La escena pop española suma un nuevo capítulo de sensibilidad y honestidad con Ya no te conozco, el single más reciente de Moni Motes, la joven cantautora valenciana que, a sus apenas veinte años, continúa consolidándose como una de las grandes revelaciones de la música actual. Con una voz cálida, un estilo íntimo y una capacidad singular para narrar emociones complejas, la artista vuelve a conectar con su público a través de una canción que explora el momento en que alguien cercano —a veces demasiado cercano— se vuelve irreconocible.

Moni Motes, cuyo nombre real es Mónica Motes, comenzó a hacerse un hueco en la industria compartiendo versiones en Instagram y TikTok desde 2018. Su talento fresco y su expresividad emocional pronto la llevaron a acumular miles de seguidores y a convertirse en una figura emergente dentro del pop español. Con influencias del soul, la canción de autor y el folk contemporáneo, su música se ha definido por una enorme sensibilidad y una honestidad sin adornos, cualidades que han atrapado a una generación que busca historias reales y vulnerables.

La valenciana se trasladó a Madrid para cursar ADE junto a Publicidad y Relaciones Públicas, pero también para perseguir sin reservas su sueño artístico. En abril de 2023 lanzó su primer single, Tan desconocidos, y poco después alcanzó un gran éxito con la canción de los 2, que supera los 2,3 millones de reproducciones en Spotify. Desde entonces, su nombre ha estado ligado al concepto de “joven promesa”, especialmente tras pisar escenarios de peso como el Festival Starlite de Marbella, donde actuó frente a más de 3.500 personas.

Su nuevo tema, Ya no te conozco, llega para reafirmar su sensibilidad artística. La canción funciona como una carta abierta a un vínculo roto, a ese instante en el que la distancia emocional se vuelve evidente y el recuerdo de lo que fue contrasta con la frialdad del presente. Moni explora esa transformación con una delicadeza casi cinematográfica, arropada por una producción pop suave y emocional que permite que su voz y su letra lleven el verdadero peso del relato. Es un tema que duele, sí, pero que también libera, perfecto para quienes han sentido que alguien importante se ha convertido en un desconocido.

Con este lanzamiento, Moni Motes sigue demostrando que su carrera no es casualidad: es el resultado de una sensibilidad precoz, una constancia admirable y una conexión genuina con su generación. Ya no te conozco es un paso más en un camino que promete nuevas historias, más música y una evolución artística llena de verdad.

Ya no te conozco ya se encuentra disponible en plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Para más información sobre la artista y sus futuros proyectos, síguela en sus redes sociales.

La cantautora Célia Ruiz presenta el videoclip de Navidad, Navidad, una pieza visual que reinterpreta el espíritu navideño desde una estética contemporánea, elegante y profundamente emocional. Este nuevo lanzamiento acompaña a un villancico moderno marcado por influencias de jazz y R&B, una combinación sonora que envuelve la magia del regreso a casa, los recuerdos familiares y la alegría de volver a compartir momentos con quienes más importan.

Bajo la dirección de Guille Marín y Jorge Parejo, el videoclip recrea la atmósfera de los clásicos programas navideños estadounidenses de los años cincuenta, con una puesta en escena que mezcla nostalgia y modernidad a través de decorados cinematográficos, iluminación cálida y un estilo retro que dialoga con la sensibilidad actual. Dentro de este universo visual, Célia aparece con un estilismo diseñado por Edgar Adrián que potencia su presencia escénica y aporta un toque de glamour que completa el homenaje a aquella época dorada de la televisión.

El componente emocional de Navidad, Navidad ocupa un lugar central en este proyecto, ya que la canción nace de los recuerdos familiares de la artista y, en especial, de los momentos vividos junto a su abuelo materno, con quien compartía villancicos en las cenas navideñas. Con este videoclip, Célia encuentra una forma íntima y sincera de honrar su memoria, poniendo en valor las tradiciones que marcaron su infancia y que continúan presentes en su manera de entender estas fechas.

Nacida en Puerto Real en 1996, Célia Ruiz se ha consolidado como una voz versátil y expresiva dentro de la escena musical española, combinando la elegancia del pop contemporáneo, la emotividad del soul y la sensibilidad del indie. Formada en piano y lenguaje musical desde niña y licenciada en interpretación musical por la ESAD de Málaga en 2019, comenzó su trayectoria con el lanzamiento de Don’t Let Me Fall en 2016. Desde entonces ha desarrollado un camino ascendente con trabajos como el EP People Who Need People, que en 2023 amplió su proyección hacia el público latinoamericano, y el single I’ll Be Fine, nominado en los premios de la Fundación Miguel Ríos Caja Sonora y SOIFF. En 2025 realizó una gira de cuatro conciertos consecutivos en Londres, consolidando así su expansión internacional. Actualmente se encuentra inmersa en la creación de su próximo álbum, previsto para 2026.

Navidad, Navidad ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Célia Ruiz, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

La cantante Soni López, natural de Palos de la Frontera, aunque actualmente residente en Yuncos (Toledo), presenta su nuevo lanzamiento musical, “Va todo al ganador”, una versión profundamente emotiva del clásico universal “The Winner Takes It All” de ABBA.

El single ya está disponible en todas las plataformas digitales desde este 28 de noviembre, y llega acompañado de un videoclip oficial realizado por el equipo de Feelsedition, quienes han logrado trasladar a imágenes la delicadeza, la fuerza expresiva y la autenticidad que caracterizan la voz de Soni López. El resultado es una pieza audiovisual elegante y cinematográfica que acompaña y realza la historia emocional del tema grabada en plena Gran Vía de Madrid.

La producción musical corre a cargo de Rafa Púas, que ha creado un sonido actual y cuidado, respetuoso con la esencia del tema original pero adaptado al sello personal de la artista. El trabajo incorpora el bajo de Alfonso Ferradas, que aporta calidez y profundidad a esta nueva versión.

Con “Va todo al ganador”, Soni López demuestra una vez más su capacidad para reinterpretar grandes canciones desde una perspectiva íntima, cargada de verdad y emoción. Este lanzamiento refuerza su identidad artística y confirma su evolución como una de las voces más sensibles y expresivas del momento.

La artista jerezana Belén Moreno presenta Qué tendrá diciembre, un nuevo single que funciona como un paseo íntimo por las calles, costumbres y emociones que hacen única la Navidad en Jerez. La canción, producida y compuesta por Kiko Carrillo, se construye sobre un piano interpretado por Alex Romero que aporta delicadeza y calidez a un tema que respira identidad y sentimiento local desde la primera nota.

Qué tendrá diciembre no solo describe una época del año, sino que la convierte en un retrato emocional de la ciudad: su gente, sus tradiciones, sus luces y esa mezcla de nostalgia y alegría que caracteriza estas fechas en Jerez. Con una interpretación cercana y profundamente personal, Belén rinde homenaje a sus raíces y a una cultura que late fuerte en cada rincón.

La trayectoria de Belén Moreno ha estado marcada por una evolución constante desde que, con tan solo diez años, inició su carrera como vocalista del grupo Los Zinkiyos, alcanzando gran éxito con VOLAR, cuya reedición junto a Los Rebujitos superó los 18 millones de escuchas. Años más tarde, debutó en solitario con Quiero volar, logrando un Disco de Oro y sumando millones de reproducciones con temas como Cuando tenía que jugar. Con el respaldo de Warner Music España lanzó su álbum BELÉN MORENO, del que surgieron éxitos como Labios curanderos, además de protagonizar una gira nacional junto a Cadena Dial como Artista Revelación.

En su crecimiento artístico han emergido propuestas como 1era Dama, seguidas por lanzamientos recientes como A H O R A, que consolidan su madurez musical. Ahora, Belén sorprende con su primer villancico, Qué tendrá diciembre, una pieza que reafirma su sensibilidad, su voz inconfundible y su vínculo profundo con la tierra que la vio nacer.

Qué tendrá diciembre ya está disponible en plataformas digitales, invitando a los oyentes a sumergirse en una propuesta que combina emoción, tradición y una interpretación vocal cargada de matices. Con este lanzamiento, Belén Moreno reafirma su capacidad para transformar vivencias personales y elementos culturales en canciones universales, capaces de conectar con cualquier persona que valore la calidez de lo auténtico. Además, este villancico marca un nuevo punto de inflexión en su trayectoria, mostrando una faceta más íntima y arraigada a sus raíces, sin perder la elegancia y el sello artístico que la caracterizan. Todo apunta a que este tema se convertirá en una pieza imprescindible de su repertorio y en un himno emocional para estas fechas.

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VozFutura Records abre un nuevo capítulo en su historia con el lanzamiento de Viviendo del Cuento, el primer sencillo promocional de Compilado de Historias, el álbum debut de su fundador y productor ejecutivo Luis A. Padilla-Flores. Tras más de veinte años construyendo el camino de otros artistas desde el anonimato creativo, Padilla-Flores decide situarse al frente de su propio proyecto musical para presentar un trabajo íntimo, honesto y cargado de una identidad artística muy personal.

Compilado de Historias vio la luz el 13 de noviembre de 2025 y representa el resultado de décadas de ideas que aguardaban su momento. Grabado entre la primavera y el verano de ese mismo año en la ciudad de San Francisco, el disco contó con músicos latinoamericanos de sesión que conectaron de inmediato con la energía emocional del proyecto. Lo que nació como un conjunto de pensamientos sueltos y melodías guardadas terminó convirtiéndose en un diario sonoro que recorre vivencias, contradicciones y descubrimientos que han acompañado al artista a lo largo del tiempo. El álbum transita desde la nostalgia de la isla hasta la vibra urbana del Bay Area, desde el rock alternativo que marcó su juventud hasta el pop latino más íntimo que completó su formación musical.

Dentro de ese recorrido aparece Viviendo del Cuento, una crítica juguetona, muy boricua y absolutamente vigente a la cultura del postureo digital. Con humor, ritmo contagioso y líneas tan afiladas como certeras, el single retrata a esos personajes que habitan las redes sociales mostrando una vida más fabricada que real, más cuento que verdad. La canción, con su tono ligero y pícaro, se convierte en un desahogo divertido, pero también en un guiño a lo cotidiano: todos conocemos a alguien que vive más del cuento que de la realidad, y esa observación compartida es parte del encanto del tema.

Padilla-Flores describe la canción como un pequeño espacio de libertad dentro del álbum, un lugar donde no todo tiene que ser tan serio y donde la música se convierte en un vacilón necesario. Esa mezcla de ironía, ritmo y sinceridad encapsula a la perfección el espíritu de Compilado de Historias, un proyecto que no busca ajustarse a un molde, sino rendir homenaje a todos los sonidos que lo han acompañado durante su trayectoria profesional.

Viviendo del Cuento ya está disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de VozFutura, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

YATARO, el innovador proyecto artístico nacido de la colaboración con el productor muniqués DEVAROSE, irrumpe con fuerza en la escena electrónica con Ven Y Ataca Taca, un single explosivo que ya está encendiendo playlists y pistas de baile de medio mundo. Con una producción afilada, una identidad sonora magnética y un pulso rítmico imposible de ignorar, el nuevo lanzamiento se posiciona como uno de los temas más vibrantes y atrevidos del momento.

Ven Y Ataca Taca es una pieza concebida para mandar, para ocupar espacio y para convertir cualquier entorno en un club improvisado. Su mezcla de percusión contundente, sintetizadores brillantes y una línea de bajo que golpea como un tren en marcha crea un ambiente cargado de tensión, actitud y fiesta. La canción destaca por un drop arrollador que apunta directamente al cuerpo, invitando al movimiento sin negociación alguna.

La crítica no ha tardado en reaccionar, describiendo el tema como “un banger absoluto, descarado y rebosante de energía”, alabando su fusión de ritmos y una bassline “que no es solo una base, sino una declaración de intenciones”. Otros especialistas destacan “la viveza del ritmo y la versatilidad vocal” que demuestra un talento musical sólido, mientras que algunos curadores subrayan “la mezcla elástica de bajos, batería y percusiones folclóricas” que atrapó desde el primer segundo, un combo donde “la percusión suave y el bajo profundo encajan de forma impecable”.

El gancho vocal, provocador y lleno de una confianza seductora, es uno de los pilares del single. Con un tono juguetón, desafiante y totalmente coreable, la interpretación potencia el carácter arrollador de la producción, consolidando la identidad de YATARO como un proyecto atrevido, moderno y cargado de personalidad. Más que una canción, Ven Y Ataca Taca es un estado mental: un impulso de libertad para las noches en las que uno se siente invencible.

Este lanzamiento reafirma la esencia del proyecto YATARO, una colaboración artística que combina la visión creativa de DEVAROSE con un enfoque sonoro ecléctico, eléctrico y audaz. El resultado es un universo musical propio, donde la electrónica se fusiona con elementos urbanos y folk en una propuesta tan fresca como contundente.

El single ya está disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de YATARO, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Romeo Santos y Prince Royce, las dos voces más influyentes de la bachata moderna, sorprenden al mundo con Estocolmo, el nuevo single incluido en su álbum conjunto Better Late Than Never, lanzado el 28 de noviembre de 2025. El “Rey de la Bachata” y el “Príncipe” del género han unido fuerzas en un proyecto inesperado, secreto y largamente soñado por sus seguidores, dando como resultado una colaboración que ya se siente histórica.

Estocolmo emerge como una de las piezas más intensas y dramáticas del álbum, un ejercicio lírico en el que ambos artistas exploran la metáfora del síndrome de Estocolmo para describir una relación amorosa tan absorbente y visceral que se vive como un cautiverio emocional. La bachata, con su ADN romántico y desgarrado, encuentra aquí un territorio perfecto para elevar esa tensión narrativa entre deseo, conflicto y entrega.

Con una producción liderada por el propio Romeo Santos, la canción combina la esencia tradicional del género con elementos contemporáneos del R&B y ritmos urbanos, logrando un sonido pulido, cinematográfico y profundamente emocional. En Estocolmo, Romeo y Royce interpretan a un amante decidido a rescatar a la persona que ama de una relación opresiva, construyendo diálogos que se alternan entre lo romántico, lo peligroso y lo heroico.

La letra refuerza ese duelo emocional: “Si padeces síndrome de Estocolmo. Tumbo la puerta, aquí se va a pelear por ti”, canta Romeo con su habitual dramatismo, mientras Prince Royce aporta matices más vulnerables y confesionales, como en el verso “Te esperé en las escaleras de tu casa. Y brillaste por tu ausencia. Me fui sin mi pertenencia. Mañana pienso volver”.

El clímax vocal llega cuando Romeo describe el momento del rescate con imágenes propias de una novela intensa: “Me trepo en el balcón, baby, vamos, despierta… Y si caigo en prisión, somos dos delincuentes”. Todo ello acompañado de un recurso teatral que sorprende al oyente: un diálogo simulado con el 911, donde se reporta la presencia de un “intruso” en la casa, añadiendo un toque cinematográfico a la historia.

Better Late Than Never, producido íntegramente por Romeo Santos, se ha posicionado como uno de los lanzamientos más comentados del año por su carácter sorpresivo y por unir, por primera vez de forma completa, a las dos figuras más queridas del género. Estocolmo es, sin duda, uno de sus puntos más brillantes: una bachata apasionada, arriesgada y con una narrativa que atrapa desde el primer compás.

El single ya está disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Romeo Santos y Prince Royce, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Con una explosión de frescura, una imagen renovada y una melodía pop contagiosa, Lucía Fernández presenta Wendy, su nuevo single, una pieza luminosa que nace del imaginario de la isla de Peter Pan para dar forma a un universo propio donde la fantasía se mezcla con las emociones más reales. La artista madrileña utiliza este icono literario como metáfora para hablar del amor, de las relaciones que parecen quedarse suspendidas en ese eterno “efecto Peter Pan” y de los encuentros que cambian por completo la manera de sentir.

Lucía explica que la canción surgió de una experiencia vital intensa, de la irrupción de alguien capaz de desordenar sus certezas y romper los patrones a los que estaba acostumbrada. “En mi cabeza esa persona es Wendy, pero un poco distinta... Una Wendy dulce y vulnerable pero rebelde, con un poco de Garfio en el corazón”, comparte la cantautora, que consigue transmitir ese choque emocional a través de una producción vibrante, moderna y profundamente pegadiza.

Este lanzamiento llega en un momento especialmente brillante para la artista, que recientemente celebró un importante reconocimiento: el pasado 10 de noviembre, su canción Llévame a Ibiza (compuesta junto a Garrido XPotro y Samuel Feijoo) recibió el Premio Talento Latino a la mejor producción musical en la categoría de música electrónica, un galardón que confirma su proyección y su capacidad para moverse con soltura entre géneros y estéticas diversas.

Para quienes deseen disfrutar de su energía en vivo, Lucía Fernández tiene dos citas muy especiales programadas en Madrid. El 4 de diciembre actuará en la sala Peor Para el Sol, un concierto íntimo y exclusivo que promete estar repleto de magia. Las entradas están disponibles en Ticket & Roll. Además, el próximo 5 de febrero de 2026 llevará su música a la sala La Corriente del Golfo, consolidando así una etapa que la está llevando a conectar cada vez más con su público.

Lucía Fernández, artista madrileña y cantautora pop de 30 años, combina su carrera musical con su trabajo como comunicadora y periodista en televisión —en programas como Fiesta, El programa de AR o Got Talent—, aunque siempre ha tenido claro que la manera más auténtica de vibrar es a través de sus canciones. De espíritu alegre y optimista, encuentra en las emociones cotidianas, el amor y el desamor, la nostalgia y la alegría de vivir la fuente de inspiración para unas letras que buscan conmover y crear lazos emocionales con quienes la escuchan.

En 2024 se trasladó a Bilbao para grabar su primer álbum junto al productor Jagoba Ormaetxea. Su debut en directo fue todo un éxito: el 11 de marzo ofreció su primer concierto acústico en la Sala Búho Real de Madrid, con todas las entradas agotadas. Meses después, el 29 de noviembre, publicó su álbum debut La vencida, un trabajo que consolidó su voz artística y abrió un nuevo capítulo en su trayectoria. Actualmente, Lucía se encuentra componiendo y preparando nueva música para 2026, un periodo que promete traer nuevas historias y sonoridades a su creciente repertorio.

Wendy ya se encuentra disponible en plataformas digitales, invitando al público a sumergirse en una historia que mezcla fantasía, emoción y una irresistible sensibilidad pop. Para más información sobre la artista y sus futuros proyectos, síguela en sus redes sociales.

Zaira y Luis Cortés vuelven a encontrarse en un terreno que dominan con naturalidad y complicidad: la fusión emotiva entre el flamenco contemporáneo y el pop urbano. Tras el éxito arrollador de En Sueños, que acumuló millones de escuchas y se convirtió en uno de los temas más celebrados por sus seguidores, los artistas presentan Eternidad, un nuevo single que reafirma la fuerza creativa de su colaboración.

Eternidad aparece como la evolución lógica de dos voces jóvenes que entienden la música desde la autenticidad, la verdad y la cercanía. En el tema, Luis Cortés muestra una vez más su estilo inconfundible, una mezcla fresca de flamenco pop moldeada por su identidad y su trayectoria digital, donde ha conquistado a cientos de miles de oyentes con versiones virales y un talento vocal que conecta desde la primera nota. A su lado, Zaira despliega su sensibilidad característica, un timbre cálido y elegante que transita entre el pop y lo urbano con naturalidad, aportando matices que envuelven la canción de una profundidad luminosa.

El resultado es un single que habla de un amor que se siente infinito, de esos vínculos capaces de trascender el tiempo y las distancias. Con una producción moderna, cuidada y emocional, Eternidad se convierte en una pieza que invita a detenerse y escuchar, a sumergirse en un universo donde lo íntimo convive con lo épico.

Ambos artistas llevan años construyendo carreras que avanzan con pasos firmes. Luis Cortés, originario de Burjassot y con raíces gitanas y africanas, es una de las voces jóvenes más prometedoras del flamenco pop, un artista que entiende el género desde la evolución y el mestizaje. Zaira, por su parte, continúa consolidándose dentro de la escena pop-urbana española, siempre fiel a una estética sonora que combina modernidad, emoción y una fuerte identidad visual.

Eternidad confirma que la alianza musical entre ambos tiene todavía mucho que ofrecer y que su público sigue creciendo con cada lanzamiento. El single ya está disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Zaira y Luis Cortés, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Gonzalo Brancciari llega a Interautor Música 2025 tras un año decisivo: ganó el Premio Graffiti a Mejor Artista Nuevo, presentó su primer álbum Diez y continúa preparando su segundo disco. Con un recorrido que incluye compartir escenario con referentes como No Te Va Gustar o Ciro y Los Persas, el artista uruguayo cruzará ahora a España para actuar en Monkey Week y la Sala Berlanga, acompañado por Alba LaMerced.

Vienes de un año muy intenso tras ganar el Premio Graffiti a Mejor Artista Nuevo. ¿Cómo ha cambiado tu carrera desde ese reconocimiento?

El cambio más notorio, es la cantidad de personas dentro del ambiente de la música que están ahora al tanto de nuestro trabajo.

Pasaste siete años liderando la banda La Mala Lengua. ¿Qué aprendizajes trasladaste a tu proyecto solista?

Todo. La banda fue mi escuela. Aprendí a hacer discos, a ensayarlos, tocarlos en vivo. Fue el espacio para cometer todos los errores que existen y aprender.

Tu álbum Diez te abrió muchas puertas. ¿Qué crees que conectó más con el público en ese disco?

Creo que la sencillez de las canciones. La gente conecta fácilmente con la sencillez de las letras y las melodías.

Estás trabajando en tu segundo álbum. ¿En qué etapa creativa te encuentras y qué te está inspirando ahora?

En estos momentos ya terminé de grabar mi segundo disco. Y en general me inspiran las mismas cosas que a todos. No se necesitan acontecimientos de otro mundo para hacer una canción. Las cosas simples de la vida, el amor, un atardecer, una tarde lluviosa y melancólica, etc.

¿Cómo recibiste la noticia de formar parte de Interautor Música 2025 junto a Alba LaMerced?

Muy bien. Me sorprendió mucho la forma que tiene de traer su origen musical al lenguaje moderno y es un placer escucharla cantar.

Vas a tocar en España por primera vez con tu proyecto. ¿Qué te emociona más de esta oportunidad?

La oportunidad de conocer lugares nuevos y que esa oportunidad la brinden las canciones.

Es muy gratificante.

Monkey Week es un festival clave para descubrir nuevos talentos. ¿Qué esperas de tu presentación allí?

Creo que me emociona mucho más lo que me pueda llevar que lo que pueda dejar.

Lo veo como una oportunidad de ver y aprender mucho.

También actuarás en la Sala Berlanga, un espacio íntimo y cuidado. ¿Cómo imaginas que encajará tu música en ese formato?

Las canciones nacen en formato íntimo, en mi casa. Es la oportunidad perfecta para mostrar la génesis de mi música.

Compartirás escenario con Alba en Uruguay y en España. ¿Cómo ha sido la conexión artística entre ambos?

Creo que las letras se encuentran en muchos puntos. La vida amorosa, los lugares. Llevar al público un poquito del lugar de donde somos, cada uno a su manera.

¿Qué crees que aporta la música uruguaya al diálogo cultural con España?

La música de todos los lugares aporta. Al fin y al cabo, el intercambio es parte fundamental en la música de todos los rincones. Así los géneros y las fusiones se crean y mantienen al arte interesante.

Has compartido escenario con figuras muy importantes. ¿Alguna experiencia que te haya marcado como artista?

Lo que las me gusta ver de los artistas con trayectoria, es la capacidad de entregarse en cuerpo y alma al momento artístico. Obviamente los ves siempre en situaciones favorables para ello, con cientos o miles de personas esperando tu show. Pero no deja de ser admirable y es lo que intento lograr en mis presentaciones.

¿Sientes que este intercambio puede impulsar tu proyecto hacia nuevos territorios sonoros o conceptuales?

Espero que sí.

¿Qué diferencias notas entre el público uruguayo y el argentino, y qué esperas del público español?

Yo hago música primero para mí y luego para el público. Si yo lo disfruto, creo que puedo contagiar de ese disfrute a quien quiera que sea que esté mirando y me centro en eso. Pero el público argentino generalmente es más eufórico que el uruguayo.

¿Cómo se equilibra la presión de crecer internacionalmente con la necesidad de seguir siendo honesto en lo que compones?

No siento esa presión. Hace tiempo dejé de ponerle presión de crecimiento a mi música y desde que lo hago es cuando mejor ha crecido paradójicamente.

¿Qué te gustaría que esta experiencia sembrara en tu carrera a largo plazo?

Ya estando en España, más que sembrar, brotó algo en mí, y es la necesidad de seguir ahondando e investigando en la cultura europea en general. Es muy impactante cuando vienes de un país con solo 200 años de existencia, pisar un lugar con tanta historia. Se siente realmente muy viva y energéticamente es fuertísimo. Me ha despertado infinidad de curiosidades.

Popo Gabarre continúa desplegando las múltiples capas de su nueva etapa artística con el lanzamiento de Sácalo, un single contundente y visceral que comparte con Juanito Makandé. Tras el éxito emocional de A las malas junto a Estrella Morente, este segundo adelanto abre una zona más terrenal, directa y valiente dentro del álbum que está por llegar. Con un enfoque más crudo, Popo abraza un lenguaje firme que invita a liberar lo que pesa por dentro: emociones, heridas y verdades que necesitan salir a la luz para no convertirse en carga.

Sácalo se sostiene sobre un riff de guitarra nacido en Barcelona, que actúa como columna vertebral de una pieza que creció de manera orgánica hasta convertirse en una canción enérgica, rítmica y profundamente conectada con el pulso del flamenco contemporáneo. Aquí, Popo despliega una interpretación abierta, luminosa y sin filtros, en sintonía con este momento artístico en el que apuesta por mostrarse tal y como es. A su lado, Juanito Makandé aporta su timbre inconfundible, un aura reivindicativa y una profundidad que potencia el mensaje de valentía y verdad que sostiene el single. La complicidad entre ambos —forjada a lo largo de años de amistad, encuentros musicales y admiración mutua— se percibe en cada compás.

Este lanzamiento abre la parte más cruda y terrenal del proyecto, en la que Popo Gabarre explorará su lado más social y emocional, acompañado de colaboraciones excepcionales que incluirán nombres como Soleá Morente, Queralt Lahoz, Kiki Morente y la voz del inolvidable Enrique Morente. Un viaje musical que reafirma la identidad de Popo y su capacidad para tender puentes entre tradición, modernidad y calle.

Pedro Gabarre “El Popo”, criado en el madrileño barrio de La Latina, es un artista multidisciplinar cuya esencia se nutre del mestizaje. Creció en el corazón del flamenco, perteneciendo a la prestigiosa saga Morente/Carbonell, y comenzó su carrera musical con apenas 9 años. Su historia está atravesada tanto por la pureza del cante jondo como por la energía del hip hop español, influenciado desde joven por J Mayúscula, El Club de los Poetas Violentos o Frank T. Esta mezcla de herencias y caminos ha dado forma a una identidad artística única, donde conviven tradición, experimentación y una honestidad que impregna cada uno de sus pasos.

Sácalo representa ese espíritu sin ataduras: un llamado a decir, sentir y liberar. Una invitación directa a sacar todo lo que uno lleva dentro antes de que duela más. Una canción que, como Popo, respira verdad, ritmo y vida.

La banda madrileña Artifis continúa consolidando su identidad dentro del pop-rock español con el lanzamiento de Magia, su nuevo single y una de las piezas clave del esperado álbum Amor y Ruinas. Tras años de trabajo en estudio, conciertos multitudinarios y un crecimiento artístico sostenido, el grupo entra en un momento decisivo de su carrera: un punto de inflexión en el que su música busca llegar más lejos, emocionar más hondo y conquistar nuevos públicos dentro y fuera de su ciudad.

Magia es un tema que encapsula la esencia de Artifis: sinceridad, emoción y una mirada luminosa incluso en los instantes de mayor melancolía. El single combina la energía del pop-rock con una sensibilidad narrativa que se ha convertido en el sello del grupo desde su formación en 2022. Con una producción envolvente y una interpretación cargada de verdad, la canción funciona como una puerta de entrada al universo emocional de Amor y Ruinas, un viaje donde el amor y la fragilidad conviven para dar forma a historias que conectan con quienes buscan música auténtica.

Durante estos años, Artifis no solo ha trabajado en su primer álbum, sino que ha ido ganando presencia en directo con conciertos cada vez más multitudinarios. Han pisado escenarios de fiestas populares como Campamento, Aluche, Pozuelo, Majadahonda o San Lorenzo del Escorial, donde se alzaron con el premio a Mejor Banda en el Certamen anual de Bandas Juveniles. También han logrado llenar salas emblemáticas, como su reciente sold out en Maravillas, demostrando la fuerza de su propuesta en vivo y la capacidad de su repertorio para emocionar a audiencias de todas las edades.

Su selección en el programa MADRID EN VIVO SGAE LAB 2025 ha supuesto un impulso definitivo para su profesionalización. Gracias a este proceso, la banda ha podido destilar la esencia de su talento y llevar su sonido a un nivel superior, afinando cada canción hasta convertirla en una pieza coherente de un proyecto mayor que ahora comienza a despegar.

Con Magia, Artifis invita al público a acompañarlos en este nuevo capítulo, marcado por la honestidad, la evolución y un camino musical que promete crecer aún más con cada presentación. Su próximo concierto será el 10 de diciembre en la Sala B de Madrid, una cita clave para un grupo que vive su mejor momento creativo.

Magia ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Artifis, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Los Five Bluesmen regresan con nueva música y un espíritu renovado con el lanzamiento de A Place to Love, el single que anticipa la esencia de Blues Factory, su tercer álbum compuesto íntegramente por temas originales. Esta nueva pieza captura la naturaleza más humana, vibrante y libre del blues, un género que el grupo ha sabido llevar a su propio territorio combinando herencia, modernidad y una madurez sonora conquistada a lo largo de años de carretera.

A Place to Love se presenta como una declaración emocional: cinco caminos musicales diferentes que convergen en un mismo punto, un lugar donde el blues respira, late y se transforma. Bajo la dirección artística del cantante y guitarrista rítmico Ray Perelli —alma fundadora de la banda— el tema refleja la visión de un blues sin etiquetas, honesto y profundamente vivido. Perelli, marcado desde los 13 años por el descubrimiento de BB King, consolidó su recorrido tras pasar por escenarios pop, rock y rockabilly, hasta fundar Five Bluesmen en 2010. Desde entonces, no ha dejado de llevar su mensaje desde Francia hasta Nueva York, donde actúa cada año desde 2015.

El sonido del grupo es el resultado de una identidad colectiva poderosa. Junto a Ray, el guitarrista lead Elvis aporta una sensibilidad eléctrica y espontánea, fruto de su pasión familiar por la música de Presley y de su propio ingreso casi legendario al grupo: subiendo al escenario sin haber ensayado ni una sola vez. El bajista Jérôme Frulin, conocido por su trayectoria junto a Nono de Trust y los Sales Majestés, suma un groove sólido y melódico inspirado en los Beatles y Led Zeppelin. La batería de Eric Flayecasse, músico belga con influencias rock y New Wave, completa una base rítmica precisa, expresiva y llena de personalidad.

A Place to Love también hereda el espíritu colaborativo que caracteriza al próximo álbum Blues Factory. En él participan dos invitados de referencia: el prestigioso harmonicista Élie Coquard, presente en varios temas, y Stéphane Verdura, productor del estudio Allium PROD, responsable de la realización del disco y de aportar capas de teclados y coros que enriquecen la textura final. El resultado es un blues orgánico, cálido y contundente, respetuoso con la tradición pero abierto a las posibilidades de un futuro sonoro inquieto y contemporáneo.

Con este nuevo single, los Five Bluesmen demuestran que el blues sigue siendo un lenguaje vivo y universal, capaz de unir historias, raíces y estilos bajo una misma emoción. A Place to Love funciona como puerta de entrada a un universo donde la libertad musical es el hilo conductor, y donde cada nota revela el compromiso del grupo con un blues genuino, humano y profundamente actual.

A Place to Love ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Five Bluesmen, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

“Yin Yang” llega como la obra más introspectiva, madura y reveladora de DICE, un proyecto que refleja su crecimiento musical, personal y espiritual a través de un viaje marcado por los contrastes: la luz y la oscuridad, el deseo y la calma, las heridas profundas y la esperanza que renace. Con una propuesta fresca, íntima y global, el artista reafirma su presencia como una de las voces más prometedoras del panorama urbano latino y como una figura destinada a expandir los límites del sonido moderno que fusiona afrobeat, dancehall emocional y sensibilidad pop.

El álbum reúne canciones como My Lady, Tú, Impostora, Why, Cora a 200 y La Neverita, piezas que muestran distintas dimensiones del universo musical de DICE. Cada tema revela una emoción concreta y cotidiana, construida a través de melodías envolventes y letras directas que conectan de forma natural con oyentes de diferentes generaciones. La producción, a cargo de Gangsta —uno de los productores más influyentes del momento—, equilibra con precisión la vibra emocional y la energía bailable, consolidando un sonido que se mueve entre la intimidad y el impulso rítmico.

Este lanzamiento no solo refleja la madurez artística de DICE, sino también su habilidad para explorar las dualidades del amor, la pasión y la introspección desde un lugar profundamente humano. Su crecimiento se ve respaldado por hitos recientes como alcanzar la posición número 1 del chart Hot Song de Monitor Latino con su segundo sencillo Prototipo, un logro que confirma su ascenso dentro de la industria. Tras el éxito de su primer sencillo Mañitas, el artista continúa demostrando que forma parte de la nueva ola del afrobeat latino y del dancehall emocional, movimientos que combinan energía, vulnerabilidad y un sonido global en expansión.

La historia personal de DICE también forma parte esencial de la identidad de este proyecto. Nacido el 15 de septiembre de 2002 en Bogotá y criado en el barrio Soacha, descubrió desde pequeño su amor por la música, siempre con el apoyo de su familia. Su mudanza a Estados Unidos a los 15 años le permitió ampliar sus habilidades de composición e interpretación, explorando géneros como salsa, bachata, corridos, música popular y reggaetón, lo que le dio la versatilidad que hoy caracteriza su propuesta artística. Durante este camino también encontró una segunda pasión: la barbería, que le permitió sostenerse económicamente mientras seguía construyendo su futuro musical. Más tarde, retomó su sueño y se unió a un equipo creativo con el que comenzó a desarrollar nuevas canciones, etapa en la que conoció a Juan Estrada, conocido como Jay Kii, quien se convirtió en un aliado clave en su crecimiento artístico.

“Yin Yang” es más que un álbum: es el retrato de un joven artista que abraza sus dualidades, transforma su vulnerabilidad en fuerza y consolida una identidad sonora propia que lo proyecta hacia un lugar destacado dentro de la música latina contemporánea.

Lorena Gómez presenta ERA, un EP que simboliza un punto de inflexión en su camino artístico y emocional. Este trabajo reúne los ya conocidos Tanto y Déjà Vu, dos lanzamientos que anticipaban la sensibilidad y la introspección de esta etapa, y suma como pieza central La Teoría, el focus track que vertebra el proyecto y da sentido completo al viaje que propone la artista. ERA se presenta hoy, 28 de noviembre, en directo durante un evento exclusivo en la sala Galileo Galilei de Madrid, donde Lorena compartirá con su público las historias, emociones y nuevos sonidos que definen esta fase de crecimiento personal.

La Teoría nace desde la honestidad profunda y desde un lugar donde la vulnerabilidad se convierte en fortaleza. Con versos que exponen expectativas no cumplidas —como “la teoría era que llamases nuestro a lo mío…” o la imagen nostálgica y a la vez soñadora de “que alguien nos saque una foto bajo de la Torre Eiffel y ese día, a ser posible, ya fuéramos tres”— la canción traza el choque entre lo que se imagina y lo que la vida, con sus giros, termina imponiendo. Sin embargo, lejos de quedarse en la herida, la canción avanza hacia un renacer emocional que se ilumina en su estribillo, donde Lorena afirma: “Ahora puedo sentirme libre, vibrar en calma, volar sin alas…”. Así, La Teoría se convierte en el eje emocional del EP, en una despedida de viejas ideas y, al mismo tiempo, en una bienvenida a nuevas verdades.

Con ERA, Lorena Gómez consolida un proceso de renovación artística que lleva tiempo gestándose. El proyecto se inclina hacia un pop emocional, pulido y contemporáneo, donde la producción acompaña con delicadeza y precisión la interpretación de una voz que busca contar, sanar y conectar. Cada canción cumple un propósito dentro del todo, y el EP, más que un conjunto de temas, funciona como un capítulo vital en el que cerrar ciclos no significa perder, sino encontrarse.

ERA no es únicamente una nueva referencia discográfica. Es una declaración de principios y de vida. La constatación de que romper una teoría, por muy arraigada que esté, puede convertirse en el inicio de una verdad más grande, más libre y más auténtica.