DJ Kila Decks estrena “Tú siempre estás aquí”, un tema que marca un punto decisivo en su evolución artística y que combina electrónica, sensibilidad y una profunda mirada hacia el interior. La canción, ya disponible en todas las plataformas digitales, es una invitación a detenerse, respirar y reconocer esa presencia interna que permanece incluso en los momentos más caóticos.

Kila explica que la esencia del single nació de un proceso personal intenso, de comprender que en medio del ruido y la incertidumbre siempre existe una energía que acompaña, sostiene y guía. Ese impulso emocional se refleja en una producción que mezcla texturas electrónicas con elementos orgánicos, y en una letra introspectiva que pone en primer plano la transformación personal.

Artista, compositora y productora con una larga trayectoria dentro de la escena electrónica, DJ Kila Decks ha construido un sonido propio donde conviven la emoción, la energía y la autenticidad. Su propuesta conecta con el público precisamente por esa dualidad: música para sentir, música para moverse.

“Tú siempre estás aquí” fue creada junto a un equipo de colaboradores experimentados, quienes aportaron matices y perspectivas para dar forma a un mensaje universal: incluso frente a los desafíos diarios, todos llevamos dentro una luz que nos sostiene.

El videoclip, rodado en la Ciudad de México, acompaña esta narrativa con una estética minimalista que muestra a Kila en su estado más genuino: trabajando en el estudio, recorriendo la ciudad y dejándose envolver por su energía nocturna. La pieza visual captura ese equilibrio entre introspección y libertad que define al tema.

Con “Tú siempre estás aquí”, DJ Kila Decks reafirma su identidad artística y ofrece una canción que conecta, inspira y abraza desde la emoción.

Mario Girón, la joven promesa del pop mexicano que conquistó al país tras ganar La Academia 2024, lanza “La Indicada”, uno de sus primeros singles originales y una muestra clara de la dirección artística que comienza a construir. A sus 18 años, el cantante regiomontano demuestra que su sensibilidad para las baladas románticas también puede adaptarse a un formato pop fresco, íntimo y emocional.

“La Indicada” aborda con honestidad una historia de desamor que, lejos de quedarse en la herida, se transforma en aprendizaje. La letra relata una relación pasada que en su momento pareció ser la correcta, pero que terminó enseñándole a distinguir entre pasión y amor verdadero. Esa persona, que no era “la indicada” para quedarse, sí lo fue para abrirle los ojos, mostrarle el dolor y llevarlo, finalmente, hacia un amor más sano y real. El tema funciona como un agradecimiento a una etapa difícil que terminó convirtiéndose en un impulso hacia la madurez emocional.

En este lanzamiento, Mario vuelve a mostrar la fuerza interpretativa que lo llevó a ganar La Academia, programa en el que cautivó semana a semana con su dominio de las baladas y su carisma escénico. Su voz cálida y expresiva conecta de inmediato con el oyente, reafirmando por qué se convirtió en el primer finalista y favorito del público. Desde entonces, su carrera no ha dejado de avanzar, incluyendo su oportunidad de grabar con Sony Music y su participación como telonero de artistas como Yuridia.

“La Indicada” marca un paso importante en su evolución musical, combinando pop moderno con la esencia romántica que lo caracteriza. Es un reflejo del artista que está construyendo: sincero, cercano y capaz de transformar emociones complejas en canciones que acompañan.

“La Indicada” ya está disponible en streaming en todas las plataformas digitales. Para más información sobre Mario Girón y sus futuros proyectos, puedes seguirlo a través de sus redes sociales.

La Húngara, una de las voces más emblemáticas del pop-flamenco español, regresa con “Esta Es Mi Vida”, un single que marca un antes y un después en su trayectoria. Con una carrera de más de veinte años, innumerables éxitos, colaboraciones históricas y una identidad artística inconfundible, Sonia María Priego Bárbara vuelve a demostrar por qué es una figura imprescindible del género. Pero esta vez lo hace desde un lugar más íntimo que nunca.

Lanzado el 7 de noviembre de 2025, “Esta Es Mi Vida” es una declaración abierta, descarnada y profundamente personal. La artista describe este tema como el más importante de toda su carrera, un acto de valentía en el que se atreve a poner voz a historias que nunca antes había compartido públicamente. La letra funciona como un recorrido emocional por las vivencias que la han marcado: su infancia humilde, su maternidad adolescente, los momentos en que se sintió pequeña y quienes la ayudaron a levantarse. Es también un homenaje a su gente, a los que la apoyaron y a los que ya no están, porque —como canta— esas ausencias la hicieron “más fuerte”.

La canción, con su poderosa fusión de pop-flamenco y flamenco urbano, mantiene intacto el sello sonoro de La Húngara, combinando emoción cruda, ritmo y una interpretación que desgarra. Su voz, reconocible al instante, se desliza entre versos que hablan de familia, pérdidas, gratitud, resiliencia y sueños cumplidos. “Esta Es Mi Vida” refleja el espíritu de una mujer que nunca tuvo nada fácil, pero que convirtió cada caída en un impulso para seguir cantando.

El lanzamiento del single coincidió con el estreno de su documental en Mediaset Infinity, subrayando la profunda conexión entre la canción y la historia de vida que ha inspirado a miles de personas. Su recorrido, desde aquella adolescente descubierta en un karaoke por El Kaly en 2001, hasta convertirse en una de las artistas más reconocidas del país —incluyendo un Disco de Oro, colaboraciones con Camela, Los Rebujitos y el éxito masivo junto a C. Tangana en 2020—, encuentra en este nuevo tema un capítulo especialmente significativo.

“Esta Es Mi Vida” no solo es una canción: es un testimonio, una herida abierta, un abrazo a los suyos y una invitación a soñar sin miedo. Es La Húngara en su forma más auténtica.

“Esta Es Mi Vida” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales. Si quieres seguir el recorrido artístico de La Húngara, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips o proyectos personales, hazlo a través de sus redes sociales.

Dalí, una de las voces emergentes más prometedoras del Pop Latino, lanza “500 Días”, su tercer sencillo y el proyecto más ambicioso de su carrera hasta ahora. Con una identidad sonora que mezcla la frescura del electro-pop moderno con una sensibilidad profundamente melancólica, la artista mexicana busca conectar con las audiencias que siguen a referentes como Danna, Aitana y Kenia. Su propuesta, vibrante y emocional, construye un puente entre la vulnerabilidad juvenil y un sonido bailable, actual y honesto.

“500 Días” nace de una inspiración íntima en torno al autosabotaje emocional y a ese orgullo que nos impide aceptar que todavía extrañamos a alguien. La letra retrata el conflicto interno que aparece cuando intentamos convencernos de lo contrario, aun sabiendo que esa ausencia sigue marcándonos por dentro. Esta dualidad entre lo que sentimos y lo que decimos convierte la canción en un relato universal, especialmente cercano a quienes viven el amor desde la intensidad de la juventud.

Para lograr el sonido especial que caracteriza el tema, Dalí grabó instrumentos en vivo y trabajó en una producción que mezcla energía electrónica con matices orgánicos. La masterización estuvo a cargo de Felipe Guevara —conocido por su trabajo junto a Aitana—, cuya experiencia aportó profundidad, brillo y un acabado profesional que eleva la propuesta. El resultado es un beat fuerte, contemporáneo y envolvente, acompañado de una melodía vocal pegadiza que se queda desde la primera escucha.

Dalí continúa consolidándose como una artista llena de visión y autenticidad. Desde los tres años ha vivido la música como un lenguaje propio, y con cada lanzamiento —incluyendo su primer sencillo “Como Locos”— demuestra una evolución constante. Su voz potente, su sensibilidad interpretativa y su inclinación natural hacia el electro-pop la posicionan como una figura clave dentro de la nueva ola del pop latino.

“500 Días” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales. Si quieres seguir el recorrido artístico de Dalí, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips o proyectos creativos, puedes hacerlo a través de sus redes sociales.

César y Arturo Villarreal estrenan “Decepción”, un single que se sumerge en la intimidad de una ruptura emocional y que fusiona Pop Latino, R&B y matices de dembow para construir un sonido moderno, melancólico y profundamente personal. La canción marca una nueva etapa creativa para los artistas fronterizos, quienes revelan una faceta más vulnerable y reflexiva a través de una letra que captura el instante exacto en que una ilusión romántica se derrumba.

Escrita en julio de 2024 por los hermanos junto al compositor mexicano Chema Frías —autor de obras interpretadas por Bronco, Panda y Luis Miguel—, “Decepción” relata ese momento universal en el que descubrimos que la persona idealizada no coincide en absoluto con la realidad. La historia se origina en una experiencia vivida por César Villarreal, quien, durante una cita, comprendió que la imagen que había construido en su mente no tenía nada que ver con la persona frente a él. Esa revelación se convierte en el eje emocional del tema, expresada con especial fuerza en la línea “No sintonizamos la misma frecuencia, hasta me aburrió tu falta de elocuencia,” que resume la desconexión irreparable que ambos sienten. Para César, esta sensación es parte de la experiencia contemporánea de las citas, una decepción tan común como inevitable.

La producción, a cargo de Luis Xantzin, envuelve la narrativa con una estética sonora minimalista y envolvente. Construida completamente sobre paisajes digitales, la base combina sintetizadores suaves, percusiones influenciadas por el dembow y una mezcla cálida que genera una atmósfera nocturna perfecta para la melancolía del relato. El trabajo de Xantzin aporta un carácter moderno y contenido, potenciando la emotividad de la letra sin saturarla.

César y Arturo crecieron entre Laredo, Texas y Nuevo Laredo, México, un entorno bilingüe que marcó profundamente su identidad musical. Su formación también fue moldeada por agrupaciones locales como Border Town Players (BTP), cuyo sonido reggaetonero influyó en la escena de la región. En su propuesta actual confluyen influencias de artistas como Latin Mafia, YOSHI y AQUIHAYAQUIHAY, dando como resultado un estilo melódico, nostálgico y contemporáneo. Aunque cada uno mantiene una voz propia, su química creativa fluye de manera orgánica, logrando una interpretación honesta que convierte “Decepción” en uno de los lanzamientos más sólidos de su catálogo.

“Decepción” ya está disponible en streaming en todas las plataformas digitales. Para más información sobre César & Arturo Villarreal y sus futuros proyectos, puedes seguirlos a través de sus redes sociales.

Brian Carro estrena “Me Enamoré”, un nuevo single que llega con la vibra luminosa y contagiosa que está definiendo su propuesta artística dentro del reggaetón y los sonidos latinos. El tema destaca por su frescura, su ritmo moderno y una letra bonita, directa y fácil de recordar, construida para conectar desde la primera escucha. Con un carácter bailable que invita al movimiento sin perder la sensibilidad romántica, la canción mezcla emoción, energía y un flow suave que funciona tanto para dedicar como para dejarse llevar en la pista.

Inspirada en ese momento inesperado en el que alguien te cambia la vibra sin previo aviso, Brian Carro compuso “Me Enamoré” evocando la sensación de que todo empieza a sonar a música cuando aparece una persona especial. El single mantiene una esencia emocional, sincera y cercana, al tiempo que conserva la cadencia urbana que lo convierte en un tema ideal para cualquier ocasión. Esa combinación entre romance y ritmo crea un equilibrio natural que refleja el estilo auténtico del artista y su intención de hablar del amor desde un lugar real y cotidiano.

La producción estuvo a cargo de Korner Collective, uno de los estudios más respetados dentro del mundo urbano. El trabajo de producción resalta por la limpieza de los beats, los detalles modernos que envuelven la melodía y un acabado profesional que potencia la interpretación cálida y enérgica de Brian. El resultado es un sonido pulido, actual y perfectamente alineado con las tendencias del género, sin perder identidad propia.

Brian Carro continúa consolidándose como una de las voces emergentes más prometedoras del panorama latino. Con varios lanzamientos previos y una comunidad que no para de crecer, su propuesta apuesta por ritmos contagiosos, letras de vibra positiva y una autenticidad artística que busca conectar con su generación. “Me Enamoré” reafirma ese camino y muestra la evolución de un artista que cada vez define con más claridad su sello personal.

“Me Enamoré” ya está disponible en streaming en todas las plataformas digitales. 

La música española recibe una colaboración tan inesperada como emocionante con Cuando te quieras marchar, el nuevo single de Leire Martínez junto al joven artista toledano Pole. El tema, publicado recientemente con su videoclip oficial, reúne dos universos distintos: la voz experimentada, cálida y reconocible de Leire, y la sensibilidad pop-urbana que ha convertido a Pole. en una de las figuras más destacadas de su generación. El resultado es una balada profunda, íntima y cargada de sentimiento que promete convertirse en una de las canciones más recordadas de este año.

Para Leire Martínez, nacida en San Sebastián en 1979, esta colaboración llega en un momento crucial de su trayectoria. Tras más de 15 años como vocalista de La Oreja de Van Gogh —período en el que grabó cuatro discos y dejó huella con éxitos como El último vals, Jueves o Cometas por el cielo—, la artista inició su carrera en solitario a finales de 2024. Con el lanzamiento de Mi nombre en abril de 2025, Leire abrió una nueva etapa artística marcada por la libertad expresiva y una búsqueda personal más íntima. Cuando te quieras marchar se suma a este camino como un testimonio de su madurez vocal y emocional.

Pole., cuyo nombre real es Andrés López Lancha, nacido en Toledo en 1999, se ha consolidado como uno de los artistas jóvenes más influyentes del panorama español actual. Su estilo, que comenzó en el rap y evolucionó hacia un híbrido de pop rock, urbano y sensibilidad melódica, rechaza las etiquetas y se define por la sinceridad de sus letras. Tras su álbum Tutto Bene (2021) y colaboraciones con nombres como Estopa, Aitana o Dani Martín, el artista continúa expandiendo su propuesta mediante canciones que conectan profundamente con el público, acumulando millones de reproducciones y una presencia constante en las listas.

La colaboración entre ambos surgió de forma espontánea y especial. Durante un concierto de Leire, Pole. apareció como invitado sorpresa para interpretar esta canción, que entonces aún no estaba publicada. La reacción inmediata del público —emocionada, entregada, conmovida— impulsó la decisión de llevar el tema al estudio y lanzarlo oficialmente. Ese origen íntimo se respira en cada verso de la canción.

Cuando te quieras marchar es una balada construida sobre la promesa del acompañamiento incondicional. Leire y Pole. alternan sus voces en una narrativa que habla de permanecer, de sostener, de caminar junto a alguien incluso cuando esa persona decide marcharse. Con líneas como “Cuando te quieras marchar y lo tengas decidido, me iré contigo”, el tema explora la lealtad emocional llevada al extremo, el refugio que ofrece el amor y la determinación de no abandonar a quien se quiere, incluso en los momentos más oscuros.

Las imágenes que propone la letra —calles vacías, bares cerrando, sueños arrancados de raíz, la calma que nunca llega— enmarcan un ambiente de vulnerabilidad donde ambos artistas se encuentran en un punto emocional común. La combinación de las voces aporta una textura única: la profundidad y elegancia emocional de Leire se entrelazan con la franqueza juvenil y melódica de Pole., dando vida a un dueto que respira verdad.

La canción se eleva hacia su clímax con un puente poderoso que habla del destino, de caminos que se cruzan por una razón, de dos corazones que estaban perdidos hasta encontrarse. Este mensaje, reforzado por una producción delicada y envolvente, convierte el tema en una experiencia sensorial y emocional que llegará con fuerza a quienes se sienten acompañados por la música en sus propios procesos personales.

Cuando te quieras marchar es, sin duda, una de esas canciones que deja huella. Un encuentro musical entre generaciones que demuestra que la emoción no entiende de estilos ni edades, solo de verdad y de entrega.

Cuando te quieras marchar ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Leire Martínez y Pole., estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

El lanzamiento de Me Llorarás marca un nuevo capítulo en el camino artístico de Mirela, una intérprete que, una vez más, demuestra por qué su voz y su presencia escénica han sido capaces de conquistar televisión, teatro musical, cine y música por igual. La artista madrileña ha regresado al estudio junto a Tony Sánchez-Ohlsson después de muchos años, y el resultado de esta nueva unión creativa es una canción que, en palabras de la propia Mirela, “le toca el corazón directo”. Una declaración que define con precisión la naturaleza emocional, intensa y catártica del tema.

Mirela lleva dos décadas brillando sin descanso. Desde muy joven despuntó en talent shows televisivos, consolidándose enseguida como una de las voces más potentes y versátiles del panorama español. Su carrera le ha llevado por musicales de gran formato, por las preselecciones eurovisivas y hasta al universo Disney, donde prestó su voz a La Sirenita. Más recientemente, ha dado vida en castellano a Elphaba —el icónico personaje interpretado por Cynthia Erivo— en la superproducción cinematográfica Wicked Pt. 1, un fenómeno global que ha llevado su timbre inconfundible a las salas de todo el mundo.

En este momento de plenitud artística, Mirela vuelve a apostar por la emoción pura. Me Llorarás es un canto a la dignidad propia, a la claridad emocional y al cierre definitivo de una relación marcada por el vaivén, la falta de compromiso y las heridas que no terminan de cicatrizar. La canción transita entre la fortaleza y la vulnerabilidad, entre la calma que llega tras aceptar la verdad y la fuerza que nace de dejar atrás aquello que ya no suma. Con versos como “Vienes, te vas. Dices que sí…”, el tema retrata con precisión ese ciclo de inestabilidad afectiva en el que uno de los dos siempre acaba perdiendo más.

La letra, escrita desde una perspectiva firme y liberadora, muestra a una protagonista que ya no mendiga cariño ni espera lo que nunca llega. “Al final… me llorarás”, repite el estribillo como un aviso y una reivindicación de todo aquello que la otra persona no supo valorar a tiempo. Es, en esencia, una canción de ruptura, pero también de reafirmación personal, de cerrar puertas con elegancia y sin rencor, pero con la certeza de que uno merece algo mejor.

El reencuentro creativo con Tony Sánchez-Ohlsson aporta al single un acabado musical sólido, emocional y preciso, donde la voz de Mirela es el eje absoluto. Ella canta con una mezcla de potencia y sensibilidad que solo los grandes intérpretes dominan, llevando cada frase a un terreno profundamente emotivo.

Me Llorarás ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Mirela, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

La artista colombo-venezolana Amaya V continúa consolidando su identidad musical con el lanzamiento de Miel y Canela, un single en el que une fuerzas con Rayo, una de las voces más representativas y auténticas del movimiento urbano en Colombia. El resultado es una colaboración vibrante, caribeña y profundamente sensual que fusiona afrobeat, dancehall y pop urbano con la frescura que caracteriza a ambos artistas.

Amaya V, reconocida por su capacidad para combinar ritmos globales y melodías envolventes, utiliza en este tema su voz cálida y su estilo moderno para construir una atmósfera íntima, juguetona y cargada de química. Su propuesta conecta a través de letras que hablan del deseo, la complicidad y ese magnetismo emocional que se enciende entre dos personas. Con su presencia artística en crecimiento, Amaya continúa demostrando por qué su sonido ha empezado a conquistar nuevos públicos dentro y fuera de Latinoamérica.

Por su parte, Rayo llega a Miel y Canela en un momento crucial de su carrera. Tras años marcando tendencia en la escena urbana y siendo parte de éxitos que han definido generaciones, el artista inicia en 2025 una nueva etapa con el lanzamiento de Frequency, su primer álbum como solista. En él afirma haber encontrado su “más alta frecuencia”, una identidad renovada que fusiona afrobeat, reguetón y dancehall con una fuerza atrevida y futurista. Su participación en el single refuerza esta energía, aportando una interpretación magnética que equilibra calle, melodía y sensualidad.

Miel y Canela es una declaración de atracción sin filtros. Desde los primeros versos —“Tú eres todo lo que mi alma necesita”—, Amaya V introduce un juego de seducción donde el deseo se expresa con naturalidad y dulzura. La química entre ambos artistas se intensifica en un intercambio donde la voz de Rayo aporta cercanía, picardía y un ritmo envolvente que eleva la canción. El estribillo, repetitivo y pegajoso, crea un ambiente perfecto para disfrutar de un tema pensado para ser bailado, cantado y sentido en la piel.

La letra del single recorre escenas íntimas, caricias que curan, miradas que desatan emociones y un viaje compartido donde el cuerpo, el ritmo y la conexión emocional guían cada paso. El juego entre “miel” y “canela” se convierte en metáfora del sabor, la atracción y la intensidad del encuentro. Con una producción moderna y brillante, el tema se perfila como una de las colaboraciones más sensuales y energéticas del año.

Miel y Canela marca un punto de unión entre dos artistas que, desde sus universos particulares, comparten una visión: crear música que vibra, seduce y conecta. En esta colaboración, ambos encuentran un equilibrio perfecto entre fuerza, dulzura y ritmo caribeño.

Miel y Canela ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Amaya V y Rayo, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

El Suso, uno de los nombres más influyentes del flamenco urbano actual, regresa con Solo, un single que combina sentimiento, madurez artística y una verdad cruda que solo él sabe convertir en música. A sus 50 años, el artista salmantino —instalado desde hace años en la localidad gaditana de Chiclana de la Frontera— continúa demostrando por qué sigue siendo un referente indiscutible para nuevas generaciones de músicos que encuentran en él una fuente de inspiración constante.

Respaldado por una trayectoria imponente, El Suso acumula más de 200 millones de visualizaciones en YouTube y alrededor de 150.000 oyentes mensuales en Spotify, donde sus canciones suman más de 50 millones de reproducciones. Un impacto que no solo habla de su talento innato, sino también de la conexión profunda que ha establecido con un público fiel que lo acompaña desde hace décadas.

En Solo, con letra y música compuestas por el propio artista y producción musical de Marko Katier, El Suso abre una ventana íntima a la vulnerabilidad y al orgullo que surgen tras una ruptura marcada por el desgaste emocional. El tema desarrolla una narrativa clara: la decisión de elegir la soledad antes que un amor que ya no corresponde. Con su voz inconfundible y ese estilo que oscila entre la tradición flamenca y la crudeza urbana, el artista transforma un desengaño amoroso en una canción poderosa y directa.

Los versos de Solo profundizan en el contraste entre lo que se entregó y lo que no se recibió. “Que yo no quiero na contigo porque ya no me interesas”, comienza declarando El Suso, estableciendo desde el inicio una posición firme ante una relación agotada. A lo largo de la letra, reflexiona sobre promesas de eternidad, discusiones recurrentes y un amor que siempre lo colocaba al borde del desconsuelo. Frente a esto, aparece una decisión tajante: “Solo solo, prefiero estar solo solo”, un estribillo que se ancla en la memoria por su repetición y su contundencia.

El Suso recorre cada estrofa con honestidad, recordando cómo llenaba de cariño a la otra persona, cómo intentó mantener viva una relación que lo desgastaba y cómo, pese a todo, el amor no fue correspondido. Esa mezcla de desahogo, orgullo y liberación se convierte en el motor emocional del tema, que se inscribe con fuerza dentro de su repertorio más íntimo y confesional.

Con Solo, el artista vuelve a demostrar que su madurez musical no solo mantiene su esencia, sino que la expande hacia un territorio donde la emoción se vuelve protagonista absoluta. Un nuevo capítulo en la carrera de un músico que sigue creciendo, evolucionando y reafirmando su lugar dentro del flamenco urbano contemporáneo.

Solo ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de El Suso, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

La reconocida artista Crystal Starr, celebrada por The Source Magazine como “la chica de la voz dorada”, vuelve a encender la escena pop con el lanzamiento de su esperado single Too Late, una poderosa muestra de su extraordinaria capacidad vocal y su carisma escénico. Tras conquistar el público internacional con Good Times, publicado en julio de 2023 y posicionado en el número 3 del Commercial Pop Chart del Reino Unido, la cantante reafirma su estatus como una de las voces más magnéticas del panorama actual.

Con una presencia artística que evoca a iconos como Tina Turner, Jennifer Lopez, Alicia Keys y Whitney Houston, Crystal Starr se ha convertido en una figura imprescindible tanto en la industria musical como en los escenarios más prestigiosos. Su reciente actuación como artista principal en el multitudinario Electric Forest Festival, frente a más de 60.000 asistentes, consolidó su reputación como intérprete capaz de transformar cada show en una experiencia inolvidable. A ello se suman sus apariciones en Broadway en el musical Baby It’s You y una extensa trayectoria acompañando o compartiendo escenario con estrellas como Ariana Grande, Lady Gaga, Stevie Wonder, Kanye West, John Legend, Paul Stanley o Drake, entre muchos otros.

Además de cantante, Crystal es también una compositora, productora, empresaria y filántropa destacada. Como fundadora de Little Voices, una organización sin ánimo de lucro dedicada a apoyar a jóvenes de zonas vulnerables y niños en el sistema de acogida, la artista demuestra un firme compromiso con la comunidad y el poder transformador del arte.

Su próximo álbum PopStarr, previsto para otoño de 2024, ha despertado una enorme expectación. El proyecto contará con la participación de productores y compositores nominados al Grammy como Keith Harris y Renard, conocidos por su trabajo con Black Eyed Peas y Estelle, así como con el dúo de productores Bizkit N Butta (Arthur Allen y Keith Justice), responsables de éxitos como Tonight (Best You Ever Had) de John Legend. Precisamente ellos han producido Too Late, un tema que llega también con la firma del prestigioso compositor Allan Rich, autor de clásicos como Run To You de Whitney Houston.

En Too Late, Crystal Starr ofrece una interpretación emotiva y electrizante que combina su fuerza vocal con una producción moderna y envolvente. El resultado es un single que reafirma su evolución artística y que anticipa lo que será un año decisivo para su carrera.

Too Late ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Crystal Starr, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El DJ y productor Logan Garrett, originario de Nashville (Tennessee), continúa expandiendo los límites del sonido electrónico contemporáneo con el lanzamiento de No Me Amen, su nuevo single en colaboración con Sasha Wrist. Reconocido como uno de los principales impulsores del emergente estilo “country house”, Garrett vuelve a demostrar su capacidad para unir mundos musicales que, a primera vista, parecen incompatibles, pero que bajo su visión encuentran un punto de encuentro vibrante y totalmente novedoso.

Como artista profundamente conectado con su ciudad natal, Logan Garrett incorpora a su música la esencia moderna de la célebre Music City, fusionando elementos de tres escenas que definen su trayectoria: el legado country de Tennessee, la energía del circuito nocturno de Nashville —del que es uno de los DJs más destacados— y sus raíces en el hip-hop, habiendo colaborado y trabajado con figuras influyentes de la escena local. Esta combinación de influencias ha dado forma a un estilo propio y fácilmente reconocible.

A lo largo de los últimos años, Garrett ha construido un puente entre la electrónica y el hip-hop, ampliando el alcance de su propuesta y explorando nuevas formas de interacción entre géneros. Su búsqueda creativa lo ha llevado a mezclar el twang melódico del pop-country con bases de stutter house, y a combinar percusiones electrónicas con melodías acústicas en colaboraciones que incluso han llegado a hitos históricos. Una de ellas se convirtió en el primer tema de música dance emitido en la prestigiosa emisora country Opry Radio, un logro que subraya su papel como innovador en la evolución sonora del sur de Estados Unidos.

Además de su trabajo como DJ y productor, Garrett ha participado como compositor en proyectos de artistas relevantes de Nashville, consolidándose como una figura influyente dentro del cruce entre country, electrónica y música urbana. Actualmente se encuentra inmerso en la creación de nueva música, preparándose para un año lleno de lanzamientos y experimentación sonora.

Con No Me Amen, Logan Garrett y Sasha Wrist presentan una pieza contundente en la que convergen sensualidad, ritmo y una producción moderna cargada de matices. El tema captura la esencia multicultural que define al artista: una mezcla de raíces, innovación y energía pensada para conquistar tanto las pistas de baile como a los oyentes que buscan algo distinto dentro del panorama actual.

No Me Amen ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Logan Garrett, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

El artista ruso Kuzi Herrero vuelve a sorprender con el lanzamiento de Juerga, un single que rompe fronteras culturales y sonoras al unir la fuerza de las raíces del folk eslavo con la energía vibrante del reguetón y el pop español. Con este nuevo tema, el músico reafirma su visión artística: crear puentes entre mundos distintos a través de una propuesta innovadora, fresca y auténtica.

En Juerga, Kuzi Herrero apuesta por una mezcla inesperada que, sin embargo, fluye con naturalidad. Las melodías tradicionales de Europa del Este se entrelazan con percusiones latinas, líneas bailables y una producción moderna que invita al movimiento desde el primer segundo. El resultado es un sonido que celebra la diversidad cultural y demuestra que la música, en su esencia, no entiende de fronteras.

El artista explica que su intención con Juerga es que los oyentes descubran la conexión profunda que puede existir entre estilos aparentemente lejanos. Su enfoque creativo honra sus orígenes, al mismo tiempo que abraza con pasión la música en español, un territorio artístico en el que se siente cada vez más cómodo y que le permite explorar nuevas texturas emocionales y sonoras.

Con este lanzamiento, Kuzi Herrero continúa consolidándose como una de las voces más singulares de la escena musical alternativa, apostando por la experimentación cultural sin perder la accesibilidad del pop contemporáneo. Juerga es más que una canción: es una invitación a celebrar, mezclar y dejarse llevar por la riqueza de los sonidos del mundo.

Juerga ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Kuzi Herrero, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Paula Díez y Zaira unen sus voces en Por Ese Amor, un single que transforma el dolor emocional en un relato íntimo de amistad, apoyo y valentía. La canción presenta un diálogo sincero entre dos mujeres que se acompañan en medio de un desamor difícil, creando una narrativa que combina desgarro, aprendizaje y sororidad. Con un estilo que abraza el flamenco pop y los matices del flamenco urbano, ambas artistas entregan una interpretación cargada de sentimiento donde las voces se entrelazan para contar una historia a dos perspectivas.

Para Paula Díez, nacida en Antequera y convertida en una de las nuevas revelaciones del flamenco urbano gracias a su crecimiento viral en TikTok desde 2023, este lanzamiento supone un paso más en una carrera marcada por la sensibilidad y la autenticidad. Tras consolidarse con temas como Válgame Dios, Niño de Mamá o A Mi Estrella, además de colaboraciones junto a León Bravo y Fran El Niño, la joven artista demuestra nuevamente su capacidad de emocionar con letras directas y una voz que transmite verdad.

Zaira, por su parte, continúa afianzando una trayectoria que comenzó muy pronto, cuando con apenas 8 años se convirtió en una figura histórica de Menuda Noche tras más de 150 apariciones. Su paso por la película Hoy quiero confesar y por Fenómeno Fan confirmó su talento, que hoy sigue creciendo bajo el sello Sound Blaster Records junto a Nerso y Scorpion. Tras sus colaboraciones con María Artés, Indara, Lya y otros artistas, la cantante muestra ahora una faceta más emocional, íntima y cercana, sin perder su esencia flamenco-pop.

Por Ese Amor desarrolla su fuerza en una conversación entre amigas: una aconseja desde la experiencia, la otra intenta justificar un amor que le causa dolor. Entre versos como “Solo existe una salida, sé la dueña de tu vida” y confesiones como “Mi corazón a veces se pierde y el amor me golpea fuerte”, la letra dibuja dos miradas que terminan encontrándose en la idea de que, para sanar, primero hay que amarse a una misma. El estribillo, contundente y desgarrador, recuerda la crudeza del sentimiento: “Por ese amor tan traicionero te acabará sacando el corazón del pecho”.

La producción acompaña el dramatismo con un sonido cálido y envolvente que equilibra lo tradicional y lo contemporáneo, sosteniendo una interpretación que se vuelve cada vez más intensa hasta llegar a un cierre catártico, donde la protagonista decide alejarse por amor propio: “Por amarme yo al final me alejo, pues me he dado cuenta de que yo soy lo primero”.

Con Por Ese Amor, Paula Díez y Zaira presentan un tema que resuena con fuerza entre quienes han vivido relaciones que duelen pero cuesta dejar atrás. La canción se convierte en un abrazo musical que recuerda que la amistad y la autoafirmación pueden ser más poderosas que cualquier desengaño.

Por Ese Amor ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Paula Díez y Zaira, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlas muy de cerca a través de sus redes sociales.

ATK Epop regresa con fuerza y elegancia con el lanzamiento de Vete, un tema que combina el pulso electrónico más sutil con la expresividad del flamenco y la calidez de las guitarras españolas. En esta nueva propuesta, las voces de Mara Vélez y Amaia Pop se convierten en el centro emocional de una canción que mezcla sensibilidad, carácter y un poderoso mensaje de empoderamiento.

Vete se construye sobre una producción detallista que apuesta por un sonido contemporáneo y pulido. Las guitarras de A. Moreno aportan un brillo orgánico y cercano, mientras que la base orquestal de percusiones sinfónicas añade un fondo solemne y envolvente que realza la carga emocional del tema. ATK Epop firma así un trabajo que respira modernidad pero mira al sur con respeto, manteniendo su sello de cuidado estético y precisión sonora.

En su letra, Vete se mueve entre la delicadeza y la firmeza, retratando una despedida que no duele por debilidad, sino que libera. Versos como “Qué linda pa’ estar llorando / Ponte linda pa’ que llores / Al diablo con tus temores” resumen la esencia del tema: dejar atrás el peso emocional, recuperar la dignidad y encarar el final de una relación desde la fortaleza personal. El desamor se reinventa aquí en clave flamenco-chill, apelando a un equilibrio entre lo clásico y lo actual que lo vuelve irresistible y cercano.

Con este lanzamiento, ATK Epop confirma su habilidad para crear paisajes sonoros llenos de emoción, estética y una identidad propia que continúa creciendo con cada nuevo proyecto. La combinación con las voces de Mara Vélez y Amaia Pop eleva aún más la propuesta, logrando un tema cálido, elegante y profundamente envolvente.

Vete es una canción para escuchar con calma, dejarse llevar y abrazar un renacer íntimo, incluso cuando toca “volver a ponerse linda aunque duela”. En un momento donde el pop experimental de raíces es cada vez más relevante, ATK Epop aporta una visión luminosa y personal que amplía sus horizontes creativos.

Chema Rivas continúa expandiendo su nueva etapa musical con el lanzamiento de Hasta el espacio, un nuevo sencillo que consolida la personalidad vibrante, fresca y divertidamente magnética del artista granadino. Tras el éxito de Astronauta, este segundo adelanto prepara el terreno para su esperado EP El Universo, que verá la luz a finales de año y que promete abrir una nueva dimensión sonora en la trayectoria del cantante. Ya disponible en plataformas digitales, el tema llega como una invitación directa al baile y a la celebración.

Hasta el espacio combina ritmos electro-latinos con la esencia característica de Chema: energía contagiosa, un toque juguetón y el espíritu optimista que ha definido su carrera desde sus inicios. Es una canción que habla de amar sin gravedad, de vivir un momento tan perfecto que parece lanzar a dos personas a orbitar fuera del mundo. Con una producción vibrante y letras que transmiten ligereza, ilusión y esa sensación de flotar, el single se perfila como uno de los himnos bailables de la temporada.

El lanzamiento llega tras un verano exitoso en la gira Megastar Megaparty y LOS40, donde Chema reafirmó su lugar como uno de los talentos imprescindibles del pop latino actual. Sus hits Mil Tequilas, Malagueña o Entre Tú y Yo —este último con más de 105 millones de reproducciones en Spotify y convertido en uno de sus mayores logros— son prueba del impacto que ha ido construyendo paso a paso, disco tras disco, escenario tras escenario.

Con solo 24 años, Chema Rivas se ha convertido en una de las figuras jóvenes más destacadas del panorama musical español. Desde su debut en 2019 con Loco Soñador hasta sus colaboraciones con artistas como Juan Magán, Ptazeta, Lérica o Antonio José, su camino ha estado marcado por la evolución constante, la búsqueda de nuevos sonidos y la conexión directa con su público. Con más de 600 mil oyentes mensuales en Spotify, su combinación de pop latino y elementos electrónicos sigue cautivando a una audiencia en crecimiento.

Ahora, de cara a su primer EP, El Universo, Chema se atreve a ir más allá del urbano y el electrolatino para explorar nuevas texturas, nuevos ritmos y nuevas historias. Hasta el espacio es la prueba de que esta nueva era viene con ambición, energía y el sello personal que lo ha convertido en uno de los nombres imprescindibles de su generación.

Chema Rivas apunta alto, y todo indica que El Universo será el siguiente gran paso en una carrera que no deja de crecer.

El cantautor argentino Diego Torres presenta Mi Norte & Mi Sur, su nuevo álbum de estudio bajo el sello Sony Music, una producción vibrante que marca su regreso con fuerza, emoción y ganas de innovar. El disco contiene once canciones y cuenta con destacadas colaboraciones con artistas internacionales como Estopa, Miranda!, Edén Muñoz y Manuel Carrasco, demostrando, una vez más, la vocación de Torres por tender puentes entre géneros y culturas y celebrar quiénes y cómo somos.

El focus track del álbum “Vas a Quedarte”, junto a Manuel Carrasco, es una poderosa balada de amor y esperanza que se estrenará junto a su videoclip oficial. Además, el disco incluye colaboraciones como “Mi Norte & Mi Sur” con Eden Muñoz, que combina el sello pop latino de DiegoTorres con los sonidos del regional mexicano.

También está “Trepando Paredes” con Miranda!, un tema de espíritu juguetón y ritmo contagioso, y “La Última Noche” con Estopa, donde la fusión de estilos se convierte en una celebración de la música iberoamericana.

El álbum refleja la energía renovada de Diego Torres tras varios años de giras, colaboraciones y exploraciones artísticas. Con esta nueva etapa, este ícono del pop latino se muestra más libre y curioso que nunca, experimentando con géneros como el pop alternativo, la bachata y los sonidos acústicos contemporáneos, sin dejar de lado la esencia emotiva y optimista que caracteriza su obra.

“Otra vez la vida me dio la posibilidad de sacar un disco y lanzar música nueva. Este álbum es un viaje por diferentes estilos, diferentes géneros, canciones más íntimas y canciones con más potencia. He trabajado con diferentes productores y ha sido un trabajo donde mucha gente me acompaña aportando también su talento y sus ganas. Estas canciones hablan de la vida, de lo bueno, y de lo malo, tienen emociones que espero que lleguen al corazón de mucha gente. De eso se trata ‘Mi Norte & Mi Sur’”, expresó Diego Torres.

Con este nuevo lanzamiento, que llega después de su disco más reciente ‘Mejor Que Ayer', Diego Torres suma el noveno álbum de estudio de su carrera, consolidando una trayectoria marcada por la búsqueda constante de evolución. En Mi Norte & Mi Sur, el artista logra un balance entre la introspección y la energía festiva, entre la nostalgia y la esperanza, confirmando su capacidad de reinventarse sin perder su autenticidad.

La presentación del disco coincide con una intensa agenda internacional. El sábado 8 de noviembre, Diego Torres fue invitado especial en el show de Edén Muñoz en el Auditorio Nacional de México, para luego viajar a Costa Rica, donde se presentó el 13 de noviembre. El domingo 16 llevará su música al Teatro Nacional de República Dominicana, antes de continuar rumbo a España el 18 de noviembre, donde iniciará una etapa de promoción y conciertos. Finalmente, regresará a Sudamérica presentándose  en el Movistar Arena de Santiago de Chile el sábado 19 de noviembre para luego cerrar su gira en Argentina con 3 conciertos en el Movistar Arena de Buenos Aires.

Con Mi Norte & Mi Sur, Diego Torres reafirma su compromiso con la música que emociona, inspira y une. Un álbum lleno de frescura, colaboraciones soñadas y letras que abrazan las luces y sombras de la vida, recordando por qué sigue siendo una de las voces más queridas y respetadas del pop latino.

El trío andaluz Lepanto continúa desgranando el imaginario de su esperado nuevo álbum Daruma con el lanzamiento de Siento, un cuarto sencillo que reafirma su evolución hacia un pop elegante, emocionalmente expansivo y enriquecido por texturas electrónicas. La canción, producida por Javi Valverde y grabada en los reconocidos Estudios La Viña en Baeza (Jaén), captura el momento más maduro del grupo, que ha logrado consolidar una identidad sonora cada vez más definida dentro de la escena independiente del sur.

Integrado por Manu Carmona, Ángel Peñalver y Juanrra Fernández, Lepanto viene construyendo una trayectoria sólida desde sus trabajos El Duelo (2021), su versión extendida El Duelo 2.0 y el EP Adicción (2021). Ahora, con Daruma, la banda propone una obra conceptual inspirada en el célebre amuleto japonés que simboliza los deseos, la determinación y la perseverancia. Cada canción del álbum actúa como una pieza dentro de un conjunto más amplio, donde conviven paisajes sonoros, simbología oriental y un viaje emocional cargado de significado.

Siento se erige como uno de los pilares de este nuevo proyecto. En ella, Lepanto explora la dualidad entre lo físico y lo emocional, lo fugaz y lo eterno, lo visceral y lo poético. Líneas como “He buscado sanar mi herida / He encontrado mi medicina / Fusión de dos cuerpos / Toki-meki en cada encuentro” trazan un mapa de conexiones humanas que navegan entre la intensidad, la vulnerabilidad y el magnetismo. El estribillo, “Siento toda esa electricidad / Puro magnetismo y yo / Preso de un instante eterno”, encapsula la esencia de la canción: un estallido emocional contenido en una atmósfera de elegancia y precisión melódica.

En este sencillo, la banda desata una electricidad emocional que actúa como chispa fundacional del universo de Daruma. Con una producción impecable y una estética sonora que combina sensibilidad, narrativa y una tensión luminosa, Lepanto transforma la emoción en energía pop, consolidándose como una de las formaciones más personales del panorama alternativo andaluz.

Siento no solo anticipa la riqueza conceptual del próximo álbum, sino que confirma la capacidad del grupo para hacer de cada lanzamiento un pequeño ritual sensorial. Daruma promete ser, en su conjunto, un viaje interior que se expande hacia territorios visuales y sonoros llenos de identidad y profundidad.

Con Siento, Lepanto abre una puerta eléctrica hacia su nueva era, demostrando que su evolución artística está más viva que nunca.

Heartwish vuelve a encender la escena del rock melódico con el lanzamiento de su nueva balada I Don’t Wanna Let You Go, una pieza cargada de fuerza, sensibilidad y una intensidad emocional que se queda en la memoria desde la primera escucha. La banda, formada en 2020 y nacida de la unión creativa entre miembros de Signus y Rick Taylor, reúne a un equipo artístico que combina experiencia, talento y un profundo amor por el género: el compositor Juerg Weibel, el vocalista Ricardo Iglesias, el prestigioso productor Urs Wiesendanger —desde Powerplay Studios— y el virtuoso guitarrista Cyrill Messmer.

Desde su creación, Heartwish ha buscado devolver al público la esencia del rock melódico clásico, ese que combina emociones honestas con melodías envolventes capaces de tocar el corazón y el alma. Con este nuevo lanzamiento, la banda reafirma su identidad sonora, recuperando atmósferas épicas pero cercanas, donde la música funciona como un puente hacia sentimientos duraderos.

I Don’t Wanna Let You Go, estrenada el viernes 7 de noviembre, es mucho más que una balada: es un viaje emocional profundo, construido con pasión y una energía que se percibe en cada compás. La canción explora una historia de amor intensa, descrita como una fuerza arrolladora, eléctrica e imparable, que impacta con la misma potencia que un vendaval. La letra expresa el deseo de aferrarse a un sentimiento que crece con cada latido y que, aun en su vulnerabilidad, se convierte en un refugio poderoso.

La producción desde Powerplay Studios aporta un brillo especial: guitarras cargadas de emoción, una interpretación vocal que transmite anhelo y determinación, y una atmósfera sonora que invita a dejarse llevar sin resistencia. Cada nota lleva al oyente más profundo en una travesía hecha de nostalgia, entrega y un amor que no quiere soltarse.

Con I Don’t Wanna Let You Go, Heartwish confirma que su propuesta musical sigue creciendo con solidez, manteniendo vivo el espíritu del rock melódico mientras añade su propio sello contemporáneo. La banda continúa abriéndose camino como una de las propuestas más destacadas del género en la escena actual.

I Don’t Wanna Let You Go ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Heartwish, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguir a la banda muy de cerca a través de sus redes sociales.

El nuevo single de Alpaca-in-Chief, titulado Every Hope I Don’t y lanzado el 6 de noviembre de 2025, llega como una pieza que consolida la identidad musical de un proyecto tan singular como entrañable. Detrás de este concepto se encuentra Daniel, cantautor, graduado de Stanford y fundador de la World Scholar’s Cup, quien ha logrado trazar un puente inesperado entre la academia, el aprendizaje colaborativo y la creación artística. Su trayectoria, marcada por la sensibilidad, el humor y un tono íntimo que despierta complicidad, convierte cada canción en un pequeño universo emocional.

La historia musical de Daniel comenzó como un pasatiempo universitario, cuando escribía canciones ya cargadas de nostalgia a pesar de su juventud, desafinando sin complejos y creyendo con una esperanza inagotable incluso en los momentos en que el corazón se resistía a seguirle el ritmo. Con el tiempo, la música dejó de ser un refugio esporádico para convertirse en un lenguaje vital que invade con alegría todas las áreas de su vida, gracias también a un círculo de amistades que lo ha acompañado con paciencia y entusiasmo.

Every Hope I Don’t surge como una reflexión poética que rescata un fragmento escondido de 1999 con una honestidad que desarma. La canción, enmarcada en un sonido Folk/Acústico, presenta a un Alpaca-in-Chief más contemplativo, revisitando sueños perdidos y emociones que parecían enterradas, pero que regresan con la intensidad suave y luminosa de los recuerdos importantes. La recepción ha sido especialmente cálida: publicaciones especializadas han destacado su autenticidad y su capacidad para conmover desde la primera escucha, reforzando el lugar del artista dentro de una escena que valora la vulnerabilidad como fuerza creativa.

Con este lanzamiento, Alpaca-in-Chief continúa construyendo un repertorio emocionalmente coherente y narrativamente honesto, en el que cada canción funciona como una ventana a sus procesos, sus dualidades y su imaginario personal. Every Hope I Don’t se convierte así en un capítulo imprescindible dentro de su crecimiento artístico, demostrando que la sensibilidad sigue siendo su sello más poderoso.

Every Hope I Don’t ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas.