El legendario grupo español OBK marca su esperado regreso tras doce años sin editar material inédito con el lanzamiento de su nuevo single “Maldita Mujer”, una canción que abre un nuevo capítulo en la historia del pop electrónico en español. El tema, disponible desde el 19 de septiembre de 2025, llega acompañado de un videoclip oficial protagonizado por la icónica modelo y actriz Pino Montesdeoca, símbolo internacional de la belleza natural y madura, y dirigido por Txetxu García.

Rodado en Madrid, el videoclip combina una sensibilidad artística muy cuidada con una gran fuerza visual. A través de imágenes íntimas y de alto impacto estético, la pieza refleja la complejidad de una relación marcada por la dependencia emocional y el duelo tras una ruptura. “Maldita Mujer” rompe estereotipos al presentar una historia donde ella es mayor que él, abordando el amor y la atracción desde una perspectiva real, honesta y poco habitual en la narrativa musical contemporánea.

La elección de Pino Montesdeoca no es casual: representa la autenticidad, la elegancia y la emoción que Jordi Sánchez —alma creativa y voz de OBK— buscaba transmitir en esta nueva etapa. “Maldita Mujer” es una canción que combina la intensidad emocional del pop electrónico clásico del grupo con una producción moderna y cinematográfica, donde la nostalgia, el deseo y la vulnerabilidad se entrelazan para crear una experiencia tan melódica como visceral.

El videoclip supone una nueva muestra del universo visual de OBK, que a lo largo de su trayectoria ha colaborado con destacados realizadores, entre ellos J.A. Bayona. En esta ocasión, Txetxu García aporta una mirada cercana y contemporánea que complementa la madurez del mensaje y el peso emocional de la canción.

Con más de 35 años de carrera, OBK continúa siendo un referente indiscutible de la música electrónica en español. Formado originalmente por Jordi Sánchez y Miguel Arjona, el grupo surgió a mediados de los años ochenta inspirado por el synth-pop británico de bandas como Depeche Mode. Su álbum debut, Llámalo sueño (1991), vendió más de 400.000 copias y los consagró como pioneros del género en el mundo hispano. Desde entonces, han superado el millón y medio de discos vendidos, dejando una huella profunda en generaciones de oyentes.

Hoy, Jordi Sánchez sigue al frente del proyecto con la misma visión innovadora que lo caracterizó desde sus inicios. “Maldita Mujer” no solo representa un regreso musical, sino el inicio de una nueva era para OBK, que prepara un nuevo álbum y una gira internacional cuyos detalles serán anunciados próximamente. Este lanzamiento reafirma su capacidad para reinventarse sin perder la esencia emocional, melódica y visual que siempre ha definido su música.

“Maldita Mujer” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de OBK, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Maikel Delacalle anuncia su vuelta a la escena urbana con "Retro 11", un single que llega como primer adelanto de DLC Vol.1, el proyecto discográfico que el artista tinerfeño tiene previsto estrenar a principios de 2026. El tema, en colaboración con Camin, fusiona trap y reguetón en un pulso sonoro potente y envolvente que refleja la energía de la calle y la dualidad sensual que tanto caracteriza a ambos intérpretes. Nacido en San Isidro, Tenerife, Maikel reaparece con un sonido más oscuro y callejero sin perder la esencia melódica y el pulso R&B que le han convertido en uno de los nombres más relevantes del panorama urbano español.

"Retro 11" nace como una declaración de intenciones: ritmo, actitud y celebración nocturna. La letra —con versos como "Salgo pa la calle me enganche las retro 11" y "Solo nos vemos para sexo, estoy adicto a tus besos"— construye un relato de noches, deseo y complicidad fugaz que se mueve entre lo provocador y lo pegadizo. La presencia de Camin, artista granadino que suma millones de oyentes y una propuesta que mezcla lo urbano con rasgos flamencos, aporta una química auténtica al tema: según Maikel, la colaboración surgió de la hermandad artística y de sesiones creativas junto al productor Soul, que firma la producción del single y de todo DLC Vol.1.

El videoclip de "Retro 11", dirigido por FRIAS y rodado en Tenerife, acompaña la canción con imágenes que combinan estética urbana y paisajes autóctonos, mostrando la conexión entre la tierra natal y la modernidad de la propuesta visual. La producción musical corre a cargo de Soul, mientras que la composición pertenece a Maikel Delacalle (Mikel Cabello) y Camin (Lorenzo Javier Campoy Mingorance), lo que refuerza el carácter íntimo y personal del corte, resultado de un trabajo continuado durante más de un año en el que Maikel ha preparado no solo canciones sino también la narrativa visual y las colaboraciones que formarán parte del álbum.

DLC Vol.1 llegará con 11 temas que muestran una paleta más oscura y actualizada en flows, manteniendo a la vez esa esencia reconocible que ha llevado a Maikel a acumular grandes cifras en streaming. Con éxitos previos como "Ganas", que supera los 100 millones de reproducciones, colaboraciones con figuras como Quevedo o Mahmood y premios como el de Mejor Artista o Grupo Urbano en Los40 Music Awards 2022, Maikel Delacalle llega a esta nueva fase con la ambición de seguir creciendo en lo artístico y en lo internacional. Además de su trayectoria musical, el artista ha mostrado compromiso social, participando activamente en causas como la ayuda humanitaria tras las inundaciones de la DANA en Valencia.

"Retro 11" sirve también para presentar el tono general del álbum: más profundo, con matices callejeros y una voluntad de "seguir educando musicalmente", según palabras del propio artista. El single promete sonar en los barrios y en playlists urbanas gracias a su mezcla de energía motivadora y sensualidad, un binomio que conecta con la audiencia joven y con quienes siguen la evolución del trap y el reguetón con tintes melódicos. El lanzamiento confirma además la estrecha relación creativa entre Maikel y el equipo que ha trabajado en DLC Vol.1, donde la producción de Soul juega un papel central en la cohesión sonora del proyecto.

Retro 11 ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Maikel Delacalle, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

La cantautora, actriz y performer México-Americana Giselle Torres presenta su nuevo single “¿Dónde quedó esa niña?”, una balada pop en español que confronta el silencio emocional del crecimiento y la búsqueda de autenticidad en medio del cambio. Con tintes acústicos y eléctricos, la canción marca una nueva etapa artística y personal en la trayectoria de Giselle, consolidando su madurez musical sin perder la sensibilidad que caracteriza su obra.

Escrita tras mudarse sola a Los Ángeles, “¿Dónde quedó esa niña?” nació en un momento de transformación profunda. Lejos de casa, Giselle comenzó a cuestionarse las expectativas sociales, las presiones por encajar y el miedo a perder partes de sí misma en el proceso. “Sentí que se me estaba escapando la niña que era. Esta canción fue mi manera de confrontar eso, de volver a encontrarme”, comparte la artista.

El tema, escrito por la propia Giselle y compuesto junto a Alec Zeilon y Jon Bonus —quienes también se encargaron de la producción—, combina una instrumentación íntima con guitarras acústicas y eléctricas, envueltas en una interpretación vocal que oscila entre la vulnerabilidad y la fuerza. El resultado es una pieza honesta y emocional que conecta con todos aquellos que alguna vez sintieron que debían ocultar su esencia para ser aceptados.

A través de versos cargados de introspección y simbolismo, Giselle canta sobre las máscaras impuestas por la sociedad, el perfeccionismo y la desconexión con el yo interior. La letra revela un anhelo por recuperar la inocencia, la valentía y la autenticidad de la infancia: “Solo respira, no olvides la sonrisa, no te atrevas a llorar… pero adentro hay una niña”. Esa frase se convierte en el corazón de la canción, un recordatorio de que crecer no debería significar silenciar lo que somos.

Giselle Torres ha demostrado ser una artista multifacética que conecta con dos mundos. Con más de 60 canciones originales, más de 1.3 mil millones de vistas en YouTube y una comunidad de 2.2 millones de suscriptores, su trayectoria abarca música, cine y televisión. Su talento la ha llevado a presentarse en escenarios internacionales como VidCon, CC1 México e incluso ante el Papa Francisco, frente a 220,000 personas.

Con “¿Dónde quedó esa niña?”, Giselle se reafirma como una voz poderosa dentro del pop latino contemporáneo, capaz de unir fragilidad y empoderamiento en una misma melodía. Su música no solo cuenta historias, sino que ofrece refugio y reflexión para quienes atraviesan sus propias etapas de cambio y autodescubrimiento.

“¿Dónde quedó esa niña?” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Giselle Torres, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

La cantante, compositora y productora taiwanesa L1Z, radicada en Los Ángeles, presenta su nuevo single “Daddy Issues”, una propuesta intensa, honesta y seductora que fusiona R&B y electro-pop con un mensaje de autodescubrimiento y sanación emocional. Escrita y producida por la propia artista, la canción refleja su evolución personal, explorando las heridas de apego y las complejidades del amor tóxico desde una mirada madura, segura y consciente.

Con solo 22 años, L1Z se ha posicionado como una de las voces emergentes más prometedoras de la escena alternativa internacional. Su anterior lanzamiento, “Toy”, le valió el segundo lugar en la categoría R&B/Hip-Hop del Great American Song Contest 2025, consolidando su reputación como una creadora versátil, con un sonido contemporáneo y una narrativa emocionalmente profunda. Graduada del Berklee College of Music, donde fue becaria, L1Z ha desarrollado una identidad sonora única que combina elegancia, vulnerabilidad y una poderosa energía femenina.

En “Daddy Issues”, la artista invita al oyente a sumergirse en el caos emocional de los vínculos afectivos marcados por la dependencia y el deseo de validación, pero lo hace con un enfoque empoderador. Con una producción limpia y atrevida, letras directas y una voz cargada de sensualidad, L1Z transforma su vulnerabilidad en fuerza. La canción se convierte en un himno para quienes alguna vez confundieron el caos con la pasión y ahora están aprendiendo a recuperar su poder.

El proceso creativo del tema fue tan liberador como terapéutico: L1Z compartió el estudio con amigos cercanos, abriendo su mundo interior en un espacio de confianza, risas y sanación. El resultado es una pieza que, además de cautivar por su ritmo contagioso y su base rítmica groovy, se siente como un regalo a su yo más joven: una celebración de la libertad emocional y del crecimiento personal.

“Daddy Issues” reafirma el concepto de “baddie music” que define la estética de L1Z: música que, incluso en los momentos más difíciles, abraza la sensualidad, la confianza y el poder propio. Con su estilo inconfundible y su mensaje de autovaloración, la artista demuestra que sanar también puede ser divertido, sexy y profundamente liberador.

“Daddy Issues” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de L1Z, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El artista franco-latino Íkaromida presenta su nuevo single “Bajo el Sol”, una pieza luminosa, sensual y vibrante que une el ritmo del reggaetón moderno con la elegancia del pop urbano y una profunda carga emocional. Bajo el sello Lightfall Music y con distribución de DistroKid, la canción representa un nuevo capítulo en su propuesta artística: una invitación a sentir, celebrar y reconectarse con la libertad interior bajo la calidez de un verano sin fin.

“Bajo el Sol” es una exploración de la pasión, la conexión y la fe en el poder transformador del amor. Íkaromida convierte el calor, la piel y la luz en metáforas de deseo y espiritualidad, plasmando en su música la dualidad que lo caracteriza: entre sombra y claridad, dulzura y fuego. “Bajo el sol, la melodía se convierte en un idioma universal”, expresa el artista, sintetizando la esencia multicultural y emocional que da forma a su obra.

Con su sello trilingüe —mezclando español, francés e inglés—, Íkaromida teje una identidad sonora única que trasciende fronteras y géneros. La producción, a cargo de Son en el beat y del equipo de Lightfall Studio en mezcla y masterización, ofrece un paisaje sonoro envolvente, donde los ritmos urbanos se encuentran con armonías suaves y una interpretación vocal cargada de magnetismo.

“Bajo el Sol” no es solo una canción para bailar; es una experiencia sensorial que equilibra introspección y celebración. Íkaromida canta sobre la libertad de ser uno mismo, el poder del amor como motor vital y la belleza de los contrastes que habitan en cada alma. Su música, marcada por una sensibilidad espiritual y una energía contemporánea, consolida su lugar como uno de los artistas más singulares del panorama franco-latino actual.

Con esta nueva entrega, Íkaromida reafirma su misión de unir culturas a través del arte, conectando al oyente con una vibra cálida, intensa y profundamente humana. “Bajo el Sol” es el reflejo de una identidad que celebra la diversidad y la emoción universal que solo la música puede traducir.

“Bajo el Sol” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Íkaromida, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

La cantautora puertorriqueña YeliRosa, actualmente radicada en Connecticut, presenta su nuevo sencillo “Alcatraz”, una poderosa fusión de pop y rock que invita a romper las cadenas emocionales que nos atan al miedo y al pasado. Lanzada el 5 de julio de 2025 a través de LANDR, la canción se convierte en una metáfora de esas prisiones invisibles que cada persona construye dentro de sí misma y del proceso de reencontrarse con la fuerza interior necesaria para derribarlas.

Con una interpretación vocal intensa y llena de sentimiento, YeliRosa transmite en “Alcatraz” una energía liberadora y profundamente humana. La producción, de carácter enérgico y emocional, refuerza el mensaje de valentía, autoexploración y superación que caracteriza a esta nueva etapa de la artista. “Es una canción que habla de liberarse, de no permitir que las paredes del pasado definan lo que somos hoy. Todos tenemos un Alcatraz del que necesitamos salir”, comparte la cantante.

Desde su debut con “Echo” y su emotivo tributo “Eternamente”, YeliRosa ha demostrado su compromiso con la autenticidad y la independencia creativa. Su música nace desde un lugar honesto y emocional, buscando conectar con quienes han vivido procesos de encierro, soledad o transformación personal. Con “Alcatraz”, la artista consolida su identidad entre lo emocional, lo melódico y lo real, mostrando una evolución artística marcada por la fuerza, la sinceridad y una poderosa presencia escénica.

“Alcatraz” es una canción que representa libertad, fuerza y superación. Con un sonido potente y una historia real detrás, YeliRosa busca llegar a playlists que valoren el pop-rock latino y conectar con oyentes que se identifiquen con la energía y el mensaje de su música.

“Alcatraz” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de YeliRosa, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El artista Gon Abril continúa expandiendo su universo sonoro con el lanzamiento de 2100, su nuevo single producido y grabado por Juan Ewan en Ewan Studios. Tras el éxito de Da igual y La Tormenta, temas que definieron una nueva etapa en su sonido —más potente, luminoso y pop—, el músico da un paso firme hacia una exploración más profunda, tanto en lo musical como en lo emocional.

Si sus anteriores lanzamientos planteaban un conflicto entre el deseo y la duda, 2100 representa un punto de inflexión. En esta canción, Gon se adentra en el desafío de romper con los destinos prefabricados y con las expectativas que la vida o la sociedad imponen. Desde su título, el tema evoca un futuro lejano —quizás utópico, quizás imposible— que sirve como metáfora de aquello que proyectamos, pero que rara vez se cumple como imaginamos.

A través de la pregunta central “¿A quién llamarías si algo no va bien?”, Gon Abril reflexiona sobre la relación más compleja y esencial de todas: la que uno mantiene consigo mismo. El artista se mira hacia adentro y plantea un viaje de autodescubrimiento, donde la autenticidad y la libertad personal se convierten en motores de cambio. En palabras del propio tema, “Vamos a hacerlo aunque no haya salida / Vamos a hacerlo porque nadie puede”, late una invitación a desafiar lo establecido y a vivir sin miedo, con la urgencia de quien ha decidido empezar de nuevo.

En lo sonoro, 2100 despliega una producción sólida, donde las melodías pop se entrelazan con una energía contemporánea y una instrumentación vibrante. Juan Ewan imprime al tema una textura moderna y expansiva que realza la intensidad emocional de la voz de Gon, logrando un equilibrio perfecto entre introspección y fuerza vital.

Con este lanzamiento, Gon Abril consolida su evolución artística y abre un nuevo capítulo en su carrera, marcado por la madurez, la autenticidad y una búsqueda constante de sentido. Además, el artista ya ha anunciado las primeras fechas en directo de esta nueva etapa: el 14 de noviembre en Desierto Rojo (Valladolid) y el 20 de noviembre en Contraclub (Madrid), donde presentará 2100 junto a sus temas más recientes.

2100 ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Gon Abril, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, conciertos o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

El Arrebato y Antoñito Molina unen sus voces en Manual de Instrucciones, un tema vibrante y profundamente emotivo que llega como el primer adelanto del próximo álbum de El Arrebato, El Viaje Inesperado, cuyo lanzamiento está previsto para el 21 de noviembre.

La colaboración entre ambos artistas simboliza un encuentro entre dos generaciones y dos estilos dentro del pop flamenco: la experiencia y sensibilidad de El Arrebato —referente indiscutible del género en España— y la frescura y carisma de Antoñito Molina, uno de los nombres más destacados de la nueva escena andaluza. Juntos, dan vida a una canción que invita a vivir desde el corazón, sin normas, sin miedo y sin perder nunca la sonrisa.

Musicalmente, Manual de Instrucciones se sitúa en esa frontera que tanto domina El Arrebato: la del equilibrio entre lo clásico y lo actual. Con un sonido alegre y lleno de matices, el tema combina la raíz flamenca con un aire moderno que refleja la constante evolución del artista. Tras sorprender con Bailando en Pijama, donde exploraba ritmos cercanos a la bachata, El Arrebato sigue ampliando su universo musical con frescura y autenticidad.

La letra es una declaración de principios y una lección vital. “He fabricado un manual de instrucciones para salir adelante, para encender mi sonrisa”, canta El Arrebato, abriendo un mensaje luminoso que habla de soltar las cargas, reencontrarse con uno mismo y celebrar la vida sin miedo al error. Versos como “Quitarme la mochila de las preocupaciones, hacer cada mañana lo que manden mis canciones” o “Volver a ser yo mismo, vivir a la aventura, y no pedir permiso para hacer lo que me gusta” resumen la esencia del tema: vivir con autenticidad y disfrutar del camino.

Con Manual de Instrucciones, ambos artistas entregan una oda a la libertad, a la resiliencia y al amor propio. Es una canción que suena a esperanza y a verdad, con esa mezcla de emoción y alegría que caracteriza tanto a El Arrebato como a Antoñito Molina.

El Arrebato reafirma con este lanzamiento su lugar como una de las voces más poéticas y cercanas del pop flamenco, mientras que Antoñito Molina consolida su papel como uno de los artistas más prometedores del género, aportando su frescura y sensibilidad a una colaboración que ya se siente especial.

Manual de Instrucciones ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de El Arrebato y Antoñito Molina, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Funambulista regresa con 1.9.82, una canción cargada de emoción y verdad que se alza como un auténtico himno generacional. Con este nuevo single, el artista rinde homenaje a quienes crecieron entre los ecos de los ochenta y las promesas rotas de los noventa, celebrando la madurez de una generación que, con la resiliencia por bandera, ha aprendido a sobrevivir a todas las crisis sin perder la fe ni la esperanza.

La letra, profundamente nostálgica y a la vez combativa, recorre una infancia entre calles, sueños y cicatrices, hasta elevarse en un canto de resistencia y confianza en el porvenir. “Ahora ya somos eternos, ahora ya nadie nos para”, canta Funambulista, condensando en una sola frase el espíritu de quienes aprendieron a caer y levantarse una y otra vez sin rendirse.

En la producción de 1.9.82, Jorge Guirao (Second) y el propio Funambulista vuelven a unir fuerzas, dando forma a un sonido que fusiona la fuerza del indie-pop-rock con el inconfundible sello melódico del artista. Guitarras de textura envolvente, una base rítmica sólida y un estribillo luminoso —de esos que se quedan grabados desde la primera escucha— conforman un tema lleno de energía, emoción y verdad.

El lanzamiento llega acompañado de un lyric video dirigido por Jaime Frías, que aporta una dimensión visual cinematográfica y refuerza el carácter íntimo y evocador de la canción. En él, las imágenes se entrelazan con la letra para construir un relato sobre la memoria, la resistencia y la belleza de seguir adelante pese a las heridas del tiempo.

Con 1.9.82, Funambulista firma uno de sus temas más personales y poderosos hasta la fecha. Es el regreso del héroe cotidiano: con la armadura gastada, pero con el corazón intacto. Una canción que no solo emociona, sino que reafirma el lugar del artista como una de las voces más auténticas y sensibles del pop español contemporáneo, capaz de convertir la memoria y la emoción en arte.

Artículo de Eva Ladevesa (twitter.com/miviajemusical) para ElFiesta.es

El cantante y compositor Brian Saez, artista argentino afincado en España, continúa consolidando su identidad musical con el lanzamiento de Me Falta el Aire, un tema cargado de emoción, sensibilidad y una producción que fusiona el pop melódico con matices de rock e influencias del flamenco moderno. Con letras honestas y una interpretación intensa, Brian logra transmitir en esta canción la sensación de ahogo emocional que surge cuando uno se enfrenta al desamor, la distancia y las cicatrices que deja un corazón roto.

En palabras del propio artista, “‘Me Falta el Aire’ nació de un momento de vacío, de esa necesidad de respirar cuando todo parece derrumbarse. Es un desahogo del alma, de las cicatrices que deja un desamor y las ganas que uno busca para levantarse. Soy de los que creen que el tiempo lo cura todo o al menos te ayuda a mirar las cosas desde otra perspectiva.” Esta reflexión sincera se refleja en cada verso, donde la vulnerabilidad se convierte en fuerza y la tristeza en un impulso de renacimiento.

El videoclip oficial, grabado recientemente en un home studio de Granada, refuerza la intensidad del mensaje a través de una estética íntima y cinematográfica. La atmósfera visual acompaña a la perfección la voz desgarrada del artista, sumergiendo al espectador en un viaje emocional donde la soledad, el recuerdo y la esperanza conviven en equilibrio. En pocos días desde su estreno, el video ha recibido una gran acogida, confirmando la autenticidad y conexión emocional que caracterizan la propuesta artística de Saez.

Con apenas 22 años, Brian Saez se ha posicionado como una de las voces jóvenes más prometedoras del pop español contemporáneo. Su capacidad para conectar con el público desde la honestidad, unida a su potencia vocal y su madurez interpretativa, lo distinguen dentro de la nueva generación de cantautores. Tras su EP Serendipia, Me Falta el Aire representa un paso firme hacia un sonido más personal, profundo y evolutivo.

Con este lanzamiento, Brian busca ampliar su presencia en medios, alcanzar nuevas audiencias y consolidar su carrera dentro del panorama musical actual. Su proyecto promete seguir creciendo, abriendo puertas a colaboraciones, festivales y futuras giras que lo acerquen aún más a su público.

Me Falta el Aire ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Brian Saez, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

La cantautora internacional Melissa Otero une fuerzas con el artista dominicano Dany para presentar J’ai Besoin de Ti, un nuevo sencillo que combina la calidez de la bachata con la energía del pop urbano, interpretado en español y francés. Con una producción vibrante y una atmósfera cargada de romanticismo, la canción se convierte en un himno al amor sin miedo, a la pasión que no entiende de límites y al poder de la conexión más allá del idioma.

Esta colaboración marca un nuevo capítulo en la carrera de Otero, quien inicia así su próxima era musical titulada Part 1: Corazón Terco, cuyo lanzamiento está previsto para enero de 2026. Aunque J’ai Besoin de Ti no formará parte del álbum, los seguidores de la artista recibirán una versión en solitario como tema Insta Grata a partir del 31 de octubre de 2025, disponible al preordenar el disco.

Melissa y Dany ya habían demostrado su química artística en trabajos anteriores como Lo Que Pudo Ser (2023), tema que alcanzó el puesto número uno en Radio Latina París y se posicionó en el Top 10 de iTunes y playlists de DJs en Estados Unidos y Europa. Un año después, repitieron éxito con El Boogaloo (2024), consolidando su presencia en la escena internacional y confirmando la fuerza de su unión musical.

El lanzamiento de J’ai Besoin de Ti llega acompañado por un videoclip oficial disponible en VEVO, que refuerza la sensualidad y complicidad entre ambos artistas con una estética elegante y cinematográfica. Además, la promoción incluye una fuerte campaña de difusión radial mediante PLAYMPE, entrevistas en radio y televisión, y una presentación especial durante la Latin GRAMMY Week en Las Vegas, donde Otero y Dany compartirán escenario con figuras destacadas de la música latina.

Reconocida por su trayectoria internacional, Melissa Otero ha logrado que su música llegue a millones de oyentes alrededor del mundo. Su éxito Angels and Demons fue incluido en la exitosa serie global Dance Moms, transmitida en más de 100 países, y posteriormente adaptado al español en versiones como No Soy Un Ángel y With You (Contigo), ambas incluidas en la banda sonora de la telenovela Reina de Corazones de Telemundo. En 2025, Otero fue galardonada con certificaciones de Oro y Triple Platino por la Independent Recording Arts Alliance (IRAA), en reconocimiento a su impacto cultural y al apoyo inquebrantable de sus fans en todo el mundo.

Además de su faceta musical, Melissa es una artista comprometida con causas sociales. A través de su fundación Stardust Foundation, ha brindado apoyo a comunidades en Puerto Rico tras el paso del huracán María, recaudando más de 7.000 dólares y ayudando a más de 150 familias en su región natal.

J’ai Besoin de Ti ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Melissa Otero, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Tras el éxito de su álbum debut Feel Something New, lanzado en noviembre de 2024, la banda estadounidense The Remainders regresa con un nuevo single titulado Destiny, una pieza que rinde homenaje al amor duradero y a la magia que se esconde en los gestos cotidianos.

El tema nace de una colaboración muy especial entre el vocalista principal y líder del grupo, Andy Temte, y su hijo y socio musical Nick Temte. Padre e hijo dan vida a una canción que combina la experiencia y la sensibilidad de dos generaciones, fusionando lo clásico y lo contemporáneo en una producción tan potente como emotiva.

“Destiny es una mirada moderna a ese sentimiento de amor eterno; una especie de ‘déjame contar las formas en que te amo’, donde cada verso destaca un pequeño pero entrañable gesto de mi esposa y compañera de más de 40 años”, explica Andy. “El amor de toda una vida no se vuelve monótono si aprendemos a valorar las pequeñas cosas que hacen brillar a nuestras parejas.”

Musicalmente, Destiny refleja las raíces roqueras de Temte, con una instrumentación rica en guitarras eléctricas, líneas de bajo enérgicas y una producción que equilibra la fuerza del rock clásico con arreglos de sintetizadores envolventes y coros que aportan un aire épico y emocional. El resultado es un sonido cálido, lleno de vida y con una madurez que transmite la profundidad de un vínculo construido a lo largo de los años.

Basados en La Crosse, Wisconsin, The Remainders llevan más de dos décadas compartiendo su música con el mundo bajo el lema “Rock’n Out and Doin’ Good”. Además de su pasión por el rock, la banda se distingue por su compromiso con causas benéficas y su participación en eventos comunitarios que promueven la solidaridad y la alegría a través de la música.

Encabezados por Andrew Temte, exdirector ejecutivo, autor y presentador de pódcast sobre gestión empresarial, The Remainders han compartido escenario con algunas de las bandas más icónicas del rock mundial, como Styx, Foreigner, Heart, Steve Miller Band, Chicago, Lynyrd Skynyrd y REO Speedwagon, durante su destacada participación en el festival Freedom Fest en Wisconsin.

Con Destiny, la banda reafirma su identidad y su propósito: crear música con alma, capaz de conectar generaciones y recordar que el amor —como el buen rock— se mantiene vivo cuando se alimenta con pasión y autenticidad.

Destiny ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de The Remainders, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Desde Sofía, Bulgaria, emerge una nueva voz dentro del panorama indie: Slicr, una banda formada por cinco jóvenes de apenas 19 años que están comenzando a dejar su huella con su primer single, Radio Valley. Con un sonido que flota entre el shoegaze, el indie pop y el lo-fi, el tema captura la esencia de una generación en búsqueda constante de identidad, libertad y autenticidad.

Grabada en el salón de la abuela de uno de los integrantes, usando las viejas grabadoras de casete de su padre, Radio Valley posee una calidez imperfecta, una textura difusa y una atmósfera nostálgica que se siente tan cercana como un recuerdo. Es una canción que no pretende la perfección, sino la sinceridad: la de un grupo de amigos que transforma lo cotidiano en arte y lo efímero en emoción.

El tema tuvo su estreno en la Televisión Nacional de Bulgaria, en el programa matinal de cultura, marcando un logro significativo para una banda sin sello discográfico ni respaldo externo. “No hay nadie ayudándonos, solo somos un grupo de amigos intentando hacer algo que se sienta como nosotros ahora mismo”, compartieron los integrantes de Slicr, reflejando su espíritu DIY (hazlo tú mismo) y su compromiso con la independencia creativa.

Radio Valley es una ventana al universo sonoro de Slicr: una mezcla de guitarras difusas, voces etéreas y una producción cálida que evoca tardes de verano, interferencias en la radio y pensamientos que se pierden entre el ruido del mundo moderno. En sus letras, se entrelazan temas como la transición a la adultez, la soledad, el amor y la incertidumbre. Líneas como “we get interference and a static coming out of you” o “then will you ever feel free to live without me” reflejan la melancolía y vulnerabilidad que acompañan el crecimiento y la búsqueda de sentido en tiempos inciertos.

Con Radio Valley, Slicr no solo presenta una canción: ofrece una declaración de intenciones. Su propuesta, profundamente íntima y emocional, combina la frescura de la juventud con una sensibilidad artística que los posiciona como una de las nuevas promesas del indie europeo.

Radio Valley ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Slicr, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

El cantautor utrerano Demarco Flamenco regresa con fuerza y sentimiento en su nuevo single “En un minuto”, una canción que reafirma su esencia: el equilibrio perfecto entre la emoción del flamenco y la calidez del pop latino. Con su voz inconfundible y una letra cargada de ternura, el artista ofrece un tema que celebra el amor sincero, la lealtad y la alegría de vivir el presente junto a quien se ama.

“En un minuto” encapsula la filosofía vital de Demarco Flamenco: disfrutar de lo que se tiene, valorar los pequeños gestos y entregar el corazón sin reservas. Con versos como “Si tú me llamas voy corriendo donde estés, nunca te olvides que pa’ ti siempre estaré”, el artista construye una oda a la incondicionalidad y al amor cotidiano, una historia que conecta con su público desde la honestidad y la cercanía.

La canción mantiene el sello musical que ha hecho de Demarco una de las voces más queridas del panorama español. La producción combina guitarras flamencas con arreglos pop modernos, logrando un sonido luminoso, optimista y profundamente emocional.

El artista, nacido en Utrera (Sevilla), ha recorrido un camino tan inspirador como su música. Antes de alcanzar el éxito, trabajó más de una década como repartidor de gas butano, carpintero y en la industria cárnica, mientras componía canciones en su camión. Esa autenticidad —la del hombre de a pie que canta lo que vive— ha sido siempre su mayor fortaleza.

Desde que su debut con “Uno” se convirtió en un fenómeno musical, superando los 30 millones de reproducciones y alcanzando certificaciones de Oro y Platino, Demarco Flamenco no ha dejado de cosechar éxitos. Su segundo álbum, “Le sonrío al agua”, consolidó su popularidad con himnos como “PaTiPaMiNaMa”, que supera los 400 millones de visualizaciones en YouTube.

Con “En un minuto”, el artista vuelve a conectar con su público de la forma más pura: con letras que brotan del alma y melodías que invitan a sonreír, bailar y amar sin miedo.

“En un minuto” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Demarco Flamenco, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

La artista mexicana Lizi Lay rinde homenaje a sus raíces con el lanzamiento del nuevo video oficial de su versión de “La Llorona”, una interpretación que el año pasado se volvió viral en Spotify, alcanzando el Top 3 de las canciones más virales en México. Lo que nació como un tributo personal terminó convirtiéndose en un fenómeno digital que también conquistó Facebook, donde su video superó los dos millones de reproducciones antes de ser retirado de la plataforma.

Hoy, Lizi celebra ese recorrido con una nueva pieza audiovisual que renueva la leyenda de La Llorona desde la emoción, la memoria y la gratitud. El video fue filmado entre Santo Domingo Atoyatempan y Atlixco, Puebla, y logra capturar la atmósfera mística y nostálgica que distingue la voz y sensibilidad artística de Lizi. Durante la grabación, un gesto inesperado marcó el rumbo de la producción: Martín Sánchez, habitante de la comunidad de Santo Domingo Atoyatempan, ofreció espontáneamente sus campos de cempasúchil para que el rodaje continuara allí, añadiendo un toque de autenticidad y belleza natural al resultado final.

“Lo que empezó como un regalo para mi papá hoy me regresa aún más. La Llorona me ha dado muchas bendiciones, y sentí que era momento de celebrarla con un nuevo video lleno de vida y gratitud”, comparte Lizi Lay.

El video fue dirigido por Ali Rodrigo, con edición y color de Mario Morales, mientras que el tema fue grabado, mezclado y masterizado por Miguel Delgadillo. Juntos, dieron forma a una obra que entrelaza tradición y contemporaneidad, llevando la historia de La Llorona a un nuevo plano visual y emocional.

El nuevo video de “La Llorona” ya está disponible invitando al público a sumergirse en un viaje que celebra la vida, la memoria y la magia eterna de las historias que siguen resonando con el alma mexicana.

El productor ATK Epop y el cantante euskaldún Álvaro Sanz presentan “Desierto de valores”, una colaboración que transforma la indignación y la desesperanza ante la guerra en una poderosa pieza de synth-pop. Con una producción envolvente, sintetizadores tensos y una interpretación cargada de emoción, el tema se levanta como un himno contemporáneo frente al colapso moral y social del mundo actual.

A través de una letra directa y minimalista, “Desierto de valores” retrata un paisaje donde la humanidad parece haberse perdido, evocando el miedo a una guerra nuclear y la sensación de vacío que deja la ausencia de empatía. En palabras de sus creadores, la canción busca reflejar la impotencia y la rabia que despierta ver cómo la violencia y la indiferencia avanzan sin freno.

“Esta canción nace de la necesidad de canalizar la frustración frente a un mundo que parece olvidar sus propios valores. Es un desahogo, pero también una llamada a reaccionar”, comparte ATK Epop sobre el origen del tema.

Por su parte, la voz de Álvaro Sanz aporta una intensidad que equilibra la crudeza del mensaje con una profunda carga emocional, consiguiendo que cada verso resuene como un eco de protesta y reflexión.

“Desierto de valores” es, ante todo, una invitación a no mirar hacia otro lado. Una propuesta artística que combina la fuerza del synth-pop con la urgencia del mensaje, y que recuerda que la música también puede ser un espacio de resistencia y conciencia.

El single ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de ATK Epop y Álvaro Sanz, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Cynthia Bagué es una destacada productora de entretenimiento y periodista mexicana, egresada de la Universidad de la Comunicación en su natal México. Cantautora y compositora radicada en Miami, es reconocida por su trayectoria en la televisión hispana de Estados Unidos como reportera de investigación y productora de talentos, con una sólida carrera en la industria del entretenimiento y la música latina.

Su recorrido comenzó a los 12 años como locutora de radio infantil en México, experiencia que la llevó a conducir el programa de televisión Échale Un Lente en Canal 22. Poco después firmó un contrato exclusivo con Televisa México, donde participó en distintos programas durante casi una década, al mismo tiempo que desarrollaba su faceta como compositora de la mano de Warner Chappell.

Posteriormente se trasladó a Miami, donde trabajó como reportera y jefa de información de la revista TVyNovelas USA, además de colaborar en reconocidos programas de Telemundo y Univision. En 2015 se incorporó al equipo de Suelta La Sopa (Telemundo) como panelista, productora y escritora, especializándose en la industria musical y en la creación de contenidos exclusivos para el mercado hispano en Estados Unidos.

Paralelamente, fundó la banda de folk contemporáneo KerreKe, un proyecto que fusiona raíces latinoamericanas con sonidos actuales y que la ha llevado a presentarse en escenarios internacionales. Su iniciativa más reciente, JOROPANGO, creada junto a la violinista Daniela Padrón y con la participación de artistas como Paula Arenas, Mirella Cesa, Raquel Sofía, Manolo Ramos y Héctor Molina, fue producida por el multiganador del Latin GRAMMY® Julio Bagué.

En la actualidad, Cynthia se desempeña como productora de entretenimiento en Telemundo, participando en diversos programas de la cadena con sus entrevistas especiales. Además, es miembro votante de la Academia Latina de la Grabación (Latin GRAMMYs), de BMI y de la fundación Women In Music, que impulsa la presencia y el desarrollo de mujeres en la industria musical.

Con una versatilidad que combina liderazgo en medios de comunicación y una profunda sensibilidad artística, Cynthia Bagué se consolida como una figura clave en el entretenimiento latino y una defensora del talento y la cultura hispana a nivel internacional.

Chiquita Movida irrumpe con su primer single, “Ojos Superocho”, una canción que marca el inicio de una nueva etapa en la trayectoria de Rayden, quien se rodea de algunos de los mejores artistas y músicos para formar este nuevo grupo. La banda reúne a Rayden, Mediyama y Skiz Siete en las voces, acompañados por Babe (guitarra, secuencias y teclados), Jhonny (bajo) y Jona (guitarra), dando forma a una propuesta fresca, con una identidad propia y que, sin dudarlo, dará de qué hablar. 

El propio Rayden ha querido explicarlo de la siguiente manera: 

En mayo de 2023 anuncié mi retirada en solitario. Sentía que había terminado una etapa, y lo sentía de verdad. Todo lo que voy a decir ahora no precede a un “pero”. Lo sentía. Había dicho todo lo que necesitaba decir en solitario, había tocado las temáticas que quería tocar, había conseguido mis pequeños logros. Y estaba en paz con ello.

Meses después quise compartirme con mis amigos, con mi banda. Hicimos un retiro en una casa rural: barbacoa, brindis, celebración. Y, ¿por qué no?, también nos llevamos instrumentos. No había motivo más allá de jugar a hacer música. Yo había cantado a lo que estaba escrito, al mosaico, al alma, al hueso, al antónimo, al sinónimo, al homónimo, incluso a la victoria imposible. Pero nunca había escrito algo solo por placer. Escribir al silencio. Escribir sin que fuese a ser escuchado por nadie. Y pensé que quizá eso sacaría algo nuevo de mí que ni siquiera conocía.

Al sonar los primeros acordes de la primera canción, lo supimos: no queríamos que yo cantase en solitario. Queríamos cantar todos. Tres voces, tres músicos, seis personas/escritores/productores. Creo que uno de los triunfos de "Los el Rayden" —y lo digo en plural— fue que en directo siempre se respiraba familia. Una familia tan grande que a veces se comía incluso las canciones en solitario. Y en esa casa rural pasó algo por primera vez: lo que el público veía bajo el escenario, estaba acorde con lo que sonaba. Y, sin necesidad de impresionar a nadie, las ideas empezaron a fluir.

En esa semana nacieron cinco canciones. Creímos que se quedarían ahí, como un recuerdo. Hay quien con sus amigos hace rutas en bici, hay quien juega al pádel; nosotros compartimos en forma de música. Pero fueron pasando los meses y la ilusión crecía. Demasiado. Y entendimos que, si queríamos atarla para que no saliera en público, acabaríamos atrofiándola.

No había expectativas. Solo risas, complicidad, juego. Hay grandes bandas que anuncian retiradas para iniciar carreras en solitario. Nosotros al revés: anunciamos el fin de lo solitario y después nacieron las ganas de empezar como banda. Emergente. Me encanta esa palabra.

Esa ilusión no fue solo mía, sino nuestra. Incluso, a veces, su energía e ímpetu tiraban de mí. Tanto, que decidimos que, aunque escribiésemos al silencio, ¿por qué no compartirlo?

Y aquí está. Una nueva aventura, una nueva novedad, pero con la familia de siempre: Chiquita Movida.

Además, este primer single no llega solo. Mañana verá la luz el primer EP del grupo, titulado “Gastos de Gestión”, un trabajo que recoge las cinco canciones nacidas de aquella semana mágica en la casa rural. Un proyecto que empezó como un juego entre amigos y que hoy se convierte en el punto de partida oficial de Chiquita Movida.

Red Moon Yard continúa expandiendo los límites del rock con el lanzamiento de su tercer sencillo, “Weird Song”, una pieza que combina la fuerza emocional del rock clásico con la calma y la profundidad de la filosofía budista. El tema, incluido en su álbum debut Pureland, fue lanzado en marzo de 2024 y ya está disponible en plataformas digitales.

Liderada por el cantante y guitarrista Marcos Fermoselle, Red Moon Yard se ha consolidado como la primera banda de rock budista del mundo. Su propuesta única fusiona la potencia del rock americano de raíz —inspirado en artistas como John Mellencamp, Van Morrison, Wilco y los legendarios Crosby, Stills, Nash & Young— con mensajes espirituales basados en las enseñanzas de Buda. La impermanencia, la interdependencia y el karma se entrelazan en sus letras como reflejos de una búsqueda interior que trasciende la música.

“Weird Song” ha sido descrita por la banda como un ejercicio de honestidad musical, un medio tiempo con sabor a rock clásico americano que invita a la introspección. La canción propone un viaje sonoro hacia el autodescubrimiento, un espacio donde la energía visceral se funde con la serenidad profunda, invitando al oyente a detenerse, respirar y contemplar.

Más que una banda, Red Moon Yard es una comunidad. Cada concierto y cada canción se conciben como una experiencia de transformación, un encuentro entre música y conciencia. Su universo sonoro combina guitarras intensas, arreglos folk y atmósferas experimentales que evocan paisajes interiores, diseñados para conectar con lo más auténtico del ser humano.

Con “Weird Song”, Red Moon Yard reafirma su compromiso con una música que va más allá del entretenimiento: una invitación a mirar hacia dentro y encontrar en el sonido una vía hacia la comprensión y la calma.

“Weird Song” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Red Moon Yard, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, conciertos o proyectos espirituales y musicales, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

El artista hondureño Jonny Jonny Boy presenta su nuevo single “Diggy Dou Diggy”, una propuesta vibrante que combina ritmos de rap, dembow y trap con la energía positiva que caracteriza su música. La canción, disponible ya en plataformas digitales, refleja el espíritu alegre, optimista y perseverante de un artista que ha convertido su historia de vida en una fuente de inspiración y ritmo.

Nacido en San Pedro Sula, Honduras, Jonny Jonny Boy tuvo una infancia marcada por la adversidad. Desde muy temprana edad aprendió a pescar y trabajar en el campo, mientras cuidaba a sus abuelos, quienes luchaban contra el alcoholismo. Tras la pérdida de su madre cuando tenía apenas nueve años, tomó la valiente decisión de emigrar solo a Estados Unidos con tan solo diez años, en busca del sueño americano y con el deseo profundo de reencontrarse algún día con su padre biológico.

Esa historia de sacrificio y esperanza se ha transformado en el motor de su carrera musical. Hoy, Jonny Jonny Boy canaliza todas esas experiencias en su arte, transmitiendo alegría, fuerza y buena vibra con cada lanzamiento. Su estilo fusiona distintos géneros urbanos —rap, dembow, trap y otros ritmos latinos— en un sonido que busca conectar con personas de todas partes del mundo.

“Diggy Dou Diggy” es un ejemplo claro de su propuesta: una canción contagiosa, llena de energía y autenticidad, que invita a bailar y disfrutar, pero también a valorar la resiliencia y la pasión por la vida. Con este nuevo tema, Jonny Jonny Boy continúa construyendo un camino sólido dentro de la música urbana, reafirmando su identidad como un artista real, genuino y con un mensaje poderoso.

“Diggy Dou Diggy” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Jonny Jonny Boy, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.