La pasión por el fútbol y el orgullo por las raíces se unen en “Himno Oficial Jumilla Atlético”, el nuevo single del compositor y artista Fran Triguero, una obra que trasciende lo meramente deportivo para convertirse en un canto a la identidad jumillana. Esta vibrante composición, disponible desde hoy en plataformas digitales, celebra la esencia de una tierra que respira fútbol, vino y tradición, y lo hace desde el corazón de sus bodegas más emblemáticas.

El videoclip del himno, ideado y dirigido por el propio Fran Triguero, se ha rodado en distintas bodegas con Denominación de Origen Protegida y en un espectacular viñedo, creando una conexión directa entre el espíritu deportivo del Jumilla Atlético Club de Fútbol y el legado vinícola de la ciudad. Este escenario no es casual, ya que Jumilla ha convertido su cultura del vino en un referente internacional, y ahora también en el marco perfecto para dar voz y alma a su equipo.

Musicalmente, el tema fusiona ritmos épicos y melodías emotivas con arreglos de inspiración murciana, una combinación que refuerza su carácter local sin renunciar a una producción moderna y enérgica. La música y la letra, firmadas por Fran Triguero, han contado con la producción de Miguel Linde, guitarras de Jorge Ruiz y una interpretación que rezuma orgullo y entrega.

La letra del himno es un reflejo del sentir de una afición que no entiende de derrotas ni distancias. Con versos que hablan de sangre, tierra, viñedos y lucha, Fran Triguero captura en palabras el alma de Jumilla y su gente: “He venido a animarte con mi bandera, con el vino que es la sangre de la tierra que corre por mis venas”. Un canto que no solo acompañará al equipo en los partidos, sino que ya se ha convertido en una declaración de amor a una ciudad forjada entre montañas y cepas centenarias.

Este proyecto no solo fortalece los lazos entre club y afición, sino que también proyecta a Jumilla Atlético como un embajador cultural y turístico de la ciudad, atrayendo nuevas miradas hacia su historia, sus vinos y su pasión deportiva. La iniciativa demuestra cómo fútbol, cultura y música pueden unirse para construir un relato común que enorgullece a toda una comunidad.

“Himno Oficial Jumilla Atlético” ya está disponible en plataformas digitales y promete convertirse en banda sonora imprescindible para cada gol, cada celebración y cada brindis jumillano. Para seguir de cerca la trayectoria de Fran Triguero y sus próximos proyectos, puedes encontrarlo en sus redes sociales.

El artista suizo Gabriele Rizzo vuelve a la escena musical con el lanzamiento de “Come On Over”, un single que marca su regreso después de más de veinte años de silencio discográfico. El tema, que verá la luz este 20 de junio de 2025, es una versión completamente regrabada y reinventada de su éxito original de 2003, cuando entonces firmaba bajo el nombre de John Silver.

Aquella primera versión de Come On Over logró entrar en el Top 30 oficial del Reino Unido y se convirtió en una habitual de radios y pistas de baile en países como Canadá, Sudáfrica y buena parte de Europa. Ahora, Gabriele rescata aquel espíritu festivo y nostálgico para actualizarlo con un sonido moderno y vibrante, fusionando pop, dance y elegantes matices de French house, en una producción actual que respira frescura y energía.

El encargado de dar forma a esta nueva etapa ha sido el productor Sergio Fertitta, con quien Rizzo ha trabajado en Zúrich durante 2024. La canción presenta una renovada interpretación vocal, una estrofa y puente inéditos, riffs de guitarra funk y una base rítmica que actualiza su esencia bailable para las pistas del presente.

El estreno llega acompañado de un cuidado videoclip que cuenta la historia de dos desconocidos que, separados por un cristal en un restaurante cerrado, conectan a través del baile. Una metáfora visual de la atracción, la cercanía y esas conexiones invisibles que pueden surgir entre dos personas sin necesidad de palabras.

Este lanzamiento no es un caso aislado. Gabriele Rizzo ha anunciado que Come On Over será el primero de seis nuevos singles que publicará de forma independiente a lo largo de 2025, con intervalos de dos a tres meses entre cada uno. Una decisión con la que pretende mantenerse fiel a su esencia como artista y mostrar su evolución musical, tras una larga pausa creativa.

Antes de dedicarse a la música, Gabriele Rizzo se abrió camino como bailarín profesional, actuando como telonero de artistas internacionales como DJ Bobo, Mr. President o Tic Tac Toe. Su amor por el escenario y el movimiento fue el primer impulso para lo que hoy se ha convertido en una carrera musical con identidad propia, caracterizada por su mezcla de emotividad, energía y autenticidad.

“Come On Over” ya está disponible en plataformas digitales, y promete hacer bailar tanto a quienes recuerdan su versión original como a quienes lo descubren por primera vez. Para seguir de cerca todas las novedades de Gabriele Rizzo y sus próximos lanzamientos, puedes encontrarlo en sus redes sociales.

La banda independiente Malamen, originaria de Querétaro, México, presenta su nuevo sencillo “Nueva Roots”, una propuesta sonora que fusiona reggae, ska, funk y ritmos latinos con una estética cálida, nostálgica y moderna. El tema, ya disponible en plataformas digitales, confirma el espíritu explorador de este colectivo musical que sigue expandiendo su universo creativo.

“Nueva Roots” nace de una búsqueda personal y colectiva: reconectar con aquello que mueve de verdad, en medio de un mundo frenético y cambiante. La canción combina elementos de la música tradicional latina con beats contemporáneos, sintetizadores retro y arreglos vocales envolventes que invitan tanto a la introspección como al baile. En palabras de la propia banda: “Esta canción nace del deseo de regresar a lo que nos mueve de verdad. Habla de raíces, pero también de movimiento. Es introspectiva, pero a la vez invita a bailar”.

El sencillo se acompaña de una portada ilustrada que captura a la perfección ese espíritu. Una figura contempla el atardecer frente a una laguna rodeada de montañas y palmeras, en una imagen que mezcla lo digital y lo retro, simbolizando ese regreso a lo esencial desde una mirada contemporánea. El arte visual refuerza la identidad de Malamen, una banda que ha sabido construir su universo latino, moderno y emocional, con una propuesta que trasciende géneros y conecta desde lo humano.

Malamen es un colectivo que a lo largo de los últimos años ha ganado terreno en la escena independiente mexicana gracias a su energía en vivo y sencillos como “Las Niñas”, “Urge” y “Albur”. Su sonido viaja entre el reggae, el bolero, el funk y el soul, con líricas cargadas de simbolismo y paisajes sonoros envolventes que hacen de cada canción una experiencia sensorial y emocional.

Con “Nueva Roots”, la banda reafirma su intención de seguir experimentando con las raíces y los nuevos sonidos, apostando por una fusión que celebra la identidad, el movimiento y la nostalgia desde una visión contemporánea.

El tema ya se encuentra disponible en plataformas digitales. Para conocer más sobre Malamen y estar al tanto de sus próximos lanzamientos y presentaciones en vivo, puedes seguirlos en sus redes sociales.

La cantante y compositora chileno-estadounidense Paloma Mami vuelve a la escena con fuerza con el lanzamiento de su nuevo sencillo “CÓDiGOS DE MUÑEKA”, una canción que confirma su lugar como una de las voces más auténticas y singulares de la música latina actual. Ya disponible en plataformas digitales, este tema marca un nuevo capítulo en su carrera, reafirmando su compromiso con una propuesta urbana sofisticada y con carácter.

Desde que en 2018 irrumpió de forma independiente con “Not Steady” —un tema que se viralizó de inmediato superando los 20 millones de reproducciones y llamó la atención de nombres como Maluma, J Balvin, Farruko y Hear This Music— Paloma Mami no ha dejado de construir una trayectoria ascendente, combinando sensualidad, fuerza y una estética elegante que evita los clichés habituales del género urbano.

“CÓDiGOS DE MUÑEKA” es un tema que mantiene esa esencia: beats urbanos, melodías suaves y atmósferas R&B, con una letra que habla sobre el amor propio, los códigos de lealtad entre mujeres y el empoderamiento en medio de una industria marcada por las apariencias. La canción refuerza la personalidad de Paloma Mami, siempre fiel a su mensaje de autenticidad y estilo, con una producción impecable y un enfoque visual cuidado, sello distintivo de su propuesta artística.

Tras su histórica firma con Sony Music Latin, convirtiéndose en la primera artista chilena de su generación en lograrlo, Paloma Mami ha dejado claro que su música busca conectar desde un lugar honesto y elegante, apostando por un sonido urbano refinado, sin recurrir a las referencias explícitas que suelen dominar el género. “Mi música es un estilo urbano más elegante, sin referencias a drogas ni sexo. Es suave y sofisticado, pero con impacto”, declaró la artista en sus inicios, y “CÓDiGOS DE MUÑEKA” es la prueba de que esa visión sigue intacta.

Con este nuevo lanzamiento, Paloma Mami calienta motores de cara a sus próximos proyectos, entre los que destaca “No Te Enamores”, su esperado sencillo bajo sello discográfico, que promete seguir elevando su perfil internacional.

“CÓDiGOS DE MUÑEKA” ya está disponible en plataformas digitales. Para conocer más sobre Paloma Mami y sus futuros estrenos, puedes seguirla en sus redes sociales.

El flow fresco y vibrante que hacía falta este verano ya tiene nombre: FIJI. La artista colombiana Cata Zuluaga presenta su nuevo sencillo, una propuesta urbana alternativa que llega cargada de ritmo, sensualidad y una actitud arrolladora imposible de ignorar. Este lanzamiento no solo reafirma su talento como cantante y compositora, sino que marca un paso firme en su búsqueda por consolidarse dentro del competitivo panorama femenino del género.

FIJI es mucho más que una canción; es una vibra, un mood que se baila y se siente. Desde sus primeras notas, el tema envuelve con beats modernos y una cadencia contagiosa que transporta al oyente a una fiesta sin hora de cierre. Con una estética sonora caribeña fusionada con producción urbana de última generación, Cata Zuluaga ofrece una pieza que captura la energía de la costa y la traslada al corazón de la ciudad.

El videoclip oficial, a cargo de Gonder Visual, potencia aún más esa esencia fresca y desinhibida. Con una producción visual impactante, colores vibrantes y una narrativa visual que exuda actitud, la artista demuestra que su propuesta no se queda solo en el sonido, sino que también sabe contar historias con imágenes.

La producción musical de FIJI estuvo en manos de BY BOSS, mientras que la música y letra fueron escritas por la propia Catalina Zuluaga Arenas junto a Santiago Álvarez Ocampo. Este trabajo colaborativo ha dado como resultado un sencillo enérgico y con sello propio, que promete convertirse en uno de los himnos urbanos alternativos del año.

Cata Zuluaga continúa así con su plan de posicionarse como una artista integral dentro de la música urbana, apostando siempre por letras propias, una voz potente y un estilo auténtico que busca inspirar a sus seguidores. FIJI es su segundo lanzamiento de 2025 y todo apunta a que será un año intenso de música y nuevas propuestas para la artista.

Ya disponible en plataformas digitales, FIJI invita a sumergirse en su ritmo imparable y a dejarse llevar por esa mezcla de sensualidad y fuerza que caracteriza a Cata Zuluaga. Para no perderse sus próximos lanzamientos y novedades, se puede seguir su actividad en sus redes sociales, donde la artista comparte de cerca su proceso creativo, contenido exclusivo y toda la vibra que la define.

DJ Snake y J Balvin vuelven a cruzar caminos en “Noventa”, una colaboración cargada de ritmo, nostalgia y actitud que promete convertirse en el himno del verano 2025. Tras el éxito global de “Loco Contigo” en 2019, ambos artistas se reencuentran para firmar una propuesta que fusiona géneros, celebra culturas y marca un anticipo del próximo álbum de DJ Snake, “Nomad”, previsto para finales de este año.

Con una referencia directa a la intensidad colorida y al caos vibrante de los años 90, “Noventa” es un viaje sonoro que mezcla la producción global y enérgica de DJ Snake con el sello inconfundible del reguetón de J Balvin. El resultado es un tema contagioso, de beat contundente, con una interpretación fluida y segura de Balvin, destinado a sonar tanto en clubes como en playlists alrededor del mundo.

El concepto visual del single sigue esta misma línea: una portada con estética retro al estilo MTV noventero y un videoclip filmado en las calles de Nueva York, bajo una estética VHS que remite a los videos caseros y a los bailes urbanos de esa década. Dirigido con un enfoque crudo y nostálgico, el vídeo es un homenaje a la cultura pop que marcó una generación, a la vez que celebra la química artística entre dos nombres que saben cómo conectar con audiencias de todos los continentes.

“Noventa” es mucho más que una canción: es un momento poderoso de cruce cultural en la música global, donde la energía de los 90 se actualiza para la escena contemporánea. Para DJ Snake, este lanzamiento reafirma su capacidad para derribar fronteras sonoras y culturales, sumando un nuevo capítulo a una trayectoria plagada de éxitos como “Taki Taki”, “Lean On” y “Turn Down for What”. Para J Balvin, el tema representa la continuación de un legado que ha llevado al reguetón a escenarios internacionales y colaboraciones audaces, consolidándolo como uno de los grandes referentes de la música latina.

Con “Nomad” en camino, “Noventa” marca el tono de lo que vendrá: música sin etiquetas, hecha para moverse, celebrarse y conectar más allá de idiomas o géneros. Una prueba de que, cuando DJ Snake y J Balvin se juntan, lo que ocurre no es solo un hit, sino un fenómeno cultural.

La estrella polaca Roxie vuelve a sorprender con el lanzamiento de Błękit, un single que no solo marca su regreso, sino que representa el primer adelanto de su esperado tercer álbum de estudio, que llevará el mismo nombre y cuya llegada está prevista para mayo de 2026. Con esta canción, la joven artista revela una versión más madura de sí misma, consolidando su evolución musical y personal frente a sus seguidores y a la industria.

Błękit supone un giro en la propuesta de Roxie, quien se aleja de las fórmulas juveniles que la catapultaron a la fama para adentrarse en sonidos pop contemporáneos con un aire más sofisticado y emocional. La producción del tema combina bases modernas con una interpretación vocal impecable, en la que la artista brilla por su control, sensibilidad y capacidad expresiva.

Este sencillo es mucho más que una simple canción: es una declaración artística. Roxie se muestra lista para asumir nuevos desafíos y contar historias desde una perspectiva más adulta, sin perder la frescura que la convirtió en una de las voces más prometedoras de Europa del Este. Błękit actúa como carta de presentación de un disco que, según se ha adelantado, reflejará las inquietudes, vivencias y transformaciones que ha experimentado en los últimos años.

No es casual que este lanzamiento haya generado una enorme expectativa. Roxie es una auténtica revelación dentro del pop europeo. En apenas año y medio conquistó The Voice Kids, se alzó con la victoria en Junior Eurovision Song Contest y recibió el premio a MTV EMA Best Polish Act, convirtiéndose en una de las artistas más demandadas del mercado. Con más de 80 conciertos en un solo año y varios discos de oro y platino en su haber, su ascenso ha sido meteórico.

Ahora, con Błękit, Roxie inicia una nueva etapa donde se propone no solo mantener ese nivel de éxito, sino también demostrar su madurez artística y emocional. La canción, disponible ya en plataformas digitales, invita a los oyentes a descubrir esta faceta más íntima y profunda de la cantante, a la vez que deja entrever la calidad del material que integrará su próximo álbum.

Para quienes deseen seguir de cerca cada paso de esta nueva etapa y conocer todos los detalles sobre sus futuros lanzamientos, Roxie continúa muy activa en sus redes sociales, donde comparte avances, contenidos exclusivos y momentos de su vida personal y artística. Błękit no es solo un nuevo single: es el inicio de un capítulo que promete consolidar a Roxie como una artista indispensable en la escena pop internacional.

Aleesha está de vuelta y más audaz que nunca. La artista urbana, conocida por su estilo sin filtros y su actitud desafiante, lanza Mala Mía, un tema cargado de sensualidad, ritmo contagioso y letras que no dejan indiferente a nadie. Producido por Botlok y escrito e interpretado por la propia Aleesha, este sencillo se posiciona como una de las propuestas más descaradas y pegajosas de la temporada.

Desde su primer verso, Mala Mía deja claro que no es una canción para tímidos. Con una base urbana poderosa y una interpretación que oscila entre la seducción y la provocación, Aleesha narra una historia de deseo prohibido, secretos compartidos y pasiones que se viven a escondidas. La letra juega sin complejos con la atracción hacia “el amigo”, una fantasía que se convierte en una experiencia clandestina, relatada con el desparpajo y la autenticidad que caracterizan a la artista.

Con frases como “Shh, a lo callao’, que nadie se entere de lo que ha pasao’” o “Me envicié contigo”, Aleesha construye una narrativa que conecta con quienes han sentido esa adrenalina de lo prohibido. La artista no teme hablar de deseo, de complicidad ni de la doble moral que muchas veces rodea las relaciones, y lo hace con un flow que mezcla lo urbano con matices pop y toques caribeños, creando una atmósfera magnética.

Musicalmente, Mala Mía destaca por su producción impecable a cargo de Botlok, quien aporta un beat moderno, vibrante y envolvente, donde los graves marcados y los sutiles efectos electrónicos acompañan a la perfección la voz de Aleesha, que se mueve con soltura entre versos hablados, coros pegajosos y un pre-estribillo cargado de tensión.

Este lanzamiento consolida a Aleesha como una de las voces femeninas más interesantes y sin censura de la escena urbana actual. Lejos de las fórmulas previsibles, la artista sigue apostando por composiciones propias en las que explora sin miedo temas de poder femenino, deseo y libertad emocional.

Mala Mía ya está disponible en plataformas digitales, invitando a todos a dejarse llevar por su ritmo y a cantarla a pleno volumen, aunque sea en secreto. Para no perderse sus próximos lanzamientos, contenido exclusivo y novedades, Aleesha anima a sus seguidores a conectarse con ella a través de sus redes sociales, donde comparte de cerca su universo musical y personal.

Con este nuevo single, Aleesha no solo sube la temperatura de las playlists, sino que deja claro que está aquí para romper las reglas y disfrutarlo.

La cantautora Jacheline vuelve a tocar la fibra más íntima de su público con el lanzamiento de No te vayas por favor, una balada romántica que se desliza entre la nostalgia, el amor y la pérdida. Con una interpretación emotiva y una letra llena de imágenes poéticas, la artista entrega una canción que no solo es una súplica romántica, sino también un retrato universal de esos momentos en los que el corazón se resiste a soltar lo que ama.

A través de frases como “sin tus ojos mi sol pierde color” o “se romperá todo este universo”, Jacheline consigue convertir lo personal en colectivo, invitando a que cada oyente encuentre su propia historia dentro de la canción. Es un tema que puede hablar de una relación de pareja, de una despedida familiar, de un amor que se aleja sin previo aviso o de la ausencia de alguien que dejó una marca imposible de borrar.

Musicalmente, No te vayas por favor apuesta por una producción minimalista y elegante, donde el pop melódico se funde con matices de indie pop, creando un paisaje sonoro cálido y envolvente. La voz de Jacheline, cargada de sensibilidad, se convierte en el centro de la canción, guiando cada verso como una caricia y cada estribillo como una confesión que se queda suspendida en el aire.

Con versos como “Como un barco perdido en el mar / soy un náufrago al recordar”, la artista logra equilibrar vulnerabilidad y firmeza, construyendo una canción que conmueve sin caer en excesos ni lugares comunes. Su capacidad para nombrar lo que muchos sienten y no saben expresar es una de las marcas que definen su identidad musical.

Este nuevo single representa además un paso más en la madurez artística de Jacheline, quien continúa consolidando una propuesta honesta y emocionalmente cercana. Cada una de sus canciones se convierte en una invitación a detenerse, a escuchar(se) y a nombrar lo que a veces cuesta decir en voz alta.

No te vayas por favor ya está disponible en plataformas digitales, permitiendo a los oyentes conectar con esa parte del alma que se resiste a las despedidas. Para conocer más sobre Jacheline, su música y sus próximos proyectos, se puede seguir su actividad en sus redes sociales.

El artista turco Yalçın Konuk vuelve a emocionar con el lanzamiento de You Are My Angel, su nuevo single en colaboración con el sello independiente On Air Music Label, profundizando así una relación creativa que ha dejado una huella silenciosa pero constante en la escena musical de Estambul. Se trata de una canción íntima, deliberadamente contenida y cargada de una melancolía elegante, que se suma con naturalidad a la discografía de Konuk, marcada siempre por su capacidad de convertir emociones abstractas en música tangible.

Según ha contado el propio artista, You Are My Angel no nació de un momento concreto, sino de una sensación persistente, a veces provocada por una ruptura, otras por un estado difícil de definir, suspendido entre la realidad y la imaginación. En algún punto, ese sentimiento encontró forma en esta canción. Es una declaración no dirigida a alguien presente, sino a lo que queda de un recuerdo, a la última mentira bonita, a ese eco que aún resuena tras una puerta entreabierta.

El tema supone además la primera grabación en solitario de Yalçın Konuk desde 2016 en la que coloca su voz como centro narrativo. Una voz que no suplica ni se engrandece, sino que se extiende, quebrada pero firme, a través de una melodía mínima que descansa sobre un riff de guitarra frágil pero certero. El estribillo se reduce a dos líneas repetidas —“You are my angel / You are my angel”— que, lejos de necesitar más, condensan todo el peso emocional de la pieza.

La producción, a cargo del arreglista Mert Aksuna, quien colabora por primera vez con Konuk, aporta una claridad contenida donde cada instrumento conoce su sitio. La percusión respira, los teclados aparecen con discreción y las armonías vocales envuelven sin imponerse. El resultado es un paisaje sonoro que no exige atención, sino que la recibe por su honestidad y su delicadeza.

You Are My Angel es una canción que no pertenece a un escenario, sino a esos lugares invisibles donde las emociones aparecen, titilan y se desvanecen. Un tema pensado para quienes alguna vez quisieron gritar “eres mi ángel” en mitad de un verano, para quien baila solo junto a una ventana abierta, para quien emprende un viaje o cierra una noche con la última frase susurrada a la oscuridad.

Disponible ya en plataformas digitales, el single confirma a Yalçın Konuk como un artista capaz de habitar ese espacio entre el dolor y la belleza con una elegancia singular. Para conocer más sobre su música y futuros proyectos, se puede seguir su trayectoria a través de sus redes sociales.

El cantante y compositor Pedro Guillen estrena su nuevo single Si quisieras, una canción que se sumerge en ese caos bonito que inevitablemente trae consigo el amor. Con versos que invitan a bailar en la habitación, a escribir poemas en lugar de canciones, a volar juntos en nubes inventadas o incluso a saltar al abismo de la mano, este tema refleja la importancia de dejarse llevar por los sentimientos sin medir demasiado la cordura. Porque, como bien dice el propio artista, al final no importa cuánta sensatez tengamos, sino cuánto somos capaces de hacer girar el mundo del otro.

De origen cacereño pero afincado en la capital, Pedro Guillen ha convertido su home studio en el epicentro de su universo creativo, donde nacen canciones que hablan de amor, desamor y las pequeñas cosas de la vida. Si quisieras es una nueva muestra de esa sensibilidad que recorre su obra, y con la que logra conectar con quienes encuentran en su música un refugio emocional.

El single ya está disponible en plataformas digitales, invitando a todo aquel que lo escuche a entregarse sin miedo a esa locura dulce que puede cambiarlo todo. Para conocer más sobre Pedro Guillen y estar al tanto de sus próximos proyectos, se puede seguir su actividad en sus redes sociales.

Música en Cada Rincón nació de una convicción clara: la cultura debe llegar también a los lugares más pequeños y remotos. Lo que comenzó como una propuesta tan arriesgada como necesaria —llevar música en directo a rincones mágicos y recónditos— acabó abriendo camino a una forma de hacer que, con los años, se ha vuelto referente. Porque, desde sus inicios, el proyecto fue pionero en acercar experiencias culturales de alta calidad a territorios donde nunca antes habían llegado. Durante el mes de julio, Suakai vuelve, con más fuerza que nunca, a recorrer la geografía nacional para demostrar que no hay lugar pequeño para las grandes experiencias.

Este 2025, el corazón del proyecto será NATURA, una obra reconocida con el prestigioso Galardón Dolby de Innovación 2024 por su capacidad para explorar nuevos lenguajes sonoros y emocionales. Tras su paso por grandes escenarios —con una parada destacada en octubre en el Teatro EDP Gran Vía de Madrid (del 13 al 19)—, Suakai adapta esta gran producción para llevarla a cielo abierto, transformando plazas y paisajes rurales en escenarios donde lo esencial y lo extraordinario conviven en armonía. Como dicen sus directores: “Donde nada llega, debe llegar la música.”

Esta edición llega cargada de novedades tecnológicas y experienciales. En tres de las localidades se instalará La Plaza Suakai, un ecosistema cultural que transforma la jornada en mucho más que un concierto. Allí, el público podrá explorar instalaciones interactivas con sonido inmersivo Dolby Atmos, participar en un reto ciclista en una bicicleta Specialized inspirado en el proyecto desarrollado con Mikel Landa, descubrir los secretos de NATURA en una exposición tecnológica o compartir su testimonio en el espacio audiovisual Voces contra la despoblación.

Todo esto convivirá con música en vivo, gastronomía local y un foodtruck promovido por Reyno Gourmet, en un espacio compartido también con personas del propio pueblo, que podrán mostrar y ofrecer sus productos, iniciativas o formas de vida. En la etapa cántabra de Pesaguero, esta propuesta se verá reforzada con la participación de la Fundación Camino Lebaniego, que se suma al evento desde su compromiso con la identidad cultural del territorio.

Con todo ello, Música en cada Rincón es hoy mucho más que una gira de conciertos: es un encuentro entre artistas, habitantes, visitantes y otras entidades que van renovando su apoyo cada año, como Sisnet, colaborador principal de Suakai en sus proyectos. Un colectivo de personas con una misma visión: llevar la cultura allí donde habitualmente no llega.

El artista canario Quevedo, una de las voces más influyentes del panorama urbano actual, vuelve a sacudir la escena musical con el lanzamiento de su nuevo single “TUCHAT”. Este tema, escrito e interpretado por el propio Pedro Luis Domínguez Quevedo y producido por GIO, Bluefire, GARABATTO y Pana YMB, mantiene intacta la esencia confesional, melancólica y atrevida que caracteriza al cantante, combinada con su inconfundible tono grave y esa habilidad para convertir las heridas sentimentales en himnos coreables.

Después de un 2024 imparable con éxitos como “Buenas Noches”, “Duro” o “Kassandra”, y tras consolidarse en lo más alto de las listas de España y América Latina con su segundo álbum Buenas Noches, Quevedo vuelve a la carga con un tema que conecta con quienes aún mantienen conversaciones pendientes en chats que no se cierran, con mensajes no enviados y recuerdos que no se apagan.

“TUCHAT” narra con crudeza y sin filtros la historia de una relación que sigue viva en la cabeza aunque haya terminado hace tiempo. En su letra, Quevedo confiesa su dificultad para olvidar, los encuentros prohibidos y esa tentación constante de esperar un mensaje de quien ya no está. “Aquí estoy listo, si él no te habla, le llego quickly pa’ darte tabla”, canta, describiendo la fragilidad emocional que queda tras una ruptura mal cerrada y el vaivén entre el orgullo y el deseo.

Musicalmente, el tema mantiene una producción envolvente que fusiona toques de reggaetón clásico con una atmósfera más nostálgica y oscura, en la que brillan las mezclas de Mosty y su característico tratamiento vocal. Los sutiles arreglos electrónicos y los golpes de percusión acompasada refuerzan el clima confesional de un tema que podría convertirse en otro himno de desamor para una generación que vive sus relaciones entre mensajes de madrugada y conversaciones que nunca terminan de borrarse.

Quevedo, que saltó a la fama internacional en 2022 con la histórica “Bzrp Music Sessions, Vol. 52”, ha sabido mantenerse como una de las figuras más sólidas y prolíficas del género urbano en español. Su capacidad para alternar temas festivos y bailables con composiciones más íntimas y directas, le ha permitido conectar con públicos diversos y dejar su huella tanto en las pistas de baile como en playlists de desahogo emocional.

“TUCHAT” ya está disponible en plataformas digitales, sumándose a un repertorio de éxitos que no deja de crecer. Para estar al tanto de próximos lanzamientos, colaboraciones y presentaciones, Quevedo invita a sus seguidores a seguirle de cerca en sus redes sociales, donde continúa compartiendo adelantos, fragmentos de estudio y ese contacto cercano que ha caracterizado su meteórico ascenso en la música urbana internacional.

Daviles de Novelda, uno de los artistas con más proyección a nivel internacional de la escena musical española, lanza su esperado álbum “El Camino Que Elegí”, una obra que fusiona el flamenco con sonidos urbanos y globales, marcando un hito en su trayectoria. Junto al disco, el artista estrena el single y videoclip “Escápate Conmigo”, adelantando una propuesta visual innovadora que combina imágenes reales con inteligencia artificial. Dicho videoclip, está inspirado en la estética del famoso videojuego GTA. 

En palabras del propio Daviles: "Este álbum es mi verdad. En cada canción hay una parte de lo que viví, lo que elegí, y lo que me hizo seguir. Es un disco para escuchar con el alma abierta, porque está hecho desde lo más profundo de la mía.”

“El Camino Que Elegí” es un viaje íntimo y artístico donde Daviles de Novelda une sus raíces flamencas con la vanguardia de la música urbana. Producido junto a Kabasaki (referente del nuevo sonido urbano español), el disco explora palmas, guitarras y melismas en diálogo con afrobeat, reggaetón y rap, creando un equilibrio único entre tradición y modernidad.

Cada canción es una parada en este recorrido personal, abordando temas como el sacrificio, el éxito, la familia y el amor. Con una producción cuidada y una dirección musical audaz, el álbum se consolida como su proyecto más ambicioso hasta la fecha.

El videoclip de “Escápate Conmigo”, dirigido por Alain Laza y producido por TOPO, inspirado en la estética del famoso videojuego GTA, sumerge al espectador en un universo onírico donde lo real y lo digital se fusionan. Mediante el uso de inteligencia artificial, se crean paisajes emocionales que amplifican el mensaje de la música, ofreciendo una experiencia sensorial única, donde podemos ver a Daviles en un viaje lleno de estilo. 

Daviles de Novelda llevará “El Camino Que Elegí” a los escenarios de toda España en una gira que promete ser un despliegue artístico sin precedentes. El show incluirá los nuevos temas del álbum, junto a los hits mundiales, acompañados de una producción escénica con músicos en directo, bailaores y un impresionante diseño visual. Puedes comprar las entradas en davilesdenovelda.es

“El Camino Que Elegí” ya está disponible en todas las plataformas digitales. 

La cantante rusa Svetlana Goncharova sorprende al público con el lanzamiento de su nuevo sencillo “Entro en Calor”, una bachata romántica que marca una nueva etapa en su carrera artística. Con esta propuesta, Svetlana se adentra con elegancia y pasión en el mundo de la bachata, llevando su inconfundible dulzura vocal a un género tradicionalmente dominado por artistas latinoamericanos.

“Entro en Calor” es una canción cargada de emociones, donde el amor, el deseo y la conexión profunda entre dos personas se entrelazan con la cadencia envolvente de la bachata. La voz de Svetlana, delicada y llena de matices, aporta una sensibilidad única a la interpretación, consolidando su presencia como una figura femenina con gran proyección dentro del género.

Este lanzamiento, bajo el respaldo del sello EQS Música, representa no solo una evolución artística para Svetlana Goncharova, sino también un paso estratégico hacia la internacionalización de su música. Desde Europa hacia América Latina, su propuesta sonora busca cruzar fronteras y conectar con una audiencia más amplia, abrazando con respeto y admiración la cultura caribeña.

Con una producción cuidada al detalle y una interpretación que deslumbra, “Entro en Calor” se perfila como una de las piezas clave en el posicionamiento de Svetlana dentro de la escena bachatera contemporánea. Su voz, carisma y versatilidad le otorgan un sello distintivo que la convierte en una artista global con alma latina.

La canción ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales, incluyendo Spotify, Apple Music, YouTube y Deezer.

En su más reciente sencillo, Paralelo 45 se sumerge en las profundidades de la resistencia emocional con ‘Hombre en llamas’, una pieza cargada de simbolismo, crudeza y poesía abrasiva. Este lanzamiento hace parte de ‘Camaleón’, el álbum debut de larga duración de la banda bogotana, que retrata los múltiples rostros de la identidad humana en constante transformación.

Desde su título, ‘Hombre en llamas’ sugiere una combustión interna que no solo quema, sino que también revela. La canción retrata el tránsito entre el dolor y el renacimiento, entre el fuego que destruye y el que purifica. En su letra, se funden imágenes de infiernos personales, candela y estrellas, mientras una voz que no se quiebra canta con intensidad, emoción. 

Musicalmente, el tema conjuga influencias que van desde Tool y The Mars Volta hasta Rage Against the Machine y el hardcore, pasando por la introspección lírica del grunge noventero. Esta fusión da como resultado un sonido que se sostiene entre la fuerza visceral y el detalle técnico, sin perder la esencia alternativa que ha caracterizado a la banda desde su nacimiento en 2017.

“Cada canción del disco representa una transformación”, afirman sus integrantes. Y en este caso, esa mutación viene acompañada por una estética sonora cargada de texturas, fraseos intensos y estructuras poco convencionales, desarrolladas tras años de trabajo independiente, desde escenarios autogestionados hasta colaboraciones con estudios como Árbol Naranja.

La historia de Paralelo 45 es también la de una ruta que conecta realidades distintas. Su nombre alude a la carretera que cruza Colombia de norte a sur, y que, simbólicamente, atraviesa los matices de una escena alternativa que muchas veces se mantiene viva a pesar del olvido.

La banda está conformada actualmente por Iván Rojas Velandia (voz), Juan Sebastián Fernández (bajo), David Ortiz y Édgar Grimaldos (guitarras), y Camilo Torres en la batería. Con un enfoque lírico que aborda temas como la memoria, la resistencia y la exploración del yo, ‘Camaleón’ se perfila como un testimonio sonoro de quienes no temen enfrentarse a sus propios incendios.

‘Hombre en llamas’ es, en esencia, una consigna fundamental: todo arde, pero no todo se extingue.

La cantautora colombiana Pedrina, radicada en CDMX, lanza su nuevo sencillo “Te quiero más”, un bolero ranchero intenso y emocional que marca el inicio de una nueva etapa musical en su carrera. Con una interpretación visceral y una producción de alto calibre, la canción reinterpreta el drama del amor no correspondido desde una perspectiva contemporánea.

Con una letra que explora el amor desde la vulnerabilidad, “Te quiero más” se sostiene sobre una producción sonora épica que remite a la estética dramática de artistas como Rocío Dúrcal y Juan Gabriel.

“La canción suena a una herida abierta, con toda la honestidad y el dramatismo de las rancheras de antes” – Pedrina

El tema fue producido por Jony Muro, músico, ingeniero y productor mexicano ganador del Grammy, conocido por su trabajo con Joan Sebastian y su producción de “La mesa que más aplauda”. La canción fue grabada en SAE Institute CDMX y masterizada en Estudio 13, hogar de artistas como Mon Laferte y Natalia Lafourcade. Con una instrumentación que incluye tololoche, vihuela, acordeón y metales, logra una atmósfera poderosa que potencia la emotividad de la interpretación vocal.

“Te quiero más” estará disponible en todas las plataformas digitales a partir del 11 de julio de 2025, como segundo adelanto de su EP “Cartas”, una propuesta que fusiona las raíces del regional mexicano con el universo sonoro de Pedrina: pop alternativo latino, sensibilidad femenina e identidad única. Este lanzamiento llega después del impacto viral de “Cartas”, la primera canción del EP —un emotivo homenaje a quienes ya no están—, que fue estrenada con motivo del Día de Muertos y logró conmover a miles de personas a través de TikTok, convirtiéndose en un fenómeno orgánico que conectó con audiencias de distintas generaciones.

Para celebrar este lanzamiento, Pedrina regresa a los escenarios mexicanos con un show muy especial el viernes 25 de julio en el emblemático Foro El Vicio, ubicado en el corazón de Coyoacán. Este concierto íntimo y poderoso será una oportunidad única para disfrutar de su nueva etapa artística, así como de los éxitos que han marcado su carrera.

-La noche promete un recorrido por canciones nuevas como “Cartas” y “Florecer Contigo", así como clásicos del repertorio de Pedrina: Enamorada ó Cariñito, entre otros temas que han conquistado al público iberoamericano.

Con una atmósfera bohemia y una cercanía única con el público, Foro El Vicio será el escenario perfecto para una experiencia musical profundamente emocional.

 Fecha: Viernes, 25 de julio de 2025
Hora: 9:00 PM
Lugar: Foro El Vicio – Coyoacán, CDMX
Entradas en: https://boletopolis.com/es/evento/35042 

La octava edición del Festival madrileño Río Babel ha cerrado con un éxito arrollador, reuniendo a más de 50.000 asistentes durante dos jornadas que transformaron el Auditorio Miguel Ríos en el lugar perfecto de encuentro para la música, el humor y la diversidad. Un cartel que combinó la potencia de artistas consagrados con la frescura de nuevos talentos, Río Babel volvió a demostrar por qué es uno de los eventos imprescindibles del calendario cultural madrileño. Fiel a su esencia como crisol musical, el festival volvió a tender puentes entre culturas, géneros y generaciones, consolidándose como un espacio único donde la cultura actúa como idioma universal. Desde su nacimiento en 2017, Río Babel no ha dejado de evolucionar, y esta edición no solo superó expectativas, sino que reafirmó su identidad como referente cultural.

La segunda jornada del Festival Río Babel comenzó con un momento de pura conexión musical gracias a Sanguijuelas del Guadiana, la joven banda extremeña que supo transformar la apertura del día en una auténtica explosión de energía. Con su inconfundible mezcla de punk y flamenco, consiguieron que cada persona que cruzaba las puertas del recinto comenzara a saltar, moverse y dejarse llevar por un sonido tan crudo como auténtico. Las banderas de Extremadura ondeaban entre el público mientras sonaban canciones como “Cien amapolas”, cargadas de fuerza reivindicativa y emoción, marcando así un arranque vibrante y con identidad propia.

La energía no decayó con la llegada de No Te Va Gustar, referentes del rock alternativo latinoamericano, que tomaron el escenario con la solidez que solo otorgan casi tres décadas de trayectoria. Desde Uruguay, la banda desplegó un show cargado de fuerza, emoción y ritmos que transitaron con naturalidad entre el reggae, el ska y el rock más crudo. Su conexión con el público fue inmediata, y momentos como la aparición de Nicki Nicole en los visuales durante “Venganza”, o el poderoso “Prendido fuego” quedaron marcados como algunos de los grandes instantes de la tarde.

Mientras tanto, en el espacio de Babel Comedy, la jornada comenzaba con el live show del podcast “No hay negros en el Tíbet”, una propuesta que combinó humor, crítica social y reflexión, abordando con agudeza temas de actualidad y cuestiones vinculadas a la experiencia de la comunidad afro. Una muestra más del carácter multidisciplinar y comprometido del festival.

Tras las risas y la reflexión, el escenario recibió a una de las propuestas más refrescantes del indie-pop actual: GRISO. Con una mezcla de sonidos íntimos, luminosos y llenos de vitalidad, logró conectar con el público desde los primeros acordes. Temas como “1001 noches” desataron una oleada de entusiasmo gracias a su estribillo contagioso, mientras que los guiños a la etapa anterior de Arnau Griso hicieron vibrar a los seguidores más fieles, creando un momento de complicidad colectiva que preparó el ambiente para lo que vendría después.

El testigo lo tomó Yerai Cortés, que subió al escenario con su guitarra como única aliada para ofrecer una actuación profundamente emotiva y llena de matices. El cantaor y guitarrista español se convirtió en puente entre la tradición flamenca y una sensibilidad contemporánea, combinando técnica, sentimiento y una puesta en escena de gran belleza. Con una banda de voces y palmeras excepcionales y un dominio instrumental que parecía fundir cuerpo y guitarra en una sola entidad, su concierto fue una experiencia íntima y poderosa, en perfecta sintonía con la esencia artística del festival.

Con la llegada del atardecer, Bebe tomó el escenario y llenó el recinto de una intensidad emocional inconfundible. Su inconfundible voz rasgada, combinada con una propuesta sonora que fusiona flamenco-pop con toques electrónicos contemporáneos, emocionó a un público entregado que coreaba sin titubear cada uno de sus himnos. Envuelta en un esmoquin rosa y acompañada por su guitarra acústica, ofreció una actuación potente, cargada de feminidad, empoderamiento y autenticidad, que reflejó la evolución artística de una de las voces más personales de la escena nacional.

Paralelamente, la programación de Babel Comedy continuaba con una segunda entrega de gran nivel. Sobre el escenario, Isabel Rey, Ignatius Farray y Raúl Massana desplegaron su talento cómico con actuaciones que arrancaron carcajadas y ofrecieron un respiro de humor irreverente, consolidando este espacio como uno de los sellos distintivos del festival.

La sensibilidad de Bebe dio paso a uno de los momentos más esperados de la jornada. Con una energía arrolladora, Madness, los gigantes británicos del ska, transformaron Río Babel en una fiesta colectiva. Clásicos como “Our House”, “Baggy Trousers” y “One Step Beyond” desataron la euforia de un público intergeneracional, entre la nostalgia y la celebración. Su carisma, el humor británico tan característico y unos arreglos orquestales perfectamente ejecutados sellaron una actuación que reivindicó, una vez más, el legado de una banda con más de 40 años sobre los escenarios.

El ambiente festivo continuó con la llegada de La Ganga Calé, que convirtió el escenario en una celebración colectiva. Con una mezcla contagiosa de rumba, salsa, ska y funk, el grupo madrileño desplegó letras optimistas, ritmos imparables y una actitud cercana que mantuvo al público en constante movimiento. Su energía arrolladora fue el preludio perfecto para el momento más esperado de la noche.

Ese clímax llegó con Estopa, auténticos iconos de la rumba urbana, que se adueñaron del escenario entre ovaciones. El dúo catalán encendió el Auditorio Miguel Ríos con una sucesión de himnos que forman parte del imaginario colectivo, desde “Fuente de energía” hasta “Partiendo la pana” y “Patillas de freno”. Con la complicidad y carisma que los caracteriza, demostraron por qué llevan 25 años en lo más alto del panorama musical español. Más de 25.000 personas coreando al unísono cada canción convirtieron su actuación en un espectáculo de masas, tan emocionante como inolvidable, sellando una jornada histórica en Río Babel.

La recta final del festival mantuvo su pulso vibrante con la fuerza escénica de Queralt Lahoz, que conquistó el escenario con una propuesta sobria en forma pero arrolladora en fondo. Con una voz que se mueve entre la dulzura melódica y el desgarro emocional, la artista catalana desplegó una fusión única de flamenco, hip hop y soul, construyendo un espacio sonoro de catarsis, memoria y reivindicación. Coreografías envolventes y guiños a canciones icónicas de distintos géneros convirtieron su actuación en una experiencia tan intensa como imprescindible.

Antes del cierre, el protagonismo fue para Alamedadosoulna, nombre clave del ska, el reggae y el funk en España, que transformó el recinto en una auténtica fiesta. Con sus característicos atuendos rosas, una sección de vientos imparable y una energía contagiosa, la banda madrileña desplegó un directo festivo y lleno de vitalidad que mantuvo el ritmo en lo más alto.

Como broche final, Swing Original Monks despidió la octava edición de Río Babel con una actuación que fue puro desenfreno y celebración. Fusionando merengue, cumbia, rock, dembow y conciencia social, el grupo ofreció una puesta en escena colorida, teatral y festiva, repleta de máscaras, ritmos explosivos y mensajes con raíz local. Un cierre brillante que dejó en el aire la sensación de haber vivido algo único.

Con más de 50.000 asistentes reunidos a lo largo de dos intensas jornadas, Río Babel 2025 reafirma su posición como uno de los festivales más diversos y emocionantes del panorama nacional. Un encuentro que solo es posible gracias a la entrega del público, el compromiso de los artistas y el impecable trabajo de producción, seguridad, técnicos y todo el equipo que hace realidad este espacio donde la música sigue siendo el idioma común que lo une todo. Sin duda, Río Babel 2025 una edición histórica que reafirma su éxito y esencia cultural.

Evanescence, la emblemática banda liderada por Amy Lee, está celebrando por todo lo alto el vigésimo aniversario de su legendario álbum debut Fallen, y lo hace con el lanzamiento de un nuevo y contundente single: Fight Like A Girl, en colaboración con la cantante y rapera K.Flay. Esta canción marca un regreso cargado de fuerza y actitud, manteniendo la esencia oscura y poderosa que convirtió a Evanescence en una de las bandas más influyentes de la escena rock de principios de los 2000.

El nuevo tema, que ya está disponible en plataformas digitales, se presenta como un himno desafiante y catártico que reivindica la resistencia y el empoderamiento desde una perspectiva ferozmente femenina. La letra, plagada de imágenes combativas y declaraciones incendiarias, invita a no retroceder ante la adversidad y a enfrentar las batallas con la determinación de quien no está dispuesta a dejarse vencer. Amy Lee y K.Flay se combinan en un dúo que transita entre la melancolía oscura y la furia desatada, generando una tensión emocional que estalla en cada estribillo.

Dirigido por Chad Stahelski, conocido por su trabajo en la saga John Wick, el videoclip de Fight Like A Girl eleva la crudeza del tema a un nivel visual impactante, con escenas de confrontación y liberación emocional que acompañan la intensidad de la canción. La producción estuvo a cargo de Louise Rosner y la edición corrió por cuenta de Nate Maydole, quienes contribuyeron a crear una pieza audiovisual que captura la esencia combativa y visceral de Evanescence en esta nueva etapa.

Este lanzamiento forma parte de la esperada edición 20 aniversario de Fallen, que verá la luz el próximo 17 de noviembre. El álbum incluirá temas remasterizados, demos inéditos y versiones alternativas de algunos de los éxitos más icónicos de la banda. Según palabras de Amy Lee, “20 años después, este álbum nunca había significado tanto. Fallen ha sido la banda sonora de primeros amores, desamores épicos, autodescubrimiento, bodas, despedidas, amistades y tantos otros momentos en la vida de tantas personas… y en la mía. Siempre estaré agradecida y honrada de formar parte de ello.”

Con Fight Like A Girl, Evanescence demuestra que sigue siendo una banda capaz de reinventarse sin perder su esencia, ofreciendo a sus seguidores una dosis renovada de esa oscuridad elegante y emotiva que los ha definido durante dos décadas. Para más información sobre el artista y sus futuros proyectos, síguela en sus redes sociales.

De La Ghetto, uno de los nombres más respetados y versátiles de la música urbana latina, está de vuelta y lo hace por todo lo alto con “SaSa”, un single vibrante, tropical y absolutamente irresistible que ya está disponible en plataformas digitales. Este nuevo tema marca el inicio de una etapa fresca y sensual en su carrera, sirviendo además como carta de presentación de “Moonlight”, el próximo EP del artista que promete ser la banda sonora definitiva de las noches de fiesta.

“SaSa” es pura energía caribeña condensada en tres minutos de merengue moderno y ritmos urbanos, con una letra provocadora que invita al baile, al descontrol y a dejarse llevar entre mojitos, arena y buena vibra. Una combinación magnética de sabor tropical y espíritu nocturno que, sin duda, dominará las pistas y playlists veraniegas. La canción captura a la perfección la esencia festiva de esos atardeceres interminables en la playa y las escapadas improvisadas “pa’ las islitas”, como canta el propio De La Ghetto en su pegajoso estribillo.

Este lanzamiento supone también el primer adelanto de “Moonlight”, el esperado proyecto que llega como contraparte de “Daylight”, su anterior álbum dedicado a la vibra soleada y diurna. Ahora, con “Moonlight”, De La Ghetto se adentra en el desenfreno y la sensualidad de la vida nocturna, un viaje musical donde los beats tropicales y las atmósferas de fiesta se combinan con letras seductoras y ritmos infecciosos.

Con “SaSa”, Rafael Castillo —nombre real de De La Ghetto— confirma una vez más su capacidad para reinventarse y mantenerse en la cima de la escena urbana. Nacido en Nueva York y criado en Puerto Rico, el artista ha construido una carrera marcada por su eclecticismo y su facilidad para navegar entre géneros como reggaetón, R&B, trap y hip hop, sin perder su identidad latina ni su conexión con el público internacional.

El single ya se puede disfrutar en plataformas digitales, y además, los seguidores pueden realizar desde ahora el pre-save de “Moonlight”, asegurándose ser los primeros en escuchar esta nueva colección de temas que promete convertirse en protagonista absoluta de las noches de verano. Para estar al tanto de todas las novedades de De La Ghetto y sus próximos lanzamientos, basta con seguirlo en sus redes sociales y unirse a la comunidad que mantiene viva la fiesta sin importar la hora.