanzamiento confirma su apuesta por un sonido arriesgado, emocionalmente intenso y profundamente auténtico, capaz de conectar con quienes buscan canciones que hablen de verdad, fuerza interior y procesos reales de sanación.

A sus 24 años, Yucari ha construido una trayectoria sólida que empezó cuando tenía apenas 11, participando en un concurso de televisión local en Ciudad Guzmán. Su paso por la agrupación “Foro 4” de Zapotiltic y su victoria en el concurso de composición hitsbook #RetoSingRafaMarquez marcaron hitos importantes en su desarrollo artístico. Hoy, como artista independiente y Licenciada en Desarrollo Turístico Sustentable, ha lanzado canciones como Tenerme a mí, Salgo, Catarsis, Narcisista y el sencillo urbano-reggaetón Bandida, estrenado en junio de 2024. Además de escribir y componer su música, Yucari ha producido y editado algunos de sus videoclips, demostrando una visión creativa integral. Sus temas exploran la liberación emocional, la sanación, el empoderamiento, la superación de relaciones tóxicas, la manipulación y la infidelidad, reflejando una sensibilidad profunda y contemporánea. Su amor por la danza —desde el jazz hasta el baile moderno— también ha influido en su identidad artística, aportando movimiento, energía y estética a su propuesta musical.

Lo Jodiste ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Yucari Gómez, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

La cantante y compositora valenciana Gynebra vuelve a abrir su universo emocional con El Lugar Equivocado, un lanzamiento que reafirma su voz directa, vulnerable y profundamente honesta dentro del pop urbano contemporáneo. Con solo 21 años, la artista continúa construyendo una trayectoria sólida marcada por la autenticidad, el riesgo y la búsqueda de su propio espacio en la música, un viaje que inició con tan solo ocho años y que hoy la posiciona como una figura emergente imprescindible en la nueva generación de artistas españolas.

Gynebra ha demostrado ser una creadora versátil, capaz de moverse entre el pop, el reguetón, los ritmos latinos y las fusiones urbanas sin perder su identidad emocional. Su primer disco, 8 PEKADOS, ya revelaba una artista segura de sí misma, dispuesta a hablar sin filtros sobre amor, deseo, pérdida y reconstrucción personal. A esto se suma su candidatura a los Premios Goya 2024 por la canción Juntos, compuesta para el documental Dolor Impune, una obra que se adentra en la lucha contra el bullying y que destacó su sensibilidad social y narrativa. Su reconocimiento como artista Newcomer 2024 por VEVO España reforzó aún más su proyección nacional.

Más allá de la música, Gynebra también ha demostrado un compromiso genuino con el bienestar emocional de la infancia a través de KUKI, la asociación que preside y fundó, dedicada a llevar sonrisas y arte a niños y niñas enfermos o en riesgo de exclusión social. Ese espíritu altruista también late en su obra, donde la vulnerabilidad se convierte en herramienta de conexión.

En El Lugar Equivocado, Gynebra aborda el dolor de un amor que permanece vivo pese a la distancia y a las nuevas circunstancias. La letra, íntima y desgarrada, plantea un triángulo emocional marcado por los recuerdos que no terminan de borrarse y por una tercera persona que, como canta la artista, “está en el lugar equivocado”. Con versos que oscilan entre la nostalgia y la reclamación de un vínculo aún latente —“por más que lo intentes con ella, no se borrará lo de nosotros”—, Gynebra captura la sensación universal de seguir ocupando un corazón que ya no es oficialmente suyo.

La canción se mueve entre una atmósfera urbana y melódica, donde la interpretación vocal aporta una mezcla de fragilidad y determinación. Gynebra no solo expone la herida del pasado, sino el conflicto emocional de ver cómo alguien más ocupa un espacio que, según la historia compartida, no le pertenece. La narrativa avanza con honestidad, sin artificios, construyendo una confesión directa que se siente cercana, real y profundamente humana.

El Lugar Equivocado confirma una vez más la capacidad de Gynebra para transformar experiencias personales en canciones que conectan con una generación que vive el amor y el desamor con intensidad, redes sociales mediante y emociones al borde de la piel. Es un nuevo paso en una carrera que no deja de crecer, siempre guiada por la inquietud creativa y la búsqueda de verdad.

El Lugar Equivocado ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Gynebra, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.