logofiestawebtrans

Artifis magia

La banda madrileña Artifis continúa consolidando su identidad dentro del pop-rock español con el lanzamiento de Magia, su nuevo single y una de las piezas clave del esperado álbum Amor y Ruinas. Tras años de trabajo en estudio, conciertos multitudinarios y un crecimiento artístico sostenido, el grupo entra en un momento decisivo de su carrera: un punto de inflexión en el que su música busca llegar más lejos, emocionar más hondo y conquistar nuevos públicos dentro y fuera de su ciudad.

Magia es un tema que encapsula la esencia de Artifis: sinceridad, emoción y una mirada luminosa incluso en los instantes de mayor melancolía. El single combina la energía del pop-rock con una sensibilidad narrativa que se ha convertido en el sello del grupo desde su formación en 2022. Con una producción envolvente y una interpretación cargada de verdad, la canción funciona como una puerta de entrada al universo emocional de Amor y Ruinas, un viaje donde el amor y la fragilidad conviven para dar forma a historias que conectan con quienes buscan música auténtica.

Durante estos años, Artifis no solo ha trabajado en su primer álbum, sino que ha ido ganando presencia en directo con conciertos cada vez más multitudinarios. Han pisado escenarios de fiestas populares como Campamento, Aluche, Pozuelo, Majadahonda o San Lorenzo del Escorial, donde se alzaron con el premio a Mejor Banda en el Certamen anual de Bandas Juveniles. También han logrado llenar salas emblemáticas, como su reciente sold out en Maravillas, demostrando la fuerza de su propuesta en vivo y la capacidad de su repertorio para emocionar a audiencias de todas las edades.

Su selección en el programa MADRID EN VIVO SGAE LAB 2025 ha supuesto un impulso definitivo para su profesionalización. Gracias a este proceso, la banda ha podido destilar la esencia de su talento y llevar su sonido a un nivel superior, afinando cada canción hasta convertirla en una pieza coherente de un proyecto mayor que ahora comienza a despegar.

Con Magia, Artifis invita al público a acompañarlos en este nuevo capítulo, marcado por la honestidad, la evolución y un camino musical que promete crecer aún más con cada presentación. Su próximo concierto será el 10 de diciembre en la Sala B de Madrid, una cita clave para un grupo que vive su mejor momento creativo.

Magia ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Artifis, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Five Bluesmen a place to love

Los Five Bluesmen regresan con nueva música y un espíritu renovado con el lanzamiento de A Place to Love, el single que anticipa la esencia de Blues Factory, su tercer álbum compuesto íntegramente por temas originales. Esta nueva pieza captura la naturaleza más humana, vibrante y libre del blues, un género que el grupo ha sabido llevar a su propio territorio combinando herencia, modernidad y una madurez sonora conquistada a lo largo de años de carretera.

A Place to Love se presenta como una declaración emocional: cinco caminos musicales diferentes que convergen en un mismo punto, un lugar donde el blues respira, late y se transforma. Bajo la dirección artística del cantante y guitarrista rítmico Ray Perelli —alma fundadora de la banda— el tema refleja la visión de un blues sin etiquetas, honesto y profundamente vivido. Perelli, marcado desde los 13 años por el descubrimiento de BB King, consolidó su recorrido tras pasar por escenarios pop, rock y rockabilly, hasta fundar Five Bluesmen en 2010. Desde entonces, no ha dejado de llevar su mensaje desde Francia hasta Nueva York, donde actúa cada año desde 2015.

El sonido del grupo es el resultado de una identidad colectiva poderosa. Junto a Ray, el guitarrista lead Elvis aporta una sensibilidad eléctrica y espontánea, fruto de su pasión familiar por la música de Presley y de su propio ingreso casi legendario al grupo: subiendo al escenario sin haber ensayado ni una sola vez. El bajista Jérôme Frulin, conocido por su trayectoria junto a Nono de Trust y los Sales Majestés, suma un groove sólido y melódico inspirado en los Beatles y Led Zeppelin. La batería de Eric Flayecasse, músico belga con influencias rock y New Wave, completa una base rítmica precisa, expresiva y llena de personalidad.

A Place to Love también hereda el espíritu colaborativo que caracteriza al próximo álbum Blues Factory. En él participan dos invitados de referencia: el prestigioso harmonicista Élie Coquard, presente en varios temas, y Stéphane Verdura, productor del estudio Allium PROD, responsable de la realización del disco y de aportar capas de teclados y coros que enriquecen la textura final. El resultado es un blues orgánico, cálido y contundente, respetuoso con la tradición pero abierto a las posibilidades de un futuro sonoro inquieto y contemporáneo.

Con este nuevo single, los Five Bluesmen demuestran que el blues sigue siendo un lenguaje vivo y universal, capaz de unir historias, raíces y estilos bajo una misma emoción. A Place to Love funciona como puerta de entrada a un universo donde la libertad musical es el hilo conductor, y donde cada nota revela el compromiso del grupo con un blues genuino, humano y profundamente actual.

A Place to Love ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Five Bluesmen, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

DICE 3

“Yin Yang” llega como la obra más introspectiva, madura y reveladora de DICE, un proyecto que refleja su crecimiento musical, personal y espiritual a través de un viaje marcado por los contrastes: la luz y la oscuridad, el deseo y la calma, las heridas profundas y la esperanza que renace. Con una propuesta fresca, íntima y global, el artista reafirma su presencia como una de las voces más prometedoras del panorama urbano latino y como una figura destinada a expandir los límites del sonido moderno que fusiona afrobeat, dancehall emocional y sensibilidad pop.

El álbum reúne canciones como My Lady, Tú, Impostora, Why, Cora a 200 y La Neverita, piezas que muestran distintas dimensiones del universo musical de DICE. Cada tema revela una emoción concreta y cotidiana, construida a través de melodías envolventes y letras directas que conectan de forma natural con oyentes de diferentes generaciones. La producción, a cargo de Gangsta —uno de los productores más influyentes del momento—, equilibra con precisión la vibra emocional y la energía bailable, consolidando un sonido que se mueve entre la intimidad y el impulso rítmico.

Este lanzamiento no solo refleja la madurez artística de DICE, sino también su habilidad para explorar las dualidades del amor, la pasión y la introspección desde un lugar profundamente humano. Su crecimiento se ve respaldado por hitos recientes como alcanzar la posición número 1 del chart Hot Song de Monitor Latino con su segundo sencillo Prototipo, un logro que confirma su ascenso dentro de la industria. Tras el éxito de su primer sencillo Mañitas, el artista continúa demostrando que forma parte de la nueva ola del afrobeat latino y del dancehall emocional, movimientos que combinan energía, vulnerabilidad y un sonido global en expansión.

La historia personal de DICE también forma parte esencial de la identidad de este proyecto. Nacido el 15 de septiembre de 2002 en Bogotá y criado en el barrio Soacha, descubrió desde pequeño su amor por la música, siempre con el apoyo de su familia. Su mudanza a Estados Unidos a los 15 años le permitió ampliar sus habilidades de composición e interpretación, explorando géneros como salsa, bachata, corridos, música popular y reggaetón, lo que le dio la versatilidad que hoy caracteriza su propuesta artística. Durante este camino también encontró una segunda pasión: la barbería, que le permitió sostenerse económicamente mientras seguía construyendo su futuro musical. Más tarde, retomó su sueño y se unió a un equipo creativo con el que comenzó a desarrollar nuevas canciones, etapa en la que conoció a Juan Estrada, conocido como Jay Kii, quien se convirtió en un aliado clave en su crecimiento artístico.

“Yin Yang” es más que un álbum: es el retrato de un joven artista que abraza sus dualidades, transforma su vulnerabilidad en fuerza y consolida una identidad sonora propia que lo proyecta hacia un lugar destacado dentro de la música latina contemporánea.

Lorena Gómez PORTADA EP ERA

Lorena Gómez presenta ERA, un EP que simboliza un punto de inflexión en su camino artístico y emocional. Este trabajo reúne los ya conocidos Tanto y Déjà Vu, dos lanzamientos que anticipaban la sensibilidad y la introspección de esta etapa, y suma como pieza central La Teoría, el focus track que vertebra el proyecto y da sentido completo al viaje que propone la artista. ERA se presenta hoy, 28 de noviembre, en directo durante un evento exclusivo en la sala Galileo Galilei de Madrid, donde Lorena compartirá con su público las historias, emociones y nuevos sonidos que definen esta fase de crecimiento personal.

La Teoría nace desde la honestidad profunda y desde un lugar donde la vulnerabilidad se convierte en fortaleza. Con versos que exponen expectativas no cumplidas —como “la teoría era que llamases nuestro a lo mío…” o la imagen nostálgica y a la vez soñadora de “que alguien nos saque una foto bajo de la Torre Eiffel y ese día, a ser posible, ya fuéramos tres”— la canción traza el choque entre lo que se imagina y lo que la vida, con sus giros, termina imponiendo. Sin embargo, lejos de quedarse en la herida, la canción avanza hacia un renacer emocional que se ilumina en su estribillo, donde Lorena afirma: “Ahora puedo sentirme libre, vibrar en calma, volar sin alas…”. Así, La Teoría se convierte en el eje emocional del EP, en una despedida de viejas ideas y, al mismo tiempo, en una bienvenida a nuevas verdades.

Con ERA, Lorena Gómez consolida un proceso de renovación artística que lleva tiempo gestándose. El proyecto se inclina hacia un pop emocional, pulido y contemporáneo, donde la producción acompaña con delicadeza y precisión la interpretación de una voz que busca contar, sanar y conectar. Cada canción cumple un propósito dentro del todo, y el EP, más que un conjunto de temas, funciona como un capítulo vital en el que cerrar ciclos no significa perder, sino encontrarse.

ERA no es únicamente una nueva referencia discográfica. Es una declaración de principios y de vida. La constatación de que romper una teoría, por muy arraigada que esté, puede convertirse en el inicio de una verdad más grande, más libre y más auténtica.

Carlos Baute y Fanny Lu

Los reconocidos artistas latinos Fanny Lu y Carlos Baute presentan Quédate Por Siempre, una colaboración romántica y vibrante que fusiona lo mejor del pop latino con la calidez del tropipop. El tema, construido sobre una melodía pegadiza y una producción luminosa, se convierte en un canto al amor profundo, estable y destinado a perdurar. Desde su primera frase, queda claro que la canción busca tocar fibras sensibles al hablar de un sentimiento que aspira a trascender el tiempo: Yo te quiero a mi lado en esta vida y en las siguientes. Quédate, quédate por siempre.

Quédate Por Siempre destaca por la química vocal entre sus intérpretes, quienes logran un equilibrio perfecto entre dulzura, energía y emoción. La voz inconfundible de Fanny Lu, con su carácter alegre y carismático, se mezcla con el sello melódico de Carlos Baute, creando una armonía que da vida a una historia de amor sincera, optimista y profundamente humana. La propuesta musical apuesta por ritmos cálidos y detalles tropicales que recuerdan la esencia de ambos artistas y su conexión con el público latino.

Fanny Lu, conocida internacionalmente como la Reina del Tropipop, continúa demostrando por qué su estilo ha marcado a generaciones. Con éxitos que se han convertido en clásicos como No Te Pido Flores, Tú No Eres Para Mí y Fanfarrón, la artista colombiana ha mantenido una carrera sólida, versátil y llena de color. Su participación como entrenadora en programas como La Voz Colombia y La Voz Kids ha reafirmado su papel como referente dentro de la música y del entretenimiento latino. En esta nueva etapa musical, Fanny Lu abraza colaboraciones que celebran las emociones reales y la alegría de vivir, elementos que definen también su sello personal.

Por su parte, Carlos Baute continúa consolidando una carrera que lo ha llevado a convertirse en uno de los nombres más queridos del pop latino. Desde el impacto mundial de Colgando En Tus Manos hasta éxitos como Te Regalo, Quién Te Quiere Como Yo o Amor y Dolor, Baute ha demostrado una capacidad constante para conectar con el público mediante historias románticas y melodías memorables. Su versatilidad, carisma y trayectoria en España y Latinoamérica lo convierten en un colaborador ideal para un tema como Quédate Por Siempre, donde su interpretación se suma al mensaje de compromiso, ternura y complicidad.

La unión de Fanny Lu y Carlos Baute en este single marca un encuentro musical que celebra la madurez artística de ambos y el poder de las colaboraciones que nacen desde la autenticidad. Quédate Por Siempre es una invitación a creer en el amor duradero, en los vínculos que resisten y en la belleza de compartir la vida con alguien especial.

Quédate Por Siempre ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Fanny Lu y Carlos Baute, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Claritzel de ida y vuelta

La cantante cubana Claritzel Miyares presenta De Ida y Vuelta, su nuevo single de salsa romántica, una pieza cargada de elegancia, calidez y emoción que consolida su identidad dentro de la música latina contemporánea. Con una interpretación poderosa y profundamente sentimental, la artista transforma una historia de amor marcada por la distancia en un viaje musical lleno de esperanza, reencuentro y conexión emocional.

De Ida y Vuelta retrata esos amores que cruzan fronteras y sobreviven a pesar del tiempo, la lejanía y los obstáculos. La voz de Claritzel, llena de matices y sensibilidad, expresa con verdad y fuerza cada palabra, convirtiendo la experiencia en un abrazo sonoro dirigido a quienes han vivido relaciones que van y vienen, pero nunca se rompen. La producción, cálida y clásica, conecta con la esencia de la salsa romántica tradicional, pero se presenta con un enfoque moderno capaz de emocionar tanto a oyentes veteranos como a nuevas generaciones.

Con una formación musical sólida, Claritzel Miyares ha construido una carrera marcada por la disciplina, la constancia y una profunda pasión por la música latina. Nacida en Holguín y formada en los prestigiosos conservatorios Esteban Salas de Santiago de Cuba y Amadeo Roldán de La Habana, se graduó en Dirección Coral antes de abrirse paso como vocalista profesional. Su participación como corista en el icónico cabaret Tropicana, dentro del espectáculo Un Paraíso Bajo las Estrellas, marcó sus primeros pasos en grandes escenarios.

Posteriormente, su proyección internacional creció notablemente gracias a su participación en destacados concursos televisivos en España, donde su voz conquistó al público y la crítica. Desde entonces, ha colaborado con figuras de renombre como Ángela Carrasco, Pedro Guerra y Sole Giménez, demostrando versatilidad, madurez artística y una identidad vocal reconocible dentro del panorama latino.

Desde 2019, Claritzel desarrolla una nueva etapa solista en la que fusiona pop latino moderno con sonidos tropicales, integrando sus raíces caribeñas con producciones contemporáneas. Actualmente forma parte del equipo vocal de la estrella puertorriqueña Olga Tañón, combinando las giras internacionales con la construcción de su propio proyecto musical, donde apuesta por canciones que conectan desde la emoción, la honestidad y el sentimiento.

Con De Ida y Vuelta, Claritzel Miyares reafirma su lugar dentro de la salsa romántica y entrega una obra que toca de frente el corazón, celebrando el amor que resiste y regresa, el amor que viaja, el amor que espera.

De Ida y Vuelta ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Claritzel Miyares, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Vale Pintos la father

La artista urbana Vale Pintos presenta su nuevo single La Father, una colaboración monumental con la leyenda del reggaetón Héctor El Father que irrumpe con fuerza en la escena latina. Con un beat crudo, directo y desafiante, esta unión musical reivindica la confianza, la sensualidad y la autoridad femenina dentro del género, mientras mezcla la esencia clásica del reggaetón con la irreverencia moderna que caracteriza a Vale.

La Father se sostiene sobre un ritmo pegajoso y una letra diseñada para convertirse en un himno viral, con líneas contundentes como Tengo más combo que el Father y No necesito que me alaben, ya está imposible que le baje. El tema fusiona la fuerza callejera y el peso histórico de Héctor El Father con la actitud desafiante, fresca y empoderada de Vale Pintos, creando un choque creativo que prende al instante.

Producida bajo el sello On Top Events LLC, representante de Vale Pintos, y a cargo del reconocido productor Cauty —quien ha trabajado con artistas como Rauw Alejandro y Young Miko—, la canción viene acompañada de un concepto visual que mezcla lujo urbano, estética imponente y una vibra de trap latino cargada de carácter. El videoclip, filmado en Cali, Colombia, refuerza la visión auténtica, poderosa y sin filtros de la artista.

Trabajar un tema featuring El Father fue un sueño, posiblemente el sueño de muchos grandes artistas del género urbano. Le agradezco a mi manejo On Top Events y a mi manejador Carlos A Ayala por conseguir la confianza y el respaldo de Gold Star Music. El Father representa respeto en el género y trae con él ese fuego original del reggaetón, pero con mi toque femenino y actual, expresó Vale Pintos.

Por su parte, Gold Star destacó el ímpetu de la artista con palabras claras y contundentes: Esta generación tiene hambre y Vale es prueba de eso. No pensamos en hacer esto, pero cuando vimos a una artista con ese código de trabajo, sin vicios, correcta, con carácter, presencia y flow, definitivamente aceptamos.

La Father es una explosión de energía urbana, un tema que captura el espíritu fiestero y la fuerza del reggaetón clásico mientras impulsa la voz de una nueva generación. Con su vibra arrolladora, su mezcla de estilos y la unión de dos figuras con códigos muy distintos, la canción está lista para encender las pistas de baile en Latinoamérica, Estados Unidos y más allá.

La Father ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Vale Pintos, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

DUPLEXITY labyrinth

El dúo indie-rock DUPLEXITY anuncia el lanzamiento de su esperado nuevo single Labyrinth, un tema que verá la luz el próximo Black Friday, 28 de noviembre de 2025, acompañado de una presentación especial que encabeza una noche para todas las edades en el mítico escenario del Troubadour de West Hollywood. Con este lanzamiento, los hermanos Savannah y Luke Judy consolidan una etapa de evolución artística, ampliando su propuesta sonora y sumergiéndose en narrativas emocionales cada vez más profundas.

Labyrinth explora la intensidad interna de quienes luchan contra sus propias máscaras, describiendo la sensación sofocante de transitar un laberinto emocional donde el miedo a la vulnerabilidad se enfrenta al anhelo de una conexión real. El tema construye un paisaje sonoro evocador que envuelve al oyente en un torbellino de tensión, honestidad y búsqueda personal, elementos que han definido gran parte del crecimiento musical del dúo.

Para celebrar el lanzamiento, DUPLEXITY presentará su renovada formación en un concierto que promete ser inolvidable, con la incorporación oficial de sus nuevas compañeras de banda: Scarlett Snow en la guitarra y Kaiya Christner en la batería, ambas con una sólida trayectoria de casi diez años como integrantes de Midnight Butterfly. Su llegada aporta una energía fresca y un nivel técnico que refuerza la evolución del proyecto.

DUPLEXITY continúa expandiendo los límites de su estética pop-rock contemporánea, una mezcla que incorpora influencias del rock y metal de los 90, el southern rock y una actitud que desafía las etiquetas de género. Sus letras, cargadas de introspección, resonancia generacional y postales de la vida en Los Ángeles, han conectado de forma natural con un público joven y diverso. Formado por Savannah y Luke Judy, el dúo canaliza su experiencia de una década como actores infantiles en narrativas musicales intensas y cinematográficas.

La trayectoria de DUPLEXITY en la escena angelina ha sido meteórica desde su irrupción en 2023. Fueron coronados como America’s Next Top Hitmaker por Rolling Stone, distinción que incluyó una aparición destacada en la revista y una actuación en el Future of Music Showcase durante SXSW. SPIN los nombró como uno de los nombres más prometedores a seguir, y su EP debut Billboards alcanzó el puesto número 3 en la lista alternativa de iTunes, acumulando más de 1.5 millones de reproducciones. Además, cuatro de sus singles han sido enviados para consideración en las nominaciones de los Grammy 2026, un reflejo del impacto y proyección del proyecto.

Labyrinth se presenta como un capítulo decisivo en la historia de DUPLEXITY, una pieza que reúne vulnerabilidad, fuerza y renovación, marcando un punto de inflexión en su viaje musical y reafirmando por qué son una de las propuestas más emocionantes del indie-rock actual.

Labyrinth ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de DUPLEXITY, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, conciertos, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Sven Exner the christmas sleigh ride

El compositor y productor Sven Exner da la bienvenida al invierno con su nuevo single The Christmas Sleigh Ride, una pieza musical que captura la esencia más entrañable de la Navidad. Tras casi dos décadas escribiendo canciones inspiradas en experiencias reales y momentos significativos, el artista presenta una obra que combina emoción, fantasía y un aura cinematográfica que envuelve al oyente desde los primeros compases.

The Christmas Sleigh Ride inicia con una melodía viva y luminosa que desemboca en una energía festiva contagiosa. La letra, cálida y honesta, funciona como un recordatorio de los valores que definen esta época del año: la generosidad, la unión y el amor. A través de la historia de un paseo en trineo invernal, la canción evoca imágenes de risas compartidas, luces brillantes, regalos y la inconfundible sensación de estar acompañado en los días más fríos del invierno. Todo ello se ve reforzado por una instrumentación suave y envolvente que crea un ambiente mágico apto tanto para niños como para adultos.

Entre las líneas más evocadoras del tema, destacan versos como: Sleigh bells ringing, the ride’s just begun, We’re on our way, under the winter sun, Through the trees so tall, and the lights that gleam, On this sleigh ride, we’re living the dream. Con un estribillo pegadizo y un espíritu celebratorio, The Christmas Sleigh Ride invita a sumarse a un viaje musical diseñado para despertar recuerdos, emociones y sonrisas.

Aunque Sven Exner ha empezado a publicar su música recientemente, su obra ya está comenzando a traspasar fronteras. Su canción Midnight Drift ha sonado en Radio Glacer FM en Estados Unidos, mientras que Sally, una balada judía basada en una historia real, será transmitida durante tres semanas en Kol HaShfela 1036 FM en Israel. Además, Rise for Africa, producida para la Africa Cup, llegará a los oyentes de Bue Radio FM en Sudáfrica. Estos logros reflejan el compromiso del artista con la creación de historias auténticas y su deseo de conectar emocionalmente con quienes lo escuchan.

Para mí, la música es más que un producto; es mi forma de contar mis historias. Estoy emocionado de compartir mi música con el mundo en Navidad y espero que The Christmas Sleigh Ride traiga alegría a muchas personas esta temporada, afirma Exner, quien continúa consolidándose como un creador de melodías capaces de acompañar momentos especiales.

Durante casi veinte años, Sven Exner ha compuesto canciones basadas en experiencias personales y relatos reales, manteniendo una visión abierta a las colaboraciones con artistas e influencers. Su estilo, centrado en las emociones y los detalles, combina sonidos modernos con narrativas íntimas, convirtiendo cada pieza en una invitación a sentir y recordar.

The Christmas Sleigh Ride ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas navideñas favoritas.

Vinny Rivera X DerekVinci Suave y Lento

EQS Música presenta Suave y Lento (Bachata Version), el nuevo lanzamiento de Vinny Rivera con producción de DerekVinci, una propuesta que combina la esencia clásica del género con una sensibilidad contemporánea que define el sonido del sello. El tema nace de una producción cuidada, llena de matices, donde las melodías envolventes acompañan una interpretación cargada de emoción, invitando al romanticismo y al disfrute pausado de una bachata honesta y profunda.

La canción construye un ambiente suave, sensual y lleno de nostalgia. En su letra se exploran el deseo, la entrega y los recuerdos de amores que permanecen en la memoria, convirtiéndose en una invitación a sentir con calma, a bailar con el alma y a dejarse llevar por lo que no siempre se dice, pero sí se siente. Con esta versión bachata, Vinny Rivera reafirma su capacidad para transmitir desde la vulnerabilidad, al tiempo que DerekVinci aporta una producción elegante que equilibra tradición y modernidad.

EQS Música confía en que Suave y Lento cruce fronteras y llegue a salas, pistas de baile, radios y playlists, convirtiéndose en un tema de referencia para quienes viven la bachata desde el corazón. La canción apuesta por mantenerse en el tiempo, abrazando tanto a quienes buscan bailar como a quienes prefieren escuchar en silencio, dejando que la música complete lo que las palabras no alcanzan.

Suave y Lento (Bachata Version) ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Vinny Rivera, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Alvaro Roma Septiembre

El artista gaditano Álvaro Roma presenta “Septiembre”, un single que combina esencia pop con toques funk y que llega para cerrar el año con un sonido cálido, moderno y lleno de personalidad. La canción mantiene un groove rítmico de guitarras y ritmos orgánicos que sostienen una melodía luminosa, explorando un equilibrio entre lo íntimo y lo vibrante, y consolidando el estilo del artista dentro de la nueva escena madrileña.

En “Septiembre”, Álvaro Roma profundiza en un mensaje plenamente actual: el impacto de las redes sociales, la presión por la comparación constante y la tendencia a mostrar únicamente una versión idealizada de la vida. A través de una letra honesta y emocional, el artista reflexiona sobre el desgaste que provoca esa dinámica y, al mismo tiempo, abre una puerta a la esperanza. El estribillo del tema acompaña ese giro, evocando el cierre de una etapa para dar paso al inicio de algo nuevo, reivindicando la importancia de reconectar con uno mismo.

El lanzamiento destaca por su producción enérgica, marcada por un groove funk que aporta movimiento y una vibra luminosa que atrapa desde la primera escucha. Con influencias que van desde Dua Lipa y Parcels hasta Jungle, Álvaro Roma traza una identidad sonora propia, mostrando solidez artística y una evolución clara respecto a sus trabajos previos.

Con una extensa trayectoria musical, el artista gaditano ha formado parte de diversas bandas y ha recorrido escenarios por toda España antes de apostar por su camino en solitario. En 2025 estrenó su primer sencillo, TIRO, una carta de presentación que fusionaba pop y electrónica con una producción de perfil internacional. Ahora, con “Septiembre”, reafirma su propuesta musical mediante un sonido moderno que mezcla emoción, groove y una nostalgia luminosa.

Septiembre ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Álvaro Roma, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Maikel delacalle

Tras el impacto de Retro 11 junto a Camin, Maikel Delacalle continúa desvelando la identidad de la nueva etapa artística que ha estado construyendo durante el último año y medio. El artista tinerfeño, uno de los nombres más influyentes del panorama urbano en España, acaba de estrenar No Love, un trap contundente y envolvente que confirma la dirección más cruda, oscura y callejera de su próximo álbum DLC VOL.1, previsto para principios de 2026.

En No Love, Maikel une fuerzas con Louis BPM, una de las voces emergentes con mayor proyección dentro de la escena urbana actual. Su timbre grave, su versatilidad vocal y su estilo directo encajan de forma precisa con la energía melódica y emocional de Maikel, firmando juntos una colaboración eléctrica donde los flows afilados y una producción atrapante dominan desde el primer compás. El resultado es un tema tenso, hipnótico y adictivo, sostenido por un ritmo que no da tregua y una mezcla de melodías y barras rítmicas que intensifican su magnetismo.

“No Love es una canción que hace que no pares de mover la cabeza en ningún momento. Es un trap al mejor estilo, con dos voces únicas y sonidos que te envuelven desde el primer segundo”, explica Maikel Delacalle. El single, compuesto por el propio artista (Mikel Cabello) y producido por Soul —también responsable del sonido global de DLC VOL.1—, profundiza en una narrativa de romances intensos sin compromiso, códigos callejeros, pasión sin ataduras y encuentros que arden sin necesidad de promesas.

Con letras explícitas, honestas y frontales, el tema se sumerge en esa tensión emocional que define al proyecto:
“Yo sé que tú no te quieres enchular / pero pa’ chingar no me tienes que amar / solamente tienes que llamarme…”

Este lanzamiento se alinea con el concepto sonoro del álbum: un universo más oscuro, evolucionado y arriesgado en el que Maikel apuesta por un flow callejero que, según él mismo adelanta, “quizá muchos no han escuchado todavía”. DLC VOL.1 recogerá 11 temas y contará con colaboraciones nacionales e internacionales de alto nivel, reafirmando su intención de seguir evolucionando sin perder la esencia que lo ha caracterizado desde sus inicios.

Con más de ocho años de trayectoria, Maikel Delacalle se ha consolidado como un referente del R&B urbano en España, destacando por su capacidad para fusionar emociones y géneros. Éxitos como Ganas —que supera los 100 millones de reproducciones—, Mi Nena (y su remix con Quevedo) o su interpretación en español de Soldi junto a Mahmood —que supera los 250 millones de streams— lo han posicionado como una figura clave dentro del género. Su reconocimiento en los Los40 Music Awards 2022 como “Mejor Artista o Grupo Urbano”, unido a los más de tres millones de oyentes mensuales en Spotify y más de un millón de suscriptores en YouTube, refuerzan su impacto.

Su actividad reciente demuestra su versatilidad: Shorty, SINCERO junto a Recycled J, Como no con Dahili, LATENIGHTJIGGY y El Clooy, Luna con Youka y Big Papa313, o la trilogía narrativa formada por Faltabas Tú (Cap. 1), Anónimos (Cap. 2) y Díselo (Cap. 3), han ampliado su repertorio con propuestas que profundizan en nuevas facetas de su sonido.

Más allá de la música, Maikel ha participado activamente en causas sociales, siendo reciente su implicación voluntaria en la ayuda humanitaria tras las inundaciones de la DANA en Valencia. Su presencia en festivales como Arenal Sound, Sonorama Ribera o Boombastic refleja una carrera en crecimiento constante y con gran conexión con el público.

No Love continúa abriendo camino hacia todo lo que DLC VOL.1 tiene preparado: una obra más oscura, más directa y más honesta, donde Maikel Delacalle vuelve a demostrar por qué es uno de los artistas más sólidos e influyentes del urban español actual.

ATK EPOP feat Davi Sanz lanza el EP Prohibido

ATK Epop y el artista bilbaíno Davi Sanz regresan con Prohibido, un EP que funciona como el broche perfecto a la etapa que ambos han construido en los últimos tiempos. Tras una serie de singles publicados de manera individual, este nuevo lanzamiento reúne cinco piezas que encuentran ahora un nuevo sentido al presentarse como una obra conjunta, resultado de una evolución sonora marcada por la experimentación, la emoción y una sensibilidad cada vez más expansiva.

El EP incluye Envidia Artificial, No se ve, Prohibido, El demonio y No hay nada (suite versión). Cuatro de ellas ya habían visto la luz anteriormente, pero es precisamente esta última pieza la que se convierte en el corazón inédito del proyecto. No hay nada renace con una lectura completamente nueva: una versión suite en la que Davi Sanz toma el relevo vocal que en su día interpretó Mara Vélez, dando vida a una reinterpretación luminosa que acaricia el alma y expande el universo emocional del tema original.

ATK Epop, Davi Sanz y Mara Vélez se reencuentran aquí para elevar la canción hacia un paisaje melódico y cinematográfico. La producción se abre con guitarras envolventes y violines que se despliegan como un latido suave, permitiendo que la pieza respire entre lo acústico, lo electrónico y lo sensorial. El resultado es una atmósfera íntima que invita a detenerse, sentir y dejar que el mensaje cale lentamente.

El lanzamiento viene acompañado por un videoclip oficial que realza el carácter contemplativo de la obra. Imagen y música se encuentran en un diálogo que intensifica el viaje emocional que la canción propone, completando así la narrativa que ATK Epop y Davi Sanz han ido construyendo en esta etapa compartida.

Prohibido se consolida como un cierre natural y, al mismo tiempo, un punto de inflexión: un resumen sensible de lo que han sido estos años de colaboración y una puerta abierta hacia el futuro artístico de sus protagonistas.

Marta Cancela avec ou sans toi

La cantautora hispano-marsellesa Marta Cancela revela Avec ou sans toi, el séptimo adelanto de su proyecto musical y la antesala directa de la canción final que dará nombre a su próximo álbum. Con una sensibilidad artística marcada por la delicadeza acústica y una escritura que fusiona la poesía pop con matices franco-españoles, Cancela entrega aquí una de sus composiciones más personales, acompañada ya de un videoclip oficial que amplifica el magnetismo emocional del tema.

Escrita como un susurro y concebida como “una mano tendida”, Avec ou sans toi se mueve en la frontera difusa entre lo visible y lo invisible. La canción habla de conexiones que no siempre podemos controlar: un amor libre, intenso, a veces distante, que puede manifestarse en la figura de una persona amada o en una presencia que acompaña silenciosamente incluso cuando dudamos de su existencia. Marta Cancela invita a cada oyente a encontrar su propia historia en esta pieza, ya sea luminosa, oculta o a medio camino entre ambas.

Este nuevo lanzamiento se suma a una trayectoria en la que la artista ha sabido construir un universo propio, íntimo y valiente. Formada como pianista clásica —culminó sus estudios en el Conservatorio de Madrid en 2003— y tras una carrera de 20 años como ingeniera, Cancela decidió regresar a la música para convertirla en su camino principal. Hoy escribe en francés y español, tejiendo una mezcla de ritmos españoles y acentos franceses que consolidan su estilo dentro del pop rock español, siempre con una delicadeza particular.

Sus letras, lejos de quedarse en la superficie, abordan temas como la soledad, la tristeza, la violencia o la adicción, pero siempre desde un lugar donde permanece una chispa de esperanza. Cada composición nace de su deseo de aportar luz y bienestar, especialmente para quienes atraviesan momentos de duda. Entre sus trabajos anteriores destacan Un Traguito de Café, que refleja su dualidad cultural, Corazón Errante, Bailando en la playa y Dos Amores, una dedicatoria íntima a sus dos hijos.

Con Avec ou sans toi, Marta Cancela reafirma su identidad como una artista que convierte la vulnerabilidad en belleza y que transforma sus vivencias en melodías que buscan acompañar, acoger y reconfortar.

Avec ou sans toi ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Marta Cancela, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

La Linde el baile de los descalzos

La Linde, la banda emergente de Talavera de la Reina formada por cuatro “bichos raros” que disfrutan caminando entre las fronteras del pop-rock, el folk y la música de raíz, presenta su primer single, El Baile de los Descalzos, una carta de presentación que reivindica lo orgánico, lo humano y lo auténtico. El tema, producido por Oliver Luna en KPM Producciones (KPM Studio Talavera), nace desde una base acústica sólida, donde la guitarra, el bajo y una batería de carácter contundente construyen un paisaje sonoro que late con intensidad. Es un sonido que respira, que se siente cercano y visceral, reforzado por percusiones que parecen salir directamente del suelo y por un detalle que lo hace especialmente vivo: las palmas y los golpes de pies grabados en directo, llevando el ritmo al terreno de lo corporal y lo comunitario.

En El Baile de los Descalzos, la voz tampoco pertenece a una sola persona. Scherezade, Oliver y Laura se entrelazan como un mismo hilo narrativo, sostenidos por los coros de Ángel y Sofía, creando un tapiz vocal que refuerza la esencia del mensaje. Ese mensaje, compuesto por Oliver Luna y arreglado por toda La Linde, es un canto universal a la liberación, un llamado a romper ataduras, a dejar caer los miedos y a volver a la raíz, a la piel, a la tierra. La canción avanza como un impulso vital que invita a “romper los cordones” y entregarse sin reservas a la posibilidad de empezar de cero.

El tema ya tuvo su primera prueba de fuego sobre el escenario el pasado 23 de noviembre, cuando abrió el evento de Santa Cecilia en Talavera con una acogida espectacular por parte del público, reafirmando que La Linde tiene entre manos algo que conecta de manera inmediata. La banda, que se define como un laboratorio sonoro donde los instrumentos cambian y la creatividad manda, encuentra en este lanzamiento un punto de partida que promete ampliar aún más su universo musical.

La letra refleja ese viaje de introspección y renacimiento, comenzando con figuras que arrastran sus culpas y heridas, y avanzando hacia un despertar poderoso impulsado por “la voz de la tierra”. La repetición del estribillo actúa como un mantra que anima a desprenderse de lo que pesa y dejar que el baile —metáfora de la vida vivida con libertad— tome el control. Es un himno cargado de energía, luz y optimismo.

El Baile de los Descalzos ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de La Linde, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Wuzy Bambussy little lion

Wuzy Bambussy, el proyecto creado por el compositor, productor y multiinstrumentista Nikolai Jones junto a la vocalista Kat Harrison, irrumpe con fuerza en la escena independiente con Little Lion, primer adelanto de su LP debut The Ghost & The Rhythm, que verá la luz en abril de 2026. Desde la región vibrante del West Country inglés, el dúo —acompañado por una constelación cambiante de músicos colaboradores— ha construido un universo propio donde conviven la melancolía rítmica del funk, la intimidad del folk, la crudeza del indie rock y el pulso hipnótico de la electrónica.

Publicado el 27 de noviembre de 2025, Little Lion es una obra que bebe directamente de la herencia de los pioneros del synth pop de los años 80. Ecos de Eurythmics, Gary Numan y The Human League atraviesan la producción mientras Bambussy forma su propio tótem sonoro: un “pequeño león” que encarna su espíritu colectivo, guiado a un refugio seguro para descansar tras la batalla. Esa mezcla de vulnerabilidad y fuerza marca el tono de un single que es, al mismo tiempo, íntimo y expansivo, delicado y eléctricamente cargado.

El tema flota sobre una atmósfera inquietante, impulsada por una sección rítmica pulsante que sostiene un paisaje nocturno salpicado de metales jazzísticos que parecen aparecer entre sombras. En el centro, la voz de Kat Harrison se desliza con una suavidad etérea, casi translúcida, para entregar una letra que habla desde un lugar de fragilidad luminosa: la búsqueda de un amor caído en tiempos turbulentos. Es una plegaria y una llamada, un susurro que se abre paso dentro de un entorno hostil, como un animal herido que aún conserva la dignidad de levantarse.

La letra de Little Lion expande ese universo simbólico y emocional con imágenes de ferocidad contenida, de batallas internas y de renacimientos en mitad del caos. Entre versos que evocan junglas de hormigón, tormentas y amaneceres ferales, la canción construye un relato que se siente épico sin perder su intimidad. Cada frase funciona como una llave que intenta abrir puertas hacia un futuro incierto, pero no por ello menos cargado de posibilidades.

Con este primer lanzamiento, Wuzy Bambussy inaugura una etapa que promete llevar su imaginario sonoro a nuevas profundidades. Little Lion no es solo un adelanto de lo que vendrá, sino una declaración estética que sitúa al dúo en un territorio donde la emoción se transforma en ritmo, y la oscuridad encuentra un destello de fuego propio.

Little Lion ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Wuzy Bambussy, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Beret Alma y corazon

“Alma y Corazón” es el nuevo lanzamiento que une a tres de los nombres más influyentes de la música urbana española: Beret, SFDK y Morodo. Un encuentro artístico de enorme peso que forma parte del álbum “Lo bello y lo roto” y que destaca por su capacidad para fusionar géneros, sensibilidades y estilos sin perder la identidad de cada uno. La canción, compuesta por Francisco Javier Álvarez Beret, Rubén David Morodo Ruiz, Saturnino Rey García y Acción Sánchez —quien además firma la producción— se presenta como un ejercicio de equilibrio entre melodía, rap y raíces jamaicanas que desemboca en un tema profundamente emocional.

Beret aporta su sello característico: esa mezcla de pop, hip-hop y R&B envuelta en letras introspectivas que conectan directamente con las emociones. Su voz, cálida y melódica, abre el camino hacia una narrativa en la que el amor se muestra como un refugio, un motor y un lugar de encuentro con la mejor versión de uno mismo. La interpretación del sevillano mantiene ese tono íntimo que lo ha convertido en uno de los artistas más escuchados y queridos del país.

La presencia de SFDK añade solidez y contundencia. Zatu, con su flow distintivo, entrega versos cargados de fuerza y honestidad, mientras Acción Sánchez moldea una producción que respira coherencia y sutileza, permitiendo que cada capa de estilo conviva sin fricciones. El legendario dúo sevillano vuelve a demostrar por qué sigue siendo un pilar del rap en español: por su capacidad de adaptarse, evolucionar y elevar cualquier colaboración en la que participa.

Morodo, referente absoluto del reggae y el dancehall en España, completa el triángulo creativo con su voz rasgada e inconfundible, aportando un espíritu cálido y espiritual que enriquece la atmósfera del tema. Su entrega le da al single ese toque jamaicano que abre el horizonte sonoro y refuerza la naturaleza mestiza de la canción.

“Alma y Corazón” gira en torno al amor entendido como un refugio emocional. La letra describe cómo la presencia de la persona amada puede convertirse en guía, en calma y en el punto de equilibrio que devuelve sentido a los días difíciles. Es un relato construido desde la vulnerabilidad, la entrega y la búsqueda de propósito. La fuerza de la colaboración reside precisamente en cómo estos tres mundos —el pop emotivo de Beret, el rap directo de SFDK y la espiritualidad reggae de Morodo— se entrelazan para narrar una misma historia desde diferentes sensibilidades.

El resultado es un tema cohesivo y poderoso, que no solo celebra la riqueza de la música urbana española, sino que también demuestra la capacidad de sus artistas para tender puentes entre géneros, reinventarse y crear algo que trasciende lo individual. “Alma y Corazón” destaca por su intención, por su mensaje y por la química evidente entre tres figuras que han marcado, y siguen marcando, generaciones.

“Alma y Corazón” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Beret, SFDK y Morodo, y estar al tanto de sus próximos lanzamientos, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Cadillac Miren y Lu de la puerta

La escena urbana española arranca el año con energía renovada gracias a Cadillac, el explosivo nuevo single que une a dos artistas con universos tan distintos como complementarios: Miren y Lucía de la Puerta. El resultado es un tema vibrante, atrevido y lleno de magnetismo que combina pop urbano, ritmos latinos y una actitud descaradamente empoderada. Juntas, las dos artistas construyen un viaje sonoro que avanza con la misma elegancia y determinación con la que la letra evoca la imagen de un Cadillac avanzando sin mirar atrás.

Lucía de la Puerta, una de las figuras más influyentes de la nueva generación, vuelve a demostrar su versatilidad y su capacidad para moverse con soltura entre disciplinas. Influencer de éxito con millones de seguidores, cantante, actriz, médica y deportista, Lucía se ha convertido en un símbolo de resiliencia y superación para una comunidad que ve en ella un modelo de constancia y ambición. Tras el lanzamiento de su álbum A lo callao, con varios de sus singles posicionándose en el Top 50 de canciones más virales de Spotify, la artista continúa expandiendo su identidad creativa a través de colaboraciones que muestran distintas facetas de su voz y de su carácter artístico.

Frente a ella, Miren aporta una visión íntima, honesta y construida desde el esfuerzo. La joven compositora vasco-catalana, nacida en Bilbao y criada entre Barcelona y Donostia, lleva dos años inmersa en la escena madrileña, donde se ha propuesto vivir de lo que más ama: componer música. Su enfoque, centrado en la autenticidad y la integridad, le ha permitido consolidar una audiencia fiel sin el apoyo de una gran discográfica ni campañas masivas. Sube su música directamente a plataformas como Spotify, acumulando más de cinco millones de reproducciones y defendiendo un proyecto personal que se ha vuelto imprescindible para quienes buscan historias contadas desde la emoción real. Su álbum de 18 canciones es una muestra de valentía creativa, de independencia y de talento puro. “Otro lugar, aparte —dice sobre su música—. El mío cuando compongo, y el que tú quieras cuando escuchas”.

Cadillac une estas dos trayectorias tan diferentes en una sola dirección: adelante. La canción es un himno de actitud, seducción y poder personal, donde la narrativa se mueve entre la atracción irresistible, la transformación interior y el orgullo de haber construido un camino propio. Con un estribillo magnético —“Me conduce que parece un Cadillac, me deja con mono, me deja con lag”— y una mezcla de idiomas que aporta textura y naturalidad, el tema fluye entre la picardía, la introspección y el empuje que caracteriza a la música urbana actual.

Lucía aporta una interpretación firme y desafiante, especialmente en la parte final, donde declara que ahora vive la vida “montada en Cadillac”, siguiendo su plan, bendecida desde arriba y fiel a su energía guerrera. Miren, por su parte, refuerza la sensibilidad del track con versos que hablan del cambio, de la mirada ajena y de ese magnetismo que descoloca y atrapa. La combinación de ambas crea un diálogo que funciona como espejo de dos generaciones que, aunque distintas, comparten el deseo de avanzar sin miedo.

Cadillac llega para convertirse en un tema clave dentro del momento musical que están construyendo ambas artistas. Un punto de encuentro entre fuerza, flow, vulnerabilidad y estilo propio; una declaración de intenciones disfrazada de hit urbano que se queda resonando desde la primera escucha.

Cadillac ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Miren y Lucía de la Puerta, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlas muy de cerca a través de sus redes sociales.

Inna y Florian 7 dias

La conexión artística entre INNA y Florian Rus vuelve a brillar con intensidad en 7 Días, la versión en español del exitoso tema rumano 7 Zile. Esta colaboración revela una faceta profundamente emotiva de ambos artistas, alejándose del enfoque dance habitual de INNA para sumergirse juntos en una balada pop que respira nostalgia, silencio interior y una herida que aún no cicatriza. El resultado es un tema delicado, íntimo y cargado de sensibilidad, que rescata lo mejor de cada voz para construir una historia que se siente cercana y universal.

INNA, reconocida en todo el mundo por su presencia vibrante en la música pop-electrónica, sorprende al dejar a un lado el ritmo frenético para abrazar un sonido más suave, cálido y vulnerable. Su interpretación aporta claridad emocional, permitiendo que el relato se sostenga con honestidad y serenidad. Por su parte, Florian Rus —una de las voces más melódicas y expresivas del pop rumano contemporáneo— dirige gran parte de la atmósfera del single. Su timbre delicado y su capacidad para transmitir emoción desde la fragilidad añaden una profundidad esencial que convierte 7 Días en una pieza de escucha íntima.

La letra explora el peso de la ausencia y el desgarro emocional después de una ruptura. Cada uno de los siete días que menciona la canción funciona como un pequeño universo donde la persona protagonista intenta recomponerse mientras revive su relación perdida. Este número, repetido como un mantra, refuerza la idea de un ciclo que se repite y que no termina, donde cada amanecer trae un nuevo recordatorio de lo que ya no está. La producción, delicada y atmosférica, acompaña con sutileza el vaivén emocional de la historia, dejando que las voces respiren y se encuentren en un punto de equilibrio perfecto.

7 Días es una muestra de la versatilidad de INNA y Florian Rus, quienes aquí no buscan encender una pista de baile, sino abrir un espacio para la nostalgia y la reflexión. Es una balada que conecta desde la honestidad y que demuestra que, incluso en la sencillez, hay lugar para la grandeza emocional.

7 Días ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de INNA y Florian Rus, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Dj Moderno estrellas

“Estrellas” es el nuevo y poderoso lanzamiento de DJ MODERNO en su formato Live, un trío que continúa consolidándose como una de las propuestas más frescas del indie electrónico nacional. El productor y artista presenta aquí su single más luminoso, energético y festivo hasta la fecha: un tema de pop electrónico que combina intensidad emocional y un sonido directo con influencias de Black Eyed Peas, Martin Solveig y ese inconfundible toque eurovisivo que se ha convertido en parte esencial de su identidad. Es una canción que invita al baile, pero también a ese instante íntimo donde la música ilumina zonas más profundas.

La fuerza del single recae en el trabajo conjunto de un equipo creativo muy sólido: la voz de Isa Atómica, la producción de Spam DJ (Fangoria) y las guitarras y sintetizadores de Berty García. Juntos construyen una pieza que rinde homenaje a todas aquellas personas que, aun sintiéndose fuera de lugar, descubren su propio momento de luz. La canción captura ese instante casi cinematográfico en el que alguien aparentemente invisible se transforma, por una noche, en el centro del universo. Un retrato emocional que se mezcla con una producción festiva para crear un himno de empoderamiento, brillo y liberación.

Dentro de la letra, “Estrellas” incorpora un guiño claro al imaginario de David Bowie al incluir la frase “we are heroes for one night”, evocando el espíritu de “Heroes” y celebrando la posibilidad de brillar contra todo pronóstico, aunque sea solo durante unas horas. También aparece una referencia literaria a Bukowski, reforzando la mezcla entre melancolía, crudeza emocional y energía bailable que atraviesa todo el proyecto. Esta dualidad convierte al single en una pieza vibrante y sensible, destinada a convertirse en uno de los himnos de pista del año.

“Estrellas” llega en un momento clave para DJ MODERNO. Su segundo álbum, “Astronautas en Madrid”, publicado en abril de 2025, supera ya 1,2 millones de streams en Spotify y cuenta con más de 50.000 oyentes mensuales, consolidando al artista navarro afincado en Madrid como una de las voces más activas, creativas y prolíficas del indie electrónico español. Este nuevo single funciona como el primer adelanto del próximo EP del productor, previsto para 2026, y anticipa una nueva etapa de madurez artística y expansión sonora.

Paralelamente, DJ MODERNO Live —el trío de electrónica nacido en 2022 para presentar su primer disco “La Nave Nodriza”— continúa creciendo en visibilidad y consolidándose en el circuito nacional. Actualmente interpretan en directo su segundo álbum, “Astronautas en Madrid”, junto a nuevos singles que continúan ampliando el universo musical del proyecto. Entre sus logros recientes destacan la victoria en el concurso de bandas de las Fiestas de Arganzuela, su presencia en la Mercedes-Benz Madrid Fashion Week, su presentación en los Latin Grammy en Sevilla y actuaciones en numerosas salas y eventos de referencia del país.

La actividad en directo no se detiene: DJ MODERNO Live ya ha confirmado actuaciones clave para final de año, incluyendo su presentación el 27 de diciembre en el festival Santas Pascuas (Pamplona), donde compartirán cartel con Cycle, Rufus T. Firefly, Hinds, Barry B y Sanguijules del Guadiana, y su show del 2 de enero de 2026 en el Festival Actual de Logroño, dentro del Festival de Bandas. A esto se suma la intensa actividad del productor como remixer, publicando semanalmente remixes y mashups —incluyendo trabajos recientes de Rosalía o la banda sonora de Stranger Things— que circulan de forma habitual entre DJs de la escena electrónica e indie.

También continúa su presencia constante en cabina, donde hace bailar al público con sets eclécticos, imprevisibles y profundamente personales en algunas de las salas y festivales alternativos más importantes del país. Con toda esta actividad, “Estrellas” se posiciona no solo como un nuevo lanzamiento, sino como un reflejo del momento creativo expansivo que vive DJ MODERNO: un artista en crecimiento continuo, vibrante y dispuesto a seguir sorprendiendo.

“Estrellas” es, en definitiva, un adelanto potente, luminoso y bailable del próximo EP que verá la luz en 2026, y uno de los singles más sólidos y emocionantes de la trayectoria del proyecto hasta la fecha.

LS PABLO DAGE REMIX 1

Pablo Dage continúa ampliando su presencia en la escena electrónica latinoamericana con el lanzamiento de su esperado remix oficial de “Love Sick”, una reinterpretación realizada para el reconocido productor mexicano Olbaid. Este lanzamiento marca un momento clave en la carrera del artista argentino, que sigue consolidando su nombre más allá de fronteras gracias a su capacidad para fusionar técnica, creatividad y un estilo propio que evoluciona con cada proyecto.

El remix de “Love Sick” no solo representa una colaboración entre dos talentos influyentes de la música electrónica en Latinoamérica, sino también un ejercicio de admiración mutua y profundo respeto profesional. En esta nueva versión, Pablo Dage logra aportar su impronta sonora sin despojar a la canción de la esencia que caracteriza la obra original de Olbaid. El resultado es un equilibrio preciso entre homenaje y reinvención, una apuesta fresca que mantiene el alma del track pero lo impulsa hacia una dimensión distinta, marcada por la sensibilidad artística del productor tucumano.

La relación artística entre ambos nace de años de reconocimiento y seguimiento recíproco. Pablo Dage destacó públicamente la importancia de esta oportunidad, describiéndola como un honor y un sueño cumplido. Para él, trabajar con Olbaid —productor, referente educativo y figura clave en la comunidad musical gracias a su constante labor en YouTube— es un paso significativo que valida su crecimiento como artista y productor. El lanzamiento refuerza además el valor de las alianzas creativas dentro de la escena electrónica latinoamericana, donde cada colaboración abre caminos para nuevas sonoridades y propuestas.

“Love Sick – Remix” ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales de Pablo Dage, ofreciendo una experiencia sonora renovada que refleja años de dedicación, aprendizaje y pasión por la música electrónica. Su carrera, que comenzó en San Miguel de Tucumán entre remixes caseros y la inspiración de grandes nombres como Tiësto, David Guetta, Bob Sinclar y Benny Benassi, ha ido evolucionando hasta convertirlo en un productor respetado dentro de la escena. Con más de una década creando remixes y edits, y tras profesionalizarse apenas unos años después de iniciar su camino, Pablo Dage ha construido un catálogo sólido que crece con cada nueva colaboración.

Este lanzamiento simboliza un paso más en esa trayectoria ascendente y confirma su compromiso con la innovación y la calidad. Su capacidad para reinterpretar, transformar y expandir el universo de una canción demuestra no solo su madurez artística, sino también su deseo permanente de conectar con públicos nuevos y diversos.

“Love Sick – Remix” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Pablo Dage, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, remixes, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

George Hunter Trtola noche entera

“Noche Entera” es el nuevo single de George Hunter Tórtola, un artista y productor que continúa afianzando un estilo propio dentro de la escena latina y electrónica actual. Publicado bajo el sello GHT Records y ya disponible en todas las plataformas digitales, el tema se presenta como una apuesta sólida por la fusión entre sensibilidad melódica, ritmos contemporáneos y una estética nocturna que envuelve desde el primer segundo. Lejos de buscar el artificio, la canción propone un equilibrio entre sutileza y energía, una cadencia constante que invita tanto a escuchar con atención como a dejarse llevar por su atmósfera envolvente.

La producción destaca por su limpieza y precisión, dos rasgos cada vez más característicos en la evolución de George Hunter Tórtola. Aquí, los elementos electrónicos no saturan, sino que dialogan con influencias del pop latino moderno, creando un entorno sonoro elegante, urbano y emocional. La línea melódica avanza con fluidez, apoyada en detalles electrónicos que brillan sin imponerse, generando un paisaje sonoro que recuerda a las noches largas y luminosas de la ciudad, donde cada sonido parece tener un reflejo propio. Esta estética, cuidada al detalle, refuerza la identidad del artista y su compromiso con un sonido donde la modernidad convive con la calidez.

Con una presencia que crece de manera constante en España y Latinoamérica, George Hunter Tórtola se ha consolidado como una voz singular dentro de las nuevas fusiones electrónicas. Su trabajo combina emoción, ritmo y una esencia mediterránea muy vinculada a sus raíces manchegas, algo que aporta un sello distintivo a todas sus producciones. Este equilibrio entre personalidad artística y apertura hacia nuevos lenguajes le permite construir un catálogo que no deja de expandirse, donde cada lanzamiento es una pieza más dentro de una visión musical coherente y en plena evolución.

“Noche Entera” se suma así a un camino creativo que destaca por su sofisticación y su capacidad para evocar sensaciones. El tema invita a recorrer espacios íntimos, carreteras silenciosas, encuentros inesperados y momentos donde la música se convierte en un hilo conductor entre lo emocional y lo sensorial. Más que un simple single, es una declaración del tipo de atmósferas que George Hunter Tórtola quiere seguir construyendo: nocturnas, modernas, pulidas y profundamente personales.

“Noche Entera” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de George Hunter Tórtola, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

The Flu

“Get Your Purse Get in the Truck” es el nuevo single de The Flu, la banda con sede en Texas conocida por su inagotable capacidad para fusionar géneros y romper moldes. Rock, R&B, pop, soul, rap y country conviven con naturalidad en su identidad sonora, una mezcla que refleja su visión sin restricciones y un estilo guiado por el instinto y la personalidad. Con este lanzamiento, la agrupación vuelve a demostrar que su creatividad no conoce límites, mientras prepara el terreno para su esperado álbum Symptoms, que será estrenado próximamente.

El sencillo arranca con un guiño nostálgico al rock ’n’ roll clásico, teñido de matices country que recuerdan a los grandes paisajes abiertos del sur estadounidense. Sin embargo, The Flu no tarda en sacudir esa calma inicial para introducir elementos de punk-rock que elevan la intensidad y empujan la canción hacia una energía juvenil, vibrante y descarada. El resultado es un viaje musical explosivo, una pieza que mezcla dinamismo, actitud y un espíritu libre que se mantiene firme durante todo el tema.

A medida que avanza la canción, las guitarras adquieren un protagonismo feroz, creciendo en rugosidad y llevando al oyente hacia una estética cruda de “garage band”. Esta capa sonora, directa y sin pulir, encaja con la esencia rebelde de la banda, que apuesta por la espontaneidad y un pulso creativo intrépido. La voz se mueve entre una narración con fanfarronería inicial y una melodía más accesible, generando un contraste que potencia su vibra indie y su atractivo impredecible. Es precisamente esta mezcla de estilos, texturas y actitudes lo que convierte el sencillo en un recorrido emocionante y completamente imprevisible.

“Get Your Purse Get in the Truck” captura ese tipo de energía diseñada para carreteras interminables, fiestas improvisadas y momentos donde lo único que importa es dejarse llevar por la música. Es un tema “upbeat”, lleno de vida, de tensión juvenil y de una celebración constante de la libertad creativa. Una de esas canciones que parecen hechas para sonar fuerte, para moverse, para escapar de la rutina y para recordar que la música también puede ser puro impulso.

“Get Your Purse Get in the Truck” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de The Flu, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Beret lo bello y lo roto

El artista sevillano Beret vuelve a colocarse en el centro de la escena musical con el lanzamiento de Lo Bello y Lo Roto, el tema que acompaña la publicación de su esperado tercer álbum de estudio del mismo nombre. Esta nueva canción exhibe, con una sinceridad descarnada, el espíritu que atraviesa todo el proyecto: una búsqueda emocional profunda en la que lo imperfecto se convierte en fuente de belleza y las grietas personales se transforman en un espacio para reconstruirse.

Lo Bello y lo roto es un disco concebido entre España y Argentina, donde Beret se sumergió en un proceso creativo que mezcla introspección, vulnerabilidad y una crudeza emocional que pocas veces había mostrado con tanta claridad. El álbum reúne trece canciones: siete adelantos que ya habían conquistado a su público y seis temas completamente inéditos que expanden su universo musical. Entre ellos destaca Nadie más te la cree, una pieza directa, visceral y emocionalmente afilada, en la que el artista expone la frustración que surge cuando las palabras pierden valor y dejan de ofrecer refugio. Este tema se ha convertido en uno de los pilares expresivos del proyecto, un reflejo fiel del tono humano que atraviesa todo el álbum.

Sumándose a esta nueva etapa, Lo Bello y lo roto incorpora colaboraciones de gran calibre que enriquecen la propuesta y la abren a nuevas sensibilidades. Diegote, Mr. Rain, SFDK, Morodo y Domelipa se unen a Beret para aportar matices, estilos y perspectivas distintas. Entre todas ellas destaca SUPERHÉROES, el encuentro musical con Mr. Rain que ya se perfila como uno de los himnos inevitables del disco. La mezcla entre la delicadeza melódica del sevillano y la fuerza emocional del italiano construye un tema que subraya la capacidad que tiene la música de tender puentes entre realidades y experiencias.

Este trabajo supone un viaje emocional donde Beret combina lo frágil y lo contundente con un equilibrio medido y honesto. Su propuesta se adentra en el pop contemporáneo sin renunciar a la profundidad lírica que ha definido toda su trayectoria, construyendo paisajes sonoros que dialogan con la fortaleza interna, la fragilidad humana y las historias que se esconden detrás de cada cicatriz. Diseñado también para quienes valoran el formato físico, Lo Bello y lo roto está disponible en vinilo, CD Digipack y una edición especial en CD BOX.

Con más de seis millones de oyentes mensuales y una comunidad sólida tanto en España como en Latinoamérica, Beret confirma con este lanzamiento que continúa siendo una de las voces más influyentes de su generación. Su capacidad para conectar con el público a través de letras íntimas, directas y profundamente humanas lo ha convertido en el autor de la banda sonora emocional de miles de personas. Lo Bello y lo roto no solo reafirma su madurez artística, sino que también demuestra que su sensibilidad y su honestidad creativa siguen evolucionando, abriendo nuevas rutas en su camino musical.

Francisco Javier Álvarez Beret, nacido en Sevilla en 1996, comenzó a interesarse por la música desde muy joven, adentrándose en el rap y el reggae mientras exploraba otros géneros que terminaron dando forma a su identidad artística. Con grabaciones caseras que compartía en YouTube, su carrera comenzó a tomar forma de manera orgánica, impulsada por un estilo que mezcla pop urbano, reggae y una visión libre de etiquetas. Su éxito masivo llegó con Lo Siento, un single que se convirtió en un fenómeno internacional, alcanzando cinco discos de Platino en España y conquistando Latinoamérica con su versión junto a Sofía Reyes. El reconocimiento se materializó con premios como Mejor Canción del Año en Los 40 Music Awards 2019 y Mejor Artista del Año en los Premios Odeón 2020. Su álbum Prisma, publicado en 2019, reunió algunos de sus mayores éxitos y colaboraciones con artistas como Pablo Alborán, Vanesa Martín, Melendi, Sofía Reyes y Sebastián Yatra, alcanzando el número 2 en ventas y convirtiéndose en el primer álbum español con ocho semanas en el número uno de la lista de streaming. Prisma fue certificado disco de oro y consolidó definitivamente el alcance internacional del artista.

Hoy, con Lo Bello y lo roto, Beret abre una nueva etapa marcada por la madurez emocional, la vulnerabilidad y la capacidad de convertir el dolor en arte. Es un recordatorio de que en cada fractura hay una historia y en cada historia, una forma distinta de encontrar la belleza.

Lo Bello y lo Roto ya se encuentra disponible en streaming en todas las plataformas digitales. Para más información sobre el artista y sus futuros proyectos, no dudes en seguirlo de cerca a través de sus redes sociales.

Christina Aguilera My favorite Things

Christina Aguilera, una de las voces más influyentes y admiradas de la música pop contemporánea, regresa esta temporada con un lanzamiento que combina elegancia, nostalgia y un despliegue vocal de altura. Se trata de My Favorite Things (Live from the Eiffel Tower), su nuevo single navideño y el primer adelanto oficial de su proyecto cinematográfico Christina Aguilera: Christmas in Paris, una producción que conmemora el 25 aniversario de su clásico álbum navideño My Kind of Christmas, publicado en el año 2000.

La artista estadounidense de ascendencia ecuatoriana e irlandesa, nacida el 18 de diciembre de 1980, vuelve a demostrar por qué ha sido denominada “La Voz de una Generación”. Su incomparable rango vocal, su presencia escénica y su capacidad para reinventarse continúan manteniéndola como una figura esencial en la industria musical. Desde sus inicios como niña prodigio en programas como Star Search y The New Mickey Mouse Club, donde compartió escenario con talentos que más tarde marcarían época como Britney Spears y Justin Timberlake, Aguilera ha construido una carrera marcada por la autenticidad, la fuerza artística y la experimentación sonora. Su salto a la fama internacional llegó gracias a Reflection, la emotiva balada de la película Mulan de Disney, que en 1998 la llevó a firmar con RCA Records y abrir un camino global. Su álbum debut, Christina Aguilera (1999), la consolidó como fenómeno mundial gracias a éxitos como Genie in a Bottle, What a Girl Wants y Come On Over Baby.

A lo largo de más de dos décadas de trayectoria, Aguilera ha vendido más de 30 millones de discos, ha logrado varios números uno en el Billboard Hot 100 y ha sido galardonada con seis Premios Grammy, incluyendo un Grammy Latino. Su versatilidad la ha llevado a explorar el pop, el R&B, el soul, el dance y, en los últimos años, a volver a sus raíces latinas con los EP La Fuerza, La Tormenta y La Luz, reafirmando su capacidad de evolucionar y conectar con nuevas generaciones.

Ahora, Christina Aguilera sorprende al mundo con una deslumbrante interpretación en vivo del clásico compuesto por Rodgers y Hammerstein para la película The Sound of Music (Sonrisas y Lágrimas). My Favorite Things (Live from the Eiffel Tower) es más que una canción: es una experiencia visual y sonora. Grabada en una terraza parisina con la Torre Eiffel como protagonista, la actuación se convierte en un espectáculo navideño único, ya que el icónico monumento fue transformado especialmente para la ocasión en un enorme árbol de Navidad luminoso que envuelve la escena en un ambiente mágico. La elección del tema y del escenario refleja el tono que guiará todo el filme Christina Aguilera: Christmas in Paris, una obra dirigida por el ganador del premio Emmy Sam Wrench, reconocido por su reciente trabajo en Taylor Swift: The Eras Tour.

El especial combina actuaciones de clásicos navideños, grandes éxitos de la carrera de Aguilera y nuevos arreglos que exploran su inmenso rango vocal, a la vez que intercala momentos íntimos de la artista en diferentes rincones de París. La producción también incluye escenas grabadas en el legendario cabaret Crazy Horse, donde la cantante reflexiona sobre el amor, la maternidad, la reinvención artística y la conexión emocional que mantiene con su público. Esta nueva etapa representa una celebración de su historia, pero también una declaración de presente: Aguilera demuestra que sigue siendo una intérprete capaz de elevar cada proyecto a una dimensión cinematográfica y emocional.

My Favorite Things (Live from the Eiffel Tower) es el primer destello de un universo navideño desbordante de elegancia y sentimiento, un homenaje a su legado y un paso adelante hacia una Navidad reinventada a su estilo: majestuosa, vocalmente impecable y profundamente personal.

My Favorite Things (Live from the Eiffel Tower) ya se encuentra disponible en streaming en todas las plataformas digitales. Para más información sobre la artista y sus futuros proyectos, no dudes en seguirla de cerca a través de sus redes sociales.

Delacruz de cero

El artista canario Dellacruz, conocido por su destacada participación en el Benidorm Fest 2024, regresa con fuerza y sensibilidad para presentar “De Cero”, el primer adelanto de un proyecto que redefine su identidad artística y abre una nueva etapa creativa marcada por la autenticidad, la elegancia y una fusión renovada de pop urbano con matices emocionales. Con este lanzamiento, Dellacruz se adentra en un terreno más íntimo y maduro, reafirmando su compromiso con una música que conecta desde la verdad y que invita a mirar hacia adelante con optimismo.

“De Cero” surge en un momento vital clave para el artista, un periodo en el que la introspección se convierte en motor creativo. Compuesta por el propio Dellacruz, producida por el madrileño Travv y grabada en Cero Studios —uno de los espacios creativos más influyentes de Madrid—, la canción se desarrolla como un relato honesto que abraza la vulnerabilidad sin miedo. Su mensaje se articula alrededor de la capacidad humana para recomenzar, aprendiendo del pasado y descubriendo en el presente una oportunidad constante para reconstruirse. El artista plantea así una visión esperanzadora de las segundas oportunidades, entendidas como un impulso para reescribir la propia historia, tanto en lo personal como en lo emocional y profesional.

En lo musical, “De Cero” mantiene la sofisticación lírica que caracteriza a Dellacruz, pero la sitúa sobre una producción más urbana, con ritmos contemporáneos y melodías pulidas que acompañan el tono emocional del tema sin perder su esencia pop. Esta evolución sonora refleja la búsqueda del artista por un equilibrio entre modernidad y sensibilidad, dando como resultado una propuesta sólida, reconocible y a la vez sorprendente. La canción se convierte en una declaración de intenciones: un punto de partida desde el que el artista se proyecta hacia un futuro musical más arriesgado, maduro y profundamente conectado con sus experiencias reales.

El lanzamiento llega, además, acompañado de un nuevo hito en su trayectoria: su regreso al Benidorm Fest, pero esta vez desde el rol de compositor en la edición de 2026. Dellacruz firma la canción con la que la cantante Atyat competirá en el certamen, un tema que nace de una colaboración que lleva desarrollándose casi dos años. Este regreso al festival demuestra no solo su consolidación como creador en el panorama nacional, sino también su habilidad para mantenerse vigente en un formato que ha impulsado su carrera como artista y compositor.

Jorge de la Cruz Correa, conocido artísticamente como Dellacruz, es una de las voces más versátiles y respetadas de la escena pop-urbana actual. Natural de Santa Cruz de Tenerife y residente en Madrid, acumula más de 5 millones de streams en plataformas digitales gracias a éxitos como “Beso en la mañana”, “Un millón de locuras” y “Cuántas veces”, junto a Polo Nández. Su proyecto suma ya más de 600.000 oyentes, consolidando una trayectoria que lo sitúa entre los artistas emergentes más influyentes del panorama nacional.

A lo largo de su carrera, Dellacruz ha trabajado como compositor y productor para figuras de renombre como Sergio Dalma, Ana Guerra, DVICIO, Soraya, Jorge González, Polo Nández, Rasel, Mar Lucas y Almacor, entre muchos otros. Su trabajo le ha otorgado discos de oro y platino, así como el respaldo de Sony Music Publishing y, posteriormente, de Universal Music. Su participación en el Benidorm Fest 2024 lo catapultó al gran público, fortaleciendo un camino que ahora se renueva con una visión más introspectiva y urbana. Su música ha sido parte de las principales playlists editoriales del país y ha sonado en emisoras como Cadena Dial y Los 40 Principales, formando también parte de giras nacionales que han reforzado su conexión con la audiencia.

Con una identidad capaz de fusionar géneros sin perder coherencia, Dellacruz se encuentra en plena expansión artística. Actualmente trabaja en la construcción de un proyecto más urbano, con una narrativa emocional más marcada y una producción que realza la importancia de las historias que inspiran sus composiciones. Su presencia constante en el Benidorm Fest como creador reafirma su papel como una de las figuras más activas y versátiles dentro del formato.

“De Cero” representa solo el inicio de lo que promete ser la etapa más madura, honesta y emocionante de Dellacruz, un periodo en el que el artista se reafirma como narrador de experiencias reales que conectan con un público cada vez más amplio y entregado.

“De Cero” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Dellacruz, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Vale Pintos struggle

“Struggle”, el nuevo single de Joantony y Vale Pintos, irrumpe en el panorama urbano como una pieza que captura la tensión irresistible entre el deseo y la lógica, describiendo ese pulso emocional donde dos personas intentan alejarse pero terminan cayendo una y otra vez en una conexión que los supera. Con un sonido que fusiona reggaetón, pop urbano y matices latinos, el tema se enmarca en un estilo nocturno, melódico y profundamente sensual, construido para envolver al oyente en un universo cargado de adrenalina, luces rojas, mensajes no respondidos y esa energía eléctrica que solo existe cuando la química es más fuerte que cualquier decisión racional.

El lanzamiento, bajo el sello On Top Events LLC, cuenta con la escritura de Joan Antonio González, Valeria Pintos, Christian Mojica “Cauty” y Carlos A. Ayala, quien además funge como productor ejecutivo. La producción estuvo a cargo de Cauty y Robertson, responsables de crear un paisaje sonoro con tintes cinematográficos donde el placer, la culpa y la tentación conviven en un ecosistema emocional adictivo. “Struggle” se presenta como la continuación natural del universo de “Energía Remix”: más íntimo, más visual y capaz de capturar un estado emocional en loop, donde el cuerpo siempre toma la decisión final antes que la mente. Su objetivo es mantener y amplificar el momentum alcanzado por éxitos recientes como “Energía Remix” y “La Father”, consolidando a Joantony y Vale Pintos como una de las duplas más magnéticas del cierre de 2025 y el inicio de 2026.

La letra del single refuerza esta narrativa de tensión emocional y física. Joantony abre el tema desde la vulnerabilidad de quien intenta resistirse a una atracción que lo desestabiliza, describiendo noches cargadas de dudas, deseo y esa contradicción interna entre lo que sabe que está mal y lo que, inevitablemente, lo atrae. Su interpretación refleja una mezcla de honestidad y seducción, con versos como “Ahora todas las noches con este struggle / Sé que envolverme contigo eso es trouble / Tú me pones a pensar que difícil decidir / Que si te busco está mal / Pero me meto a tu perfil / Y creo que vale más / Tenerte aquí encima de mí”.

Vale Pintos toma el mando en la segunda parte del track con una energía explosiva y auténtica, aportando una perspectiva femenina potente, directa y sin filtros. Su voz encarna la seguridad de quien reconoce su magnetismo y su poder en la dinámica emocional, con líneas que refuerzan el tono sensual y atrevido del tema: “Mis polvos son exclusivos pero yo te los presté / Te gustan mis labios parece que me los inyecté / Tú sabes que tú estés donde estés / Necesitas una dosis de mí muchas veces al mes”. Su presencia vocal añade una capa de intensidad que amplifica el concepto central del tema, mientras describe un vínculo marcado por la adrenalina, la obsesión y la dependencia emocional.

Ambos artistas coinciden en la construcción de un universo sonoro donde los encuentros furtivos, la tensión no resuelta y un deseo casi eléctrico son los ejes centrales de un relato que se siente auténtico y visual. La vibra de “Struggle” evoca imágenes de noches largas, miradas que no se pueden evitar, silencios que lo dicen todo y un juego emocional del que ninguno de los dos parece capaz —ni dispuesto— a salir. El outro de Joantony cierra la historia con una mezcla de confesiones, humor y anhelo, dando un matiz más íntimo que deja abierta la posibilidad de más capítulos dentro de este universo narrativo compartido.

El lanzamiento sirve también para reforzar la química artística entre ambos. Joantony, uno de los escritores más respetados del género urbano latino con certificaciones platino y diamante por éxitos para artistas como Shakira, Karol G, Anuel AA y Brytiago, continúa consolidando su faceta como artista emergente con un sonido que mezcla reggaetón clásico, trap melódico y una vibra cinematográfica que conecta con las emociones de la nueva generación. Su propuesta gira en torno al deseo, la dopamina y las relaciones modernas, con una versatilidad que le permite moverse entre lo sensual, lo introspectivo y lo bailable.

Por su parte, Vale Pintos, artista urbana nacida en Miami, criada en Cali y actualmente residente en Puerto Rico, se posiciona como una figura clave de la nueva ola femenina del trap y el reggaetón latino. Su estilo combina sensualidad, vulnerabilidad y actitud dentro de un lenguaje sonoro que refleja emociones de la generación digital: deseo libre, poder personal, independencia y autoconfianza. Tras colaboraciones con Papi Sousa, DIA y TUTU, y tras el éxito de “La Father” junto a Héctor el Father, su participación en “Struggle” evidencia una evolución hacia un sonido más cinematográfico, sensual y emocionalmente honesto, fortaleciendo su presencia en mercados como Puerto Rico, Colombia y España.

“Struggle” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Joantony y Vale Pintos, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Anora Kito vacilas

La banda castellonense Anora Kito continúa trazando su propia órbita dentro de la escena alternativa mediterránea y lo hace con fuerza renovada. Su nuevo single, Vacilas, ya disponible, se convierte en el tercer adelanto de Universal, el álbum con el que el grupo abrirá una nueva etapa artística tras el sólido camino que comenzaron con La gravitación de Kito (2023), su debut producido por Carlos Hernández Nombela. Con este lanzamiento, la formación reafirma la solidez de un sonido que se mueve entre la emoción cruda, la tensión poética y una intensidad sonora que los distingue en el panorama nacional.

Vacilas nace como una exploración directa y honesta de las fisuras que deja el paso del tiempo en los vínculos. Grabada en los Estudios Nu y producida entre Pau Ortiz y la propia banda, la canción retrata un paisaje emocional lleno de contradicciones, memorias que pesan y verdades incómodas que ya no se pueden esquivar. La banda se mueve en un territorio donde duele más lo que no llegó a suceder que lo que sí se vivió, donde las raíces se secan por falta de humedad y donde el desgaste afectivo se convierte en una grieta que atraviesa cada verso.

Con una producción elegante, de tensión contenida y con una contundencia que abraza lo emocional, Vacilas despliega un imaginario cargado de imágenes potentes: acrobacias afectivas, almas que rehúyen romper las normas, distancias que se agrandan sin avisar y cicatrices cuya profundidad cuesta medir. La narrativa recuerda esa sensación de caminar sobre un hilo frágil, donde cada palabra puede ser un impulso o una herida.

En pleno crecimiento, Anora Kito ha recorrido el arco mediterráneo y gran parte de la geografía española, consolidándose como una de las propuestas con más proyección de la escena levantina. Sus directos intensos y su facilidad para conectar con el público se han convertido en una de sus señas más reconocibles, reforzando el vínculo entre la banda y quienes encuentran refugio en su universo sonoro.

Vacilas no solo confirma esta evolución, sino que anticipa el carácter del que será su nuevo trabajo, Universal, un disco que apunta a ser el más ambicioso, maduro y emocional de la banda. Anora Kito continúa expandiendo su identidad musical, afinando un lenguaje propio que combina sensibilidad, contundencia y una mirada profundamente humana hacia las fracturas que nos definen.

La letra de Vacilas, disponible íntegra, profundiza en ese choque entre el yo y el tú, entre lo que permanece y lo que se rompe, entre lo que se recuerda y lo que jamás llegó a existir. Una canción que resuena por su honestidad y que confirma que Anora Kito se encuentra en uno de los momentos creativos más inspirados de su trayectoria.

Emduay someone love

El artista Emduay ha lanzado el pasado 1 de noviembre su nuevo single, “Someone Love”, un lanzamiento que marca un momento significativo en su evolución musical y emocional. La canción abre una nueva etapa artística para el cantante, explorando con mayor profundidad la vulnerabilidad humana y la búsqueda de conexión real en un mundo donde las emociones suelen ocultarse bajo capas de ruido, expectativas y desgaste. Desde sus primeras notas, “Someone Love” propone un viaje hacia la intimidad, hacia ese territorio interior donde la necesidad de afecto, presencia y sostén adquiere una fuerza casi universal.

El single combina elementos melódicos cuidadosamente diseñados con una base rítmica contemporánea que sostiene el relato sin imponerse, dejando espacio para que la voz y el mensaje de Emduay respiren. Este equilibrio entre producción moderna y sentimiento crudo permite que el tema genere una atmósfera que se mueve entre lo confesional y lo aspiracional, conectando con quienes han experimentado la sensación de querer ser vistos en su forma más auténtica. La narrativa del tema, construida desde la honestidad más directa, refleja ese impulso de abrirse sin miedo, de expresar lo que normalmente se calla por temor a la vulnerabilidad. “El objetivo de esta canción era contar una verdad sin máscaras”, afirma Emduay, quien se adentra en un proceso creativo más introspectivo, guiado por historias personales y por un deseo creciente de dar voz a emociones que a menudo permanecen en silencio.

“Someone Love” no solo habla de la necesidad de amor, sino también del valor que implica reconocerla. En sus versos se percibe la fragilidad de quien se atreve a pedir compañía y afecto, una experiencia que resuena en un público amplio que encuentra en la música un espacio seguro para explorar sus propias emociones. La interpretación vocal de Emduay se sostiene sobre matices cuidados que refuerzan esta intención, con una entrega que oscila entre la serenidad y la intensidad, permitiendo que cada palabra adquiera un peso emocional particular. Esta búsqueda de una expresión artística más sincera conversa con las influencias pop y urbanas que caracterizan el sonido del cantante, adaptándolas a una propuesta más madura y contemplativa.

Emduay, cantante y compositor con una identidad musical en constante desarrollo, continúa demostrando su capacidad para transformar experiencias personales en relatos que encuentran eco en su audiencia. “Someone Love” confirma su compromiso con una visión creativa en la que las emociones ocupan un lugar central, reforzando la importancia de la autenticidad dentro de su proyecto. Este nuevo single se integra dentro de un proceso artístico que promete seguir aportando historias profundas, melodías envolventes y una mirada honesta hacia el mundo emocional que inspira sus canciones.

“Someone Love” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Emduay, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Leo XIV feel

El artista Leo XIV regresa con “Feel”, un single que expande su universo alt-pop/R&B y confirma la fuerza emocional de un proyecto que busca desafiar las fronteras del pop alternativo. Después de su debut con “Midas”, este nuevo lanzamiento llega con una intensidad minimalista construida a partir de motivos claros, una línea de bajo acid vibrante, sintetizadores envolventes y voces en capas que respiran sobre un beat de dance pulsante. El resultado es un paisaje sonoro hipnótico que combina oscuridad y luz, y que al mismo tiempo funciona como una reflexión íntima sobre la autodestrucción, la reconstrucción y la búsqueda de una identidad emocional más auténtica.

Para Leo XIV, “Feel” es mucho más que un single. Representa el cierre de una década marcada por un bloqueo creativo profundo, atravesado por desafíos de salud mental y un conflicto interno que lo alejó de su propia esencia artística. En sus palabras, es la canción que encendió nuevamente su llama creativa y le permitió reconectar con su necesidad expresiva, algo que se percibe en la honestidad radical que impregna cada capa del track. Este lanzamiento también funciona como preludio de su álbum debut Cold Open, previsto para marzo de 2026, un proyecto que promete consolidar la narrativa conceptual y emocional que Leo lleva tiempo construyendo.

El sonido de Leo XIV, alter ego del artista, cantante, compositor y productor Dylan Leo Azadi, se caracteriza por una vulnerabilidad intensa y una autenticidad sin concesiones. Su propuesta artística es una manifestación catártica donde el dolor, la pasión y la introspección profunda se transforman en melodías hermosamente inquietantes, entrelazadas con grooves hipnóticos, atmósferas etéreas y paisajes sonoros provocativos. Su estilo combina delicadeza y minimalismo con una actitud experimental audaz, dando forma a composiciones que parecen dialogar con lo cósmico, la geometría sagrada y memorias emocionales marcadas por el trauma, las crisis de identidad y los despertares espirituales.

“Feel” es una muestra clara de cómo Leo XIV utiliza la música como un puente entre distintos estados del ser. El single ofrece una experiencia sensorial donde la vulnerabilidad se convierte en motor creativo y donde la narrativa invita a transitar el camino entre la oscuridad, la luz y ese espacio liminal que las separa. Su aproximación al arte no solo busca conmover, sino también desafiar la percepción del oyente, empujándolo a explorar paisajes emocionales complejos mientras juega con los límites de la música moderna y sus códigos narrativos.

A través de cada release, Leo XIV se consolida como un narrador capaz de construir universos íntimos y expansivos, donde conviven la crudeza emocional, la espiritualidad y un tratamiento sonoro que se siente tan personal como universal. “Feel” se convierte así en un punto de inflexión dentro de su trayectoria, una declaración de renacimiento y, al mismo tiempo, una invitación abierta a sumergirse en su próximo álbum, que promete seguir explorando los confines de la sensibilidad humana.

“Feel” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Leo XIV, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos conceptuales, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Marta Sánchez Abrázame

Marta Sánchez, una de las voces más emblemáticas de la música española y figura clave del pop desde hace cuarenta años, vuelve a emocionar al público con Abrázame, un tema íntimo y profundamente sentimental que marca el inicio de las celebraciones por sus cuatro décadas sobre los escenarios. La artista madrileña, nacida el 8 de mayo de 1966 y conocida como la Reina del Pop Español, estrena así el primer adelanto de su álbum conmemorativo 40 años 1985-2025, un doble CD/LP que recorre su trayectoria desde sus inicios en Olé Olé hasta su consolidación como solista.

La publicación del sencillo, disponible desde el 21 de noviembre de 2025, llega acompañada de un videoclip dirigido por Salva Musté, estrenado apenas un día antes. En esta nueva etapa, Marta Sánchez vuelve a apostar por una balada poderosa y cargada de emoción, compuesta por Tony Sánchez-Ohlsson, que explora el refugio emocional que se encuentra en los brazos de alguien querido cuando el mundo parece derrumbarse. Con una interpretación madura y llena de matices, la artista entrega una pieza luminosa incluso en su melancolía, capaz de transmitir vulnerabilidad y fortaleza al mismo tiempo.

Las primeras líneas de Abrázame dibujan un escenario de desasosiego: Hoy, sé que la vida te pesa / ya no le quedan ni fuerzas / a tu alma hoy solo llueve dolor. La canción describe la caída emocional de alguien que siente que todo es en vano, mientras la voz de Marta se erige como sostén, un abrazo que promete calma, compañía y renacimiento. El estribillo, de una intensidad conmovedora, reivindica el contacto humano como salvación: Abrázame fuerte ahora que estás conmigo / que el tiempo anochezca y se quede dormido. La pieza avanza entre versos que hablan de resiliencia, amor y apoyo mutuo, recordando la importancia de tener un lugar donde resguardarse cuando arrecia la incertidumbre.

Este lanzamiento adquiere una relevancia especial al formar parte del gran proyecto que celebra las cuatro décadas de carrera de Marta Sánchez. 40 años 1985-2025 promete reunir sus mayores éxitos, colaboraciones destacadas, rarezas y temas inéditos, entre ellos esta nueva balada que llega para reafirmar su papel esencial en la historia del pop español. Con más de 10 millones de discos vendidos en el mundo, una voz inconfundible y una presencia escénica que ha dejado huella a lo largo de generaciones, Marta demuestra que continúa en plena forma creativa y emocional.

Abrázame ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Marta Sánchez, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Extrañandote tony Lozano La dama

El nuevo single Extrañándote, interpretado por Dama y Tony Lozano, llega como una versión profundamente emotiva del éxito de Zhamira Zambrano y Jay Wheeler, transformado en bachata y elevado por la fuerza y sensibilidad vocal de ambos artistas. La canción busca poner a flor de piel los sentimientos más profundos, apelando a la nostalgia, la vulnerabilidad y la intensidad emocional de quienes han vivido una despedida que nunca termina de cerrarse.

Tony Lozano, artista español originario de Alcalá la Real (Jaén) y nacido el 6 de octubre de 1995, suma este lanzamiento a una carrera de más de diez años como productor, cantante y compositor. Tras destacar en sus inicios dentro del electro latino y el reguetón, trabajando con discográficas como Music Hit Factory, el artista dio un giro decisivo hacia la bachata en 2021. Desde entonces se ha consolidado como una de las voces más prometedoras del género en España y ha compartido escenario con figuras de talla internacional como Daddy Yankee, Nicky Jam, Prince Royce, Farruko y Karol G. Entre sus lanzamientos más conocidos se encuentran canciones como Demasiado tarde, A escondidas, Loco junto a Derek Vinci, El Arte de Vivir con DJ Khalid, Toa la Noche con El Tiguere e Hipnotizado, nuevamente con Derek Vinci.

Dama, conocida artísticamente como La Dama y nacida en Sevilla el 25 de julio de 1986, aporta a Extrañándote su inconfundible sello interpretativo. Cantante y compositora especializada en música latina, es una referente nacional e internacional dentro del género de la bachata. Su presencia sobre el escenario la ha llevado a ser telonera de artistas tan influyentes como Marc Anthony y Romeo Santos. Además, proviene de una familia marcada por la música, siendo hermana del también reconocido cantante Rasel Abad.

La unión de Dama y Tony Lozano consigue renovar la esencia del tema original, convirtiéndolo en una bachata íntima y poderosa que conecta con el público desde la primera nota. Su química vocal, sumada a una producción elegante y cargada de sentimiento, convierte este lanzamiento en una pieza imprescindible para los amantes del género.

Extrañándote ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Dama y Tony Lozano, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Eloise Viola Fever

La artista británica Eloise Viola inaugura una nueva etapa creativa con su single Fever, un tema que encapsula el momento exacto en el que una persona empieza a levantarse después de darse cuenta de que no necesita la aprobación de nadie más. La canción, disponible desde medianoche, explora ese estado intermedio entre la duda y el renacimiento personal, donde aún no se tiene plena seguridad pero ya se ha tomado la decisión definitiva de apostar por una misma. Fever se construye desde la idea de centrarse en los propios objetivos, deseos y metas, bloqueando el ruido exterior y abrazando una nueva versión de uno mismo con determinación y vulnerabilidad. “He de mantenerme enfocada en lo que quiero, en lo que necesito, en mis metas, y bloquear el ruido”, expresa Eloise para definir lo que considera el inicio de su “era de creer en sí misma”.

Eloise Viola se ha consolidado como una artista ferozmente independiente, con presencia destacada en plataformas digitales, radios y escenarios internacionales. Tras el lanzamiento de su álbum debut Glasshouse —respaldado por BBC Radio 2, BBC Introducing y Radio 1— la cantante ha acumulado más de 17 millones de escuchas en Spotify y un millón de reproducciones en TikTok, cifras que reflejan el crecimiento constante de una comunidad de seguidores profundamente conectados con su mensaje y su autenticidad.

A medida que 2025 avanza hacia su final, Eloise abre un nuevo capítulo musical descrito como más valiente, oscuro y vulnerable. Sus próximos lanzamientos se inspiran en sonoridades experimentales que incorporan matices de afrobeat y amapiano, un giro estilístico que permite mostrar, según Billboard, toda la extensión de su “poderío vocal”. Su voz, capaz de transformarse con naturalidad entre lo crudo, lo dinámico y lo soul, actúa como un vehículo emocional que narra historias desde la honestidad más pura.

Su música siempre ha explorado temas como la imagen corporal, la salud mental y la confianza personal. Pero ahora, detrás de la pérdida del brillo pop, aparece una estética más desnuda y real: texturas atrevidas, sonidos que desafían géneros y emociones que van desde el desgarro hasta la fortaleza, invitando a llorar, bailar y reconectar con el propio centro. Esta evolución también bebe de su experiencia reciente en festivales y en su gira de composición por Sudamérica. De aquella etapa nació New Dawn, escrita en Ciudad de México, que narra el viaje de alguien que decide dejar de esconderse y tomar el control absoluto de su vida.

Fever se inscribe dentro de esta metamorfosis artística con un mensaje claro: reconstruirse es un proceso, y aunque la confianza no llegue de inmediato, el camino empieza por seguir avanzando. Con un sonido íntimo y explosivo a la vez, Eloise Viola confirma que su nueva era no solo ha comenzado, sino que promete ser una de las más definitorias de su carrera.

Fever ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Eloise Viola, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

 

Joana Santos y El Jhota

El nuevo single Tú no eres mi marido marca una de las colaboraciones más intensas y comentadas del año, uniendo las voces de la sevillana Joana Santos y el artista madrileño El Jhota en un tema cargado de tensión emocional, carácter y fusión urbana. Lanzado el 21 de noviembre de 2025, el sencillo presenta un enfrentamiento directo entre una expareja que vuelve a encontrarse entre reproches, verdades incómodas y un empoderamiento que atraviesa cada verso.

Joana Santos, cantante y compositora nacida en Sevilla en 1994, reafirma con este lanzamiento su capacidad para combinar géneros urbanos como el reguetón y el trap con sus profundas raíces flamencas y andaluzas. Su trayectoria comenzó siendo muy joven en programas como Veo Veo y Se Llama Copla, donde llegó a ser finalista en dos ediciones. Con el tiempo consolidó un estilo propio que la llevó a ganar popularidad tanto por sus covers como por canciones originales que conectaron con el público, como Peligro y La isla del amor junto a Demarco Flamenco. En Tú no eres mi marido, Joana despliega una interpretación firme y llena de carácter, defendiendo la fuerza femenina con un estribillo que se queda grabado desde la primera escucha: “Tú no eres mi marido / Ni yo tu mujer y ahora vas a ver / Lo que te has perdido.”

El Jhota, cuyo nombre real es José Ramón García, aporta la contrarrespuesta masculina desde un estilo marcado por la mezcla entre reguetón, trap, R&B y matices flamencos. El artista madrileño alcanzó notoriedad nacional tras su paso por el reality Gran Hermano 12, plataforma que impulsó su carrera musical. Con éxitos como Casa de papel y su primer sencillo La media vuelta, El Jhota se consolidó dentro de la escena urbana española. En este nuevo tema, su intervención añade tensión y contraste con líneas que reivindican su propio papel en la historia: “Yo sí fui tu marido / Y tú mi mujer y ahora vas a ver / Lo que te has perdido.”

La narrativa del single se desarrolla como una discusión abierta en forma de canción, un intercambio donde ambos artistas exponen heridas, orgullo y deseo de pasar página. Los versos de Joana desvelan una ruptura que dejó cicatrices pero también renovación: “Sé que me tiene en su memoria, pero solo puede verme por historias y le jode saber que estoy mucho más linda desde que se fue.” Ella rechaza la idea de volver, dejando claro que no quiere “ni boda ni luna de miel.” Por su parte, El Jhota responde desde un lugar de nostalgia y arrepentimiento, alternando entre la intensidad del recuerdo y la aceptación de que ya no hay vuelta atrás: “Me quiso mal, me deseó la muerte… fue dos extraños jugando a quererse.”

El estribillo repetido por ambos termina de consolidar la tensión central del tema, mientras la producción mezcla ritmos urbanos con un pulso emocional que recuerda las raíces de ambos artistas. Tú no eres mi marido se convierte así en un himno para quienes han cerrado una historia difícil y han encontrado fuerza en su propio camino.

Tú no eres mi marido ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Joana Santos y El Jhota, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Bely Basarte desconocerte

La cantautora madrileña Bely Basarte vuelve a poner el corazón sobre la mesa con Desconocerte, el cuarto corte y single de enfoque de su nuevo álbum Amor letal, un trabajo profundamente introspectivo que explora el redescubrimiento personal y la recuperación de la propia voz tras relaciones que dejan cicatriz. Con su estilo inconfundible, donde la vulnerabilidad convive con la fuerza y la delicadeza se funde con la ironía, la artista firma uno de los temas más reveladores de esta etapa creativa.

Bely Basarte, nacida el 14 de diciembre de 1991, inició su carrera compartiendo versiones y composiciones propias en YouTube, construyendo una comunidad que hoy suma más de medio millón de seguidores. Su crecimiento artístico la llevó a convertirse en la voz de Bella en la versión live action de La Bella y la Bestia en castellano y a consolidar una discografía marcada por la honestidad y un sonido que combina guitarras acústicas, sintetizadores analógicos y una esencia pop-folk atemporal. Desde su debut con el EP Si quieres pierdes en 2015 y el éxito de su álbum Desde mi otro cuarto en 2018 —que alcanzó el número 3 en listas oficiales—, la artista ha seguido ampliando su creatividad entre proyectos como El camino que no me llevó a Roma, Psicotropical y su participación en la gala de los Premios Goya 2023, además de formar parte del grupo 30s40s50s junto a David Otero y Tato Latorre.

En Desconocerte, Bely entra de lleno en el territorio emocional que define a Amor letal. La canción, compuesta por ella misma y producida por Tato Latorre en La Sucursal con la colaboración de Alex Granero, plantea el proceso de liberación de una relación dañina desde una perspectiva cruda y sincera. La letra recoge el cansancio acumulado ante la manipulación —estoy cansada de enredarme en tus palabras cada vez que intento irme de aquí—, la aceptación del daño —no necesito manchar tu nombre, desde siempre tú lo haces por mí— y la revelación que llega al dejar ir —es un placer desconocerte y a veces para siempre—. También cuestiona la incapacidad emocional del otro —tanto miedo te da mostrarte vulnerable, ¿cómo pude enamorarme?— mientras reivindica el derecho a la propia paz —mi único delito fue escampar de tu prisión—.

El videoclip oficial, codirigido por Ale Lanoix y la propia artista, se estrenó el 21 de noviembre de 2025 junto al lanzamiento del álbum, reforzando el carácter íntimo y visualmente evocador de esta nueva etapa.

Desconocerte ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Bely Basarte, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Venesti Beso

El artista colombiano Venesti vuelve a encender la escena internacional con Beso, un single vibrante que combina su identidad afro-latina con una energía romántica y magnética. La canción despliega una producción cálida, bailable y envolvente, donde el artista convierte la intensidad del deseo en un relato sonoro que late al ritmo de su herencia del Pacífico. Con un estribillo que atrapa desde la primera escucha —“Cuando me diste ese beso / hasta el mismo universo me dijo quédate aquí”— Venesti vuelve a demostrar por qué es considerado una de las voces más influyentes y definitorias del panorama actual.

Nacido en Guapi, Cauca, y criado entre la riqueza cultural de la costa pacífica colombiana, Venesti ha alcanzado un reconocimiento internacional sin precedentes. Conocido como The King of Afro Latin Pop según Univision, el artista ha construido una trayectoria ascendente que no solo ha dominado las listas, sino que también ha marcado un antes y un después en la representación del sonido afro-latino en la música global. Su explosión mundial llegó en 2023, cuando Umaye conquistó simultáneamente las listas Billboard Latin Airplay y Latin Rhythm Airplay, situándolo como un fenómeno imparable.

El año 2024 consolidó aún más su impacto: su éxito No Es Normal, junto a Nacho y Maffio, se mantuvo 16 semanas en el número 1 de Latin Pop y Latin Rhythm Airplay, alcanzó el puesto 2 en Latin Airplay y le valió nominaciones en Premios Juventud y Premios HEAT. Ese mismo año ganó el premio a Mejor Canción Pop Latina en los Billboard Latin Music Awards, obtuvo tres nominaciones en Premio Lo Nuestro —incluyendo Mejor Canción Urbana— y actuó en escenarios tan prestigiosos como los Latin AMAs y Premio Lo Nuestro.

Ya en 2025, Venesti continuó su evolución artística con el número 1 Fuera de Lugar y el lanzamiento de Origen, un álbum que homenajea sus raíces del Pacífico y que se convirtió en un referente cultural dentro del afropop latino. Con cuatro presentaciones en premiaciones internacionales, ocho nominaciones y tres números uno en apenas dos años, Venesti no solo avanza: redefine lo que significa ser un artista afro-latino en la industria actual.

Beso se suma a este recorrido como un tema que mezcla sensualidad, complicidad y una vibra emocional innegable. La canción presenta un relato donde el amor y la atracción se viven con intensidad absoluta: “En ti me gasto los pesos, de tu boca un preso que nunca quiere salir”, canta Venesti con su ya emblemático estilo entre lo suave y lo contagioso. La letra combina guiños callejeros, confesiones íntimas y un estribillo pegajoso que promete convertirse en uno de los favoritos del público.

“Ey, ma’, quédate ratito más / pa’ toda la vida y más”, repite Venesti en un coro que captura la esencia de un romance que lo cambia todo. Con su sonido característico y una producción que celebra sus orígenes, Beso reafirma el lugar del artista dentro de la élite musical latina y anticipa un cierre de año cargado de fuerza, ritmo y nuevas conquistas globales.

Beso ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Venesti, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Masadi soma

La artista española Masadi abre una nueva etapa creativa con el lanzamiento de SOMA, el primer single del ambicioso proyecto conceptual EL CICLO, un álbum previsto para 2026 que se construye como una obra en tres actos: Muerte, Transformación y Renacer. Este estreno inaugura el Acto I, una etapa marcada por la crudeza emocional y por una exploración íntima de la adicción afectiva. En SOMA, Masadi retrata una relación tóxica que la consumía como si la otra persona fuera su propia droga, evocando el famoso “soma” de Un mundo feliz para profundizar en la idea de dependencia, evasión y caída interior.

La canción fusiona un pop atmosférico con una voz dulce, frágil y a la vez poderosa, creando una energía hipnótica que baila entre lo vulnerable y lo adictivo. SOMA es un tema bailable con un trasfondo emocional evidente, donde cada frase funciona como un espejo de ese amor dañino, intenso y difícil de soltar. Masadi utiliza su sensibilidad cinematográfica para construir un relato musical que no solo se escucha, sino que se siente como un viaje sensorial al interior de la herida.

El lanzamiento llega acompañado de un visual y un videoclip que continúan la estética teatral, simbólica y cuidadosamente diseñada que caracteriza el universo de Masadi. Espacios circulares, luz contenida, movimientos lentos y un lenguaje visual sobrio componen una narrativa que refleja el colapso interno y la búsqueda de salida. La propuesta reafirma el enfoque multidisciplinar de la artista, que a lo largo de su trayectoria ha combinado música, performance y artes visuales para construir una identidad estética profundamente personal.

Masadi es una cantante, compositora y artista multidisciplinar que destaca por su capacidad para transformar experiencias íntimas en relatos sonoros cargados de emoción. Su estilo, basado en un pop moderno y atmosférico, se une a una narrativa poética que explora temas como el amor, la pérdida, el renacer y los ciclos del corazón humano. Con EL CICLO, la artista plantea una trilogía conceptual donde cada acto despliega un mundo simbólico propio, acompañado de una paleta sonora que evoluciona junto a las emociones que lo inspiran. El Acto I, donde se sitúa SOMA, introduce un viaje hacia el derrumbe emocional y la adicción afectiva, tratado con honestidad y una intensidad casi teatral.

Paralelamente, Masadi desarrolla HERENCIA: El eco de su voz, un EP íntimo inspirado en poemas escritos por su bisabuelo Luis. Este proyecto acústico, creado junto al productor Theo Monteillet en Sol de Sants Studio (Barcelona), entrelaza memoria familiar y experimentación contemporánea, consolidando una faceta aún más vulnerable y cercana de la artista.

SOMA marca el punto de partida de un recorrido artístico profundamente emocional donde el dolor se convierte en arte y donde cada acto promete revelar una nueva capa de significado. Es el comienzo de un universo que Masadi despliega con sensibilidad, fuerza simbólica y una identidad sonora imposible de ignorar.

SOMA ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Masadi, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

edurne Santa llego a la ciudad

Edurne, una de las voces más queridas y reconocibles del panorama musical y televisivo español, celebra la llegada de la temporada festiva con el lanzamiento de Santa Claus llegó a la ciudad, su nueva reinterpretación del clásico navideño universal Santa Claus Is Comin’ to Town. La artista madrileña, conocida por su versatilidad escénica y su capacidad para reinventarse, presenta esta versión como parte de su primer álbum íntegramente navideño, Navidad junto a ti, publicado el 21 de noviembre de 2025.

Desde que cautivó al público en 2005 como concursante de la cuarta edición de Operación Triunfo, Edurne ha construido una carrera sólida y multifacética. Su trayectoria musical, iniciada formalmente en 2006 con su álbum debut homónimo, abarca desde el pop melódico hasta sonidos más cercanos al dance y al rock, demostrando una evolución constante y una identidad artística en expansión. Además de su faceta musical, Edurne se ha convertido en una figura indispensable de la televisión española, destacando por su victoria en Tu cara me suena, su rol como jurado en Got Talent España y su presencia en distintos formatos de gran audiencia. A ello se suma su participación en Eurovisión 2015 representando a España con el tema Amanecer, actuación que consolidó aún más su proyección internacional.

En Santa Claus llegó a la ciudad, Edurne aporta frescura, energía y carisma a un himno festivo que forma parte del imaginario musical navideño desde hace casi un siglo. Su versión abraza la esencia alegre del original, manteniendo su espíritu clásico mientras lo reviste con una producción pop moderna y un enfoque vocal que resalta su potencia y calidez interpretativa. El resultado es un tema vibrante, luminoso y perfectamente adaptado a las celebraciones contemporáneas, ideal para acompañar los momentos especiales de estas fechas.

Navidad junto a ti, el proyecto del que forma parte este single, reúne una cuidadosa selección de clásicos reversionados y composiciones nuevas creadas para envolver la Navidad en un ambiente sonoro íntimo, elegante y festivo. Con este disco, Edurne reafirma su capacidad para conectar con múltiples generaciones, regalando un repertorio pensado para emocionar, alegrar y unir.

Thalia Santa

Thalía, una de las figuras más queridas e influyentes del pop latino, vuelve a sorprender con el lanzamiento de SANTA (Tengo Un Crush Contigo), un single navideño que aporta frescura, encanto y un toque de romanticismo a la música de temporada. La artista mexicana, cuyo nombre completo es Ariadna Thalía Sodi Miranda, retoma el espíritu festivo con una propuesta contemporánea que fusiona emoción, picardía y una producción moderna, reforzando su sello internacional con versiones en español y en inglés.

Tras iniciar su carrera en los años 80 como integrante del grupo infantil Din-Din y más tarde como parte de Timbiriche, Thalía emprendió en 1989 un camino como solista que la consolidó como la reina del pop latino y también como la reina de las telenovelas, gracias a éxitos televisivos como la Trilogía de las Marías y Rosalinda. Su trayectoria artística se ha expandido hacia la actuación, la conducción televisiva, la locución, la producción musical, la escritura y el diseño de modas, convirtiéndola en un icono polifacético reconocido en diversos continentes.

En SANTA (Tengo Un Crush Contigo), lanzado el 7 de noviembre de 2025, Thalía vuelve a conectar con sus seguidores desde un lugar íntimo, alegre y lleno de luz. La canción, que también cuenta con la versión en inglés Crush On You, explora la Navidad desde una mirada romántica y divertida, donde la ilusión de las fiestas se mezcla con el deseo de encontrar un amor verdadero. Con líneas como Yo tengo un crush contigo, seamos más que amigos. Te quiero abrazar y no soltarte más. Y es que tú eres el regalo para mí..., la artista transforma la emoción navideña en una confesión dulce y directa que resuena con el espíritu cálido de la época.

Thalía ha compartido que este tema nace de los recuerdos felices de su infancia y de la magia que siempre asoció a la Navidad, describiendo la canción como un regalo de mi corazón para el suyo. SANTA (Tengo Un Crush Contigo) forma parte de su álbum Navidad melancólica, un proyecto que celebra la nostalgia, el amor y la esencia emocional de estas fechas.

Con su energía característica, su carisma inagotable y su habilidad para reinventarse sin perder autenticidad, Thalía entrega un single que invita a celebrar, sonreír y enamorarse bajo las luces del árbol.

Enemigos Portada

Tras sorprender a su público y despertar una fuerte expectación con el anuncio de su álbum conjunto, la superestrella puertorriqueña Ozuna y la revelación colombiana Beéle presentan hoy Enemigos, una colaboración en la que también participa el reconocido productor Ovy on the Drums. El sencillo forma parte de STENDHAL, el disco que verá la luz el próximo 5 de diciembre y que ya puede reservarse en todas las plataformas digitales.

El tema, que combina ritmos urbanos con influencias afrocaribeñas y una interpretación emocionalmente intensa por parte de ambos artistas, adelanta la vibra fresca del proyecto, donde Ozuna y Beéle vuelven a poner en valor el afrobeats dentro de la escena urbana latina. Enemigos fusiona melodías hipnóticas, una cadencia rítmica moderna y una narrativa cargada de tensión romántica.

La canción desarrolla una historia de deseo prohibido y se adentra en el conflicto entre lo que se debe hacer y lo que verdaderamente se desea. Sus protagonistas, atrapados en relaciones que ya no sienten como propias, encuentran en este amor imposible una fuerza que no pueden ignorar. La letra se sostiene sobre líneas cargadas de emoción, contradicción y vulnerabilidad.

La energía interpretativa de Ozuna y la distintiva sensibilidad vocal de Beéle crean una química potente, reforzada por una producción en la que convergen texturas afrocaribeñas, atmósferas contemporáneas y una base sonora capaz de conectar de inmediato con el oyente.

Enemigos incorpora además una interpolación del clásico de bachata Los Infieles, compuesto e interpretado por Anthony “Romeo” Santos junto al grupo Aventura, publicado originalmente en 2006. Esta referencia rescata elementos de una de las obras más influyentes del sonido latino moderno, integrándolos ahora en una propuesta renovada y adaptada a la búsqueda de nuevos horizontes musicales.

Ozuna, uno de los artistas latinos más escuchados del panorama internacional, señaló que Enemigos nace de una emoción profunda. Queríamos contar una historia que llegara al corazón, y trabajar con Beéle y Ovy hizo que todo fluyera de manera natural.

Por su parte, Beéle destacó que Este es un tema que siente el alma. Conseguimos una mezcla de melodía y sentimiento que conecta desde la primera línea.

A su vez, Ovy on the Drums añadió que La idea fue crear algo fresco, con raíces, pero con un sonido global. Cuando los tres nos unimos, la vibra apareció de inmediato.

Enemigos establece así el tono inicial de STENDHAL, un proyecto que promete redefinir la fusión progresiva entre la música urbana, la sensibilidad melódica del afrobeats y los ritmos caribeños.

Más artículos...

  1. Kany García presenta Tierra Mía, un canto emotivo a la identidad, la memoria y el amor por Puerto Rico
  2. Alberto Toral y Sheila Jiménez presentan Dueña De Tu Vida, un dueto poderoso sobre liberación, valentía y empezar de nuevo
  3. Preztone regresa con Back to You, una travesía emocional entre el recuerdo y la pista de baile
  4. Minelli irrumpe con Mixed Feelings, un álbum poderoso que redefine su sonido y consolida su impacto global
Página 15 de 285

Lista Spotify

                     Laura West

Laura West portada

Encuéntranos en Groover

PortadaWebRevFiesta2025

artistasamigos