Muma es mucho más que un dúo musical: es un proyecto nacido de la unión vital y artística de Tamara y Luis, dos músicos que entienden la música como un espacio de encuentro, celebración y emoción compartida. Desde Madrid, Muma construye un directo lleno de energía y cercanía, donde conviven rumbas, pop/rock, copla y sevillanas con canciones propias que hablan de fuerza, valentía y alegría. Con singles como “Jugar La Partida” y “Los Arquitos de la Casa”, el dúo da un paso firme en la consolidación de su universo creativo, llevando su mensaje más allá del escenario y apostando por una música que se siente y se vive.

Muma nace de una unión artística, pero también personal. ¿Cómo influye el hecho de ser pareja en la manera en la que componéis, ensayáis y os subís al escenario?

Para nosotros, el hecho de ser pareja hace que todo sea mucho más fácil, ya que nos conocemos muy bien y sabemos cómo podemos ayudarnos el uno al otro casi sin mirarnos.

Vuestra música mezcla muchos estilos: rumba, pop/rock, copla, sevillanas… ¿Cómo encontráis el equilibrio entre tanta diversidad sin perder una identidad propia?

Luis se ha interesado mucho por la música jazz y Tamara ha escuchado mucho flamenco y pop. Estas influencias son una caja de herramientas para dar originalidad y carácter a nuestros temas propios.

“Jugar La Partida” suena a actitud, a tomar decisiones y arriesgar. ¿Qué historia o emoción hay detrás de este single y por qué sentisteis que debía ser una de vuestras cartas de presentación?

“Jugar La Partida” nació de golpe una mañana, cuando Luis se despertó con la melodía en la cabeza. Cuando viene la inspiración, hay que dejarla fluir. De camino al trabajo no podía dejar de desarrollar la historia. La música sonaba a bachata, así que, ¿qué mejor que contar la historia de un chico que está en una pista de baile y no se atreve a bailar con la chica que le gusta? Esta historia conectaba con la timidez que Luis siempre ha tenido, que contrasta con el desparpajo de Tamara.

En contraste, “Los Arquitos de la Casa” tiene un aire más evocador y cercano. ¿Qué lugar o recuerdo inspira esta canción y qué queríais despertar en quien la escucha?

“Los Arquitos de la Casa” es un recuerdo de la infancia de Tamara, de su pueblo en Andalucía. La canción relata, con aires rumberos, la infancia vivida en los pueblos del sur y la nostalgia que se siente cuando recordamos lo vivido con nuestros mayores.

Vuestros temas propios parten de experiencias personales. ¿Cómo es el proceso de transformar vivencias íntimas en canciones con las que el público pueda sentirse identificado?

Creemos que no hay nada más bonito que alguien se pueda sentir identificado con temas cotidianos de la vida. Al final, todas las personas vivimos situaciones únicas, pero que, a grandes rasgos, son parecidas. Intentamos crear canciones que cada oyente pueda personalizar, dándoles un significado moldeado por sus propias experiencias.

Definís vuestros conciertos como una experiencia que se comparte. ¿Qué es lo más importante para vosotros a la hora de conectar con el público en directo?

Para nosotros lo más importante es la cercanía con el público. Siempre buscamos una conexión que rompa la barrera entre el escenario y el público. Animamos a que el público participe de nuestro espectáculo y eso hace que cada actuación sea única e irrepetible. Es una de las partes que más nos gustan de este proyecto. Siempre hacemos amistades en los conciertos y esa oportunidad que damos al público de participar siempre nos la agradecen.

En muchas actuaciones incorporáis percusión con cajón flamenco. ¿Qué aporta este elemento a vuestro sonido y cómo cambia la energía del escenario?

El cajón flamenco es un instrumento que aporta siempre una gran energía. Al igual que una guitarra, un cajón flamenco te invita a tocar las palmas.

Venís de interpretar muchos clásicos que la gente ya lleva en la memoria. ¿Qué habéis aprendido de ese repertorio a la hora de crear vuestras propias canciones?

Las canciones que se han hecho famosas por su música son siempre una fuente de inspiración. Hay que empaparse de esa música para poder crear música propia que llegue al oyente.

Vuestras letras hablan de fuerza, unión, valentía y alegría. ¿Creéis que hoy más que nunca la música necesita transmitir este tipo de mensajes?

Creemos que con la música se puede transmitir todo tipo de mensajes, pero siempre será positivo transmitir mensajes constructivos que ayuden a mejorar la sociedad, mensajes que nos recuerden que la alegría hay que celebrarla o que den fuerza en los momentos complicados.

¿Cómo describiríais la evolución de Muma desde vuestros primeros conciertos hasta el momento actual, tanto a nivel musical como emocional?

A nivel musical estamos experimentando un crecimiento insaciable. Para empezar, Tamara comenzó esta aventura sin saber teoría musical y actualmente está tomando clases de solfeo y de canto para ser un poquito mejor cada día. Luis, por su parte, se está adentrando cada día un poco más en la guitarra flamenca.

A nivel emocional también hay un crecimiento muy bonito. Es increíble ver cómo la gente te aplaude y te felicita por el trabajo. Muchos te llaman nuevamente para volver a actuar y eso, para nosotros, ya lo es todo.

Al ser un proyecto tan cercano y honesto, ¿os resulta más fácil o más difícil mostraros vulnerables a través de vuestras canciones propias?

La verdad es que la música, y el arte en general, son una vía que facilita mostrar las vulnerabilidades de cada persona. Cuando conectas con el arte desaparecen los miedos. Creemos que por eso el arte es tan necesario para una vida plena, porque ayuda a canalizar emociones que pueden ser difíciles de gestionar de otra manera.

Madrid es vuestra base, pero vuestra música parece pensada para viajar. ¿Qué tipo de público sentís que conecta especialmente con Muma?

Tenemos canciones muy variadas, con mensajes que pueden tener significado tanto para personas más jóvenes como más adultas, por lo que no definiríamos una edad concreta. En cuanto al repertorio de versiones que solemos cantar, sí que nuestro público está más enfocado en personas de 30 años en adelante, ya que interpretamos muchos éxitos de los años 70, 80 y 90.

Cuando alguien escucha por primera vez “Jugar La Partida” o “Los Arquitos de la Casa”, ¿qué os gustaría que sintiera al terminar la canción?

En “Jugar La Partida” nos gustaría que esa persona quisiera que la canción no dejara de sonar, para seguir bailando y coger fuerzas para comerse el mundo. Con “Los Arquitos de la Casa”, que esa persona siga pensando en los recuerdos que le evoca su infancia.

¿Cómo imagináis el futuro del proyecto: más singles, un EP, un disco completo que reúna toda vuestra esencia?

Nuestra idea es ir sacando más temas que ya tenemos en el horno y poco a poco darlos a conocer para completar un disco y, quién sabe, ojalá nos vaya bien y sea el primero de muchos.

Si tuvierais que resumir en una sola frase qué es Muma y qué ofrece a quien se acerca a vuestra música, ¿cuál sería y por qué?

MUMA es una unión basada en música, magia y arte para compartir con quien quiera escucharnos.

“Adicta a ti” es la colaboración que ha despertado la curiosidad del público al reunir a María Isabel y Román en un tema que apuesta por sonidos frescos, actuales y pensados para el baile. El single marca un momento clave en la trayectoria de ambos artistas, que encuentran en este lanzamiento un punto de encuentro entre el pop melódico y el urbano-pop de base latina.

La canción se mueve sobre ritmos pegadizos y una producción pulida que mezcla pop contemporáneo con reggaetón suave, lo que la convierte en una propuesta ideal tanto para la radio como para las pistas de baile. La temática gira en torno al deseo, la atracción intensa y esa sensación de “adicción” emocional hacia otra persona, una idea que se refuerza a través de un estribillo directo y fácilmente reconocible.

Uno de los aspectos más comentados del tema es la química vocal entre ambos intérpretes. La voz dulce y perfectamente identificable de María Isabel se entrelaza con el registro más rotundo de Román, generando un contraste que aporta dinamismo y personalidad a la canción. Esa dualidad se percibe también en la interpretación, donde cada uno aporta su propio universo sin perder cohesión.

Para María Isabel, “Adicta a ti” supone un paso más en la evolución que ha venido construyendo desde su regreso a la música. Lejos de la imagen con la que se dio a conocer en Eurovisión Junior con “Antes muerta que sencilla”, la artista ha sabido reinventarse y asentarse dentro del pop latino y el género urbano, consolidando una identidad adulta y coherente con la escena actual.

Román, por su parte, continúa afianzando su perfil como artista versátil y con una fuerte implicación creativa en sus proyectos. Reconocido por su voz con carácter y por cuidar especialmente sus colaboraciones, este single le permite conectar con una audiencia más amplia y reforzar su presencia en las plataformas digitales.

El lanzamiento viene acompañado de una estética visual moderna y colorida, en sintonía con la imagen que ambos artistas proyectan en redes sociales, y refuerza la idea de que “Adicta a ti” es una apuesta clara por un pop urbano actual, pensado para disfrutar y dejarse llevar.

“Adicta a ti” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de María Isabel y Román, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Don José se ha convertido en una de las revelaciones más potentes del panorama musical español actual, y su nuevo single “Rompecorazones” llega para confirmar que su éxito no es fruto de la casualidad. El artista gaditano continúa afianzando una fórmula que conecta con millones de oyentes y que lo sitúa como uno de los nombres clave del flamenco urbano contemporáneo.

“Rompecorazones” es una canción que mezcla con naturalidad la esencia más pura del flamenco con la energía del reggaetón moderno. El tema gira en torno al desamor, la traición y esa figura irresistible y peligrosa que deja huella allá por donde pasa. Con una letra cargada de carácter y un estribillo pensado tanto para el baile como para el desahogo emocional, Don José vuelve a demostrar su capacidad para unir sentimiento y ritmo en una misma pieza.

A nivel sonoro, el single destaca por el protagonismo de las guitarras españolas, que se entrelazan con bajos contundentes propios del género urbano. Todo ello se sostiene sobre ese quejío tan característico de Don José, una forma de cantar que mantiene una raíz muy reconocible y que aporta autenticidad a cada uno de sus lanzamientos. Esa fidelidad al origen es, precisamente, una de las claves de su conexión con públicos muy distintos.

Detrás del nombre artístico se encuentra José Poveda, natural de Los Barrios, Cádiz, un artista que ha revolucionado TikTok y las listas virales en el último año. Su irrupción masiva llegó con “Entre Copa (A chulería no me ganas tú)”, un tema que superó los 80 millones de reproducciones en TikTok y que lo colocó en el mapa nacional prácticamente de la noche a la mañana.

Desde entonces, Don José ha sido señalado como uno de los máximos exponentes del flamenco urbano actual. A diferencia de otros artistas del género, mantiene una forma de cantar muy arraigada a la tradición, lo que le permite conectar tanto con el público joven como con los amantes del pop aflamencado y los sonidos más clásicos del sur.

Más allá de la música, Don José también ha comenzado a destacar por su imagen y presencia mediática, llegando incluso a colaborar con marcas internacionales en el ámbito de la moda. Un detalle que refuerza su perfil como artista completo, con una identidad cuidada y plenamente alineada con los códigos actuales.

“Rompecorazones” no solo confirma su buen momento, sino que refuerza la idea de que Don José representa a una nueva generación de artistas andaluces que no tienen miedo a mezclar tradición y modernidad. Su crecimiento ha sido meteórico y todo apunta a que este single es solo un nuevo paso en una carrera que seguirá dando mucho que hablar.

“Rompecorazones” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Don José, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Moni Motes y DePol presentan “Me va bien de momento”, una colaboración recién salida del horno que se ha estrenado hoy, 16 de enero de 2026, y que llega en un momento especialmente dulce para ambos artistas dentro del pop español actual. La canción se convierte en el segundo adelanto del esperado primer EP de Moni Motes, titulado Auroras, previsto para este mismo año.

“Me va bien de momento” es una canción que habla de la superación tras una ruptura, de ese punto exacto en el que dejas de mirar hacia atrás y empiezas a priorizarte a ti mismo. El tema transmite calma, libertad y una sensación de alivio emocional que conecta con cualquiera que haya pasado por un proceso similar, convirtiéndose en un himno silencioso al amor propio y a los nuevos comienzos.

A nivel sonoro, la canción se define como un pop melódico fresco, con un gran protagonismo de las guitarras acústicas. La producción de Pablo Bigboy apuesta por la cercanía y la intimidad, logrando que las voces de Moni y DePol brillen con naturalidad y sin excesos, reforzando el tono confesional del tema.

El lanzamiento viene acompañado de un videoclip rodado en Madrid y dirigido por Pablo Tuche, que refuerza visualmente esa idea de “volver a empezar”. La estética cuidada y el enfoque narrativo acompañan perfectamente el mensaje de la canción, sumando una capa emocional que completa la experiencia.

Moni Motes se ha consolidado como una de las promesas más interesantes del pop nacional. Valenciana afincada en Madrid, comenzó a ganar relevancia en redes sociales gracias a la honestidad de sus letras, casi escritas como un diario personal. Debutó con fuerza en 2023 con “Tan Desconocidos” y llegó a actuar como telonera de Álvaro de Luna en el festival Starlite de Marbella. Su capacidad para escribir desde la emoción y el desamor le ha permitido crear una comunidad muy fiel que se siente reflejada en sus canciones.

DePol, nombre artístico de Pol Gutiérrez, es ya un artista consolidado en las listas de éxitos. Surgido de Got Talent, alcanzó una enorme popularidad con temas como “Quién Diría”, “Ibiza”, que consiguió Disco de Platino, y “Te Confieso”. A finales de 2025 lanzó su primer álbum, No lo sé ni yo, confirmando su talento para crear melodías pegadizas y letras directas que conectan con el gran público.

Lo que hace especial esta colaboración es la sensibilidad compartida entre ambos artistas. Moni Motes y DePol escriben sobre lo cotidiano y lo emocional sin artificios, y en “Me va bien de momento” sus voces empastan de forma natural, dando lugar a una canción con vocación de convertirse en una de las más escuchadas en la radio durante este invierno.

Marta Soto atraviesa uno de los momentos más significativos de su carrera con REINICIO, el nuevo proyecto discográfico con el que la artista onubense anuncia un punto y aparte en su trayectoria musical. Previsto para ver la luz en 2026 junto a una gira que recorrerá distintos escenarios, este álbum simboliza un nuevo comienzo, una evolución natural hacia una etapa de mayor madurez artística y personal.

El concepto de REINICIO se construye desde la necesidad de mirar hacia dentro y volver a empezar con una perspectiva renovada. En los últimos meses, Marta Soto ha ido adelantando algunas de las piezas que formarán parte de este trabajo, como “Reinicio” o “Yo no te esperaba”, canciones que mantienen la esencia íntima que siempre la ha caracterizado, pero con una producción más actual y una narrativa aún más directa. Su pop melódico sigue estando profundamente arraigado a sus raíces andaluzas, con una sensibilidad especial en la composición y una voz marcada por ese quejío tan reconocible que delata su origen en Punta Umbría.

Nacida en Huelva en 1996, Marta Soto creció rodeada de música gracias a una familia con tradición musical, aunque fue de manera autodidacta como aprendió a tocar la guitarra y a dar forma a sus primeras canciones. Como muchos artistas de su generación, comenzó compartiendo versiones en YouTube, un escaparate que le permitió mostrar su talento y captar la atención de figuras clave del panorama musical español. Alejandro Sanz y Pablo Alborán no tardaron en señalarla públicamente como una de las voces con mayor proyección, y fue precisamente Alejandro Sanz quien la invitó a sustituirlo en una actuación en El Hormiguero, un momento que supuso un impulso decisivo para su carrera.

Su álbum debut, Míranos, publicado en 2018, alcanzó el número uno en ventas en España y la consolidó como una de las cantautoras más respetadas del nuevo pop nacional. Desde entonces, ha colaborado con artistas como Dani Fernández, Miriam Rodríguez o Funambulista, ampliando su universo musical sin perder la honestidad que define su forma de escribir.

Dentro de esta nueva etapa, canciones como “Nada bueno” reflejan con claridad el ADN emocional de Marta Soto. Sus letras exploran las luces y sombras del amor, la traición, la decepción y el proceso de sanación personal desde una crudeza que conecta de forma directa con el oyente. Versos como “yo tengo la conciencia tranquila” funcionan casi como un mantra de liberación, una declaración de cierre y aprendizaje que encaja plenamente con el espíritu de REINICIO.

Con este proyecto, Marta Soto reafirma su lugar como una de las voces más auténticas del pop español actual, demostrando que crecer artísticamente también implica mirarse sin miedo y contar las historias desde la verdad. REINICIO no es solo un nuevo álbum, sino una declaración de intenciones que marca el camino de lo que está por venir.

“Nada bueno” y los adelantos de REINICIO ya se encuentran disponibles para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlos, compartirlos y añadirlos a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Marta Soto, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, conciertos y nuevos proyectos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Frank Suz & The Crazzy 88’s continúa dando forma al universo de su próximo disco con el lanzamiento de Hiroshima Boom, su tercer single tras la presentación de Iron Loto y Yakuza Lovers. Con este nuevo tema, la banda reafirma su apuesta por un rock and roll crudo, bailable y cargado de energía, donde la actitud y el ritmo mandan por encima de todo.

Hiroshima Boom fue el segundo tema compuesto para este nuevo trabajo y se presenta como una pieza breve e intensa de dos minutos y treinta segundos. Construida sobre una batería a negras que marca el pulso desde la intro y el puente, la canción prescinde del estribillo tradicional para dejar todo el protagonismo al riff, verdadero motor del tema. El resultado es un corte directo, sin adornos innecesarios, pensado para el baile y la descarga inmediata en directo.

Para este nuevo proyecto, Frank Suz vuelve a rodearse de colaboradores habituales como Teto Adán a la guitarra y Nando Insidius al bajo, quienes ya formaron parte de anteriores trabajos de la banda, sumando en esta ocasión a Tomás Ureña a la batería. Juntos darán vida en los escenarios a las canciones de su nuevo disco, que verá la luz el próximo mes de febrero bajo el título Callos de Wagyu.

El álbum ha sido producido por Hendrik Röver y grabado en directo en el estudio Guitar Tow, un enfoque que refuerza la esencia orgánica y visceral del sonido de Frank Suz & The Crazzy 88’s, capturando la energía real de la banda tal y como se vive en sus conciertos.

Además, el grupo ya tiene confirmadas varias fechas para presentar este nuevo trabajo en directo. El viernes 16 de enero actuarán en el Ateneu de Ibi, el viernes 23 de enero en Peter Rock Valencia, el viernes 6 de febrero en La Solana, Ciudad Real, y el sábado 7 de febrero en la Sala Combo de Tomelloso, donde el público podrá experimentar de primera mano la potencia de este nuevo repertorio.

Bizarrap abre el 2026 con un lanzamiento que marca un hito en su carrera internacional. El productor argentino presenta “Orange County”, su primer single del año y una colaboración inédita junto a Gorillaz, debutando oficialmente con la banda liderada por Damon Albarn. El tema ya se encuentra disponible y formará parte de The Mountain, el próximo álbum de estudio de Gorillaz, cuyo lanzamiento está previsto para el 27 de febrero.

Producida conjuntamente por Gorillaz y Bizarrap, “Orange County” fue escrita por Damon Albarn, Kara Jackson y el propio Bizarrap, consolidando un encuentro creativo que refuerza el gran momento del productor argentino. Tras colaborar con figuras como Daddy Yankee y J Balvin, Bizarrap suma ahora a Gorillaz a una trayectoria marcada por cruces artísticos de enorme proyección global, ampliando aún más su universo sonoro.

“Orange County” se presenta junto a “The Hardest Thing”, dos piezas complementarias extraídas de The Mountain que conforman una obra conjunta de ocho minutos, tal y como fue concebida originalmente. Ambos temas también están disponibles en una edición limitada en vinilo de 7 pulgadas con doble cara A, reforzando el carácter especial de este lanzamiento. En “Orange County”, Albarn comparte protagonismo vocal con la cantautora y poeta Kara Jackson y con la intérprete de sitar Anoushka Shankar, catorce veces nominada al Grammy, dando forma a una atmósfera rica en matices, texturas y emoción.

Por su parte, “The Hardest Thing” abre con la voz del mítico baterista Tony Allen, colaborador histórico de Albarn y figura pionera del afrobeat, fallecido en 2020. La canción se convierte en una sentida exploración del dolor y la esperanza, dos conceptos centrales en The Mountain. Su letra, marcada por la despedida y el amor, conecta directamente con el espíritu introspectivo y trascendental del nuevo álbum, reforzando la carga emocional del proyecto.

The Mountain es el noveno álbum de estudio de Gorillaz y se presenta como un vasto paisaje sonoro compuesto por 15 canciones que celebran el espíritu colaborativo que siempre ha definido a la banda. El disco reúne una lista extraordinaria de artistas y músicos de diferentes generaciones y culturas, entre los que se encuentran Ajay Prasanna, Amaan & Ayaan Ali Bangash, Anoushka Shankar, Asha Bhosle, Asha Puthli, Bizarrap, Black Thought, Gruff Rhys, IDLES, Jalen Ngonda, Johnny Marr, Kara Jackson, Omar Souleyman, Paul Simonon, Sparks, Trueno y Yasiin Bey, además de voces de colaboradores históricos como Bobby Womack, Dennis Hopper, Mark E. Smith, Proof y Tony Allen. El álbum se plantea como una celebración del viaje de la vida, una playlist para una fiesta situada en la frontera entre este mundo y lo que pueda venir después.

El lanzamiento de The Mountain estará acompañado por una ambiciosa gira mundial. The Mountain Tour comenzará el 20 de marzo de 2026 en Manchester y recorrerá grandes arenas del Reino Unido e Irlanda, con varias fechas ya agotadas, además de sumar nuevas presentaciones debido a la alta demanda. Entre los hitos más destacados se encuentra el concierto como headliners en el Tottenham Hotspur Stadium de Londres el 20 de junio de 2026, el show más grande de Gorillaz en el Reino Unido hasta la fecha, con Sparks y Trueno como artistas invitados. La gira también incluirá una extensa ruta de festivales por toda Europa durante el verano.

A este despliegue se suma la apertura de la exposición inmersiva House of Kong en Los Ángeles, que tendrá lugar del 26 de febrero al 22 de marzo de 2026. Además, Gorillaz ofrecerá dos conciertos únicos en el Hollywood Palladium los días 22 y 23 de febrero, en los que Damon Albarn y la banda interpretarán The Mountain de principio a fin junto a invitados especiales, bajo la atenta mirada de los icónicos personajes Murdoc, Noodle, Russel y 2D.

Con “Orange County”, Bizarrap se integra en uno de los universos creativos más influyentes de la música contemporánea, reafirmando su capacidad para dialogar con artistas de distintos mundos y generaciones sin perder su identidad. “Orange County”, junto a “The Hardest Thing”, ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Bizarrap y Gorillaz, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, giras y proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Olvida la pulcritud orgánica y el pop amable. Mantra levanta un muro de sonido en «Modern Man», que ve hoy la luz como último aviso antes de la llegada de «Plastic Boys». Construida sobre un latido artificial que asciende hasta el estallido, la canción es una viñeta lo-fi que captura la fragilidad de quien se disfraza de estrella del rock para sobrevivir al ruido moderno. Dos minutos de voltaje, sintetizadores analógicos y la insolencia necesaria para dinamitar la escena desde la periferia.

Mantra ha decidido que la mejor forma de sobrevivir al escaparate de lo vacío es, precisamente, abrazar la estética del simulacro. Con el estreno de «Modern Man» este 16 de enero, la banda mallorquina no solo entrega el último avance de su inminente EP «Plastic Boys», con fecha de colisión fijada para el 13 de febrero, sino que levanta un acta de rebeldía contra esta era de filtros y cartón piedra. Si en entregas anteriores el grupo se movía en una calidez amable, aquí el cuarteto opta por una colisión frontal entre el descaro del rock and roll y ese acabado sintético que define nuestro presente. Es el sonido de quien ha comprendido que, en un mundo de plástico, solo lo que se atreve a ser directo y crudo resulta verdaderamente honesto.

«Modern Man» funciona como una viñeta eléctrica de apenas dos minutos que captura la coreografía del autoengaño. La canción arranca desde una caja de ritmos primitiva y básica, un latido artificial sobre el que se van sumando capas en una dinámica ascendente constante hasta estallar en un muro de sonido. La letra nos sitúa frente a ese ejemplar en peligro de extinción que se enfunda en un disfraz de misticismo old school para salir a quemar la noche, buscando un refugio emocional bajo una coraza de estrella de rock. Es una ironía servida en frío: el hombre moderno como un individuo sensible que se protege tras una voz megafónica, rasgada y lanzada a chorro, sin exceso de tacto pero con toda la verdad.

La producción, orquestada en Calma Estudis por Franc Prohens y Josep Umbría, huye deliberadamente de la pulcritud orgánica para buscar texturas donde las guitarras distorsionadas se funden con el peso dominante de los sintetizadores lo-fi. Existe un juego consciente de contrastes, ya que una batería simple y real entra en escena para reforzar el drumkit artificial, creando un groove que fluctúa entre el indie internacional y el nervio de la Movida. Hay una insolencia necesaria en este nuevo lenguaje, donde un bajo melódico y contundente recuerda que el pop rock, cuando se toca con las vísceras, no necesita decoración innecesaria para dejar a la vista los cables y el voltaje.

Con «Plastic Boys», que llegará el próximo 13 de febrero, la formación integrada por Franc Prohens, Jaume Prohens, Mateu Del Rio y Sergi Tomas completa un mapa conceptual que bascula entre la introspección crítica y la chulería despreocupada. Entre homenajes implícitos al sonido británico y la energía de las guitarras de Nueva York, Mantra parece haber encontrado su lugar en la grieta que separa lo real de lo falso. Es en ese espacio ruidoso donde su propuesta de rock alternativo cobra pleno sentido: una descarga que prefiere la crudeza del error y la experimentación descarada a la perfección aséptica del algoritmo.

Si quieres, también puedo adaptarlo a un medio concreto, ajustar el titular o hacerlo ligeramente más informativo sin perder este tono editorial.

José Romero lanza “COCA-COLA, Sabor de la Paz”, su nuevo single, una canción que refleja con claridad la esencia de un artista que entiende la música como una forma de vida. Nacido en Barbate, Cádiz, Romero se define sin artificios: “hago canciones porque no sé vivir sin ellas”, una afirmación que resume décadas de trabajo constante, aprendizaje y amor por el oficio. El tema llega acompañado de la gran producción musical de José María Moreno, aportando solidez y cuidado a una propuesta tan sencilla como significativa.

Músico y percusionista de larga trayectoria, José Romero ha construido su camino profundamente ligado a la escena musical gaditana. Su carrera se ha desarrollado en estrecha colaboración con otros artistas locales, como Abraham Sevilla, y en contacto directo con el pulso creativo de la provincia. Más allá de la técnica, lo que distingue a Romero es su capacidad para fusionar el espíritu de Cádiz con distintos estilos, moviéndose con naturalidad entre el rock, el pop y sonidos más eclécticos, siempre con una identidad propia y reconocible.

“COCA-COLA, Sabor de la Paz” se presenta como una pieza especial dentro de su etapa más reciente como solista. Lejos de una lectura literal, la canción utiliza la imagen de compartir una Coca-Cola como una metáfora de convivencia, cercanía y optimismo. Es un tema que invita al buen rollo, a la unión y a la paz, valores que forman parte tanto de la personalidad del artista como de su manera de entender la música y las relaciones humanas.

En lo musical, el single se mueve en un pop-rock ligero y accesible, con arreglos cuidados que reflejan los años de experiencia de José Romero en bandas de directo. La canción respira naturalidad y oficio, apoyándose en una estructura clara y en una interpretación honesta que conecta rápidamente con el oyente, sin necesidad de artificios ni excesos.

Este lanzamiento representa también un momento importante en su carrera, consolidando su faceta como autor e intérprete individual tras décadas de trabajo “en la sombra” o como músico de acompañamiento en otros proyectos. José Romero encarna a la perfección la figura del artista de “pico y pala”, aquel que ha recorrido todos los escalones del camino musical, desde las asociaciones culturales y musicales de Barbate, como Aulas de Rock, hasta la producción y difusión de sus propios sencillos en el entorno digital actual.

Su música está impregnada de la luz de su tierra y de una sencillez honesta que transmite cercanía y verdad, dos cualidades que se hacen especialmente evidentes en “COCA-COLA, Sabor de la Paz”. El nuevo single ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Para conocer más sobre José Romero y seguir de cerca sus próximos lanzamientos y proyectos, no dudes en acompañarlo a través de sus redes sociales.

Ryan Castro inicia el 2026 consolidado como una de las figuras más influyentes del panorama urbano latino con el estreno del videoclip oficial de “La Villa”, su más reciente hit junto a Kapo. El lanzamiento del visual refuerza el gran momento artístico que atraviesa el artista colombiano y confirma la proyección internacional de una canción que no ha dejado de crecer desde su salida.

El estreno del videoclip llega acompañado de un sólido rendimiento en plataformas digitales. “La Villa” ha logrado ingresar al Global Chart de Spotify y alcanzar el puesto número 9 del Top Spotify en España, posicionándose como uno de los temas latinos con mayor impacto del momento. Estos logros confirman la fuerte conexión del tema con audiencias globales y el alcance cada vez mayor de ambos artistas.

Con una producción sonora contundente y una propuesta visual cuidadosamente trabajada, “La Villa” destaca por su energía, frescura y autenticidad. La canción representa la segunda colaboración entre Ryan Castro y Kapo, tras el lanzamiento previo de “Donde”, y nace en un entorno muy personal para Castro. El tema toma su nombre de La Villa, el apodo con el que el artista bautizó su finca ubicada a las afueras de Medellín, un espacio clave en su proceso creativo donde se gestó la canción y que también sirvió como locación principal para el rodaje del videoclip.

El visual traslada esa esencia íntima y relajada al plano audiovisual, capturando una atmósfera luminosa inspirada en un pool party que refleja tanto el espíritu del tema como el ambiente en el que fue creado. Lejos de artificios excesivos, el videoclip apuesta por mostrar la conexión natural entre los artistas, la música y el entorno, reforzando la identidad auténtica que caracteriza a Ryan Castro.

“La Villa” es un dancehall que forma parte de Hopi Sendé, el álbum más reciente de Ryan Castro publicado en octubre de 2025, y que dio continuidad a su segundo disco, Sendé. Ambos proyectos, junto a este nuevo single, destacan la fuerte identidad caribeña del artista, influenciada por los sonidos del dancehall y el reggae que marcaron su desarrollo artístico durante su etapa de residencia en Curazao. Esta mezcla de ritmos y vivencias ha sido clave para definir un sonido propio que hoy conecta con públicos de diferentes partes del mundo.

Al cierre de 2025, Ryan Castro culminó la primera etapa de su Sendé World Tour, presentando Sendé y Hopi Sendé en conciertos con entradas agotadas en Europa, el Caribe y Estados Unidos. La gira no solo reafirmó su poder de convocatoria, sino que también confirmó su crecimiento como artista global y su capacidad para llenar recintos de gran formato.

De cara a 2026, el artista se prepara para el concierto más importante de su carrera hasta la fecha. El próximo 25 de abril ofrecerá su único show en Colombia durante el año en el icónico Estadio Atanasio Girardot de Medellín, con capacidad para 45.000 personas. Las entradas se agotaron en apenas dos horas, marcando un nuevo hito en su trayectoria y consolidándolo como uno de los nombres más fuertes de la música urbana actual.

Bryan David Castro Sosa, conocido artísticamente como Ryan Castro, es hoy uno de los artistas más auténticos e influyentes de la nueva generación urbana. Nacido en Medellín, ha construido su carrera desde la independencia, el trabajo constante y una conexión genuina con la calle, elementos que definen su identidad artística. Conocido como “El Cantante del Ghetto”, ha logrado posicionarse internacionalmente gracias a su capacidad para fusionar reguetón, trap y sonidos urbanos con letras directas, energía cruda y un fuerte sentido de pertenencia cultural.

A lo largo de su trayectoria ha acumulado millones de reproducciones y colaboraciones con artistas de primer nivel, consolidando su presencia en los principales escenarios y festivales de Latinoamérica, Estados Unidos y Europa. Canciones como “Jordan”, “Mujeriego” o “Monastery” se han convertido en himnos generacionales que reflejan su versatilidad y magnetismo artístico. Más allá de los números, Ryan Castro representa una voz real y sin filtros, capaz de conectar con distintas audiencias a través de una narrativa honesta y una propuesta sonora en constante evolución.

“La Villa” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Ryan Castro y Kapo, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Valentina Márquez se ha convertido en una de las voces femeninas con mayor proyección dentro del cuarteto y la música popular argentina, construyendo una identidad propia que trasciende cualquier apellido. Nacida en Córdoba y heredera natural de una tradición musical profundamente arraigada, la artista ha sabido abrirse camino con personalidad, talento y una visión clara de su proyecto, demostrando que su presente es fruto de trabajo y convicción más que de legado.

Este miércoles 14 de enero de 2026 presentó “Tiburones”, su nuevo single y una apuesta directa para dominar el verano. La canción reafirma su estilo dentro del género popular, combinando ritmos bailables y pegadizos con una interpretación vocal potente y segura, rasgos que ya se han convertido en señas de identidad de Valentina. El tema llega en un momento clave de su carrera, en el que su crecimiento artístico se hace evidente tanto en lo sonoro como en la forma en la que se posiciona dentro de la escena.

“Tiburones” refleja una etapa de madurez que se ha ido gestando tras años de escenarios, colaboraciones y aprendizajes junto a figuras consagradas. La producción acompaña esa evolución, apostando por un sonido actual que potencia su voz sin artificios innecesarios, algo que siempre ha sido destacado por quienes han trabajado con ella. El single ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales y cuenta además con un videoclip oficial en YouTube, que refuerza el carácter fresco y contundente de la propuesta.

Nacida el 10 de marzo del año 2000, Valentina Márquez pasó de ser una promesa a convertirse en una realidad sólida dentro de la música cordobesa y nacional. Si bien el cuarteto forma parte de su ADN, su repertorio ha sabido expandirse con naturalidad, alternando canciones propias con versiones de clásicos que han conectado con públicos diversos. Un ejemplo de ello es su popular enganchado que incluye temas de Selena, No Doubt y Myriam Hernández, donde demuestra versatilidad y una notable capacidad interpretativa.

A lo largo de su carrera ha acumulado hitos que confirman su proyección. En 2024 fue telonera de María Becerra en el Estadio River Plate, una experiencia que marcó un antes y un después en su recorrido profesional. Además, ha colaborado con nombres fundamentales de la movida como Ulises Bueno, Rodrigo Tapari y El Loco Amato, ampliando su alcance y consolidando su presencia en distintos públicos.

Uno de los respaldos más significativos en su trayectoria llegó de la mano de A.B. Quintanilla, hermano de Selena, quien la apadrinó artísticamente y viajó a Argentina exclusivamente para producirla. El músico destacó en su momento que Valentina “no necesita tecnología para cantar bien”, subrayando la potencia y naturalidad de su voz como uno de sus mayores valores.

Con “Tiburones”, Valentina Márquez reafirma que su crecimiento no es casual y que su lugar dentro de la música popular argentina está cada vez más consolidado. La canción ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Valentina Márquez, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

La música, el drama y el fenómeno global del reguetón vuelven a sonar con fuerza con el estreno de La Reina del Flow 3, que llega este jueves a Netflix con una sorpresa muy especial para el público español. Por primera vez en su historia, la exitosa serie colombiana ha cruzado el Atlántico para rodar fuera de Latinoamérica, incorporando a Lanzarote y Fuerteventura como escenarios clave de su nueva narrativa internacional gracias a la iniciativa del productor canario David Navarro, CEO de DN7 Music.

Las playas de El Reducto, en Arrecife, y Jandía, en Fuerteventura, se transformaron durante varios días en el escenario de espectaculares conciertos multitudinarios recreados para la ficción. El despliegue técnico y humano fue de gran envergadura, con cámaras, equipo técnico, elenco internacional y miles de seguidores participando en un rodaje que ya forma parte de la historia de la serie. Este paso supone un antes y un después para La Reina del Flow, que por primera vez sitúa parte de su trama en Europa, reforzando su dimensión global.

Esta ambiciosa apuesta internacional fue posible gracias a la colaboración entre DN7 Music, Sony Pictures y Caracol Televisión, una alianza estratégica que busca seguir elevando el alcance de una producción considerada ya un referente de la ficción musical contemporánea. Durante el rodaje en las islas se grabaron escenas clave ambientadas en conciertos multitudinarios que prometen convertirse en algunos de los momentos más impactantes de la temporada, tanto a nivel visual como narrativo.

El reparto principal, encabezado por Carlos Torres en el papel de Charlie Flow y Carolina Ramírez como Yeimy Montoya, se desplazó hasta Canarias junto a Mariana Gómez, Juan Palau, Juan Marpo y Kiño, entre otros. A ellos se sumaron artistas invitados incorporados por DN7 Music como Omar Montes, DJ Nelson, Juanfran y Carlos Heredia, reforzando la conexión entre la ficción y la escena musical real y aportando un valor añadido a la experiencia de la serie.

La respuesta del público local fue inmediata y entusiasta. Desde primeras horas del día, miles de fans se congregaron en los alrededores de las localizaciones, generando un ambiente vibrante que quedó reflejado tanto en las grabaciones como en el impacto social y mediático que tuvo el rodaje en las islas. Canarias se volcó con la producción, confirmando su potencial como plató natural para proyectos audiovisuales de gran formato.

Desde su estreno, La Reina del Flow se ha consolidado como uno de los mayores fenómenos de la ficción latina a nivel mundial. La historia de Yeimy Montoya, una mujer que lucha por abrirse camino en la industria del reguetón mientras enfrenta traiciones y busca justicia, ha conectado con millones de espectadores gracias a una narrativa intensa y a un potente mensaje de empoderamiento femenino. La serie ha ocupado de forma recurrente el Top 10 de Netflix en numerosos países de Latinoamérica y Europa, y su impacto trasciende la pantalla, influyendo en la música, las redes sociales y la cultura popular.

Su prestigio quedó avalado en 2019 con el Premio Emmy Internacional a Mejor Telenovela, uno de los reconocimientos más importantes de la industria televisiva, consolidando su valor artístico y narrativo. La tercera temporada promete mantener la intensidad que ha definido la serie desde sus inicios, con viejos enemigos, nuevos retos y una evolución constante de sus personajes, mientras la incorporación de Canarias aporta una dimensión visual inédita y refuerza la ambición internacional del proyecto.

Este nuevo logro se suma a la trayectoria de DN7 Music, que ya tuvo un papel destacado en la segunda temporada integrando a artistas de primer nivel como Rauw Alejandro o Jowell, consolidándose como un puente sólido entre la industria musical y la ficción audiovisual internacional. Con La Reina del Flow 3, Canarias vuelve a proyectarse al mundo como escenario de grandes producciones y la serie reafirma su estatus como uno de los mayores éxitos culturales y de entretenimiento del panorama actual.

Yimark vuelve a cruzar fronteras creativas con el lanzamiento de ‘Letanías Elektra Bomb (Remix)’, un trabajo en el que traslada la fuerza y la intensidad del power metal a un territorio electrónico, ampliando el universo conceptual de ‘Letanías’ y abriendo una nueva etapa sonora en su trayectoria. En esta ocasión, la artista colombiana une fuerzas con su hijo, el DJ y productor Mark Darkjewel, en una colaboración intergeneracional que convierte la exploración musical en un diálogo constante entre pasado, presente y futuro.

Dos meses después de la presentación de ‘Letanías’ en RPM Records, un evento en el que Yimark ya adelantó algunos remixes electrónicos de su repertorio, llega de manera oficial el EP ‘Letanías Elektra Bomb’. Este nuevo lanzamiento reinterpreta cinco de sus composiciones desde el lenguaje del Electronic Dance Music, manteniendo intacta la carga simbólica y conceptual que ha caracterizado su obra a lo largo de más de dos décadas de carrera. Lejos de tratarse de una ruptura, el EP funciona como una extensión natural de un universo artístico que siempre ha apostado por la transformación y la búsqueda interior.

Fiel a su interés por experimentar con nuevas posibilidades sonoras, Yimark fusiona su voz de registro mezzosoprano con estructuras propias del EDM, generando una tensión constante entre lo orgánico y lo digital. En ‘Letanías Elektra Bomb’, canciones como ‘Donde estés’, ‘Mortal Figura’, ‘Karma’, ‘Katarsis de Luna’ y ‘Sedienta en el vacío’ adquieren un nuevo tratamiento sonoro, adaptándose a otra lógica musical sin perder la esencia emocional y narrativa con la que fueron concebidas originalmente dentro del power metal.

La artista define este proceso como una transmutación energética en la que “la voz y fuerza del power metal unen su energía con los beats oscuros para dar, de esta manera, una nueva vida a una cinta que cruza dimensiones”. Esta visión refuerza la idea de la música como un ritual que va más allá de lo físico y se adentra en lo espiritual, una constante en la obra de Yimark desde sus primeros trabajos.

A lo largo de su carrera, considerada pionera del power metal en Colombia, Yimark ha construido un universo artístico propio en el que armonías, letras, fotografía, piezas audiovisuales y puesta en escena dialogan entre sí como partes de un mismo relato. ‘Letanías Elektra Bomb’ retoma esa premisa y la proyecta hacia otros territorios creativos, demostrando que sus composiciones pueden habitar distintos lenguajes sin perder identidad. “Mi intención no es reemplazar la esencia del álbum, sino revelar otro de los caminos posibles dentro del universo que he construido”, señala la artista.

La producción con la que Yimark inaugura 2026 es el resultado de un trabajo prolongado y minucioso junto a Mark Darkjewel, enfocado en lograr que la adaptación al lenguaje electrónico se integrara de forma natural y respetuosa con las composiciones originales. El EP reafirma así la vocación experimental que ha sostenido la carrera de la artista y confirma que la búsqueda del ser, eje central de su obra, sigue evolucionando a través de nuevas formas sonoras.

‘Letanías Elektra Bomb (Remix)’ ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Yimark y Mark Darkjewel, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Benedetta Caretta vuelve a demostrar por qué es considerada una de las voces más impactantes del panorama europeo actual con el lanzamiento de su nueva versión de “Nothing Else Matters”, el icónico tema de Metallica, publicado en enero de 2026. Lejos de limitarse a un simple ejercicio de estilo, la artista italiana transforma este himno del metal en una experiencia emocional de gran calado, donde la delicadeza vocal, la épica visual y una sensibilidad casi espiritual dialogan con la esencia melancólica de la canción original.

Nacida en 1996 en Carmignano di Brenta, Italia, Benedetta Caretta comenzó a destacar a una edad temprana tras ganar en 2010 el concurso televisivo Io Canto, un punto de partida que reveló un talento precoz y una técnica vocal fuera de lo común. Desde entonces, su carrera ha evolucionado hacia un estilo crossover muy personal, en el que confluyen el pop, la música cinematográfica y sutiles matices operísticos. Esta versatilidad, unida a una presencia magnética, la ha convertido en un fenómeno viral en plataformas como YouTube e Instagram, donde sus versiones de temas como “Now We Are Free” o “Hallelujah” acumulan millones de reproducciones. A ello se suma su estrecha colaboración con el violonchelista HAUSER, de 2Cellos, con quien ha construido algunos de los duetos más celebrados de los últimos años gracias a una química minimalista y profundamente emotiva.

En su aproximación a “Nothing Else Matters”, Benedetta Caretta se distancia deliberadamente de la crudeza vocal de James Hetfield para explorar un territorio de vulnerabilidad extrema. La interpretación comienza casi en un susurro, contenida y frágil, y va creciendo de forma orgánica hasta alcanzar notas altas de gran pureza, sostenidas con un control técnico asombroso. El resultado es una lectura íntima y expansiva a la vez, que convierte la canción en una especie de banda sonora emocional, capaz de envolver al oyente desde la primera escucha.

El apartado visual refuerza de manera decisiva esta reinterpretación. Fiel a una de sus señas de identidad, la artista ha grabado el videoclip en un entorno natural de gran fuerza simbólica, en esta ocasión los majestuosos paisajes de los Dolomitas, en los Alpes italianos. La inmensidad de las montañas aporta una dimensión épica al relato y actúa como espejo de la intensidad emocional de la canción. Lejos de limitarse a una actuación estática, el video incorpora una narrativa de tintes cinematográficos y fantásticos, con una estética que muchos seguidores han asociado a antiguas leyendas, rituales de empoderamiento y una espiritualidad ancestral que dialoga con la letra desde un lugar nuevo y sugerente.

La recepción de esta versión ha sido ampliamente positiva, destacando la capacidad de Benedetta Caretta para respetar el espíritu del original mientras lo reviste de una sofisticación orquestal y una sensibilidad contemporánea. Su “Nothing Else Matters” no pretende competir con el clásico de Metallica, sino ofrecer una lectura alternativa que amplía su significado y lo sitúa en un universo sonoro más etéreo y emocional, demostrando que las grandes canciones pueden seguir reinventándose sin perder su alma.

Si quieres seguir el recorrido artístico de Benedetta Caretta, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Lou Cornago continúa consolidándose como una de las voces emergentes más queridas del pop e indie español con el lanzamiento de “Volver a ser yo”, un single publicado a finales de noviembre de 2025 que funciona como punto de inflexión emocional y artístico dentro de su trayectoria. La cantautora nacida en Logroño y afincada en Madrid da un paso al frente con una canción que mira hacia dentro y verbaliza, sin artificios, la necesidad de reconectar con la propia identidad tras un periodo de desgaste personal.

Su historia está profundamente ligada a la conexión directa con el público. Lou Cornago se dio a conocer a través de YouTube y redes sociales gracias a sus versiones acústicas, donde una voz dulce, elegante y cargada de sensibilidad encontró rápidamente un eco masivo. Ese crecimiento orgánico se refleja en cifras que hablan por sí solas, con más de 32 millones de reproducciones en YouTube y una comunidad fiel que supera los 200.000 oyentes mensuales en Spotify. Lejos de quedarse en el terreno del cover, en 2019 inició una etapa autoral con su primer EP, Brotes, dando forma a un universo propio que ha seguido desarrollando en formatos íntimos y cercanos, muchas veces acompañada por el guitarrista Antonio Milla.

“Volver a ser yo” se presenta como un himno de introspección que pone palabras a una sensación compartida por toda una generación. La letra aborda el cansancio de vivir para cumplir expectativas ajenas, el miedo a decepcionar y la presión constante de no permitirse fallar. Frases como “hace mucho tiempo que no pienso en mí” o “necesito volver a ser yo” resumen con claridad ese momento de quiebre en el que surge la urgencia de escucharse de nuevo. Lou no busca respuestas grandilocuentes, sino que se permite mostrar la duda, la fragilidad y el proceso de búsqueda como parte del camino.

En lo musical, la canción mantiene la esencia acústica y melódica que caracteriza su propuesta, pero incorpora una producción más madura y contenida, que acompaña el mensaje sin eclipsarlo. Todo está al servicio de la emoción y del relato, reforzando la sensación de cercanía que siempre ha definido su forma de componer e interpretar. La voz, en primer plano, actúa como hilo conductor de un discurso sincero que se siente casi como una confesión compartida.

El videoclip oficial, estrenado a comienzos de enero de 2026, amplifica esta atmósfera de vulnerabilidad. Con un enfoque sobrio y directo, la pieza visual se centra en la interpretación emocional de la artista, evitando distracciones y apostando por la verdad del gesto y la mirada. El resultado es una extensión natural de la canción, coherente con ese momento de pausa y reflexión que Lou Cornago plantea en esta nueva etapa.

Con “Volver a ser yo”, Lou Cornago reafirma su capacidad para transformar lo íntimo en algo universal, consolidando una identidad artística basada en la honestidad y la cercanía. La canción no solo marca un antes y un después en su discografía, sino que también refuerza el vínculo con un público que se reconoce en sus palabras y encuentra en su música un espacio de acompañamiento.

“Volver a ser yo” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Lou Cornago, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, conciertos o nuevos proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

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La sala de conciertos Latino Power anuncia la presentación de La Mala Rodríguez el próximo 30 de enero de 2026 en Bogotá.

Veinticinco años después de la publicación de 'Lujo Ibérico', La Mala Rodríguez vuelve a poner en primer plano el impacto de un disco que transformó el rap en español y amplió los márgenes de la música urbana desde una voz femenina, crítica y autónoma. Estación conmemorativa llega a Bogotá con un concierto especial en Latino Power, que propone un recorrido por distintas etapas de su trayectoria artística.

Con más de dos décadas de trayectoria, La Mala Rodríguez (María Rodríguez Garrido) es una de las figuras más influyentes de la música urbana iberoamericana desde la publicación de 'Lujo Ibérico' (2000), trabajo que marcó un punto de inflexión al integrar una lírica directa, una perspectiva de género clara y una fuerte conexión con la identidad cultural andaluza. A partir de ese debut, la artista ha construido una discografía sólida y diversa, caracterizada por la independencia creativa y la coherencia artística.

El concierto en Latino Power hace parte de una serie de presentaciones y actividades especiales, el público podrá escuchar una selección de canciones de su primer álbum, junto con material de trabajos posteriores y de su etapa creativa más reciente, que incluye el álbum 'Un Mundo Raro'.

La presentación adquiere un significado particular al realizarse en Latino Power, una sala independiente con más de 15 años de trayectoria, reconocida por su programación diversa y por acoger propuestas artísticas críticas, independientes y con fuerte identidad cultural. A lo largo de su historia, el escenario ha sido un espacio clave para la circulación de músicas urbanas, alternativas y de raíz, así como para la visibilización de artistas mujeres que han marcado la escena local y regional.

Latino Power ha sido un escenario clave para las mujeres artistas que han marcado la escena local y regional, entre ellas LEE EYE, La Dame Blanche, Sara Hebe, La Muchacha, La Pascuala, Ali Gua Gua y La Perla…consolidando una tradición en la que el escenario se entiende como un espacio de expresión libre, crítica.

Este encuentro entre La Mala Rodríguez y Latino Power no solo celebra el legado de 'Lujo Ibérico', sino que reafirma el papel de las mujeres en la transformación de los escenarios musicales y de la cultura contemporánea en el ámbito iberoamericano.

La presentación de La Mala Rodríguez tendrá lugar el 30 de enero de 2026 en Bogotá, en la sala Latino Power, ubicada en la Calle 58 #13-88, en Chapinero. La apertura de puertas está programada para las 9:00 pm, y las entradas se encuentran disponibles a través de tickets.latinopower.com.co/evento/la-mala-rodriguez-bogota-2026/

El músico gaditano Julio Cable anuncia el lanzamiento de Sexy Maharishi, su sexto álbum en solitario, una obra de doce canciones que llega tras un largo periodo de exploración sonora y lírica junto a su inseparable banda, Los Infollables. El disco supone un giro consciente dentro de su trayectoria, alejándose del power pop más reconocible de trabajos anteriores para adentrarse en un territorio más libre, experimental y reflexivo, tanto en lo musical como en el discurso.

Coproducido por el propio Julio Cable junto a Juan Antonio Mateos y grabado durante un año completo en Grabaciones Sumergidas, Sexy Maharishi se presenta como un álbum que cuestiona dogmas, rompe convenciones y se enfrenta a la cultura de la certeza absoluta. El propio artista lo define como un viaje incómodo pero necesario en una sociedad polarizada, donde la duda parece haber sido sustituida por sentencias rápidas y verdades prefabricadas amplificadas por las redes sociales. Frente a ese contexto, el disco propone cruzar la frontera de la falsa seguridad y atreverse a pensar desde la grieta.

Musicalmente, el álbum amplía el universo de Julio Cable incorporando pianos, loops, samplers y guitarras abordadas con una libertad poco habitual incluso en su prolífica carrera. El resultado es un conjunto de canciones que mantienen el peso del formato clásico de canción, pero que se abren a nuevas texturas y dinámicas, reforzando el carácter inquieto y crítico del proyecto. Temas como “Sexy Maharishi”, “Frío”, “Siempre de pie” o “Tanta pena” conviven con piezas más introspectivas y conceptuales, construyendo un recorrido coherente y desafiante.

Antes del lanzamiento del álbum, Sexy Maharishi fue desvelándose a través de una serie de sencillos que mostraron su amplitud temática y estilística. “Tiene que doler” abrió el camino con una reflexión sobre el destino y la falsa meritocracia; “Peces bajo el agua” apostó por la delicadeza del piano para hablar de la vida en pareja; “Qué sentido tiene esto al final”, junto a Fernando Ramos de Los Cucas, exploró la fragilidad humana desde un enfoque acústico; “Cuchara de palo” cuestionó refranes y verdades heredadas; e “Igual que los demás” puso el foco en la presión social por encajar y renunciar a la identidad propia. Cada uno de estos lanzamientos estuvo acompañado de vídeos y presentaciones en directo, generando un diálogo constante con su audiencia.

Como cierre emocional del disco destaca “Tocarte algún pedazo de tu piel”, una de las canciones más íntimas del álbum y carta de presentación emocional de Sexy Maharishi. El tema profundiza en la tensión entre deseo, miedo y vulnerabilidad, con una lírica que oscila entre la ternura y la autocrítica, y que resume la dualidad que atraviesa todo el trabajo: la necesidad de conexión frente a la fragilidad que implica exponerse. La canción contará además con un videoclip oficial que promete ampliar visualmente este universo personal y expansivo a la vez.

Con una trayectoria que se remonta a sus inicios en bandas como Fondo Perdido y Los Cables, y una consolidada carrera en solitario iniciada en 2013, Julio Cable ha construido una identidad artística marcada por la reinvención constante, la pasión por el pop y una mirada crítica sobre el mundo contemporáneo. Sexy Maharishi se suma a una discografía que incluye títulos como Canciones en el garaje, Tratado personal del inútil combate, Centramina, Beatles y Mazinger-Z, Capitalismo zombie y playa y La curva de Boutakow, confirmando a su autor como un creador inconformista y en permanente evolución.

Sexy Maharishi ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Julio Cable, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Desde Granada, Nevada regresa con fuerza con “ENCARNA”, su nuevo EP y cuarto trabajo de estudio, un lanzamiento que marca un punto de inflexión en la trayectoria de la banda y que toma el nombre de uno de sus sencillos más representativos. Formado por Agu Peñas, Francisco Picón, Nacho y JP Castellanos, el grupo reafirma su identidad sonora con un proyecto que convierte las emociones intensas, las contradicciones cotidianas y los conflictos internos en canciones directas, eléctricas y profundamente reconocibles.

“ENCARNA” se presenta como un trabajo más intenso y reflexivo, atravesado por la pasión, el desgaste emocional y una mirada crítica hacia las relaciones personales y sociales. Todo ello se articula a través de un indie-rock robusto, con guitarras afiladas, bases rítmicas contundentes y estribillos pensados para quedarse grabados desde la primera escucha. Nevada apuesta por un discurso honesto y sin filtros, donde el amor, la necesidad de conexión y la frustración se muestran sin concesiones ni artificios.

Uno de los momentos más destacados del EP es “Quién decidirá (remasterizado)”, una canción que adquiere una nueva dimensión sonora en esta versión actualizada. El tema plantea una reflexión incisiva sobre la identidad, la exposición personal y el control que ejercen las redes sociales en la vida cotidiana, sin perder la carga emocional que caracteriza al grupo. Frases como “¿Quién decidirá las cosas que quieres contar?” o “presa de tu red social” dialogan con imágenes de intimidad y deseo, generando un contraste constante entre lo público y lo privado, entre la vigilancia permanente y la necesidad de amar con libertad.

Musicalmente, “Quién decidirá (remasterizado)” crece de forma progresiva, combinando intensidad lírica y sensibilidad melódica hasta convertirse en una declaración emocional que conecta con una generación marcada por la sobreexposición, la duda y la búsqueda de autenticidad. Es una de esas canciones que funcionan tanto en la escucha íntima como en el directo, donde el desahogo colectivo se convierte en parte esencial de la experiencia.

Con “ENCARNA”, Nevada consolida su personalidad artística y refuerza su lugar dentro del indie-rock nacional, firmando un EP pensado para escucharse de principio a fin, pero también para cantarse a pleno pulmón, con el volumen al máximo y sin miedo a dejarse llevar. Un trabajo que no esquiva el conflicto emocional y que encuentra en la intensidad su mayor virtud.

“ENCARNA” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Nevada, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, conciertos y proyectos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

En 2026, Noise Box cumple 25 años de trayectoria, un cuarto de siglo recorriendo con constancia la escena underground española y construyendo, lejos de los focos, un catálogo lleno de pequeñas joyas ocultas. Para conmemorar este aniversario tan significativo, la banda murciana ha decidido abrir su archivo personal y ofrecer un regalo muy especial a su público: el lanzamiento oficial de su poderosa versión de “Wuthering Heights”, el clásico atemporal de Kate Bush publicado originalmente en 1978.

La canción fue grabada por Noise Box a comienzos de los años 2000, en una etapa temprana de su carrera, y nunca llegó a publicarse en plataformas digitales. Durante más de dos décadas, esta reinterpretación permaneció en la sombra, convertida en un secreto compartido únicamente entre seguidores cercanos y quienes tuvieron la oportunidad de escucharla en directo o en círculos muy reducidos. Su recuperación ahora no responde solo a un ejercicio de nostalgia, sino a la voluntad de mostrar la esencia primigenia de la banda en uno de sus momentos más crudos y sinceros.

En esta versión, Noise Box transforma por completo el universo etéreo y delicado de Kate Bush, trasladándolo a su propio terreno emocional y sonoro. La voz desgarrada de Jesús Cobarro se adentra en las brumosas melodías originales para reinterpretarlas desde una intensidad casi visceral, mientras que guitarras furiosas y una energía eléctrica desbordante sustituyen los paisajes oníricos del tema original. El resultado es un homenaje respetuoso en espíritu, pero radical en forma: un himno de raíz ochentera llevado al lenguaje del rock alternativo más crudo y directo.

Grabada en una época previa a la omnipresencia de las redes sociales y la inmediatez digital, esta versión de “Wuthering Heights” refleja un momento en el que las canciones podían existir al margen de los algoritmos, creciendo lentamente a través del boca a boca y la conexión real con el público. Escucharla hoy supone asomarse a los primeros pasos de Noise Box, cuando la banda comenzaba a definir un sonido personal, intenso e inclasificable, que con el tiempo los convertiría en una referencia silenciosa pero sólida dentro del rock alternativo español.

A lo largo de todo 2026, Noise Box continuará celebrando su 25 aniversario con distintos lanzamientos especiales y actividades ligadas a su historia, revisitando etapas clave de su trayectoria y compartiendo material que forma parte de su identidad más profunda. Este rescate de “Wuthering Heights” no solo honra su pasado, sino que reafirma la vigencia de una banda que ha sabido mantenerse fiel a sí misma durante un cuarto de siglo.

“Wuthering Heights” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Noise Box y estar al tanto de sus próximos lanzamientos y celebraciones por este aniversario, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

El Fulanita Fest 2026 desvela el contenido íntegro de su nueva edición y reafirma su lugar como uno de los proyectos culturales más singulares y necesarios del panorama actual. Más que un festival de música, la cita se consolida como un ecosistema de convivencia y visibilidad que utiliza el arte como herramienta de transformación social. Con el programa ya completo, la propuesta vuelve a demostrar que es posible unir rigor artístico, compromiso comunitario y celebración colectiva en un mismo latido, transformando a Fuengirola en el epicentro de una experiencia que valida la diversidad y convierte la identidad en una fiesta compartida.

Del 25 al 31 de mayo, la ciudad malagueña verá alterada su fisonomía urbana para convertirse en un espacio de pertenencia innegociable. Lo que ocurre durante esa semana trasciende la lógica habitual de un ciclo de conciertos y se articula como un manifiesto cultural que sitúa la identidad lesbiana y la realidad de las familias diversas en el centro del relato. El Fulanita Fest se presenta así como una crónica viva de la cultura contemporánea, donde la sofisticación estética y la responsabilidad social se entrelazan para dotar de sentido a cada escenario, cada actividad y cada encuentro.

La denominada Fulanita Experience comienza a tomar forma el jueves 28 de mayo en el Puerto Deportivo de Fuengirola con la Muestra de Artistas Andaluzas, una apertura que reivindica el talento de proximidad y el pulso creativo femenino desde la raíz. Esta primera cita funciona como declaración de intenciones, poniendo el foco en las creadoras y en la riqueza cultural del territorio. La energía continuará el viernes 29 de mayo en el Castillo Sohail, donde la Fiesta de Bienvenida fusionará la vanguardia europea con la herencia de la copla. En este enclave cargado de historia, las actuaciones de Aiko y Laura Gallego dialogarán con las sesiones de Lunnas DJ, Cori Matius, Mery Martín y Adame, construyendo un puente sonoro entre tradición, modernidad y cultura de club.

El sábado 30 de mayo llegará el punto álgido del festival con la Jornada Central en el escenario Marenostrum Fuengirola. Frente al mar, la programación desplegará un mosaico de identidades y estilos donde la arquitectura sonora de Fangoria convivirá con la potencia escénica de Chanel, la sofisticación cosmopolita de Jennifer Cooke y el pop operístico de Violeta. A este cruce de lenguajes se sumará la sensibilidad de Natalia Lacunza, cuya honestidad emocional conecta con una generación que busca nuevos relatos, y el regreso de LaGore, ganadora del certamen en la edición anterior, que ahora ocupa con firmeza la tarima principal. La jornada se completa con la energía festiva de Bailaferias, configurando un entorno de ocio seguro y diverso donde la disidencia sexual encuentra reflejo, visibilidad y celebración. Toda esta experiencia se ve reforzada por la identidad visual creada por Bosska, responsables de un universo gráfico que va más allá del diseño para convertirse en el alma plástica del festival, cuidando cada detalle del look and feel de una propuesta coherente y reconocible.

El compromiso del Fulanita Fest no se limita al escenario musical y se expande hacia espacios de profundo calado humano como Fulanita Fest en Familia, un lugar pensado para proteger, visibilizar y poner en valor a aquellas estructuras familiares que históricamente han quedado fuera del relato normativo. Actividades en la playa, zonas de juego, el ciclo de cine LGTBIQA+ y las jornadas deportivas de fútbol, vóley y baloncesto femenino completan una agenda que entiende el arte y el deporte como herramientas de reconocimiento, cuidado y transformación social.

El cierre llegará el domingo 31 de mayo con la Fiesta Brunch de Clausura en el Castillo Sohail, donde la ya emblemática Gran Paella Bollera servirá como punto de encuentro para una jornada de celebración colectiva. La música de Maruja Limón y las sesiones de Sofía Cristo, Claudia León, Bailaferias, Mery Martín, Adame y Flashback Dls pondrán el broche final a una semana que se consolida como referente de soberanía femenina y diversidad cultural. Con un equilibrio preciso entre la sensibilidad individual y la fuerza del colectivo, el Fulanita Fest 2026 confirma que cualquier forma de identidad y crianza es legítima y reafirma a Fuengirola como el origen de una revolución luminosa que se vive, se baila y se reivindica en comunidad.