La artista española Masadi abre una nueva etapa creativa con el lanzamiento de SOMA, el primer single del ambicioso proyecto conceptual EL CICLO, un álbum previsto para 2026 que se construye como una obra en tres actos: Muerte, Transformación y Renacer. Este estreno inaugura el Acto I, una etapa marcada por la crudeza emocional y por una exploración íntima de la adicción afectiva. En SOMA, Masadi retrata una relación tóxica que la consumía como si la otra persona fuera su propia droga, evocando el famoso “soma” de Un mundo feliz para profundizar en la idea de dependencia, evasión y caída interior.

La canción fusiona un pop atmosférico con una voz dulce, frágil y a la vez poderosa, creando una energía hipnótica que baila entre lo vulnerable y lo adictivo. SOMA es un tema bailable con un trasfondo emocional evidente, donde cada frase funciona como un espejo de ese amor dañino, intenso y difícil de soltar. Masadi utiliza su sensibilidad cinematográfica para construir un relato musical que no solo se escucha, sino que se siente como un viaje sensorial al interior de la herida.

El lanzamiento llega acompañado de un visual y un videoclip que continúan la estética teatral, simbólica y cuidadosamente diseñada que caracteriza el universo de Masadi. Espacios circulares, luz contenida, movimientos lentos y un lenguaje visual sobrio componen una narrativa que refleja el colapso interno y la búsqueda de salida. La propuesta reafirma el enfoque multidisciplinar de la artista, que a lo largo de su trayectoria ha combinado música, performance y artes visuales para construir una identidad estética profundamente personal.

Masadi es una cantante, compositora y artista multidisciplinar que destaca por su capacidad para transformar experiencias íntimas en relatos sonoros cargados de emoción. Su estilo, basado en un pop moderno y atmosférico, se une a una narrativa poética que explora temas como el amor, la pérdida, el renacer y los ciclos del corazón humano. Con EL CICLO, la artista plantea una trilogía conceptual donde cada acto despliega un mundo simbólico propio, acompañado de una paleta sonora que evoluciona junto a las emociones que lo inspiran. El Acto I, donde se sitúa SOMA, introduce un viaje hacia el derrumbe emocional y la adicción afectiva, tratado con honestidad y una intensidad casi teatral.

Paralelamente, Masadi desarrolla HERENCIA: El eco de su voz, un EP íntimo inspirado en poemas escritos por su bisabuelo Luis. Este proyecto acústico, creado junto al productor Theo Monteillet en Sol de Sants Studio (Barcelona), entrelaza memoria familiar y experimentación contemporánea, consolidando una faceta aún más vulnerable y cercana de la artista.

SOMA marca el punto de partida de un recorrido artístico profundamente emocional donde el dolor se convierte en arte y donde cada acto promete revelar una nueva capa de significado. Es el comienzo de un universo que Masadi despliega con sensibilidad, fuerza simbólica y una identidad sonora imposible de ignorar.

SOMA ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Masadi, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Edurne, una de las voces más queridas y reconocibles del panorama musical y televisivo español, celebra la llegada de la temporada festiva con el lanzamiento de Santa Claus llegó a la ciudad, su nueva reinterpretación del clásico navideño universal Santa Claus Is Comin’ to Town. La artista madrileña, conocida por su versatilidad escénica y su capacidad para reinventarse, presenta esta versión como parte de su primer álbum íntegramente navideño, Navidad junto a ti, publicado el 21 de noviembre de 2025.

Desde que cautivó al público en 2005 como concursante de la cuarta edición de Operación Triunfo, Edurne ha construido una carrera sólida y multifacética. Su trayectoria musical, iniciada formalmente en 2006 con su álbum debut homónimo, abarca desde el pop melódico hasta sonidos más cercanos al dance y al rock, demostrando una evolución constante y una identidad artística en expansión. Además de su faceta musical, Edurne se ha convertido en una figura indispensable de la televisión española, destacando por su victoria en Tu cara me suena, su rol como jurado en Got Talent España y su presencia en distintos formatos de gran audiencia. A ello se suma su participación en Eurovisión 2015 representando a España con el tema Amanecer, actuación que consolidó aún más su proyección internacional.

En Santa Claus llegó a la ciudad, Edurne aporta frescura, energía y carisma a un himno festivo que forma parte del imaginario musical navideño desde hace casi un siglo. Su versión abraza la esencia alegre del original, manteniendo su espíritu clásico mientras lo reviste con una producción pop moderna y un enfoque vocal que resalta su potencia y calidez interpretativa. El resultado es un tema vibrante, luminoso y perfectamente adaptado a las celebraciones contemporáneas, ideal para acompañar los momentos especiales de estas fechas.

Navidad junto a ti, el proyecto del que forma parte este single, reúne una cuidadosa selección de clásicos reversionados y composiciones nuevas creadas para envolver la Navidad en un ambiente sonoro íntimo, elegante y festivo. Con este disco, Edurne reafirma su capacidad para conectar con múltiples generaciones, regalando un repertorio pensado para emocionar, alegrar y unir.

Thalía, una de las figuras más queridas e influyentes del pop latino, vuelve a sorprender con el lanzamiento de SANTA (Tengo Un Crush Contigo), un single navideño que aporta frescura, encanto y un toque de romanticismo a la música de temporada. La artista mexicana, cuyo nombre completo es Ariadna Thalía Sodi Miranda, retoma el espíritu festivo con una propuesta contemporánea que fusiona emoción, picardía y una producción moderna, reforzando su sello internacional con versiones en español y en inglés.

Tras iniciar su carrera en los años 80 como integrante del grupo infantil Din-Din y más tarde como parte de Timbiriche, Thalía emprendió en 1989 un camino como solista que la consolidó como la reina del pop latino y también como la reina de las telenovelas, gracias a éxitos televisivos como la Trilogía de las Marías y Rosalinda. Su trayectoria artística se ha expandido hacia la actuación, la conducción televisiva, la locución, la producción musical, la escritura y el diseño de modas, convirtiéndola en un icono polifacético reconocido en diversos continentes.

En SANTA (Tengo Un Crush Contigo), lanzado el 7 de noviembre de 2025, Thalía vuelve a conectar con sus seguidores desde un lugar íntimo, alegre y lleno de luz. La canción, que también cuenta con la versión en inglés Crush On You, explora la Navidad desde una mirada romántica y divertida, donde la ilusión de las fiestas se mezcla con el deseo de encontrar un amor verdadero. Con líneas como Yo tengo un crush contigo, seamos más que amigos. Te quiero abrazar y no soltarte más. Y es que tú eres el regalo para mí..., la artista transforma la emoción navideña en una confesión dulce y directa que resuena con el espíritu cálido de la época.

Thalía ha compartido que este tema nace de los recuerdos felices de su infancia y de la magia que siempre asoció a la Navidad, describiendo la canción como un regalo de mi corazón para el suyo. SANTA (Tengo Un Crush Contigo) forma parte de su álbum Navidad melancólica, un proyecto que celebra la nostalgia, el amor y la esencia emocional de estas fechas.

Con su energía característica, su carisma inagotable y su habilidad para reinventarse sin perder autenticidad, Thalía entrega un single que invita a celebrar, sonreír y enamorarse bajo las luces del árbol.

Tras sorprender a su público y despertar una fuerte expectación con el anuncio de su álbum conjunto, la superestrella puertorriqueña Ozuna y la revelación colombiana Beéle presentan hoy Enemigos, una colaboración en la que también participa el reconocido productor Ovy on the Drums. El sencillo forma parte de STENDHAL, el disco que verá la luz el próximo 5 de diciembre y que ya puede reservarse en todas las plataformas digitales.

El tema, que combina ritmos urbanos con influencias afrocaribeñas y una interpretación emocionalmente intensa por parte de ambos artistas, adelanta la vibra fresca del proyecto, donde Ozuna y Beéle vuelven a poner en valor el afrobeats dentro de la escena urbana latina. Enemigos fusiona melodías hipnóticas, una cadencia rítmica moderna y una narrativa cargada de tensión romántica.

La canción desarrolla una historia de deseo prohibido y se adentra en el conflicto entre lo que se debe hacer y lo que verdaderamente se desea. Sus protagonistas, atrapados en relaciones que ya no sienten como propias, encuentran en este amor imposible una fuerza que no pueden ignorar. La letra se sostiene sobre líneas cargadas de emoción, contradicción y vulnerabilidad.

La energía interpretativa de Ozuna y la distintiva sensibilidad vocal de Beéle crean una química potente, reforzada por una producción en la que convergen texturas afrocaribeñas, atmósferas contemporáneas y una base sonora capaz de conectar de inmediato con el oyente.

Enemigos incorpora además una interpolación del clásico de bachata Los Infieles, compuesto e interpretado por Anthony “Romeo” Santos junto al grupo Aventura, publicado originalmente en 2006. Esta referencia rescata elementos de una de las obras más influyentes del sonido latino moderno, integrándolos ahora en una propuesta renovada y adaptada a la búsqueda de nuevos horizontes musicales.

Ozuna, uno de los artistas latinos más escuchados del panorama internacional, señaló que Enemigos nace de una emoción profunda. Queríamos contar una historia que llegara al corazón, y trabajar con Beéle y Ovy hizo que todo fluyera de manera natural.

Por su parte, Beéle destacó que Este es un tema que siente el alma. Conseguimos una mezcla de melodía y sentimiento que conecta desde la primera línea.

A su vez, Ovy on the Drums añadió que La idea fue crear algo fresco, con raíces, pero con un sonido global. Cuando los tres nos unimos, la vibra apareció de inmediato.

Enemigos establece así el tono inicial de STENDHAL, un proyecto que promete redefinir la fusión progresiva entre la música urbana, la sensibilidad melódica del afrobeats y los ritmos caribeños.

La cantautora puertorriqueña Kany García, una de las voces más sólidas y sensibles de la música en español, revela un nuevo capítulo en su trayectoria con el lanzamiento de Tierra Mía, el primer adelanto de su próximo álbum. Conocida por su profundidad lírica, su fuerza interpretativa y una carrera que la ha consagrado como una de las figuras más influyentes del pop latino, la artista vuelve a conectar con su raíz más íntima en un tema cargado de nostalgia, reflexión y amor por su país.

Kany, nacida en Toa Baja en 1982 y formada inicialmente en música clásica, violonchelo y teoría musical en el Conservatorio de Música de Puerto Rico, dio sus primeros pasos de reconocimiento público tras su participación en Objetivo Fama en 2004. A pesar del grave accidente automovilístico que sufrió la noche del estreno del programa, firmó rápidamente con Sony BMG y debutó en 2007 con Cualquier Día, un álbum que la lanzó definitivamente a la fama y la posicionó como una de las voces más auténticas de la escena latina. Desde entonces, ha acumulado cinco Latin Grammy Awards, entre ellos Mejor Artista Nuevo en 2008 y Mejor Álbum Cantautor en 2020, además de consolidarse como una compositora versátil para figuras como Chayanne, Ha*Ash y Jennifer López.

En Tierra Mía, Kany retoma el pulso emocional que ha definido su obra para explorar el vínculo inseparable con su tierra. La canción se desarrolla como una mirada honesta y sensible hacia Puerto Rico, entrelazando recuerdos, identidad y esperanza en un relato musical que invita a la introspección colectiva. La frase central del tema, Hay que seguir… pa' cuidarle la raíz a la tierra mía, se convierte en un eco poderoso que acompaña la narrativa completa, recordando la importancia de proteger aquello que sostiene la vida, la cultura y la memoria del pueblo. La melodía se funde con un tono nostálgico que se intensifica en su videoclip, donde la vegetación tropical, los colores del paisaje boricua y la presencia simbólica de la bandera dialogan con la interpretación de la artista.

Tierra Mía aparece así como un llamado emocional y consciente, un abrazo a lo que permanece y una invitación a velar por el futuro común. Con su voz cálida y su pluma precisa, Kany García reafirma una vez más por qué su música sigue resonando con tantas personas alrededor del mundo.

Tierra Mía ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Kany García, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El nuevo lanzamiento de Alberto Toral y Sheila Jiménez, titulado Dueña De Tu Vida, llega como un golpe directo al corazón y una llamada urgente a la fortaleza personal. Ambos artistas, conocidos en el sur de España por su habilidad para mezclar pop melódico con matices flamencos, unen sus voces en un single que se mueve entre la emoción, la verdad y la necesidad de romper cadenas para comenzar un nuevo rumbo.

Alberto Toral, cantautor con una trayectoria que ha crecido entre proyectos propios y múltiples colaboraciones, aporta aquí su sensibilidad interpretativa y su sello pop-flamenco inconfundible. Sheila Jiménez, cantante de voz versátil y acostumbrada a desafiarse en concursos y proyectos musicales regionales, suma su fuerza expresiva a un tema del que, además, es compositora original. Juntos demuestran, una vez más, por qué funcionan tan bien en duetos intensos, pasionales y cargados de mensaje.

Dueña De Tu Vida se presenta como una declaración rotunda de empoderamiento. En su letra, directa y valiente, los artistas dibujan la historia de alguien atrapado en una relación dañina que necesita dar el paso definitivo hacia la libertad emocional. Desde líneas iniciales que confrontan el maltrato y la manipulación hasta un estribillo que reclama el derecho a recomenzar, la canción avanza con un pulso firme y honesto: Y dile que tú eres libre, dueña de tu vida… Aunque a ti te duela, comienza otra vida. El tema no solo abraza la idea de soltar lo que hiere, sino también la esperanza de lo que espera al otro lado: una vida sin miedo, sin cadenas y sin heridas que se repiten.

Con estrofas que retratan la lucha interna, la culpa, el chantaje emocional y ese ciclo tóxico que tantas personas reconocen, Dueña De Tu Vida funciona como un himno íntimo y, a la vez, colectivo. La producción abraza la esencia pop-melódica de ambos artistas, mientras su interpretación remarca la urgencia emocional del mensaje. El resultado es un dueto potente, sincero y profundamente humano.

Compuesta originalmente por Sheila Jiménez y coescrita junto a Alberto Toral, esta colaboración consolida la química creativa entre ambos y abre un nuevo capítulo prometedor en sus carreras.

Dueña De Tu Vida ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Alberto Toral y Sheila Jiménez, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

El productor y DJ belga Preztone vuelve a escena con Back to You, un single que abraza el corazón desde el primer compás y que se adentra en un territorio donde la nostalgia romántica convive con una producción pulida y lista para los festivales. La canción se desliza entre sintetizadores cálidos, melodías hipnóticas y una línea vocal etérea que guía al oyente a través de una historia nocturna cargada de memoria, deseo y desahogo emocional. Desde su primer verso, Woke up with the sun in my eyes, but you’re still the light I can’t find, la pieza dibuja un viaje melódico que palpita entre la melancolía y el impulso de aferrarse a un amor que se escapa. El resultado es un latido tropical que convierte el desamor en un ritmo suave, seductor y profundamente adictivo, ideal para quienes disfrutan del sonido de artistas como Kygo, Lost Frequencies o Duke Dumont.

Preztone, con más de una década como DJ y un giro decisivo hacia la producción musical durante la pandemia de 2020, ha consolidado un estilo propio donde lo melódico y lo cinematográfico se entrelazan con la energía de la música electrónica moderna. Su firma sonora brilla por equilibrar emoción y dinamismo, ofreciendo temas que funcionan tanto en la intimidad de unos auriculares como en la intensidad de la pista de baile. Su trayectoria reciente incluye el remix de Not Alone In Your Heart de Chris Morton —una celebración de más de veinte años de amistad— y el lanzamiento de Island, un himno de verano que sigue creciendo entre el público.

Back to You se suma ahora a su catálogo como una propuesta que reafirma su sensibilidad artística, su pulso rítmico y su capacidad para transformar sentimientos universales en música que conecta.

Back to You ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Preztone, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

La artista rumana Minelli, una de las figuras emergentes más influyentes del panorama EDM y pop europeo, presenta Mixed Feelings, su esperado álbum de larga duración. Tras conquistar audiencias en Norteamérica, Europa y otras regiones del mundo con una gira internacional arrolladora, la cantante y compositora regresa con un proyecto ambicioso que refleja la madurez, versatilidad y fuerza creativa que han marcado su evolución en los últimos años. Mixed Feelings se erige como un viaje sonoro vibrante donde convergen influencias dance, pop, urbanas y electrónicas, dando lugar a un trabajo cohesivo y lleno de energía que reafirma su identidad musical.

El álbum, disponible ya en plataformas digitales, despliega una colección de temas que encapsulan las muchas caras de Minelli. Entre ellos destacan Bus Station, la colaboración In Love junto a INNA —considerada la reina del EDM—, la explosiva RiTiTi con Guaynaa y Azúcar, el esperado tema en el que participa el legendario Busta Rhymes. Esta variedad de colaboraciones subraya la capacidad de Minelli para adaptarse, explorar y ampliar su propio sonido sin perder la esencia que la ha convertido en una figura imprescindible dentro del género. Con melodías contagiosas, letras cargadas de emoción y una producción atrevida, Mixed Feelings abre un capítulo clave en su carrera.

Sobre el proceso creativo del álbum, la propia Minelli comparte que Mixed Feelings es un reflejo honesto de su recorrido artístico, de las noches interminables en el estudio, de las dudas, la euforia y los instantes que marcaron su camino. Cada canción guarda una historia, un eco de su experiencia personal que invita al oyente a encontrar en ella fragmentos de su propia vida. Paralelamente al lanzamiento, Minelli presenta el videoclip oficial de Azúcar, una pieza visual vibrante que une su estilo único con la presencia inconfundible de Busta Rhymes. Con imágenes dinámicas, estilismos atrevidos y una química palpable, el video amplifica la explosividad del tema y refuerza la huella internacional que la artista sigue dejando.

Minelli continúa consolidándose como una de las voces más poderosas y creativas de la música europea. Éxitos como Rampampam, Deep Sea junto a R3HAB o MMM han acumulado cifras extraordinarias: más de 2.5 mil millones de reproducciones en Spotify, 6.8 mil millones de visualizaciones en YouTube y más de 22 millones de búsquedas en Shazam. Su presencia en listas globales, su estilo distintivo y su capacidad para conectar con públicos diversos la posicionan como una artista global en pleno ascenso.

Mixed Feelings ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Minelli, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Alejandro Sanz da un giro definitivo a su universo musical con ¿Y AHORA QUÉ +?, un lanzamiento que marca un antes y un después en su trayectoria. Tras dos años de silencio discográfico, el artista español regresa con un álbum de trece canciones que refleja una profunda transformación creativa y una apertura total hacia nuevas corrientes, sonidos y colaboradores. Se trata, sin duda, de su trabajo más ambicioso hasta la fecha.

El anuncio llega en un momento especialmente brillante para Sanz, después de arrasar en los Latin GRAMMY 2025 con dos reconocimientos clave: Mejor Álbum Pop Contemporáneo por ¿Y Ahora Qué? y Grabación del Año por Palmeras en el Jardín. Con estos premios, el artista más laureado de la historia de los Latin GRAMMY suma ya 24 estatuillas, además de sus 4 GRAMMY, consolidando su papel como creador imprescindible en la música latina a nivel global.

¿Y AHORA QUÉ +? es, en muchos sentidos, un renacimiento. Sanz se ha desprendido del método tradicional que había acompañado sus últimos proyectos para entregarse por completo a una dinámica de estudio fresca, vibrante y colaborativa. A su lado, un grupo de jóvenes productores y compositores —Elena Rose, Casta, Spreadlove, Andy Clay, Edgar Barrera y Rayito— que han aportado nuevas texturas, ritmos híbridos y una energía creativa que se siente en cada pista. Grabado entre Madrid y Miami, el álbum respira esa mezcla de mundos que definen hoy la música en español.

El proyecto se presenta acompañado del videoclip oficial de Las Guapas, dirigido por MIKE HO y producido por Godspeedla e In God We Trust, grabado íntegramente en Miami. Una pieza visual que refleja la estética renovada que Sanz abraza en esta nueva etapa.

El álbum incorpora la primera entrega de seis canciones —entre ellas Palmeras en el Jardín y la colaboración explosiva Bésame junto a Shakira— y suma ahora nuevas piezas que amplían su universo creativo. Destacan colaboraciones con Emilia, Carin León, Elena Rose y la ya conocida unión con Rels B en No me tires flores. Entre los temas más esperados se encuentran Mil Motivos, La cita y Rimowa, tres cortes que ya han generado expectación entre los seguidores del artista.

Tracklist de ¿Y AHORA QUÉ +?
Palmeras en el Jardín
Las Guapas
No Me Tires Flores ft. Rels B
El Vino de Tu Boca
Mil Motivos ft. Carín León
Bésame ft. Shakira
Eso Es Amor
La Cita ft. Emilia
Hoy No Me Siento Bien ft. Grupo Frontera
Me Veía
Rimowa ft. Elena Rose
Cómo Sería ft. Manuel Turizo
Qué Injusto

Este lanzamiento no solo cierra una etapa artística para Alejandro Sanz, sino que inaugura una nueva era donde la innovación, la libertad creativa y el diálogo con nuevas generaciones se convierten en los pilares fundamentales de su música. En paralelo, el artista se prepara para su gira mundial de 2026, con más de 30 fechas previstas entre América Latina, España y Estados Unidos, después de agotar entradas en sus 25 shows en México.

¿Y AHORA QUÉ +? ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Alejandro Sanz, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Saray Jiménez vuelve a demostrar por qué es una de las voces más poderosas y sensibles del Flamenco Pop y el Flamenco Urbano con su nuevo single, Ya no queda nada, una canción que late con la fuerza de la nostalgia, el duelo y las cicatrices del amor perdido. La artista jerezana, con más de dos décadas sobre los escenarios y una trayectoria marcada por la autenticidad, entrega aquí una interpretación intensa que confirma su madurez artística.

Desde su debut en solitario en 2019 con Reggaetón Flamenco, Saray ha construido un camino firme, rompiendo barreras y conquistando al público con un estilo que combina garra, verdad y una sensibilidad incomparable. En estos años, ha sabido conectar con miles de oyentes gracias a colaboraciones que ya forman parte del imaginario emocional del flamenco contemporáneo. Entre ellas destacan Tu Cara, junto a Galvan Real, a punto de alcanzar el Disco de Oro, y Una Bachata, con Manuel González (ex Rebujitos), que ya ha logrado Disco de Oro y está a las puertas del Platino. Su versatilidad también la ha llevado a trabajar con artistas como Lorena Santos, consolidándose como una figura indispensable de la escena actual.

Ya no queda nada, compuesta por Kiko Carrillo y producida por Joaquín Garzón, se sumerge en los recuerdos que duelen, en los espacios que quedaron vacíos y en las voces que todavía resuenan aunque la persona ya no esté. Con una poética directa y un estribillo que atraviesa el pecho, la canción retrata ese instante suspendido entre la ausencia y el corazón que se resiste a aceptar la realidad. Saray canta al eco de lo que fue, a la memoria que se cuela por las escaleras, al amor eterno que se quebró en el intento, a las cuatro paredes que guardan el nombre que no se olvida.

A lo largo de su carrera, la artista ha pisado más de 500 escenarios y ha compartido cartel con grandes referentes como Galvan Real, Demarco Flamenco, Fernando Caro, Maki o María Artés, ganándose el cariño del público gracias a su carisma, su entrega y su manera única de contar la vida a través de la música. Este nuevo lanzamiento reafirma esa esencia que la caracteriza: una voz que no solo canta, sino que abraza, confronta y conmueve.

Mientras continúa preparando Soledad, su próximo single —una composición de Galvan Real que verá la luz pronto— Saray Jiménez entrega con Ya no queda nada una pieza que captura su identidad artística en estado puro: emoción, cercanía y verdad.

Ya no queda nada ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Saray Jiménez, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Clauw, una de las voces emergentes más prometedoras del panorama musical español, vuelve a desplegar su magnetismo artístico con “LUCI”, su nuevo single, ya disponible en streaming y acompañado de un videoclip oficial que se estrenó recientemente en YouTube. La artista barcelonesa, nacida en 2001 y actualmente afincada en Madrid, continúa afianzando su sonido personal dentro del pop urbano con influencias de reggaetón, R&B y afrobeat, un terreno que domina con naturalidad desde que comenzó a trabajar estrechamente con su productor de confianza, Dímelo Milo.

Desde su llegada a Madrid en 2023, Clauw ha ido puliendo una identidad musical propia que combina melodías suaves, ritmos sensuales y una sensibilidad contemporánea que la distingue de la nueva generación de artistas urbanos. Con el lanzamiento de su EP “HATARI” en 2024 —recibido con entusiasmo por el público— y con temas previos como “1000 Veces”, “Cerca del Cielo”, “Celoso” o “Labios”, la cantante ha demostrado su capacidad para construir un imaginario sonoro íntimo, directo y profundamente emocional.

“LUCI” representa una nueva pieza dentro de este universo, manteniendo el sello seductor y envolvente que caracteriza a Clauw. En esta ocasión, la artista propone una atmósfera íntima donde conviven el deseo, la conexión emocional y la intensidad física de una relación marcada por una química poco común. La letra, cargada de imágenes sensoriales y referencias contrastadas —subir al cielo, bajar al infierno— explora ese vínculo magnético que desarma y atrae al mismo tiempo. Uno de los ganchos más reconocibles del tema, “sí nena buena y contigo soy Lucito”, funciona como un juego de palabras irresistible que sintetiza el espíritu de la canción: pasión, entrega y un toque de picardía.

Con una producción moderna y delicadamente construida junto a Dímelo Milo, “LUCI” sigue consolidando a Clauw como una figura fresca, segura y en constante expansión dentro del género urbano-pop. Su voz limpia, su capacidad melódica y su forma de transmitir emociones la han convertido en una de las artistas jóvenes a seguir muy de cerca.

“LUCI” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Clauw, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Javier Corcobado continúa desvelando joyas de Solitud y Soledad, el ambicioso proyecto doble con el que celebra cuatro décadas de carrera artística. Como último adelanto, presenta una nueva versión de “Susurro”, esta vez acompañado por Andrés Calamaro, un artista cuya relación con Corcobado se remonta a los vibrantes años 90, cuando ambos compartían vecindario, noches largas y sesiones improvisadas en el corazón de la movida madrileña. Aquellos encuentros, marcados por una admiración mutua, sembraron una conexión que hoy cristaliza en una colaboración cargada de historia y emoción.

“Susurro” nació a principios de los 2000 como un intento de Corcobado por expandir sus propias fronteras creativas, buscando escribir canciones pop que reflejaran las inquietudes de una sociedad convulsa, no tan distinta de la actual. Su primera aparición fue en Editor de Sueños (2006), donde destacaba como una pieza punzante, directa y profundamente lúcida. A pesar de ser uno de sus temas más brillantes, pasó más desapercibido dentro de su repertorio, algo que esta nueva versión viene a subsanar.

La aportación de Andrés Calamaro —voz icónica del rock hispano— y el sonido renovado de la banda actual de Corcobado dotan al tema de una profundidad inédita. La frase “Guerras, torturas y engaños en la televisión, y lo único que puedo hacer es susurrar esta canción…”, escrita hace más de dos décadas, resuena en 2025 con un peso renovado, casi profético. Sobre una base pop melódica y contenida, la canción eleva una reflexión sobre el estado del mundo, la fragilidad humana y ese gesto íntimo —susurrar— que se convierte en acto de resistencia frente al ruido ensordecedor de la realidad.

Este lanzamiento anticipa la llegada de Solitud y Soledad, un disco doble que verá la luz el 28 de noviembre y que se perfila como la obra más completa y madura de Corcobado. La primera parte, Solitud, reúne diez composiciones originales que muestran un dominio absoluto de su particular estilo —ese lenguaje corcobadiano que solo él ha sabido moldear—. La segunda, Soledad, revisita diez singles esenciales de su trayectoria, reinterpretados junto a artistas que han acompañado su camino: desde Alaska con “Dame un beso de cianuro” hasta Aintzane con G de Gloria en “El mar es mi corazón”, pasando por la participación estelar de Calamaro en este nuevo “Susurro”.

En este proyecto late también la huella de las influencias que Corcobado ha reconocido siempre: The Velvet Underground, Lou Reed, Nico, Las Grecas o Elvis Presley. Ecos que aparecen entre líneas, discretos pero esenciales, reforzando la densidad emocional de un álbum que combina experiencia, vulnerabilidad y una creatividad más viva que nunca.

“Susurro” no es solo una revisión de un clásico oculto: es una actualización necesaria, un puente entre épocas, una canción que crece con su autor y que hoy encuentra un eco perfecto en la voz y sensibilidad de Andrés Calamaro. Juntos firman una versión que mira hacia atrás sin nostalgia y hacia adelante sin miedo.

“Susurro” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Javier Corcobado, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Malos Trapos continúa afianzando su crecimiento dentro de la escena independiente española con el lanzamiento de “Figurante”, un nuevo single que llega para tocar un nervio generacional: el cansancio emocional, la incertidumbre y el desconcierto que atraviesan hoy a muchos jóvenes. El grupo madrileño, en activo desde 2010 y actualmente inmerso en la publicación de los singles que formarán su segundo álbum previsto para 2026, presenta una balada de pop rock intensa, honesta y atravesada por una sensibilidad cruda que se siente tan personal como colectiva.

“Figurante” es una canción que habla sin filtros del desaliento ante una realidad que parece cada vez más irracional y difícil de descifrar. Con versos que evocan incendios internos, la sensación de ser un espectador de la propia vida y la lucha contra el estrés constante, Malos Trapos construye un relato emocional que pone palabras a un malestar generacional ampliamente compartido. La letra retrata a alguien que se siente fuera de lugar, “un desastre sin resolver”, alguien que sube al escenario cargando heridas que intenta ocultar mientras busca respuestas que no llegan.

La producción del single corre a cargo de Vermudegrifo —responsable del sonido de proyectos como Miss Penas y Vengabea—, uno de los nombres más estimulantes de la nueva ola independiente. Su trabajo aporta a la canción un equilibrio preciso entre la delicadeza melódica y la intensidad de un rock emocional que respira vulnerabilidad. El videoclip, realizado por Visuala Studio, refuerza esta estética íntima con imágenes sobrias e impactantes, manteniendo el foco en la carga emocional del tema, como ya hicieron con artistas como Marlon, Playa Cuberris o Sidecars.

Formado por Carlos Serrano (voz y guitarra), Manuel Moreno (coros y batería) y Carlos Bravo (coros y bajo), Malos Trapos ha consolidado una trayectoria marcada por la constancia y el crecimiento orgánico. Tras publicar dos maxi singles y estrenar su primer álbum homónimo en 2020, la banda ha ido ganando fuerza gracias a un directo cada vez más sólido, colgando el cartel de sold out en diferentes conciertos y preparando el terreno para el que será uno de sus lanzamientos más importantes.

Con “Figurante”, la banda demuestra que sabe mirar de frente a las emociones difíciles y transformarlas en canciones que hablan directamente a quienes se sienten perdidos, exhaustos o a punto de quebrarse. La mezcla de sinceridad, potencia instrumental y una narrativa que abraza la fragilidad convierte al tema en una de sus propuestas más resonantes hasta la fecha.

“Figurante” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Malos Trapos, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Giuseppe Cucè y Pandi presentan “El mundo es verdadero”, el nuevo single que verá la luz en todas las emisoras de radio el 27 de octubre de 2025 y que llegará a plataformas digitales el 24 de octubre bajo el sello TRP Vibes. El tema, firmado por Giuseppe Cucè y Riccardo Samperi con la colaboración creativa de Pandi, es una pieza que abraza la tradición mediterránea y la vibra latina con un espíritu visceral, cálido y profundamente humano, pensada para resonar con el público hispanolatino.

La canción se despliega como un viaje sensorial que explora la verdad del mundo desde sus contradicciones: una realidad frágil y melancólica, pero también ardiente, festiva y cargada de deseo. Entre imágenes de calles desgastadas, noches bajo una luna negra y sueños perseguidos a pie descalzo, el tema construye un universo donde la nostalgia convive con la resistencia, y donde cada sombra parece pedir a gritos un renacimiento. Gracias al cuidadoso trabajo de traducción y adaptación al español realizado por Alessandro Spagna —Pandi—, el texto recupera una fuerza rítmica y emocional que lo convierte en un relato universal.

“Quise transmitir la idea de que la verdad del mundo no es perfección, sino contraste: la soledad junto al abrazo, la nostalgia junto a la fiesta, la oscuridad junto a la luz”, explica Giuseppe Cucè. “Es una canción que invita a transformar el dolor en movimiento y la memoria en un impulso hacia la vida”.

En lo musical, “El mundo es verdadero” es un tema latino-pop vibrante donde conviven son, guajira, rumba y danzón, entrelazados en una producción que prescinde de bases sintéticas y apuesta por la autenticidad del sonido acústico. Percusiones latinas, cuerdas cálidas y una instrumentación orgánica generan un ambiente que fusiona la energía caribeña con una sensibilidad poética de raíz mediterránea. El resultado es un paisaje sonoro lleno de vida, tierra y emoción.

El single contó con letra original de Giuseppe Cucè; traducción y adaptación de Pandi; música compuesta por Cucè y Riccardo Samperi; producción artística y arreglos de Samperi y Pat Legato; y grabación, mezcla y dirección sonora desarrolladas en TRP Studios por el propio Samperi. Entre los músicos que dan cuerpo al tema se encuentran Pat Legato en programación de percusiones y teclados; Riccardo Samperi en guitarras; Alberto Fidone al contrabajo; Gionata Colaprisca en percusiones; Marcello Leanza en saxofón tenor y flauta; Nando Sorbello en trombón; Marco Bella en saxofón alto y Francesco Bella en trompeta. La portada del single es obra de Chiara Samperi.

El videoclip oficial, dirigido por Gianluca Scalia para Kemedia y producido por Track Records Productions, acompaña la canción con un lenguaje visual que entrelaza realismo poético y simbolismo. Calles llenas de historia, locandas bañadas en melancolía, noches luminosas y escenas de baile latino conviven con imágenes de raíces mediterráneas, componiendo un relato introspectivo y coral que amplifica la fuerza evocadora del tema.

Giuseppe Cucè, cantautor siciliano de escritura visceral, ha construido una trayectoria marcada por su sinceridad artística. Con álbumes como La mela e il serpente y Attraversando Saturno, se ha consolidado como una de las voces más auténticas de la escena independiente italiana. En 2025 presentó 21 grammi, un disco conceptual que indaga en la memoria, la fragilidad y la energía vital, del cual nace la versión italiana del tema, È tutto così vero. Su labor creativa se expande, además, al teatro y las artes visuales, colaborando con artistas nacionales e internacionales.

“El mundo es verdadero” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Giuseppe Cucè & Pandi, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

La historia de Squeeze siempre ha estado rodeada de ingenio, carisma y canciones inolvidables, pero incluso para una banda tan emblemática del rock y pop británico, pocas historias pueden compararse con la que da origen a su nuevo proyecto: Trixies, un álbum compuesto hace 50 años por Chris Difford y Glenn Tilbrook antes incluso de que comenzara su brillante carrera… y que jamás llegó a grabarse. Ahora, cinco décadas después, este trabajo oculto por el tiempo encuentra finalmente su voz, y Squeeze presenta su primer adelanto: “Trixies Part One”, una pieza vibrante y evocadora de apenas tres minutos que verá la luz el 6 de marzo de 2026.

La génesis de Trixies se remonta a 1974. Difford, entonces con 19 años, y Tilbrook, apenas con 16, acababan de conocerse y empezaban a componer juntos, inmersos en una época donde los álbumes conceptuales y las óperas rock marcaban el pulso de la música. En medio de esa efervescencia creativa nació un álbum completo, una colección de canciones ambientadas en un club nocturno ficticio llamado Trixies, influenciadas por la narrativa vivaz del submundo literario de Damon Runyon y por la ambición sonora que superaba su limitado virtuosismo juvenil. Aun así, por falta de recursos y experiencia, nunca se atrevieron a grabarlo.

Durante décadas, estas canciones quedaron guardadas, casi olvidadas, mientras Squeeze construía una de las carreras más respetadas del pop británico: himnos como “Up The Junction”, “Tempted”, “Cool For Cats”, “Another Nail In My Heart” o “Labelled With Love”; giras mundiales; premios tan prestigiosos como el Ivor Novello a la Contribución Sobresaliente a la Música y Cultura Británica; o reconocimientos como el premio “Icono” de Mojo. Todo eso ocurrió después… pero Trixies ya existía.

El hallazgo reciente de la cinta original cambió el destino de aquel álbum perdido. Con más de 600 conciertos desde su reunión en 2007 y un sonido consolidado que combina virtuosismo, energía y sensibilidad, la banda decidió cerrar un círculo histórico: grabar, por fin, ese disco que empezó todo. El resultado llegará el 6 de marzo de 2026 con la publicación oficial de Trixies, producido por su reconocido bajista Owen Biddle, cuya experiencia con artistas como The Roots, Al Green o John Legend aporta una nueva dimensión a estas canciones.

“Trixies Part One” es la puerta de entrada a este universo: una introducción de ritmo vibrante, atmósfera de club y personajes coloridos que encapsula la esencia del proyecto. Canciones como “The Place We Call Mars”, “Don’t Go Out In The Dark” o la seductora “Why Don’t You”, junto a joyas acústicas como “You Get The Feeling”, forman parte de este viaje que, en su día, superaba las capacidades técnicas de sus creadores adolescentes. Hoy, en cambio, pueden interpretarlas con la maestría de toda una vida dedicada a la música.

Para Difford, revisitar esas composiciones ha sido tan emocionante como revelador: “Nos dedicamos por completo a componer; eran canciones para las que simplemente no teníamos la experiencia musical suficiente para grabarlas en condiciones”. Tilbrook añade: “Las canciones que compusimos entonces me asombran. Son exactamente las mismas, solo que ahora puedo enseñarlas a la banda… ¡en aquel entonces ni siquiera sabía cómo se llamaban aquellos acordes!”.
Ambos coinciden en la emoción del reencuentro: “Me emocionó hasta las lágrimas”, confiesa Tilbrook. “Son buenísimas”, añade Difford, “y me llena de alegría comprobar que, siendo tan jóvenes, escribimos algo así”.

La publicación de “Trixies Part One” marca el comienzo de un acontecimiento histórico para la banda y para los seguidores del pop británico: el renacimiento de un álbum perdido que, 50 años después, encuentra el momento perfecto para brillar.

“Trixies Part One” ya se encuentra disponible para reservar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Squeeze, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Caro Abadía y Melfi, dos de los talentos más queridos y seguidos de Panamá, unen sus voces y sus historias en Una vida entera, un single romántico que captura la esencia de su relación y la transforma en una declaración musical llena de ternura, complicidad y verdad emocional. La creadora de contenido, cantante y locutora Caro Abadía, junto con el cantante y presentador Miguel Melfi —conocido por su impacto mediático en La Casa de los Famosos Colombia— presentan una canción que refleja el camino que han construido juntos desde que el amor los sorprendió en plena pandemia.

Su historia personal, que empezó de manera íntima y se hizo pública después de la participación de Melfi en el reality, se ha convertido en parte fundamental del vínculo artístico que hoy comparten. Tras colaborar en proyectos como su podcast El Chicle TV, la música se ha convertido en un nuevo espacio donde ambos exploran una conexión profunda que traspasa la pantalla y llega al estudio. Una vida entera nace justamente de ese sentimiento: el deseo sincero de caminar juntos, cuidarse y elegirse una y otra vez.

El tema destaca por su sensibilidad y por una letra que mezcla dulzura, deseo y un compromiso que va más allá del presente. Versos como enséñame tu universo y más o quédate una vida entera y más resumen la promesa de un amor que se proyecta hacia el futuro, mientras líneas como déjame cuidar tu corazón o tú me cambiaste el mundo subrayan la luz que han encontrado el uno en el otro. La interpretación de ambos logra transmitir cercanía y honestidad, haciendo que el single se sienta no solo como una canción, sino como un pedazo de su historia compartida.

Musicalmente, Una vida entera envuelve con una atmósfera cálida y envolvente, donde sus voces se entrelazan en armonía para construir un mensaje claro: el amor verdadero transforma, acompaña y promete quedarse. El single se convierte así en un reflejo de su relación fuera de cámaras, de su crecimiento como pareja y de su deseo de seguir compartiendo proyectos que conecten con su público desde un lugar genuino.

Una vida entera ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Caro Abadía y Melfi, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

José Romero, cantautor barbateño que ha convertido la música en su forma de vida, presenta Esos labios, un single que nace de un instante real, sencillo y mágico en su pueblo natal. Con una trayectoria que lo ha llevado a compartir escenario con artistas de la talla de Carlos Baute, Amaral, India Martínez y Los Rebujitos, el compositor continúa consolidando su propuesta artística, esta vez desde la emoción más pura y la inspiración cotidiana.

Fiel a su estilo, José Romero combina en esta nueva etapa la profundidad de sus letras con una sonoridad que se mueve entre el pop, el rock y, en esta ocasión, la calidez de una bachata cargada de sentimiento. Esos labios surge de una escena espontánea ocurrida en el paseo marítimo de Barbate, donde dos lugares muy especiales para el artista —La Galería Café Bar y Essencia Café y Copas— se han convertido en refugio, inspiración y parte fundamental de su universo creativo. Entre aromas de café, la brisa del mar y el murmullo de las conversaciones, Romero encuentra historias que respiran vida, miradas que se cruzan y emociones que se encienden sin avisar.

Fue precisamente allí, mientras la tarde caía sobre el mar y un último café se enfriaba sobre la mesa, cuando una mirada inesperada lo atrapó. Una chica bonita, una sonrisa compartida y un intercambio de gestos que hicieron que el mundo desapareciera por unos segundos. Ese instante, suspendido en el tiempo, dio origen a Esos labios: una canción que captura la chispa del enamoramiento y la magia de los momentos simples que marcan para siempre.

El single, compuesto desde el corazón y producido por su amigo José María Moreno, fue grabado en el estudio La Luna Récords en Barbate. Más que una canción, Esos labios es también un homenaje a los rincones que alimentan su creatividad, a la vida que transcurre entre cafés, historias anónimas y sensaciones que inspiran melodías. Romero invita a su público a entrar en su mundo, a sentir con él y a recordar por qué la música tiene la capacidad de transformar lo cotidiano en eterno.

Esos labios ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de José Romero, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Alba LaMerced representa a una nueva generación de cantautoras que combinan folk, pop y canción de autor con una sensibilidad poética y social. Seleccionada entre 61 proyectos para protagonizar Interautor Música 2025, la artista cruzará por primera vez el Atlántico para presentarse en Uruguay, donde actuará en la gala de los Premios Graffiti y ofrecerá varios conciertos. Con un proyecto que reivindica la identidad, la emoción y la palabra, Alba vive este viaje como un impulso vital y artístico.

¿Qué fue lo primero que sentiste cuando te confirmaron que habías sido seleccionada para Interautor Música 2025? Cuéntanos cómo viviste ese instante a nivel emocional.

Fue una gran noticia tanto a nivel personal como profesional, ya que el hecho de cruzar el charco con tu música y de la mano de una entidad como SGAE hace que te sientas una privilegiada. Me dio mucha alegría y satisfacción ver que se estaba valorando lo que estoy creando como artista.

Dijiste que llamaste a tus padres en cuanto recibiste la noticia. ¿Qué significa para ti compartir este logro con tu familia?

Sí, para mí su apoyo es fundamental y lo primero que hago cada vez que logro algo del estilo es comunicárselo a ellos. Son una parte muy importante en mi proyecto y trabajamos mano a mano para construir todo este universo que me rodea como artista.

Ser elegida entre 61 proyectos no es poca cosa. ¿Sientes que esta selección reafirma tu identidad artística y la dirección que estás tomando?

Sí, creo que es un privilegio, como decía antes, hay mucho arte en mi país y haber sido seleccionada es algo de lo que aún no soy consciente. Creo que siempre nos estamos transformando como artistas, por lo menos en mi caso, y esta oportunidad me hace darme cuenta del valor que tiene el universo artístico en el que estoy trabajando.

Viajas por primera vez a Uruguay. ¿Qué expectativas tienes respecto al país y a su escena musical?

Es un país muy rico culturalmente, creo que me ha aportado muchas cosas bonitas. Me hubiera gustado disfrutarlo más, pero el tiempo que estuve lo aproveché bien y pude empaparme de las raíces culturales y la emoción de los uruguayos.

Actuarás en una gala tan simbólica como los Premios Graffiti. ¿Cómo te preparas mentalmente para un escenario tan significativo?

Ha sido una gala preciosa llena de compañeros maravillosos con los que tuve la suerte de compartir escenario. La sala Zitarrosa es un lugar emblemático en Montevideo y para mí fue una suerte compartir mi música allí. Pude interpretar dos canciones, Nana del caballo grande y El café (que aún no ha salido). Fue todo un regalo.

¿Qué te gustaría que el público uruguayo descubriera de ti en estos conciertos?

El público uruguayo fue realmente maravilloso. La acogida fue muy bonita e incluso algunas de las personas que vinieron a los conciertos se sabía mis canciones. Creo que esto es algo a destacar sobre todo para una artista emergente como yo que aún no contempla tales escenarios.

En tus canciones confluyen lo íntimo y lo social. ¿Cómo equilibras esas dos dimensiones cuando compones?

Equilibrar lo íntimo y lo social es algo muy natural en mi proceso creativo. Para mí, lo personal siempre acaba siendo político: las historias de mi familia, mis raíces, mis emociones —esas son las que me permiten conectar con realidades más amplias. Cuando compongo, parto de una emoción muy concreta, algo vivido, algo que me duele, que me ilusiona o que me inquieta, y a partir de ahí intento proyectarlo hacia algo universal. No escribo para dramatizar, sino para que lo que me pasa resuene más allá de mí misma: que otras personas puedan reconocerse en lo que cuento. Al mismo tiempo, me importa que el mensaje social tenga elegancia, poesía y verdad, no un panfleto. Ese es el equilibrio: honestidad emocional + reflexión colectiva.

Tu tema La Ciudad aborda la pérdida de identidad cultural por el sobre turismo. ¿Crees que este tipo de mensajes conecta también con otras ciudades del mundo?

Totalmente. Aunque la canción nazca de mi experiencia en Málaga —mi ciudad, la plaza de La Merced, mi historia personal—, la problemática de la identidad urbana, la turistificación y la gentrificación no es exclusiva de aquí. Muchas ciudades del mundo están perdiendo su “alma local” bajo presiones similares: la vivienda, la cultura tradicional, los barrios de siempre… Creo que “La Ciudad” puede hablar a gente de muchas urbes porque esas transformaciones se están dando casi en todas partes. La nostalgia, la memoria del barrio, el miedo a que lo auténtico desaparezca —es algo casi universal en contextos urbanos actuales.

¿Qué aprendizajes esperas llevarte de esta estancia en Montevideo, tanto musicales como personales?

Este viaje a Montevideo a través del programa Interautor Música es para mí una oportunidad enorme de crecimiento. Musicalmente, espero empaparme de la escena uruguaya: no solo escuchar, sino también compartir, componer, ver cómo otros autores viven su día a día creativo, cómo interpretan sus raíces, su cultura y su identidad en su música. Personalmente, creo que me va a abrir la cabeza: convivir con otro país, con otra sensibilidad, con nuevas formas de entender el arte, la comunidad y la colaboración. También es una forma de reforzar mis propias raíces, de preguntarme qué parte de mi identidad quiero llevar conmigo, qué puedo aportar y qué puedo aprender.

Mencionas que te gustaría nutrirte de nuevas sonoridades. ¿Hay ritmos latinoamericanos que ya te inspiran especialmente?

Sí. En mi música ya hay guiños a ritmos latinoamericanos en parte porque mi curiosidad musical es muy amplia. Por ejemplo, en Ciudad Matriz combino folk, pop, canción de autor, e incluso tiene matices de tango, chacarera y bachata. Esos ritmos me inspiran por su historia, por cómo cuentan el dolor, la comunidad, el desarraigo y el arraigo. Me interesa mucho también trabajar con ritmos de América Latina que me sean nuevos, mezclarlos con lo que ya sé hacer, y ver qué surge de esa fusión.

¿Cómo definirías el momento artístico en el que te encuentras justo antes de dar este salto internacional?

Creo que estoy en un momento de transición y expansión. Con Ciudad Matriz se cierra un ciclo íntimo, muy de raíces, muy personal, y al mismo tiempo se abre uno nuevo: el de llevar mi música más allá de lo local, al intercambio, al diálogo con otras culturas. Es un punto de inflexión donde ya no solo pienso en mi ciudad o en mi historia, sino en cómo esa historia puede dialogar con otras, cómo mi música puede ser puente. Es un momento de valentía, de aprendizaje y de mucha ilusión.

Además de tocar junto a Gonzalo Brancciari, ¿te gustaría aprovechar el viaje para crear nuevas canciones o colaboraciones?

Sí, eso es algo que me encantaría. No solo ver a Gonzalo como un compañero de escenario, sino también como un colaborador creativo: componer juntos, intercambiar melodías, escribir a dúo, experimentar con nuestras voces y mundos. Creo que estoy aprovechando el programa para que no sea solo un intercambio de conciertos, sino un verdadero cruce artístico. Además, he podido conocer a otros músicos locales, productores, cantautores uruguayos.

¿Qué representa para ti formar parte de un proyecto que conecta culturalmente España y Uruguay?

Formar parte de Interautor Música es para mí algo muy significativo. Es, en esencia, un puente entre dos mundos con mucha tradición literaria y poética, con una cultura de canción de autor que en España y Uruguay siempre ha tenido fuerza. Representa la posibilidad de internacionalizar mi voz, sí, pero también de ser parte de un diálogo más profundo: compartir historias, sensibilidades, memoria cultural. Es también un honor participar en algo que va más allá de un concierto: es un intercambio humano, artístico, social.

¿Cómo te imaginas que esta experiencia puede influir en tu próximo trabajo discográfico?

Mi siguiente disco probablemente va a estar marcado por este cruce transatlántico. Imagino canciones que nazcan en Montevideo, o después de eso, con influencias nuevas, con ritmos latinoamericanos filtrados, con colaboraciones uruguayas o más latinoamericanas. También imagino un disco con más amplitud: hablando no solo de mis raíces malagueñas, sino de lo que supone ser una artista viajera, de cómo la ciudad cambia cuando la observas desde lejos y de cómo conecta con otras ciudades. Este intercambio puede ser la chispa para un proyecto más global, más híbrido, más diverso.

Y mirando más allá de noviembre, ¿qué metas te gustaría alcanzar después de este intercambio?

Consolidar una base en Latinoamérica: que mi música no solo suene aquí, sino que también tenga presencia, que el público uruguayo y de otros países latinoamericanos me conozca más. Crear un disco nuevo inspirado por esta experiencia, como te decía, con colaboraciones y ritmos latinos. Seguir participando en ciclos de intercambio o convocatorias similares para tejer redes artísticas internacionales. Aprovechar lo vivido para crecer personalmente y como creadora: llegar a tener mayor madurez, más confianza para tomar riesgos creativos. Seguir tocando en festivales importantes y giras, tanto en España como en Latinoamérica, para que este puente no sea un momento aislado, sino un paso hacia una carrera más internacional.

TAMI TAMAKO irrumpe con fuerza en la escena musical con Jaque mate, un single que confirma su evolución artística y su salto definitivo desde el mundo de la danza y la creación de contenido hacia una carrera como cantante. Nacida y criada en Sevilla pero de origen japonés, Tami ha construido un universo artístico propio que fusiona cultura, movimiento y una potente identidad visual. Su trayectoria, marcada por la disciplina de la danza clásica y la expresividad escénica, encuentra ahora un nuevo canal en esta primera propuesta musical llena de actitud, ritmo y un mensaje de empoderamiento.

Formada en ballet en los conservatorios profesionales de Sevilla y Madrid, y graduada en Coreografía e Interpretación de la Danza, Tami desarrolló una intensa carrera como bailarina antes de abrirse camino también como modelo en campañas, anuncios y eventos. Con la llegada de las redes sociales, descubrió una plataforma donde podía unir todas sus pasiones: la danza, la estética visual y la narración. Su enfoque innovador, su dominio del movimiento y su conexión con la cultura japonesa y coreana la llevaron a crear una comunidad masiva con más de 1,7 millones de seguidores en TikTok, más de 850 mil en Instagram y 1,6 millones de suscriptores en YouTube. Sus famosos dance covers de K-pop y sus contenidos sobre cultura asiática la convirtieron en una figura influyente, capaz de emocionar y entretener en igual medida.

Impulsada por esta conexión con su público y por el creciente interés que generaban sus proyectos artísticos, TAMI TAMAKO ha decidido dar un paso más y debutar como intérprete musical. Jaque mate es la carta de presentación perfecta: una canción vibrante, atrevida y contundente que combina influencias pop y urbanas con una actitud desafiante. La letra narra la ruptura definitiva con una relación tóxica, reivindicando el autocontrol, la fuerza interior y la libertad. Con frases directas como te hice un jaque mate ¡move! ¡boom! o ahora soy invincible, el tema se convierte en un himno empoderador donde Tami despliega personalidad, ritmo y seguridad sobre una base explosiva.

El single destaca por su energía coreográfica, un sello inevitable en la artista, y por su capacidad para transmitir una historia clara a través de imágenes sonoras y visuales. Jaque mate confirma que TAMI TAMAKO no solo domina la puesta en escena, sino que también está preparada para conquistar el panorama musical con propuestas frescas, dinámicas y llenas de identidad.

Jaque mate ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de TAMI TAMAKO, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Sá Bello presenta Reggaeton loco, un single que simboliza un regreso fortalecido y renovado tras años de experiencia sobre los escenarios europeos. El rapero y cantautor ha recorrido clubes italianos en Alemania y otros puntos de Europa interpretando sus propias composiciones, un camino que le ha permitido perfeccionar su estilo y reunir un repertorio lo suficientemente amplio como para llenar varios álbumes completos. A lo largo de su carrera ha trabajado con numerosos productores, explorando sonoridades diversas y afrontando retos de distribución que, en ocasiones, limitaron la visibilidad de su obra debido a la falta de promoción adecuada. Hoy vuelve con energía y con una visión clara: llevar su música más lejos que nunca.

Reggaeton loco surge de esta nueva etapa creativa en la que Sá Bello apuesta por fusionar su esencia urbana con un enfoque innovador. Este lanzamiento demuestra su determinación por expandir sus fronteras artísticas y consolidar un sonido propio dentro del panorama actual. Además, el artista ya tiene planificados varios proyectos futuros que prometen abrir nuevos caminos dentro de este estilo musical, reforzando su compromiso con la evolución constante y la búsqueda de nuevas formas de expresión.

Reggaeton loco ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Sá Bello, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.