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Atk Epop y Mara Velz Vete

ATK Epop regresa con fuerza y elegancia con el lanzamiento de Vete, un tema que combina el pulso electrónico más sutil con la expresividad del flamenco y la calidez de las guitarras españolas. En esta nueva propuesta, las voces de Mara Vélez y Amaia Pop se convierten en el centro emocional de una canción que mezcla sensibilidad, carácter y un poderoso mensaje de empoderamiento.

Vete se construye sobre una producción detallista que apuesta por un sonido contemporáneo y pulido. Las guitarras de A. Moreno aportan un brillo orgánico y cercano, mientras que la base orquestal de percusiones sinfónicas añade un fondo solemne y envolvente que realza la carga emocional del tema. ATK Epop firma así un trabajo que respira modernidad pero mira al sur con respeto, manteniendo su sello de cuidado estético y precisión sonora.

En su letra, Vete se mueve entre la delicadeza y la firmeza, retratando una despedida que no duele por debilidad, sino que libera. Versos como “Qué linda pa’ estar llorando / Ponte linda pa’ que llores / Al diablo con tus temores” resumen la esencia del tema: dejar atrás el peso emocional, recuperar la dignidad y encarar el final de una relación desde la fortaleza personal. El desamor se reinventa aquí en clave flamenco-chill, apelando a un equilibrio entre lo clásico y lo actual que lo vuelve irresistible y cercano.

Con este lanzamiento, ATK Epop confirma su habilidad para crear paisajes sonoros llenos de emoción, estética y una identidad propia que continúa creciendo con cada nuevo proyecto. La combinación con las voces de Mara Vélez y Amaia Pop eleva aún más la propuesta, logrando un tema cálido, elegante y profundamente envolvente.

Vete es una canción para escuchar con calma, dejarse llevar y abrazar un renacer íntimo, incluso cuando toca “volver a ponerse linda aunque duela”. En un momento donde el pop experimental de raíces es cada vez más relevante, ATK Epop aporta una visión luminosa y personal que amplía sus horizontes creativos.

Chema rivas hasta el espacio

Chema Rivas continúa expandiendo su nueva etapa musical con el lanzamiento de Hasta el espacio, un nuevo sencillo que consolida la personalidad vibrante, fresca y divertidamente magnética del artista granadino. Tras el éxito de Astronauta, este segundo adelanto prepara el terreno para su esperado EP El Universo, que verá la luz a finales de año y que promete abrir una nueva dimensión sonora en la trayectoria del cantante. Ya disponible en plataformas digitales, el tema llega como una invitación directa al baile y a la celebración.

Hasta el espacio combina ritmos electro-latinos con la esencia característica de Chema: energía contagiosa, un toque juguetón y el espíritu optimista que ha definido su carrera desde sus inicios. Es una canción que habla de amar sin gravedad, de vivir un momento tan perfecto que parece lanzar a dos personas a orbitar fuera del mundo. Con una producción vibrante y letras que transmiten ligereza, ilusión y esa sensación de flotar, el single se perfila como uno de los himnos bailables de la temporada.

El lanzamiento llega tras un verano exitoso en la gira Megastar Megaparty y LOS40, donde Chema reafirmó su lugar como uno de los talentos imprescindibles del pop latino actual. Sus hits Mil Tequilas, Malagueña o Entre Tú y Yo —este último con más de 105 millones de reproducciones en Spotify y convertido en uno de sus mayores logros— son prueba del impacto que ha ido construyendo paso a paso, disco tras disco, escenario tras escenario.

Con solo 24 años, Chema Rivas se ha convertido en una de las figuras jóvenes más destacadas del panorama musical español. Desde su debut en 2019 con Loco Soñador hasta sus colaboraciones con artistas como Juan Magán, Ptazeta, Lérica o Antonio José, su camino ha estado marcado por la evolución constante, la búsqueda de nuevos sonidos y la conexión directa con su público. Con más de 600 mil oyentes mensuales en Spotify, su combinación de pop latino y elementos electrónicos sigue cautivando a una audiencia en crecimiento.

Ahora, de cara a su primer EP, El Universo, Chema se atreve a ir más allá del urbano y el electrolatino para explorar nuevas texturas, nuevos ritmos y nuevas historias. Hasta el espacio es la prueba de que esta nueva era viene con ambición, energía y el sello personal que lo ha convertido en uno de los nombres imprescindibles de su generación.

Chema Rivas apunta alto, y todo indica que El Universo será el siguiente gran paso en una carrera que no deja de crecer.

Diego Torres Mi norte y mi sur

El cantautor argentino Diego Torres presenta Mi Norte & Mi Sur, su nuevo álbum de estudio bajo el sello Sony Music, una producción vibrante que marca su regreso con fuerza, emoción y ganas de innovar. El disco contiene once canciones y cuenta con destacadas colaboraciones con artistas internacionales como Estopa, Miranda!, Edén Muñoz y Manuel Carrasco, demostrando, una vez más, la vocación de Torres por tender puentes entre géneros y culturas y celebrar quiénes y cómo somos.

El focus track del álbum “Vas a Quedarte”, junto a Manuel Carrasco, es una poderosa balada de amor y esperanza que se estrenará junto a su videoclip oficial. Además, el disco incluye colaboraciones como “Mi Norte & Mi Sur” con Eden Muñoz, que combina el sello pop latino de DiegoTorres con los sonidos del regional mexicano.

También está “Trepando Paredes” con Miranda!, un tema de espíritu juguetón y ritmo contagioso, y “La Última Noche” con Estopa, donde la fusión de estilos se convierte en una celebración de la música iberoamericana.

El álbum refleja la energía renovada de Diego Torres tras varios años de giras, colaboraciones y exploraciones artísticas. Con esta nueva etapa, este ícono del pop latino se muestra más libre y curioso que nunca, experimentando con géneros como el pop alternativo, la bachata y los sonidos acústicos contemporáneos, sin dejar de lado la esencia emotiva y optimista que caracteriza su obra.

“Otra vez la vida me dio la posibilidad de sacar un disco y lanzar música nueva. Este álbum es un viaje por diferentes estilos, diferentes géneros, canciones más íntimas y canciones con más potencia. He trabajado con diferentes productores y ha sido un trabajo donde mucha gente me acompaña aportando también su talento y sus ganas. Estas canciones hablan de la vida, de lo bueno, y de lo malo, tienen emociones que espero que lleguen al corazón de mucha gente. De eso se trata ‘Mi Norte & Mi Sur’”, expresó Diego Torres.

Con este nuevo lanzamiento, que llega después de su disco más reciente ‘Mejor Que Ayer', Diego Torres suma el noveno álbum de estudio de su carrera, consolidando una trayectoria marcada por la búsqueda constante de evolución. En Mi Norte & Mi Sur, el artista logra un balance entre la introspección y la energía festiva, entre la nostalgia y la esperanza, confirmando su capacidad de reinventarse sin perder su autenticidad.

La presentación del disco coincide con una intensa agenda internacional. El sábado 8 de noviembre, Diego Torres fue invitado especial en el show de Edén Muñoz en el Auditorio Nacional de México, para luego viajar a Costa Rica, donde se presentó el 13 de noviembre. El domingo 16 llevará su música al Teatro Nacional de República Dominicana, antes de continuar rumbo a España el 18 de noviembre, donde iniciará una etapa de promoción y conciertos. Finalmente, regresará a Sudamérica presentándose  en el Movistar Arena de Santiago de Chile el sábado 19 de noviembre para luego cerrar su gira en Argentina con 3 conciertos en el Movistar Arena de Buenos Aires.

Con Mi Norte & Mi Sur, Diego Torres reafirma su compromiso con la música que emociona, inspira y une. Un álbum lleno de frescura, colaboraciones soñadas y letras que abrazan las luces y sombras de la vida, recordando por qué sigue siendo una de las voces más queridas y respetadas del pop latino.

Lepanto Siento

El trío andaluz Lepanto continúa desgranando el imaginario de su esperado nuevo álbum Daruma con el lanzamiento de Siento, un cuarto sencillo que reafirma su evolución hacia un pop elegante, emocionalmente expansivo y enriquecido por texturas electrónicas. La canción, producida por Javi Valverde y grabada en los reconocidos Estudios La Viña en Baeza (Jaén), captura el momento más maduro del grupo, que ha logrado consolidar una identidad sonora cada vez más definida dentro de la escena independiente del sur.

Integrado por Manu Carmona, Ángel Peñalver y Juanrra Fernández, Lepanto viene construyendo una trayectoria sólida desde sus trabajos El Duelo (2021), su versión extendida El Duelo 2.0 y el EP Adicción (2021). Ahora, con Daruma, la banda propone una obra conceptual inspirada en el célebre amuleto japonés que simboliza los deseos, la determinación y la perseverancia. Cada canción del álbum actúa como una pieza dentro de un conjunto más amplio, donde conviven paisajes sonoros, simbología oriental y un viaje emocional cargado de significado.

Siento se erige como uno de los pilares de este nuevo proyecto. En ella, Lepanto explora la dualidad entre lo físico y lo emocional, lo fugaz y lo eterno, lo visceral y lo poético. Líneas como “He buscado sanar mi herida / He encontrado mi medicina / Fusión de dos cuerpos / Toki-meki en cada encuentro” trazan un mapa de conexiones humanas que navegan entre la intensidad, la vulnerabilidad y el magnetismo. El estribillo, “Siento toda esa electricidad / Puro magnetismo y yo / Preso de un instante eterno”, encapsula la esencia de la canción: un estallido emocional contenido en una atmósfera de elegancia y precisión melódica.

En este sencillo, la banda desata una electricidad emocional que actúa como chispa fundacional del universo de Daruma. Con una producción impecable y una estética sonora que combina sensibilidad, narrativa y una tensión luminosa, Lepanto transforma la emoción en energía pop, consolidándose como una de las formaciones más personales del panorama alternativo andaluz.

Siento no solo anticipa la riqueza conceptual del próximo álbum, sino que confirma la capacidad del grupo para hacer de cada lanzamiento un pequeño ritual sensorial. Daruma promete ser, en su conjunto, un viaje interior que se expande hacia territorios visuales y sonoros llenos de identidad y profundidad.

Con Siento, Lepanto abre una puerta eléctrica hacia su nueva era, demostrando que su evolución artística está más viva que nunca.

Heartwish i dont wanna let you go

Heartwish vuelve a encender la escena del rock melódico con el lanzamiento de su nueva balada I Don’t Wanna Let You Go, una pieza cargada de fuerza, sensibilidad y una intensidad emocional que se queda en la memoria desde la primera escucha. La banda, formada en 2020 y nacida de la unión creativa entre miembros de Signus y Rick Taylor, reúne a un equipo artístico que combina experiencia, talento y un profundo amor por el género: el compositor Juerg Weibel, el vocalista Ricardo Iglesias, el prestigioso productor Urs Wiesendanger —desde Powerplay Studios— y el virtuoso guitarrista Cyrill Messmer.

Desde su creación, Heartwish ha buscado devolver al público la esencia del rock melódico clásico, ese que combina emociones honestas con melodías envolventes capaces de tocar el corazón y el alma. Con este nuevo lanzamiento, la banda reafirma su identidad sonora, recuperando atmósferas épicas pero cercanas, donde la música funciona como un puente hacia sentimientos duraderos.

I Don’t Wanna Let You Go, estrenada el viernes 7 de noviembre, es mucho más que una balada: es un viaje emocional profundo, construido con pasión y una energía que se percibe en cada compás. La canción explora una historia de amor intensa, descrita como una fuerza arrolladora, eléctrica e imparable, que impacta con la misma potencia que un vendaval. La letra expresa el deseo de aferrarse a un sentimiento que crece con cada latido y que, aun en su vulnerabilidad, se convierte en un refugio poderoso.

La producción desde Powerplay Studios aporta un brillo especial: guitarras cargadas de emoción, una interpretación vocal que transmite anhelo y determinación, y una atmósfera sonora que invita a dejarse llevar sin resistencia. Cada nota lleva al oyente más profundo en una travesía hecha de nostalgia, entrega y un amor que no quiere soltarse.

Con I Don’t Wanna Let You Go, Heartwish confirma que su propuesta musical sigue creciendo con solidez, manteniendo vivo el espíritu del rock melódico mientras añade su propio sello contemporáneo. La banda continúa abriéndose camino como una de las propuestas más destacadas del género en la escena actual.

I Don’t Wanna Let You Go ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Heartwish, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguir a la banda muy de cerca a través de sus redes sociales.

Alpaca in Chief every

El nuevo single de Alpaca-in-Chief, titulado Every Hope I Don’t y lanzado el 6 de noviembre de 2025, llega como una pieza que consolida la identidad musical de un proyecto tan singular como entrañable. Detrás de este concepto se encuentra Daniel, cantautor, graduado de Stanford y fundador de la World Scholar’s Cup, quien ha logrado trazar un puente inesperado entre la academia, el aprendizaje colaborativo y la creación artística. Su trayectoria, marcada por la sensibilidad, el humor y un tono íntimo que despierta complicidad, convierte cada canción en un pequeño universo emocional.

La historia musical de Daniel comenzó como un pasatiempo universitario, cuando escribía canciones ya cargadas de nostalgia a pesar de su juventud, desafinando sin complejos y creyendo con una esperanza inagotable incluso en los momentos en que el corazón se resistía a seguirle el ritmo. Con el tiempo, la música dejó de ser un refugio esporádico para convertirse en un lenguaje vital que invade con alegría todas las áreas de su vida, gracias también a un círculo de amistades que lo ha acompañado con paciencia y entusiasmo.

Every Hope I Don’t surge como una reflexión poética que rescata un fragmento escondido de 1999 con una honestidad que desarma. La canción, enmarcada en un sonido Folk/Acústico, presenta a un Alpaca-in-Chief más contemplativo, revisitando sueños perdidos y emociones que parecían enterradas, pero que regresan con la intensidad suave y luminosa de los recuerdos importantes. La recepción ha sido especialmente cálida: publicaciones especializadas han destacado su autenticidad y su capacidad para conmover desde la primera escucha, reforzando el lugar del artista dentro de una escena que valora la vulnerabilidad como fuerza creativa.

Con este lanzamiento, Alpaca-in-Chief continúa construyendo un repertorio emocionalmente coherente y narrativamente honesto, en el que cada canción funciona como una ventana a sus procesos, sus dualidades y su imaginario personal. Every Hope I Don’t se convierte así en un capítulo imprescindible dentro de su crecimiento artístico, demostrando que la sensibilidad sigue siendo su sello más poderoso.

Every Hope I Don’t ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. 

PORTADA MIGUEL SAEZ KHIARA QUE PENA

Dos de los nombres más representativos del sello Expresión Urbana, Miguel Sáez y Khiara, se unen en una colaboración que promete conquistar al público: “A Tu Medida”, un tema que combina la experiencia y versatilidad del pionero gaditano con la frescura y carisma de una de las voces femeninas más destacadas del pop urbano actual. El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales.

Con una producción impecable y una sensibilidad que traspasa géneros, “A Tu Medida” muestra una faceta distinta tanto de Miguel Sáez como de Khiara. La canción, escrita por Mario Mendes —quien también acompañó a ambos artistas durante su exitosa gira de 2025—, representa un punto de encuentro entre el sentimiento y la madurez artística. En este tema, los intérpretes dan vida a una historia marcada por la complicidad, la nostalgia y la conexión emocional que surge entre dos almas que se entienden “a su medida”.

El prestigioso productor Juanma Leal ha sido el encargado de dar forma al sonido de esta obra musical, aportando una estética pulida y contemporánea que eleva la esencia de la canción. Con arreglos cuidados y una interpretación cargada de emoción, “A Tu Medida” se distancia del registro urbano habitual de los artistas para explorar un terreno más melódico y emocional, sin perder la fuerza que los caracteriza.

“Esta canción tiene algo muy especial. Es una manera de mirarnos musicalmente desde otro lugar, más íntimo y sincero”, comenta Miguel Sáez, quien vuelve a conectar con sus raíces y con ese espíritu pionero que lo llevó a ser el primer artista español en grabar un disco de reggaetón en el país.

Por su parte, Khiara aporta calidez, magia y una interpretación llena de matices que complementa a la perfección la voz y el carácter de Miguel Sáez. La artista, galardonada recientemente con el Premio Talento Latino de Oro como Artista Revelación en los Premios Latino 2025, continúa consolidándose como una de las figuras más prometedoras de la escena musical española.

“A Tu Medida” refleja la sinergia que ambos artistas han desarrollado tras un año de éxitos compartidos sobre los escenarios, donde su química musical y humana se ha traducido en una conexión artística genuina. Es una canción que habla de emociones reales, de madurez y de entender el amor desde la autenticidad, dejando atrás etiquetas y mostrando el alma sin filtros.

“A Tu Medida” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Miguel Sáez y Khiara, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, colaboraciones y proyectos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Mar Lara Hasta los cuernos de la luna

El lanzamiento del primer álbum de Mar Lara, titulado Hasta los cuernos de la luna, marca un hito luminoso en la carrera de una de las artistas más emocionantes y carismáticas que han surgido recientemente de la escena musical mexicana. Originaria de Guadalajara, Jalisco, Mar ha demostrado desde temprana edad una sensibilidad artística extraordinaria: comenzó a componer a los 11 años y, con apenas 17, tomó la valiente decisión de viajar sola a la Ciudad de México para presentarse al casting de La Academia. Su entrega y autenticidad la llevaron a convertirse en una de las 18 seleccionadas de la generación 2024, donde rápidamente se ganó el cariño del público por su carisma, sencillez y talento vocal.

Ese apoyo masivo no solo permaneció tras el programa, sino que se convirtió en el motor de su carrera profesional. Impulsada por su fandom, Mar inició un proyecto de la mano del reconocido productor Stefano Vieni —conocido por su trabajo con figuras como Danna Paola, Paty Cantú y Alejandra Guzmán— con quien lanzó su primer sencillo, Se Tenía Que Terminar. La canción se posicionó en el tercer lugar de iTunes México durante su primera semana y superó las 400 mil reproducciones en YouTube y las 300 mil en Spotify apenas un mes después, consolidando a Mar como uno de los debuts más fuertes de los últimos tiempos en el pop rock en español.

Ahora, con Hasta los cuernos de la luna, Mar Lara materializa un sueño que la acompañó desde niña. El álbum no es solo un conjunto de canciones: es una declaración emocional, un viaje íntimo y un testimonio del camino que la ha traído hasta aquí. En palabras de la propia artista, este disco contiene “una parte de su corazón, de su historia, de sus sentimientos y sueños”. Cada etapa del proceso creativo —componer junto a artistas que admira, enfrentar emociones estancadas, entenderse a sí misma a través de sus letras, grabar entre risas y lágrimas— configuró una experiencia transformadora que marcó un antes y un después tanto en su vida profesional como personal.

El álbum representa para ella el comienzo de todo lo que ha soñado: metas cumplidas, desafíos superados, victorias celebradas y un trayecto que, como ella misma afirma, no se detendrá “hasta llegar a los cuernos de la luna”. Su mensaje de gratitud es profundo y abarca a todo su equipo creativo, a los productores y compositores que caminaron con ella, a su familia y, especialmente, a su fandom —los MAREMOTOS— cuyo apoyo incondicional ha sido fundamental para que este proyecto viera la luz.

Hasta los cuernos de la luna posiciona a Mar Lara como una de las voces jóvenes más prometedoras del panorama latinoamericano. Con su fuerza interpretativa, su autenticidad y su capacidad para conectar con miles de personas, confirma que este es apenas el comienzo de un camino que aspira a llegar muy lejos.

Hasta los cuernos de la luna ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Mar Lara, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Alexis Salgado a tu medida

La cantante y compositora cubanoamericana Alexis Salgado presenta su nuevo sencillo “A Tu Medida”, una colaboración explosiva junto al reconocido músico y productor puertorriqueño Marlow Rosado. Disponible ya en todas las plataformas digitales, el tema combina elegancia, sabor y fuerza interpretativa en una propuesta que rinde homenaje a la autenticidad y al amor propio desde la energía vibrante de la música latina.

Con una fusión impecable de ritmos tropicales, arreglos sofisticados y una interpretación apasionada, “A Tu Medida” refleja la esencia de ambos artistas: la sensibilidad contemporánea de Salgado y la maestría tradicional de Rosado. Juntos, crean una pieza que exalta la conexión entre lo clásico y lo moderno, entre la raíz y la innovación, llevando la salsa a nuevas dimensiones sonoras.

“Esta canción representa la medida perfecta entre el corazón y el ritmo”, comenta Alexis Salgado. “Trabajar con Marlow ha sido un sueño hecho realidad. Su visión musical y su energía han elevado este tema a un nivel que jamás imaginé”.

Marlow Rosado, dos veces ganador del Grammy y figura clave en la evolución de la salsa contemporánea, aporta su experiencia y su sello distintivo a esta colaboración. Reconocido por su virtuosismo y por haber trabajado con artistas de la talla de Ricky Martin, El Gran Combo de Puerto Rico, Yolandita Monge y Elvis Crespo, Rosado ha construido una carrera sólida basada en la excelencia, el respeto por las raíces y la constante innovación musical.

Por su parte, Alexis Salgado continúa consolidándose como una artista integral dentro de la escena latina internacional. Nacida en San Gabriel, California, y actualmente radicada en Miami, Alexis lleva más de una década construyendo una trayectoria que combina pop, R&B, dance y música tropical. Desde sus inicios con el éxito Never Knew —que alcanzó el #1 en el Reino Unido y el #35 en el Billboard Dance Chart de EE.UU.— hasta recientes lanzamientos como Confident o Pegaito, su carrera ha sido una evolución constante marcada por la versatilidad y el empoderamiento artístico.

La colaboración entre ambos artistas no solo celebra la unión de dos generaciones musicales, sino también la fuerza de la creatividad latina que sigue conquistando escenarios internacionales. Con su energía contagiosa y su sofisticada producción, “A Tu Medida” promete convertirse en un tema imprescindible dentro de la nueva ola de salsa y música tropical.

“A Tu Medida” ya está disponible en todas las plataformas digitales, donde puedes escucharla, compartirla y disfrutarla. Si quieres seguir el recorrido artístico de Alexis Salgado, conocer sus próximos lanzamientos y proyectos, no dudes en acompañarla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Julia Medina mi templo

La cantante y compositora gaditana Julia Medina regresa con una de las canciones más íntimas y valientes de su carrera: “Mi templo”, una pieza que abraza la emoción, la honestidad y la fuerza interior como pocas veces antes. Disponible ya en plataformas digitales, este lanzamiento marca un punto de inflexión en la evolución artística de la artista, quien vuelve a situarse en el centro del pop español más emocional y humano.

Lejos de los artificios, Julia desnuda su universo interior en una confesión que transforma la fragilidad en belleza y la vulnerabilidad en poder. “Mi templo” es una reflexión profunda sobre la relación con el propio cuerpo, entendido como refugio, territorio y espacio sagrado. A través de su voz inconfundible —capaz de transitar del susurro más íntimo a la intensidad más desgarradora—, la artista convierte cada verso en una plegaria moderna por la autoaceptación y la reconciliación personal.

“Mi templo es una canción que nace de aprender a mirarse sin miedo, de aceptar lo que somos, con nuestras cicatrices, nuestras luces y nuestras sombras. Es mi manera de decir que el cuerpo no es una cárcel, sino un hogar”, ha compartido Julia Medina sobre el origen de esta composición, que interpreta junto a la cantante mexicana María León.

Musicalmente, el tema se sostiene sobre una producción elegante y contenida: un pop envolvente que respira al compás de la emoción y crece con cada palabra. Su estructura sencilla, casi minimalista, refuerza el protagonismo de la voz y del mensaje, logrando una conexión inmediata con quienes buscan la verdad en lo imperfecto.

Con “Mi templo”, Julia reafirma su madurez artística y emocional. La artista de San Fernando, que cautivó al público tras su paso por Operación Triunfo 2018 —donde quedó en quinta posición—, se consolida como una de las voces más genuinas del panorama musical español. Desde su debut con No dejo de bailar (2019) hasta su segundo álbum Epicentro (2021) y el EP Compañera de viaje (2024), Julia ha demostrado una evolución constante, expandiendo los límites del pop con letras que tocan la fibra más humana.

Su versatilidad también la ha llevado a destacar en televisión, participando en programas como Dúos increíbles (2023) y Tu cara me suena (2024), donde conquistó al público con su carisma y talento, logrando el tercer puesto. Ahora, su mirada está puesta en el Benidorm Fest 2026, donde buscará hacerse con el micrófono de bronce interpretando precisamente esta canción: “Mi templo”.

Con esta nueva etapa, Julia Medina no solo se consolida como una intérprete de gran sensibilidad, sino también como una autora que convierte la emoción en arte y el autoconocimiento en melodía.

“Mi templo” ya está disponible en todas las plataformas digitales, donde puedes escucharla, compartirla y dejarte llevar por su mensaje de fuerza y aceptación. Si quieres seguir el recorrido artístico de Julia Medina, descubrir sus próximos lanzamientos, actuaciones y proyectos, no dudes en acompañarla muy de cerca a través de sus redes sociales.

 thumbnail Baby Yami 2

La artista puertorriqueña Baby Yami (@babyyamioficial) presenta su más reciente sencillo, “La P*ría”, una canción poderosa, visceral y llena de actitud que refleja el proceso de sanación y empoderamiento tras una ruptura amorosa. El tema ya se encuentra disponible en plataformas digitales, marcando el inicio de una nueva etapa en la carrera de esta prometedora voz del pop y la música urbana caribeña.

Con una producción vibrante y una interpretación que equilibra fuerza y sensualidad, “La P*ría” captura el momento exacto en que el dolor se transforma en poder. A través de un sonido moderno y envolvente, Baby Yami combina ritmos urbanos con matices pop, creando un universo musical que invita a la libertad personal y al disfrute sin culpa.

“Este tema representa la fuerza que nace cuando decides sanar y volver a ser tú sin miedo al juicio. Es mi manera de celebrar la libertad personal”, expresó la artista, quien ha encontrado en esta canción una vía para reivindicar la autenticidad femenina frente a las expectativas sociales.

Más allá del título provocador, “La P*ría” es una declaración de independencia emocional. La letra, directa y simbólica, invita a dejar atrás relaciones tóxicas y a reconectar con la identidad propia, mostrando a una Baby Yami más madura, audaz y consciente de su poder.

Originaria de Puerto Rico, Baby Yami se ha ganado el reconocimiento del público por su estilo inconfundible, una mezcla de sensualidad, misticismo y energía urbana. Su propuesta musical y estética la distinguen dentro de la nueva generación de artistas del Caribe, consolidándola como una figura femenina fuerte, carismática y con una visión artística clara.

Actualmente, Baby Yami forma parte del sello Dirty Players, bajo el manejo del reconocido artista Lyanno, quien impulsa su desarrollo artístico y su expansión internacional. Con “La P*ría”, la artista reafirma su posición como una pop star puertorriqueña en ascenso, capaz de combinar vulnerabilidad y determinación en una misma canción.

Su sonido es una fusión de emociones, raíces y modernidad: una experiencia que va más allá de la música y se convierte en un mensaje de autenticidad, libertad y poder femenino.

“La P*ría” ya está disponible en todas las plataformas digitales, donde puedes escucharla, compartirla y sumarte al movimiento de energía y verdad que propone Baby Yami. Para seguir su recorrido artístico, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips y proyectos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Mauyricky Gira

El dúo venezolano Mau y Ricky regresa a España con una propuesta muy especial: una serie de conciertos exclusivos donde presentarán, por primera vez, las canciones de su próximo álbum —aún sin título, porque, según ellos mismos admiten, “no se han puesto de acuerdo”—. Será una experiencia única y cercana que permitirá al público disfrutar de un adelanto de esta nueva etapa musical antes de su lanzamiento oficial.

La gira comenzará el 5 de marzo en la Sala Bikini (Barcelona), continuará el 7 de marzo en la Sala Peter Rock (Valencia) y culminará el 8 de marzo en la Sala BUT (Madrid). Tres citas irrepetibles en formato íntimo, donde los hermanos Montaner prometen compartir su música de una manera más personal, directa y emocional con sus seguidores.

Las entradas estarán disponibles a partir del 13 de noviembre, y se espera una gran demanda, ya que Mau y Ricky cuentan con una sólida base de fans en España y una trayectoria internacional que los respalda como una de las duplas más innovadoras y queridas del pop latino actual.

Una hermandad que se convirtió en sonido
Más allá del éxito, Mau y Ricky representan una conexión fraternal que trasciende la música. Unidos no solo por la sangre sino por una visión artística compartida, el dúo ha sabido construir una identidad musical propia, combinando pop, reggaetón y sonidos alternativos con letras honestas y un sello inconfundible.

Desde sus inicios, los hermanos han demostrado su talento no solo como intérpretes, sino también como compositores. Firmaron algunos de los mayores éxitos del pop latino contemporáneo, como “Vente Pa’ Ca” de Ricky Martin y Maluma, y “Sin Pijama” de Becky G & Natti Natasha —tema certificado con 13 discos de diamante en Latinoamérica y reconocido por Rolling Stone como una de las “100 mejores canciones de reggaetón de todos los tiempos”—.

Con su último trabajo, “Hotel Caracas” (2024), Mau y Ricky llevaron su arte a un nuevo nivel. El álbum, producido junto al ganador del GRAMMY® Malay (Frank Ocean, Lorde) y con colaboraciones de JP Saxe y John The Producer, fue grabado entre Los Ángeles, República Dominicana, Nueva York, Miami y Venezuela. El proyecto recibió tres nominaciones a los Latin GRAMMYs, fue incluido entre los 24 mejores discos del año por Billboard y destacado por Rolling Stone como uno de los 50 mejores álbumes del año.

Ahora, los artistas se preparan para abrir un nuevo capítulo en su carrera con este próximo álbum que promete redefinir sus límites creativos y emocionales. En palabras de los propios Mau y Ricky, esta nueva era “no solo se trata de hacer música, sino de compartir lo que somos, sin filtros, desde la raíz hasta el corazón”.

Fechas confirmadas:

5 de marzo – Barcelona (Sala Bikini)

7 de marzo – Valencia (Sala Peter Rock)

8 de marzo – Madrid (Sala BUT)

Las entradas estarán a la venta este 13 de noviembre. Una oportunidad única para presenciar de cerca a uno de los dúos más carismáticos y talentosos de la música latina, en un formato íntimo que promete emociones, cercanía y mucha música nueva.

Yadira Zoo 7

La artista puertorriqueña Yadira Zoo continúa deslumbrando con una propuesta musical tan singular como profunda, donde lo místico, lo emocional y lo eléctrico se funden en una experiencia sensorial única. Conocida entre sus seguidores como “Yadira y el Zoológico”, la cantante ha construido un universo artístico propio en el que cada canción se convierte en un viaje de introspección, energía y conexión espiritual.

Su nuevo sencillo, “Luces de Cristal”, llega como un adelanto de su esperado álbum “Sobrenatural”, previsto para 2026. Este lanzamiento marca el inicio de una nueva etapa en la evolución musical de Yadira, donde su característico pop alternativo se fusiona con atmósferas electrónicas y arreglos acústicos que potencian su mensaje introspectivo.

“Este álbum nace de mis propias experiencias espirituales y de cómo aprendí a bailar con lo que no se ve, pero se siente”, comparte Yadira Zoo. “Cada canción es una manifestación del alma, una conversación entre la luz y la oscuridad, pero siempre desde el amor y la energía que nos conecta a todos”.

“Luces de Cristal” destaca por su sonido envolvente y su capacidad para crear imágenes sonoras que transportan al oyente a un espacio donde lo tangible y lo invisible se entrelazan. Su producción, moderna y etérea, logra capturar la dualidad emocional que caracteriza a la artista: la fuerza y la fragilidad, la oscuridad y la luz, lo humano y lo divino.

El tema no solo anticipa el concepto de Sobrenatural, sino que consolida la visión estética de Yadira Zoo, que combina elementos místicos y futuristas en una propuesta coherente y profundamente artística. En cada uno de sus proyectos, Yadira convierte la música en un espacio ritual donde la emoción se transforma en energía y la vulnerabilidad en poder.

Originaria de Puerto Rico, Yadira Zoo se ha ganado el reconocimiento del público por su estilo innovador y su autenticidad. Su música transita entre el pop alternativo, la electrónica y el soul experimental, explorando los límites entre lo espiritual y lo humano. Con una presencia escénica magnética y una sensibilidad artística única, se posiciona como una de las voces más prometedoras y visionarias de la nueva generación musical caribeña.

“Luces de Cristal” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Yadira Zoo, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales como @yadirayelzoologico.

Doble El Elegido 1

El productor y compositor puertorriqueño Doble El Elegido continúa dejando una huella imborrable en la música urbana con el lanzamiento de su nuevo single “Intro: MEIN LEBEN”, una colaboración monumental que reúne a algunas de las figuras más destacadas del género: Hanzel La H, Luar La L, Hades66, Kendo Kaponi, iZaak, Baby Johnny, Momia, Juanka, Jouseph Yadiel, Noriel, Macho 23, Ñengo Flow y Omy de Oro. El tema ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales.

Con una energía arrolladora y una carga emocional que traspasa la pantalla, “Intro: MEIN LEBEN” se erige como una declaración de principios, un manifiesto musical que celebra la lucha, la resistencia y la verdad de la calle. Cada artista deja su sello personal en una canción que fusiona dureza, lirismo y autenticidad, bajo la dirección creativa de Doble El Elegido, quien ha convertido su historia en una fuente de inspiración para toda una generación.

“Forjado entre el talento, la calle y la superación”, Doble El Elegido —nombre real José Luis Velázquez Maldonado— se ha consolidado como una de las mentes más influyentes de la música urbana contemporánea. Su visión artística trasciende el simple concepto de productor: transforma vivencias reales en arte, dando voz a quienes han tenido que levantarse una y otra vez frente a la adversidad.

“Este tema representa a los que nunca se rindieron. A los que se cayeron, pero se levantaron con más fuerza”, afirma el propio Doble. “Cada línea es verdad. Cada barra viene de la vida real”.

A lo largo de su carrera, Doble El Elegido ha trabajado junto a grandes nombres como Don Omar, Chencho Corleone, Almighty, Pacho Alqaedas, Luar La L y Jadiel El Tsunami, participando en éxitos como “Ranking”, “Traqueto”, “Bonnie & Clyde” y “Baby Boo”. Sus producciones le han valido discos de platino RIAA, posiciones #1 en Latin Airplay y nominaciones a los Premios Billboard Latinos, consolidando su prestigio como uno de los arquitectos sonoros más respetados del movimiento.

El lanzamiento de “Intro: MEIN LEBEN” llega acompañado de un videoclip oficial dirigido por Daniel Shaw, una pieza visual con estética urbana y cinematográfica que potencia el mensaje del tema: la calle no es solo lucha, también es legado, unión y verdad.

“Intro: MEIN LEBEN” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Doble El Elegido y descubrir más sobre sus próximos lanzamientos, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Jhay P Greeicy le pedi a dios

El talento emergente Jhay P, una de las promesas más sólidas del género urbano colombiano, se une a la reconocida estrella internacional Greeicy en su nuevo single “Le pedí a Dios”, una canción que combina sensibilidad, fe y ritmo en una propuesta musical que promete conquistar al público latino. El tema, lanzado el 12 de noviembre de 2025, marca un encuentro generacional y artístico entre dos voces que representan la nueva y la consolidada cara del pop urbano de Colombia.

Con una atmósfera cálida y melódica, “Le pedí a Dios” fusiona el estilo urbano característico de Jhay P con la dulzura y potencia vocal de Greeicy, creando un equilibrio entre lo romántico y lo espiritual. La canción habla de un amor que llega como respuesta a una súplica, una historia en la que el destino y la fe se entrelazan sobre un beat urbano de producción moderna, cargado de emoción y frescura.

La colaboración surgió de una manera muy orgánica: todo comenzó cuando Jhay P publicó en TikTok un fragmento de la canción invitando a Greeicy a participar. La respuesta de la artista no tardó en llegar, y juntos decidieron darle vida a esta emotiva pieza que combina lo mejor de ambos mundos musicales. El resultado es un tema que refleja autenticidad y esperanza, dos elementos que conectan profundamente con el público.

Jhay P —nombre real Juan Pablo García Vélez— continúa consolidándose como una de las voces más prometedoras de Medellín. Con su primer EP “Que No Se Asusten” (Q.N.S.A), el joven artista demostró su versatilidad y su capacidad para transmitir emociones desde el género urbano, oscilando entre el reggaetón melódico y el trap. A sus colaboraciones con artistas como Feid y su participación como telonero en conciertos de Karol G, se suma ahora esta poderosa alianza con Greeicy, que representa un salto importante en su carrera.

Por su parte, Greeicy Rendón continúa demostrando por qué es una de las artistas más completas del panorama latino. Tras el éxito de su álbum “Yeliana” (2024) y su trayectoria repleta de hits como “Amantes”, “Más Fuerte” y “Jacuzzi”, la cantante caleña aporta a “Le pedí a Dios” su inconfundible calidez y carisma, sumando un toque de madurez emocional y conexión espiritual que eleva el mensaje de la canción.

Con esta colaboración, Jhay P y Greeicy entregan una historia de amor que trasciende lo terrenal y celebra el poder de la fe, la esperanza y la conexión entre dos almas. “Le pedí a Dios” es, sin duda, una de las uniones más esperadas del año dentro del género urbano colombiano y una muestra del talento que sigue floreciendo en la escena musical del país.

“Le pedí a Dios” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Jhay P y Greeicy, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Georgina guapisima

La reconocida cantante y compositora Georgina León Barrios, conocida artísticamente como Georgina, regresa con “Georgina”, un nuevo single con el que se adentra en una etapa profundamente personal y artística. En esta canción, la artista venezolana afincada en España firma la letra, la música y la dirección del videoclip, reafirmando su independencia creativa y su madurez como autora y productora.

“Georgina” es más que una canción: es una declaración de identidad. Con una base pop llena de energía y una producción moderna y elegante a cargo de Antonio Araez y Alberto Belando, el tema fusiona la calidez de la voz de Georgina con un sonido vibrante que celebra la autenticidad, la autoaceptación y la libertad emocional. Es una invitación a mirarse al espejo sin miedo, a reconocerse en la vulnerabilidad y en la fuerza que habita dentro de cada uno.

El videoclip, también dirigido y montado por la propia Georgina, fue rodado en el pabellón principal del Polideportivo de Benalmádena Pueblo y cuenta con la participación especial del club de gimnasia Benalrítmica. Con una estética cuidada y un lenguaje visual poético, el vídeo combina el movimiento, la luz y la danza como símbolos de crecimiento personal y conexión con uno mismo. La dirección de arte y asistencia de dirección corrió a cargo de Paula Posadas, con Jorge Parejo en cámara y arte, y Jon Corres en talonaje, color y postproducción, logrando una pieza visual que complementa a la perfección la esencia emocional del tema.

Con una trayectoria que abarca más de dos décadas, Georgina continúa demostrando su talento y versatilidad. Desde sus inicios en el dúo Tisuby & Georgina hasta su consolidación como una de las voces más personales del pop en español, la artista ha construido un camino sólido en el que destacan discos como Ensayo y error, Rara, Dilema y Bienvenido a mi habitación. Su estilo, siempre marcado por la honestidad y la emoción, encuentra en “Georgina” una nueva forma de expresión: íntima, luminosa y profundamente humana.

Con este lanzamiento, la cantante reafirma su lugar en la escena musical actual, combinando sensibilidad, madurez artística y una mirada introspectiva que conecta con el público desde la verdad.

“Georgina” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Georgina, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

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El productor sevillano ATK Epop y la cantante Valeria C vuelven a unir fuerzas en Nunca se pondrá el sol, una poderosa pieza de pop electrónico que combina emoción, energía y esperanza. La canción, que da nombre al próximo EP de Valeria C, marca un nuevo capítulo en la evolución artística de ambos y consolida su conexión creativa, tejida a base de sensibilidad musical y una visión compartida sobre el poder transformador de la música.

Nunca se pondrá el sol es un himno contemporáneo que brilla por su equilibrio entre la fuerza de la electrónica y la calidez del pop emocional. La producción, a cargo de ATK Epop, destaca por su elegancia y profundidad: sintetizadores envolventes, ritmos hipnóticos y una atmósfera luminosa que sostiene la interpretación de Valeria C, una voz que transmite vulnerabilidad y determinación a partes iguales.

La letra de la canción se mueve entre la melancolía y la esperanza, reflejando la fe en que, incluso en medio de la oscuridad o del desamor, la luz siempre encuentra la manera de volver. Versos como “Aunque la luz se apague / Aunque la noche venga / Aunque el amor nos mienta / No, nunca se pondrá el sol” encapsulan ese mensaje de resistencia emocional y renacimiento.

Este nuevo lanzamiento no solo anticipa el universo sonoro del próximo EP de Valeria C, sino que también reafirma la capacidad de ATK Epop para explorar nuevos territorios dentro del pop electrónico, fusionando lo íntimo con lo expansivo y lo humano con lo digital. Juntos, han creado un tema que invita a bailar, sentir y mirar hacia adelante con esperanza.

Con Nunca se pondrá el sol, ambos artistas logran encender una llama emocional dentro del panorama pop alternativo, ofreciendo una propuesta sofisticada, honesta y profundamente inspiradora.

Nunca se pondrá el sol ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de ATK Epop y Valeria C, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Fer Ariza y Nacho Bailaito

El talentoso artista colombiano Fer Ariza y el reconocido cantautor venezolano Nacho unen fuerzas en Bailaíto, un álbum colaborativo que celebra la conexión entre dos generaciones de la música latina. Con una mezcla vibrante de merengue urbano, pop y ritmos tropicales contemporáneos, el proyecto promete conquistar las pistas de baile y el corazón del público internacional.

Compuesto por seis temas —Bailaíto (Intro), Niña bonita 2 (Fer Ariza x Chyno & Nacho), Calipso, LPTNH (Love pa ti no hay), Es mejor decir adiós y No es un despecho cualquiera— el álbum despliega una propuesta fresca y llena de energía, donde cada canción combina letras pegajosas, producción moderna y una irresistible esencia caribeña.

La producción estuvo a cargo de D-ONE, quien logra capturar la identidad de ambos artistas y consolidar un sonido moderno, dinámico y bailable. Entre los temas más destacados se encuentran Love pa ti no hay y Niña bonita 2, una reinvención del clásico que marcó una época, ahora reimaginado junto a Fer Ariza para una nueva generación de oyentes.

Bailaíto representa mucho más que una colaboración: es un encuentro entre estilos, culturas y épocas que demuestra cómo la música puede evolucionar manteniendo viva su esencia. La combinación de Nacho, una de las voces más reconocidas del pop latino, con Fer Ariza, conocido como el Rey del Merengue Urbano, da como resultado un álbum lleno de sabor, emoción y frescura.

Bailaíto ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Fer Ariza y Nacho, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Juan Gutii

El talentoso guitarrista, productor y compositor Juan Gutii lanza su nuevo single Eternal Salvation (feat. Dave Rude, Steve Brown & Venezuela Strings Recording Ensemble), una pieza instrumental que combina virtuosismo, emoción y una atmósfera cinematográfica llena de matices. El tema se eleva como un amanecer sonoro, con guitarras que parecen pintar el horizonte a base de notas y sentimiento puro.

En Eternal Salvation, Juan Gutii despliega su dominio técnico y su sensibilidad artística para crear una balada instrumental con alma de blues y esencia ochentera. La canción fluye con un pulso emocional constante, donde cada acorde cuenta una historia y cada solo se convierte en un diálogo íntimo entre tres guitarras que respiran al unísono. Acompañado por Dave Rude y Steve Brown, ambos miembros de la mítica banda multiplatino Tesla, el tema alcanza una dimensión épica en la que la pasión y la musicalidad se funden con una naturalidad conmovedora.

Las guitarras de Gutii, Rude y Brown se entrelazan en un lenguaje universal de melodía y emoción, mientras el Venezuela Strings Recording Ensemble aporta un fondo orquestal que engrandece la composición y la llena de profundidad. Las cuerdas elevan cada frase melódica, convirtiendo la pieza en una experiencia casi espiritual. Es una canción donde la luz y la esperanza emergen entre notas de introspección, invitando al oyente a un viaje interior.

Reconocido profesionalmente como Juan Gutii, el artista ha construido una sólida trayectoria en la música internacional. Graduado de Full Sail University en Music Production y Music Business, comenzó su recorrido artístico a los nueve años tocando violín clásico en orquestas sinfónicas, antes de encontrar en la guitarra su instrumento de expresión definitiva. Su talento ha sido elogiado por leyendas como Joe Satriani, Nuno Bettencourt (Extreme) y Joel Hoekstra (Whitesnake), con quienes comparte la pasión por la técnica impecable y la emoción honesta.

Bajo la mentoría de Dave Rude y Joel Hoekstra, Juan Gutii ha desarrollado una carrera como productor musical, guitarrista de sesión y compositor, colaborando con artistas nominados y ganadores del Grammy. Con Eternal Salvation, consolida su nombre dentro de la escena instrumental contemporánea, demostrando que su música no solo se escucha, sino que se siente.

Eternal Salvation ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Juan Gutii, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Chris Waggoner carry me back to california

El cantautor Chris Waggoner presenta su nuevo single Carry Me Back To California, una emotiva canción que entrelaza recuerdos, despedidas y renacimientos a través de una historia profundamente personal. El tema, que nació hace décadas en el corazón del artista, encuentra ahora su versión definitiva como un tributo lleno de nostalgia, amor y esperanza.

La semilla de Carry Me Back To California germinó en 1985, cuando Waggoner, junto a su entonces bajista, escribió la primera línea de la canción en Cotati, California. Aquella idea inicial se quedó grabada en su memoria, y con el paso de los años se transformó en una obra completa que captura el espíritu de su viaje vital. Más allá de su valor musical, la canción representa un homenaje a la hermana mayor del artista, Cathy, fallecida en 2018. Ella nació, creció y formó su vida en un pequeño pueblo del norte de California, rodeada de su familia y del amor que dejó como legado.

“Esta canción habla de la pérdida y el renacimiento”, comparte Waggoner. “Es una mirada hacia atrás, a la infancia, a los recuerdos familiares y a la manera en que el amor sigue vivo incluso después de la ausencia”. Con esa sinceridad, el tema se convierte en una reflexión íntima sobre cómo el dolor puede transformarse en una nueva forma de conexión y esperanza.

Producida y grabada por Dave Haeker, la pieza cuenta con un sólido equipo de músicos que aportan profundidad y calidez a su sonido: James Gier en guitarras acústicas y eléctricas, Brian Theodorson en teclados, Jamie Fee al saxofón, John Hyndman en el bajo, y Dave Haeker también a cargo de la percusión y la batería. Los coros de Autumn Haeker y el propio Haeker completan un conjunto que equilibra delicadeza y emoción en cada compás.

Con Carry Me Back To California, Chris Waggoner ofrece una obra de madurez artística, donde la melancolía se entrelaza con la gratitud y la memoria. Es una canción que invita a detenerse, escuchar y recordar, pero también a celebrar la belleza de los lazos que perduran a pesar del tiempo.

Carry Me Back To California ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas.

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La icónica Plaza de Toros de Córdoba se transformará este otoño en un recinto cálido y acogedor para acoger una nueva temporada de conciertos. Y serán Los Caños quienes inauguren este ciclo con su esperada gira de reencuentro 20 años pensando en ti, que los traerá a la ciudad el 15 de noviembre de 2025.

Han pasado ya 25 años desde que aquel trío de jóvenes gaditanos irrumpiera en la escena musical española con un sonido fresco, cercano y lleno de emoción. Su llegada marcó a toda una generación gracias a éxitos inolvidables como Niña piensa en ti, Bailar en tu boca o Tú no sabes, canciones que se convirtieron en auténticos himnos del pop español de principios de los 2000.

Con más de un millón de discos vendidos y varios Discos de Oro y Platino, Los Caños dejaron una huella imborrable en la música española. Su álbum debut Los Caños (2000) los catapultó al éxito, seguido de Agua de luna (2002), Los locos somos así (2003) y la recopilación Lo mejor de Los Caños (2005). Además, fueron galardonados con el Premio Amigo al Artista Revelación y el Premio al Artista Andaluz del Año, consolidándose como uno de los fenómenos musicales más recordados del país.

Tras su separación, cada uno de sus integrantes siguió su propio camino, siempre vinculados a la música. Kiko continuó su carrera junto a su hermana en el dúo Kiko & Shara, con el que volvió a conquistar al público y a consolidar un estilo propio que marcó una nueva etapa de éxito. Javi, por su parte, se trasladó a Suiza, donde ha continuado componiendo y apoyando a jóvenes talentos, mientras que Juande ha permanecido muy ligado al mundo musical desde la gestión de proyectos y eventos en directo.

Ahora, dos décadas después, Los Caños regresan para reencontrarse con su público y revivir la magia de aquellas canciones que marcaron una época. La cita en Córdoba promete ser una noche de emoción, nostalgia y celebración, en la que miles de fans volverán a cantar juntos los temas que acompañaron su juventud.

La gira “20 años pensando en ti” de Los Caños llegará a la Plaza de Toros de Córdoba el 15 de noviembre de 2025, dando inicio a una nueva etapa llena de recuerdos, música y emoción compartida.

Dulce María gracias

Dulce María, una de las artistas más queridas e influyentes del pop latino, vuelve a la escena musical con “G.R.A.C.I.A.S.”, un sencillo profundamente personal que celebra la resiliencia, la gratitud y la capacidad de transformar el dolor en crecimiento. El tema, lanzado en noviembre de 2025, marca una nueva etapa en la carrera de la cantante y compositora mexicana, consolidándola como una artista que sigue evolucionando sin perder su esencia.

Tras casi tres décadas de trayectoria en la industria del entretenimiento, Dulce María ha demostrado una inquebrantable conexión con su público. Desde sus inicios en Plaza Sésamo y el grupo Kids, pasando por su estallido internacional con RBD, hasta sus proyectos en solitario, su carrera ha sido un reflejo de constancia, pasión y autenticidad. Con “G.R.A.C.I.A.S.”, la intérprete de éxitos como “No Sé Llorar” y “Te Daría Todo” abre una ventana íntima a su mundo interior, compartiendo una historia de sanación y esperanza.

El título, escrito con puntos entre cada letra, simboliza un proceso: cada inicial representa un paso en el camino hacia el agradecimiento, un recordatorio de que incluso los momentos más difíciles dejan enseñanzas valiosas. En sus propias palabras, Dulce ha descrito la canción como “una manera de dar las gracias a todo lo vivido, incluso a lo que dolió, porque de ahí nació algo más fuerte y más consciente”.

En lo musical, “G.R.A.C.I.A.S.” combina un sonido pop moderno con matices acústicos y electrónicos que realzan la emotividad de su voz. La producción mantiene la calidez que caracteriza sus trabajos más recientes, pero con un enfoque más introspectivo, cercano y maduro. La letra invita a reflexionar sobre la importancia de aceptar las heridas del pasado y transformarlas en luz, con frases que resuenan como mantras de fortaleza y gratitud.

Este lanzamiento llega tras un periodo de introspección personal y profesional para Dulce María, quien en los últimos años ha equilibrado su rol de artista, madre y creadora independiente. “G.R.A.C.I.A.S.” surge precisamente de ese equilibrio, como un testimonio de crecimiento y un homenaje a quienes han permanecido a su lado en cada etapa.

Con este tema, la exintegrante de RBD reafirma su posición como una figura icónica del pop latino contemporáneo, capaz de reinventarse sin perder su autenticidad. Más que una canción, “G.R.A.C.I.A.S.” es una declaración de vida: una invitación a mirar hacia atrás con compasión, a sanar con amor y a agradecer incluso las caídas que nos impulsan a levantarnos más fuertes.

“G.R.A.C.I.A.S.” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Dulce María, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Cover art Monotonia

El DJ y productor más influyente de la bachata europea, DJ Khalid, vuelve a sorprender con el lanzamiento de Monotonía, su nueva colaboración junto a Vinny Rivera y DerekVinci. Una propuesta elegante, sensual y contemporánea que reafirma su posición como uno de los grandes impulsores del género a nivel internacional.

Con una trayectoria consolidada y una proyección en constante crecimiento, DJ Khalid se ha ganado el reconocimiento del público y de la industria como el DJ #1 de bachata en Europa. Su nombre es sinónimo de innovación, energía y conexión, llevando su música a los principales festivales del mundo y redefiniendo la manera en que se vive y se baila la bachata.

En Monotonía, los tres artistas presentan una versión moderna y sofisticada del género, donde los ritmos caribeños se mezclan con una producción envolvente y contemporánea. La interpretación de Vinny Rivera aporta el toque romántico y emocional que caracteriza su estilo, mientras que DerekVinci suma su energía característica y un brillo urbano que eleva la propuesta a otro nivel. El resultado es una bachata sensual, fresca y profundamente elegante, perfecta para las pistas y para quienes disfrutan del género con una mirada moderna.

Este lanzamiento, producido bajo el sello EQS Música, consolida la colaboración entre DJ Khalid y DerekVinci, una dupla que continúa expandiendo los límites de la bachata hacia nuevas audiencias. Juntos han logrado proyectar desde Europa una visión global del género, apostando por la calidad, la innovación y la fusión de culturas.

Fiel a su estilo, DJ Khalid combina en Monotonía la elegancia del sonido europeo con la calidez y sensualidad caribeña, creando una experiencia auditiva única que invita a dejarse llevar por el ritmo y la emoción.

Monotonía ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de DJ Khalid, Vinny Rivera y DerekVinci, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Grupo firme QTQB

Grupo Firme, una de las agrupaciones más queridas y exitosas de la música regional mexicana, vuelve a conquistar al público con su nuevo sencillo Que Te Quieran Bonito, una emotiva colaboración con el cantante sinaloense Luis Alfonso Partida “El Yaki”. El tema, cargado de sentimiento y verdad, es una balada ranchera que habla del amor que sabe soltar, de la despedida que no guarda rencor y del deseo sincero de ver feliz a quien se ama, incluso si es con otra persona.

Desde los primeros acordes, Que Te Quieran Bonito se perfila como una de esas canciones que tocan el alma. Con la voz inconfundible de Eduin Caz y la potencia interpretativa de El Yaki, el tema se convierte en una declaración de madurez emocional: aceptar la pérdida sin resentimiento, y desear lo mejor al amor que se fue. “Yo prefiero verte feliz aunque no sea conmigo… que te quieran bonito, que no te hagan llorar, que no te falte nada”, dice el estribillo con una mezcla de nostalgia y esperanza que solo Grupo Firme puede transmitir con tanta autenticidad.

La colaboración con Luis Alfonso Partida “El Yaki” potencia el carácter emotivo de la canción, fusionando dos estilos que comparten raíz y corazón. Ambos artistas, con profundas conexiones al norte de México, logran una química vocal y musical impecable, donde la ranchera romántica se viste de sentimiento contemporáneo y arreglos impecables.

Que Te Quieran Bonito también refuerza el momento dorado que vive Grupo Firme. Formados en Tijuana el 19 de marzo de 2013, con raíces profundamente sinaloenses, la agrupación ha pasado de los corridos underground a llenar estadios con una versatilidad artística que los ha convertido en fenómeno continental. Bajo la dirección de su mánager Isael Gutiérrez y la compañía Music VIP Entertainment Inc., Grupo Firme ha logrado un ascenso imparable, marcando récords de asistencia y ventas en México, Estados Unidos y América Latina.

Su actual gira, La Última Peda Tour 2024, ha sido un rotundo éxito, con prácticamente todas sus fechas agotadas. El grito de “¡Y puro Grupo Firme!” se escucha cada fin de semana en los escenarios más grandes del continente, confirmando que el grupo no solo sigue vigente, sino más fuerte que nunca.

Con Que Te Quieran Bonito, Grupo Firme y El Yaki entregan una joya del desamor, un himno para quienes entienden que dejar ir también puede ser una forma de amar. Una canción que se siente cercana, real y profundamente humana, interpretada con el sello inconfundible de dos voces que saben contar historias que nacen del corazón.

Que Te Quieran Bonito ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Grupo Firme y Luis Alfonso Partida “El Yaki”, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Raul Camacho la boda

El cantante y compositor andaluz Raúl Camacho presenta La Boda, una canción que irradia emoción, ternura y verdad, consolidando su identidad como una de las voces más sinceras y prometedoras de la nueva escena musical española. Con su inconfundible estilo, el artista fusiona la raíz flamenca de su tierra con un sonido pop moderno y elegante, dando vida a un tema que celebra el amor en su forma más pura y luminosa.

Desde los primeros versos, La Boda se siente como una declaración de sentimientos genuinos. Con frases que retratan la magia del encuentro, la certeza del amor y la promesa de un futuro compartido, la canción envuelve al oyente en una historia romántica contada con sencillez y alma. “Llegaste a mi vida cuando no lo esperaba / nos faltaron minutos, nos sobraron palabras”, canta Camacho con una voz llena de calidez, recordándonos que el amor verdadero aparece cuando menos lo imaginamos.

El tema combina melodías dulces con una producción pulida y contemporánea que mantiene la esencia de Raúl Camacho: emoción, cercanía y raíces. Su interpretación, cargada de sentimiento, hace de La Boda una canción perfecta para acompañar esos momentos donde la música se convierte en un reflejo del alma.

Nacido en Bailén (Jaén) en 1995, Raúl Camacho es un artista autodidacta que ha sabido ganarse el corazón del público a base de autenticidad. Desde su debut en 2019, ha conectado con miles de oyentes y acumula millones de reproducciones en todo el mundo. Su éxito como compositor de La Magia, interpretada junto a Galván Real, lo llevó a recibir disco de oro, platino y doble platino, reafirmando su talento y su capacidad para emocionar a través de las palabras.

Bajo el sello Sound Blaster Record, Raúl Camacho continúa construyendo un proyecto sólido y lleno de verdad, donde la emoción y la raíz flamenca se entrelazan con el pop actual. La Boda es una muestra más de esa búsqueda constante de equilibrio entre tradición y modernidad, entre la pasión y la calma, entre el amor y la música.

La Boda ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Raúl Camacho, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Manuel Medrano Serpiente

El cantautor colombiano Manuel Medrano regresa con fuerza con Serpiente, uno de los temas más destacados de su nuevo álbum Superior, un trabajo con el que celebra una década de carrera musical y reafirma su lugar como una de las voces más auténticas y sensibles del pop latino contemporáneo.

En Serpiente, Medrano explora el magnetismo de los amores intensos, esos que deslumbran y duelen al mismo tiempo. Con una producción elegante y un sonido pop sofisticado, el artista describe una relación adictiva, seductora y venenosa, en la que el deseo se confunde con el peligro. “He caído en tu trampa otra vez. Eres como una serpiente que me ha vuelto a morder. Puedo sentir todo ese veneno por toda mi piel... Soy adicto a tu veneno, estoy adicto a ti. Pero no me importa, porque lo nuestro por siempre será eterno”, canta Medrano con una mezcla de vulnerabilidad y poder que conecta de inmediato con el oyente.

Serpiente encarna a la perfección la esencia dual de Superior, un álbum que combina introspección y celebración, pasión y madurez. El disco —lanzado en noviembre de 2025— no solo marca los diez años de trayectoria del artista, sino que también representa un punto de evolución creativa: un sonido más pulido, emocional y atrevido, en el que Manuel Medrano se atreve a explorar los límites del amor, la entrega y la libertad artística.

Desde su irrupción en la escena musical con su álbum debut Manuel Medrano (2015), el artista cartagenero ha conquistado corazones en toda Latinoamérica y más allá. Su voz inconfundible, su habilidad para transmitir emoción en cada verso y su autenticidad lo llevaron a ganar dos Latin Grammy, en las categorías de Mejor Nuevo Artista y Mejor Álbum Cantautor. Con el paso del tiempo, Medrano ha demostrado una versatilidad admirable, pasando de la balada romántica al pop alternativo sin perder su sello personal.

En Serpiente, esa madurez artística se siente en cada acorde. Es una canción que atrapa, seduce y deja huella, un reflejo del magnetismo emocional que ha caracterizado toda su obra. Con este nuevo lanzamiento, Manuel Medrano sigue construyendo una carrera sólida y emocionalmente honesta, donde cada canción se convierte en una ventana a su mundo interior.

Serpiente ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Manuel Medrano, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

OZZY amber

El artista y productor OZZY presenta su primer single, Amber, una pieza hipnótica y envolvente que marca el inicio de un universo sonoro profundamente emocional. Con una producción moderna y cuidada al detalle, el tema se mueve entre el pop atmosférico y el R&B alternativo, tejiendo una experiencia íntima y expansiva a la vez.

Desde los primeros compases, Amber atrapa con sus texturas exuberantes, sus ritmos hipnóticos y una voz que transmite vulnerabilidad y deseo en equilibrio perfecto. La canción captura ese espacio intermedio entre la añoranza y la liberación, entre lo que se retiene y lo que se deja ir. Es una propuesta ideal para quienes buscan dejarse llevar por una atmósfera envolvente y sofisticada, donde cada sonido parece respirar con intención propia.

OZZY, nombre artístico del creador estadounidense Isaac Buna, con raíces en Carolina del Norte y Nueva York, apuesta por un sonido que difumina los límites entre la melancolía pop y el R&B más introspectivo. Su música, de tintes cinematográficos, invita al oyente a sumergirse en paisajes sonoros donde la emoción se mezcla con la elegancia. Con Amber, OZZY presenta una carta de presentación que evoca la sensibilidad de artistas como Johnny Yukon, The Weeknd o James Blake, pero con una identidad claramente personal.

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Este debut no solo introduce a un artista con un oído refinado para la producción, sino también a un narrador de emociones que busca conectar desde lo más profundo. Amber es el primer capítulo de una historia que promete explorar la dualidad entre la oscuridad y la luz, el deseo y la calma, lo íntimo y lo inmenso.

Amber ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de OZZY, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Ganorabakoak hau estresa

Ganorabakoak vuelve a sorprender con una propuesta tan divertida como ingeniosa. Su nuevo single, Hau Estresa!, transforma la pereza en poesía y convierte las dudas vacacionales en una oda al dolce far niente. Lejos de cualquier drama, la canción celebra con humor ese “infierno” veraniego en el que elegir entre playa o piscina, siesta o paseo, se convierte en un dilema existencial.

Con una mezcla irresistible de ironía, ritmo latino y alma funk, Hau Estresa! se presenta como una parodia con ritmo y sonrisa. Su groove contagioso fluye con naturalidad, invitando al oyente a reírse de sí mismo y a moverse sin pensar demasiado. Las estrofas narran, con tono burlón y cercano, las pequeñas tragedias del descanso estival, mientras el estribillo —pegadizo y juguetón— celebra el absurdo de la indecisión con alegría y complicidad.

El sonido Ganorabakoak brilla en esta nueva entrega: un equilibrio perfecto entre letras en euskera y una producción fresca y despreocupada que fusiona funk, pop latino y un toque de samba. El resultado es una canción tan irónica como bailable, una invitación a tomarse la vida con humor y a disfrutar del momento sin estrés.

El proyecto Ganorabakoak, nacido hace apenas dos meses, combina tecnología, creatividad y humor para crear canciones positivas y llenas de energía. Con su estilo original y buen rollo contagioso, la banda demuestra que el euskera puede sonar moderno, rítmico y lleno de groove. En poco tiempo, ha comenzado a crecer de forma orgánica en Spotify y redes sociales, consolidando su identidad con un sonido propio y una actitud desenfadada.

Hau Estresa! ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Ganorabakoak, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Andy Marioneta

Tras más de dos décadas marcando el pulso del pop español junto a Lucas, el artista gaditano Andy Morales emprende un nuevo camino en solitario con el lanzamiento de Marioneta, su primer single como solista. El tema, que marca el inicio de una etapa llena de autenticidad, emoción y libertad creativa, llega acompañado del anuncio de las primeras fechas de su esperada gira: Madrid (20 de abril, Teatro Apolo), Barcelona (29 de abril, Teatro Coliseum) y Cádiz (25 de septiembre, Teatro Falla).

En Marioneta, Andy da voz a una historia de amor que se transforma en liberación. La canción habla del momento en que uno decide romper los hilos de una relación tóxica para recuperar su luz interior. Con una interpretación llena de fuerza y sensibilidad, el artista refleja esa mezcla de dolor y empoderamiento que acompaña a quien decide soltar.

Compuesta por Raúl Cabrera y producida por Juanma Leal —también director musical de la banda que lo acompañará en esta nueva etapa—, Marioneta fusiona la esencia pop con el sello andaluz y la voz aflamencada que siempre ha caracterizado a Andy. El resultado es un sonido fresco, emocional y profundamente personal, en el que la madurez artística se entrelaza con la pasión que lo ha acompañado desde sus inicios.

El videoclip, grabado en un estudio de Sevilla bajo la dirección de Jonai Mancilla y Carlos Villanego, plasma a la perfección la atmósfera íntima y sincera del tema. La idea visual, concebida por el propio Andy, muestra al artista en su versión más vulnerable y auténtica, interpretando la canción con la intensidad y la emoción que lo definen.

Con Marioneta y el anuncio de su gira, Andy Morales abre un nuevo capítulo en su carrera. Un proyecto que pone en valor todo lo aprendido a lo largo de los años, reivindicando su esencia y reafirmando su deseo de seguir creciendo como artista desde un lugar más libre, honesto y cercano a su público.

Nacido en Cádiz, Andy creció rodeado de música, arte y carnaval, influencias que marcaron su manera de sentir el ritmo y de conectar con la gente. Su primer paso por la televisión, en el concurso Veo Veo, reveló el carisma y la naturalidad que lo acompañarían siempre sobre el escenario. Años después, su unión con Lucas González daría vida a Andy & Lucas, uno de los dúos más emblemáticos del pop español, con millones de discos vendidos, giras internacionales y canciones que se convirtieron en himnos generacionales.

Hoy, Andy se reencuentra consigo mismo, fiel a sus raíces gaditanas y con el corazón puesto en la música. Marioneta no solo es el inicio de una nueva etapa, sino también una declaración de principios: la de un artista que, después de una larga trayectoria, sigue eligiendo la emoción como brújula y la verdad como camino.

Andrea gomez otra vez extraños

Con tan solo 16 años, la cantante y compositora colombiana Andrea Gómez presenta su primer sencillo “Otra Vez Extraños”, una balada pop que marca el inicio de una prometedora carrera artística. El tema, producido por Fabián “Farios” Ríos y compuesto por la propia Andrea, muestra la madurez emocional y la sensibilidad de una joven que encuentra en la música su manera más auténtica de expresarse.

Desde muy pequeña, Andrea Gómez ha vivido rodeada de melodías e instrumentos. La música ha sido su refugio y su lenguaje más sincero. Aprendió de forma empírica a tocar piano, guitarra y ukelele, herramientas con las que ha ido dando forma a su identidad musical. Influenciada por el pop y el rock, ha logrado construir un sonido fresco, íntimo y honesto, que conecta directamente con los sentimientos de su generación.

“Otra Vez Extraños” es una canción que habla de las despedidas que duelen y de los amores que, por más que se intenten sostener, terminan desvaneciéndose hasta convertir a dos personas que se amaron en desconocidos. Con una interpretación delicada pero intensa, Andrea logra transmitir esa mezcla de melancolía y aceptación que acompaña los finales inevitables. Su voz, llena de matices juveniles y vulnerables, guía una historia que resulta universal: la de reconocer que el amor cambia, y que a veces dejar ir también es una forma de cuidar.

El videoclip, dirigido por WILLSIDE, acompaña la narrativa de la canción con una estética cinematográfica y emocionalmente evocadora. A través de imágenes que reflejan distancia, memoria y pérdida, el video refuerza la esencia de la canción: esa sensación de extrañeza que queda cuando el amor se apaga, pero la conexión aún duele.

Con “Otra Vez Extraños”, Andrea Gómez se presenta como una nueva voz dentro de la escena pop colombiana, con un talento innato para transformar la emoción en melodía. Su debut no solo evidencia su potencial artístico, sino también su compromiso con contar historias que nacen del corazón, con una honestidad desarmante.

“Otra Vez Extraños” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Andrea Gómez, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Me quedo conmigo Natalia Barone

Natalia Barone regresa con fuerza y sensibilidad en su nuevo single “Me quedo conmigo”, una canción que marca un paso más en su prometedora carrera y se convierte en todo un alegato de empoderamiento y superación personal. Tras el lanzamiento de su primer tema “Eternos”, la joven artista malagueña nos presenta una propuesta de pop flamenco con un mensaje claro: quedarse con uno mismo también es una forma de amor.

Compuesta y producida por Joaquín Garzón, “Me quedo conmigo” transmite la determinación de seguir adelante después del final de una relación. El título lo dice todo: es una declaración de independencia emocional, de aceptación y de fortaleza interior. Con frases como “me miré en el espejo de frente, descubrí lo que nunca vi en mí” o “el amor empieza por respetar”, Natalia invita a mirar hacia dentro, a encontrar en uno mismo la calma y la fuerza necesarias para renacer.

El tema combina un sonido moderno y fresco con la raíz del flamenco y la emoción que caracteriza la voz de Natalia Barone. Su interpretación, intensa y sincera, logra conectar con el oyente desde la primera nota, mostrando una madurez artística que sorprende a pesar de su juventud. Con este nuevo trabajo, la cantante reafirma su identidad musical y demuestra su capacidad para moverse con naturalidad entre la tradición y la modernidad.

Nacida en Málaga, Natalia Barone ha cautivado al público desde muy pequeña. A los 11 años participó en La Voz Kids (Antena 3), más tarde fue finalista en Idol Kids con solo 15, y también brilló en Tierra de Talento (Canal Sur), consolidándose como una de las voces jóvenes más prometedoras del panorama musical andaluz. Además de cantar, Natalia es autodidacta en guitarra y piano, herramientas que utiliza para dar forma a su propio universo sonoro.

Con “Me quedo conmigo”, Natalia Barone da un paso firme hacia adelante, apostando por la autenticidad, la ilusión y la esperanza como pilares de su camino artístico. Su mensaje, profundamente humano, conecta con quienes buscan reencontrarse tras una ruptura o simplemente recordarse el valor de ser uno mismo.

“Me quedo conmigo” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Natalia Barone, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Ximena sariñana Existencia Kamikaze

Ximena Sariñana vuelve con fuerza y profundidad con “Existencia Kamikaze”, su nuevo y ambicioso álbum de estudio. Este proyecto reúne los temas lanzados previamente en sus EP Ojos Diamante (septiembre de 2024), Rompe (abril de 2025) y Las Cosas Simples (octubre de 2025), además de incluir seis canciones inéditas, entre ellas el poderoso sencillo “Temes”. Con este disco, la cantautora mexicana consolida una etapa de madurez creativa y emocional, marcada por la reconexión con su esencia y el amor renovado por su oficio musical.

Después de un periodo de introspección y exploración artística, Ximena Sariñana entrega una obra que representa su renacer como artista, mujer y creadora. “Existencia Kamikaze” es el resultado de una búsqueda interior que la llevó a reencontrarse con su intuición, su verdad y su libertad, trabajando de la mano con colegas y amigos de toda la vida. El título, inspirado en una frase del vulcanólogo Maurice Krafft —quien eligió vivir cerca de los volcanes pese al riesgo que implicaba—, simboliza para Ximena la valentía de elegir una vida intensa, consciente y apasionada. “Es una metáfora perfecta de vivir con el corazón abierto, aunque eso signifique arder en el intento”, ha compartido la artista.

A lo largo de sus canciones, “Existencia Kamikaze” narra un proceso de transformación tras una etapa de cambios profundos, comparables a una erupción volcánica. Las letras hablan de reconstruirse entre los escombros, de abrazar las cicatrices y de celebrar el poder de volver a empezar. Musicalmente, el disco recorre tres paisajes que reflejan esas fases vitales: la energía vibrante del Pop y la Electrónica, la fuerza del Rock y la calidez introspectiva de sonidos Americana y Folk. Cada género sirve como vehículo para expresar las diferentes emociones que atraviesan este viaje de autodescubrimiento.

El sencillo líder, “Temes”, resume la esencia del álbum: una reflexión sobre cómo el miedo a perderlo todo puede impedirnos disfrutar de la vida plenamente. Es una canción que invita a dejar ir, a confiar en el proceso y a entregarse al presente. Fue escrita por Ximena Sariñana junto al reconocido compositor Leonel García y producida por Juan Pablo Vega en el Desierto Casa Estudio, resultando en una pieza luminosa y emotiva que anticipa la honestidad que caracteriza al disco.

Con “Existencia Kamikaze”, Ximena Sariñana reafirma su lugar como una de las voces más versátiles y sensibles del panorama latinoamericano. Su capacidad para combinar sofisticación sonora, profundidad lírica y una autenticidad desbordante convierte este álbum en un manifiesto artístico sobre la resiliencia y el poder de sentirlo todo sin miedo.

El lanzamiento llega en un momento especialmente significativo para la artista, quien se prepara para presentar “Existencia Kamikaze” en directo por primera vez el próximo 14 de noviembre en el Teatro Metropólitan, en Ciudad de México, y posteriormente el 27 de noviembre en el Showcenter Complex de Monterrey. Dos fechas que prometen ser el inicio de una nueva etapa donde la emoción, la fuerza y la libertad se subirán al escenario con ella.

“Existencia Kamikaze” ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Ximena Sariñana, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Eva Calyza esta reina Clvb

Con una energía que desborda empoderamiento y una producción tan intensa como espiritual, la artista madrileña Eva Calyza presenta “ESTA REINA clvb”, un remix de su mítico tema incluido en su álbum “Marca Divina”. En esta nueva versión, la cantante se alía con lila sky y Karma C para llevar su universo sonoro a un nuevo nivel, fusionando neoperreo experimental, raíces andaluzas y una dosis de oscuridad que no deja indiferente.

“ESTA REINA clvb” es mucho más que un remix: es una declaración de fuerza interior y una invitación a despojarse del miedo. Eva Calyza reinterpreta uno de sus himnos más emblemáticos con una propuesta que une lo terrenal y lo divino, lo sensual y lo espiritual. La producción, a cargo de Karma C, se sostiene sobre una base densa, hipnótica y envolvente, donde conviven beats electrónicos, ritmos urbanos y elementos folclóricos andaluces distorsionados, dando como resultado una atmósfera única y poderosa.

En esta versión, lila sky aporta su característico estilo vocal y su visión del reggaetón como herramienta de empoderamiento y reafirmación personal. Su participación añade una nueva capa de energía y personalidad al tema, mientras que Eva Calyza reafirma su dominio artístico y su capacidad para reinventarse sin perder su esencia. Juntas, crean un diálogo de voces femeninas que reivindican la autonomía, la fe en una misma y la conexión con la propia divinidad interior.

El apartado visual de “ESTA REINA clvb” vuelve a estar a cargo de Blarck, quien construye un imaginario visual que combina lo futurista y lo místico, pero también lo oscuro y lo terrenal. Su estética refuerza la narrativa de la canción, convirtiendo esta nueva etapa de Eva Calyza en una experiencia artística completa que trasciende lo puramente musical.

Desde su debut en 2021 con “La Tarara”, Eva Calyza se ha consolidado como una de las voces más singulares del panorama experimental español. Su obra, marcada por la fusión de géneros y la constante búsqueda de identidad, ha encontrado en “Marca Divina” (2025) su punto de madurez artística. Ahora, con “ESTA REINA clvb”, la artista continúa expandiendo su universo sonoro revisitando su disco a través de remixes que prometen mantener viva su esencia durante los próximos meses.

“ESTA REINA clvb” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Eva Calyza, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

FJ Rentz dancing in foreverland

El artista FJ Rentz nos invita a redescubrir la magia interior con “Dancing In Foreverland”, su nuevo single incluido en su debutante y conmovedor EP My Immortal Childhood. Con una sensibilidad única y una profunda conexión espiritual, Rentz combina su formación vocal clásica con su experiencia como maestro de metapsicología y campeón retirado de baile latinoamericano de salón, para ofrecer una obra que trasciende lo musical y se convierte en una experiencia de introspección y pureza emocional.

“Dancing In Foreverland” es una canción que nos transporta a un lugar donde la inocencia y la sabiduría se entrelazan. Con un tono lúdico, casi infantil, el tema celebra la libertad de ser y la belleza de reconectar con la esencia más genuina del alma. Las melodías, llenas de calidez y luminosidad, evocan ese espacio interior donde la alegría no necesita explicación y el corazón recuerda quién es realmente.

El single forma parte del EP My Immortal Childhood, una colección de tres canciones producidas por David Williams en Melrose Recording Studios (Los Ángeles). Junto a Williams, Rentz crea un universo sonoro donde las texturas etéreas, los instrumentos orgánicos y la voz envolvente del artista convergen en una atmósfera atemporal y profundamente humana. El resultado es un trabajo que combina lo espiritual con lo terrenal, la sencillez con la trascendencia.

A lo largo de su vida, FJ Rentz ha dedicado décadas a enseñar sobre el despertar espiritual y la libertad de la conciencia humana. Ahora, ha encontrado en la música un nuevo medio para continuar su misión transformadora. “En un mundo enredado en creencias complicadas y mal dirigidas, quise crear algo que nos ayudara a recordar quiénes fuimos, de qué trata realmente la vida y lo que todos merecemos”, explica el artista.

Con “Dancing In Foreverland”, FJ Rentz invita al oyente a dejar atrás la carga del pensamiento y entregarse al asombro. Su mensaje, a la vez simple y profundamente revelador, resuena como un recordatorio de que lo sagrado puede hallarse en lo cotidiano, y que la verdadera eternidad habita en la conexión con nuestra esencia más pura.

“Dancing In Foreverland” ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. 

tigre y Diamante 003

Desde la humedad eléctrica de Gijón, Tigre y Diamante vuelve a rugir con “Soy adicto”, un lanzamiento tan singular como magnético. El grupo presenta un single con cuatro versiones distintas de una misma canción: una interpretación coral y otras tres en las que la voz principal recae, respectivamente, en Nacho Vegas, Igor Paskual y Jon, vocalista habitual de la banda. Con este proyecto, la formación asturiana rompe los esquemas habituales de las colaboraciones musicales para explorar cómo el sentido de unas mismas palabras cambia según quién las pronuncie.

Lejos de ser un simple ejercicio de estilo, “Soy adicto” es una reflexión sobre esas dependencias que todos reconocen, aunque pocos admiten: relaciones, costumbres, impulsos o rituales que se repiten una y otra vez. No se aborda como tragedia ni como celebración, sino como una verdad humana inevitable, tan cotidiana como difícil de soltar. Su fuerza reside en la sinceridad: una adicción que puede ser emocional, vital o simplemente existencial.

Cada versión ofrece un punto de vista diferente sobre la misma herida. En la interpretación de Tigre y Diamante, la canción se muestra obsesiva y directa, sin protección emocional. Nacho Vegas la transforma en un pensamiento interior, un susurro que se dice a uno mismo. Igor Paskual acelera el pulso y le imprime una energía física, casi eléctrica. Y en la versión coral, los tres confluyen en un diálogo cargado de tensión y deseo, donde cada voz aporta su propio reflejo.

La decisión de publicar las cuatro versiones surgió de forma natural: todas parecían imprescindibles. Así, “Soy adicto” se convierte en una muestra de cómo una canción puede multiplicarse y seguir viva, adoptando nuevas formas sin perder su esencia. Este cuádruple lanzamiento sirve además como último adelanto de su próximo álbum, “Estafa piramidal”, previsto para finales de 2025.

Tigre y Diamante irrumpió en 2016 como el secreto peor guardado del garage-punk ibérico. Lo que comenzó siendo el dúo formado por Jon Álvarez (guitarra, voz) y Coke Makaha (batería, voz) pronto creció con la llegada de Jaime Marcos (guitarra), Marce Carballo (guitarra), Alejandro Carantoña (bajo) e Iker González (sintetizadores), consolidándose como un sexteto que dispara fuzz, costumbrismo y mala baba a partes iguales.

Tras su debut Buena Gente (2019) y la colección de himnos tabernarios Qué asco más rico (2022), el grupo dio un salto adelante con Actitud ganadora (2023), producido por Pablo Martínez (Desakato) en los estudios OVNI, donde afilaron riffs y estribillos sin perder la urgencia de Velvet, Stooges y ese rock noventero que ya es marca de la casa.

Sobre el escenario, Tigre y Diamante convierte cada concierto en un derbi sin prórroga: sudor, coros colectivos y la certeza de que, mientras suenen, el rock sigue vivo. Han pasado por festivales como Sonorama Ribera, O Son do Camiño, Granada Sound, Interestelar, Metropoli Gijón y la ruta Girando Por Salas (GPS15), consolidando su reputación como una de las bandas más intensas y auténticas del panorama nacional.

“Soy adicto” ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Tigre y Diamante, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Pavi y amen Maki y Maria

El dúo más emblemático del flamenco-pop español, Maki y María Artés, vuelve a emocionar a su público con “Contigo”, una canción que reafirma su complicidad artística y sentimental. Este nuevo single forma parte del esperado álbum “Pavi & Amén”, lanzado el 7 de noviembre de 2025, un proyecto ambicioso que reúne a grandes voces del panorama musical español y que consolida la unión de dos artistas que han sabido crear un universo propio dentro de la música popular andaluza.

Maki, nombre artístico de José Antonio Velasco Ruiz, es una figura imprescindible del flamenco-pop contemporáneo. Nacido en Huelva en 1979, su carrera despegó a mediados de los 2000 con éxitos convertidos en auténticos himnos veraniegos, como “Calé tunea” o “Mi tigresa”. Con el paso de los años, su talento como compositor, productor y guionista lo ha posicionado como uno de los grandes embajadores de la fusión musical andaluza, capaz de unir tradición y modernidad en un mismo compás. Entre sus logros destaca el fenómeno “Isla del Amor”, junto a Demarco Flamenco, que alcanzó el quíntuple Disco de Platino.

María Artés, conocida también como “La Morena”, ha recorrido junto a Maki una trayectoria marcada por la autenticidad y la fuerza vocal. Su estilo, profundamente emocional, se nutre del flamenco-pop y la rumba, géneros en los que ha sabido brillar con una voz poderosa y un carisma natural. Juntos, han formado una de las parejas artísticas más queridas por el público español, combinando química, talento y una conexión que trasciende el escenario.

Dentro de “Pavi & Amén”, “Contigo” ocupa el puesto número 13 del tracklist, pero su mensaje lo sitúa en el corazón emocional del disco. La canción aborda el amor, la fe y la libertad de ser uno mismo, temas que reflejan tanto la historia personal de la pareja como su visión compartida de la vida. Con una letra sincera y poética, “Contigo” transmite la idea de que el amor verdadero se construye desde la aceptación y el respeto a la libertad individual.

En versos como “Y si te sientes pequeña siendo tú tan grande / Es porque ese sitio te queda chiquito”, la canción invita a romper los límites impuestos y a abrazar la autenticidad. El estribillo —“Haga lo que le dé la gana / Cuando le dé la gana / Y si no le dan ganas / No haga nada”— se convierte en un canto a la independencia emocional, una declaración de principios que equilibra dulzura y empoderamiento.

“Contigo” combina melodías suaves, raíces flamencas y una producción moderna que refleja la madurez artística de Maki y María Artés. Es una pieza íntima y a la vez universal, capaz de resonar con quienes han encontrado en el amor una fuerza liberadora y no una cadena.

El álbum “Pavi & Amén” es, además, un trabajo coral en el que la pareja comparte protagonismo con figuras destacadas de la música española como La Húngara, Paco Candela, Nyno Vargas, Miki Martz, Kike & Manu, Keen Levy, El Motrileño, Joana Santos y Erpeche. Juntos, tejen un mosaico sonoro que celebra la unión, la amistad y la diversidad artística.

Con este nuevo lanzamiento, Maki y María Artés confirman una vez más que su alianza va más allá de lo musical: es un compromiso con la emoción, la verdad y la identidad. “Contigo” no solo es una canción de amor, sino también un recordatorio de que amar bien implica dejar ser.

“Contigo” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Maki y María Artés, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Cali y El Dandee Ultimo primer beso

El dúo colombiano Cali y El Dandee regresa con una de las canciones más personales y conmovedoras de su carrera: “Último Primer Beso”, lanzada el 7 de noviembre de 2025. Con su característico estilo “Flybot” —una fusión de pop, R&B, electrónica y reguetón melódico— los hermanos Alejandro y Mauricio Rengifo firman una balada íntima que combina nostalgia, gratitud y amor en su estado más puro.

A lo largo de los años, Cali y El Dandee se han consolidado como referentes del pop urbano latino, conquistando a millones con éxitos globales como “Yo te esperaré” o “No hay dos sin tres”. Pero en “Último Primer Beso”, los artistas muestran una nueva faceta: la del agradecimiento y la madurez emocional que llega con el paso del tiempo y la vida en familia.

La canción parte de un recorrido por los recuerdos más significativos de su historia: la infancia, los primeros sueños, los miedos familiares y el inicio de su carrera musical. A través de versos llenos de honestidad, los hermanos se abren por completo ante el público, compartiendo su evolución personal y artística. “El 2011 trajo un tesoro, fue un amor que yo no había sentido, mi último primer beso no olvido”, canta Cali, en un verso que sintetiza la idea central del tema: cuando el amor verdadero llega, borra los besos del pasado y marca un nuevo comienzo.

Uno de los fragmentos más emotivos de la letra alude directamente a la paternidad y al crecimiento personal: “Hoy ella y yo ya no estamos solos, tres nuevos besos tengo conmigo y otra vez por primera vez me enamoro”. Esta línea cobra un significado aún más profundo en el videoclip oficial, donde aparecen imágenes reales de la familia de Mauricio Rengifo (Dandee), incluyendo a sus hijos. Con un montaje de videos caseros y material inédito, el dúo ofrece una ventana a su vida fuera de los escenarios, resaltando la importancia del amor, la música y los lazos familiares.

Musicalmente, “Último Primer Beso” combina la emotividad de una balada pop con la calidez de la voz de Cali y la producción impecable de Dandee, reconocido internacionalmente por haber trabajado junto a Andrés Torres en éxitos mundiales como “Despacito”, “Échame la culpa” o canciones de artistas como Sebastián Yatra y Aitana. En esta ocasión, el productor colombiano pone su talento al servicio de su propia historia, creando una atmósfera nostálgica y luminosa que acompaña la sinceridad del mensaje.

Más allá de ser una canción de amor, “Último Primer Beso” es un homenaje a la vida, a los sueños cumplidos y a las personas que acompañan el camino. “Gracias a la música por convertir mi única vida en una vida única”, dice uno de los versos finales, dejando entrever el agradecimiento del dúo por todo lo vivido desde que empezaron a grabar canciones en su habitación hasta convertirse en una de las agrupaciones más queridas de la música latina.

Con este lanzamiento, Cali y El Dandee demuestran que su madurez artística no ha hecho más que fortalecer su autenticidad. “Último Primer Beso” es una oda al amor real y al paso del tiempo, una pieza que resonará profundamente en quienes han aprendido a valorar los nuevos comienzos.

“Último Primer Beso” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Cali y El Dandee, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Katy Perry Bandaids

Katy Perry vuelve a emocionar al mundo con “bandaids”, su nuevo single lanzado el 6 de noviembre de 2025 bajo el sello Capitol Records. Este tema, estilizado en minúsculas, marca el regreso de la superestrella del pop tras el lanzamiento de su álbum 143 en 2024 y representa una de las composiciones más personales e introspectivas de su carrera.

La artista californiana, conocida por su energía desbordante, su estética colorida y sus himnos llenos de optimismo, sorprende esta vez con una canción que se sumerge en el territorio del desamor y la autocomprensión. “bandaids” combina el pop con elementos de pop-rock, destacando un sonido más crudo y emocional, sostenido por guitarras metálicas y brillantes que reflejan la tensión entre la vulnerabilidad y la fortaleza.

El título —que en español significa “curitas” o “vendas”— actúa como metáfora central de una herida emocional que no termina de sanar. A lo largo de la canción, Perry explora las capas del dolor y la resignación que surgen tras el fin de una relación marcada por la decepción y el desgaste. En uno de los versos más potentes, confiesa: “Got so used to you letting me down / Bandaids over a broken heart” (“Me acostumbré tanto a que me decepcionaras / Curitas sobre un corazón roto”). La letra, honesta y desgarradora, muestra a una Katy Perry dispuesta a enfrentarse sin filtros a sus emociones más humanas.

Los medios y sus seguidores han interpretado “bandaids” como una reflexión sobre la ruptura con el actor Orlando Bloom, padre de su hija Daisy Dove. Más allá de las conjeturas personales, el tema se siente como un ejercicio de liberación emocional y madurez artística: una aceptación de lo vivido y de la imposibilidad de remendar con simples “curitas” un amor que ya no puede sostenerse.

El videoclip, codirigido por la propia Perry junto al realizador Christian Breslauer, amplifica el mensaje con un enfoque visual tan impactante como simbólico. En él, la cantante atraviesa una serie de situaciones surrealistas y casi mortales —escenarios que recuerdan a la saga Destino Final— que funcionan como alegorías de las heridas invisibles que deja una relación rota. Cada escena es una representación visual del esfuerzo, el dolor y la resistencia emocional que acompañan al proceso de sanar.

Con “bandaids”, Katy Perry reafirma su capacidad para reinventarse y ofrecer algo más que entretenimiento: una narrativa de crecimiento, vulnerabilidad y autocompasión. A sus 41 años, la intérprete de “Firework”, “Roar” y “Dark Horse” se adentra en un territorio más íntimo, dejando atrás el brillo de los fuegos artificiales para mostrarse sin adornos, con una madurez emocional que conecta profundamente con su público.

La canción también deja espacio para la redención, con un cierre esperanzador que rescata la belleza del amor vivido: “If I had to do it all over again / I would still do it all over again / The love that we made was worth it in the end” (“Si tuviera que hacerlo todo de nuevo, lo haría / El amor que hicimos valió la pena al final”). En ese gesto de aceptación, Perry transforma su dolor en arte, demostrando que incluso los corazones rotos pueden latir con una nueva fuerza.

“bandaids” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Katy Perry, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Monica Naranjo second life

Tras el éxito arrollador de su gira “Greatest Hits Tour” y de su último single “Por un Like”, Mónica Naranjo presenta ahora “Second Life”, un remix que da una segunda vida al tema original. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales y próximamente en formato físico.

Fiel a su costumbre de estar siempre en movimiento y reinventar sus grandes éxitos, la artista ha querido ofrecer una nueva lectura del tema, que denuncia la superficialidad de las redes sociales y reivindica la autenticidad personal.

La producción corre a cargo de Oriol Crespo, colaborador habitual de Naranjo, responsable también de joyas recientes como “Doble Corazón” o “Autómatas”, y partícipe en la recuperación de los sonidos originales que han marcado el actual “Greatest Hits Tour” en temas como “Entender el Amor”, “Chicas Malas” o “El Amor Coloca”.

En palabras de la artista: “Second Life da una nueva vida al tema original, combinando fuerza, nostalgia y vanguardia". Su vídeo oficial, creado a partir de imágenes del clip original y planos inéditos de su making of, profundiza en el propio mensaje del sencillo: esa dualidad entre lo que se muestra y lo que realmente ocurre detrás de las cámaras. Un reflejo de cómo la realidad y lo que se proyecta (especialmente en las redes sociales) pueden ser mundos muy distintos.

El lanzamiento incluye una versión Extended y otra Edit, además de sus correspondientes instrumentales, en línea con la tradición de Mónica de ofrecer al público versiones alternativas de sus canciones más icónicas.

Tras agotar entradas en Sevilla, Murcia y Málaga, y congregar a más de 25.000 espectadores en esas primeras fechas, Mónica Naranjo encara la recta final de su “Greatest Hits Tour” con sus tres últimos conciertos en Valencia (22 de noviembre, Roig Arena), Madrid (15 de diciembre, Movistar Arena) y Barcelona (19 de diciembre, Palau Sant Jordi).

Debido a la altísima demanda, la promotora Planet Events @ Live Nation ha ampliado por última vez el aforo en Valencia, antes de alcanzar el sold out definitivo.

Monica Naranjo Gira

Para estos tres conciertos finales, la artista catalana reforzará la producción escénica, incorporando un nuevo diseño de luces y un vestuario renovado, con el objetivo de ofrecer una experiencia visual y sonora espectacular, manteniendo intacta la esencia del show que ha conquistado a miles de fans en toda España.

En el escenario, Mónica Naranjo sigue acompañada por una banda, bailarines y coristas de primer nivel, con Agoney como artista invitado y Nebulossa como invitados especiales, en una producción que une potencia vocal, tecnología, baile y emoción.

Las últimas entradas para los conciertos están disponibles en planetevents.es, livenation.es, Ticketmaster y El Corte Inglés. 

PL Golden SaokoVol1 Deluxe

Golden vuelve a elevar el pulso de su propuesta artística con el lanzamiento de Saoko Vol. 1 Deluxe, una edición extendida que reinterpreta y amplía la esencia del proyecto que marcó su consolidación musical. Este trabajo no solo reafirma su identidad, sino que la redefine con una ambición sonora y conceptual aún mayor, fusionando con maestría afrobeats, dancehall, salsa y vibras latinas en un recorrido tan intenso como elegante.

El artista logra, con este nuevo lanzamiento, expandir el universo de su primer álbum y ofrecer una versión más completa y vibrante de su sonido característico. Saoko Vol. 1 Deluxe incluye tres nuevas canciones que muestran distintas facetas de su evolución musical, reflejando un proceso de madurez artística que conserva el ADN original de Golden, pero explorando nuevas texturas, dinámicas y emociones. Cada tema se siente como una extensión natural de su espíritu creativo, pero también como un paso firme hacia una identidad más global y diversa.

Para Golden, este proyecto es mucho más que una reedición: es una declaración de principios. En sus propias palabras, “el Saoko no es solo música, es estilo, movimiento y cultura”. A través de esta visión, el artista propone un sonido que nace de la calle, del calor y del ritmo, pero que al mismo tiempo abraza la sofisticación de una producción moderna y la sensibilidad de un mensaje profundo.

Uno de los momentos más destacados del álbum es el lanzamiento del videoclip oficial de “La Esencia”, colaboración con el artista colombiano Zaider, una figura clave del movimiento Afro Latin actual. El tema es una celebración al amor genuino, a la conexión auténtica y a la singularidad de quien posee “algo raro e incomparable”. Con una base de afrobeats suaves, percusiones cálidas y una atmósfera envolvente, “La Esencia” combina la alegría y sensualidad del Caribe con una profundidad emocional que la convierte en una de las piezas más representativas del proyecto.

Golden describe la experiencia de trabajar con Zaider como un encuentro de energías afines:

“Trabajar con Zaider en ‘La Esencia’ fue pura energía fluida. Llegó con esa vibra caribe cruda que elevó la canción al instante. Sus melodías fluyen solitas, y la forma en que interpreta la emoción en su delivery le dio otra capa de autenticidad al tema. No se sintió como una colaboración aparte, sino como dos artistas vibrando en la misma frecuencia, creando algo orgánico juntos. Zaider trajo su propia esencia a la canción, y eso fue lo que la hizo especial.”

El videoclip, disponible en YouTube, complementa perfectamente la atmósfera del tema: una estética cálida y natural, donde la danza, el color y el movimiento refuerzan el mensaje de autenticidad que recorre toda la obra.

Con Saoko Vol. 1 Deluxe, Golden consolida una visión artística que busca derribar fronteras. Su música conecta la calle con lo elegante, lo tropical con lo urbano, lo local con lo internacional. Cada track vibra con la intención de unir culturas y emociones bajo un mismo lenguaje: el del ritmo.

Más que una reedición, este lanzamiento representa una evolución consciente y emocional, el testimonio de un artista que no teme reinventarse, pero que siempre mantiene la raíz latina en el corazón de su sonido. Saoko Vol. 1 Deluxe es, en definitiva, una obra que reafirma a Golden como una de las voces más innovadoras y auténticas de la nueva generación de la música global.

Saoko Vol. 1 Deluxe ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Golden, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

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