Louis Tomlinson presenta “Imposter”, su nuevo sencillo y tercer adelanto de “How Did I Get Here?”, el álbum que verá la luz este viernes 23 de enero. Con este lanzamiento, el artista británico vuelve a demostrar su capacidad para combinar honestidad emocional y solidez musical en una canción que se mueve dentro de un indie pop crudo, sostenido por una línea de bajo marcada y guitarras directas que acompañan una de sus letras más personales hasta la fecha.

“Imposter” fue escrita por Louis junto a Nico Rebscher y Dave Gibson, y aborda de forma frontal la experiencia del síndrome del impostor y la sensación constante de no ser suficiente. La canción pone voz a una lucha interna que muchos comparten, resumida en frases tan directas como “No consigo sacarme de la cabeza esta sensación de que soy un impostor. Ya no sé realmente quién soy”, una confesión que atraviesa todo el tema y lo convierte en uno de los momentos más vulnerables de su nuevo trabajo.

El propio Louis ha explicado que la canción nació en un entorno muy especial. “Imposter se escribió en la selva de Costa Rica. A nivel conceptual, se apoya en la idea de la identidad. Probablemente sea el tema más melódico del disco, y estoy muy emocionado de que el mundo por fin pueda escucharlo”, comenta el artista. Esa atmósfera aislada y natural fue clave en el proceso creativo de un álbum que profundiza más que nunca en quién es realmente como compositor e intérprete.

El single llega acompañado de un videoclip de tono reflexivo, protagonizado por el actor ganador de un premio RTS James Nelson-Joyce, conocido por sus papeles en producciones como This City Is Ours y A Thousand Blows. La pieza visual refuerza el discurso introspectivo de la canción, ampliando su significado y conectando con la sensación de búsqueda personal que atraviesa todo el proyecto.

“How Did I Get Here?” es el tercer álbum de estudio de Louis Tomlinson y supone un nuevo paso en su evolución artística. Para este trabajo, el músico se exigió al máximo en todas las facetas creativas. Tras recopilar ideas iniciales en el campo inglés, se trasladó a Santa Teresa, Costa Rica, durante tres semanas a principios de 2025, donde se sumergió por completo en la escritura y grabación junto a su principal colaborador y coproductor Nico Rebscher, conocido por su trabajo con artistas como Aurora y Alice Merton. El entorno y la atmósfera del lugar influyeron de forma decisiva en el sonido y el enfoque emocional del disco.

Los adelantos previos ya habían dejado claras las ambiciones del álbum. El primer single, “Lemonade”, fue incluido en importantes listas de reproducción de Radio 1, Radio 2 y Capital en el Reino Unido, y Louis lo interpretó en el Live Lounge de Radio 1 junto a una versión de “Too Sweet” de Hozier. El segundo lanzamiento, “Palaces”, recibió elogios de medios como Clash Magazine, que lo describió como “una pieza melódica de indie magnífica y refinada, con un verdadero sentido del teatro y el drama en la voz”. Además, el tema fue presentado en una sesión de Amazon Music Presents y en el Capital’s Jingle Bell Ball en el The O2 de Londres.

En paralelo al lanzamiento del álbum, Louis continúa ampliando su presencia internacional con actuaciones destacadas y eventos especiales. Esta semana ofrecerá un concierto íntimo en Racket, Nueva York, aparecerá en The Tonight Show With Jimmy Fallon y celebrará en Londres el evento inmersivo How Did I Get Here? The Experience en The Outernet. Todo ello como antesala de su gran gira mundial de arenas, How Did We Get Here?, que recorrerá Europa y Norteamérica a partir de marzo de 2026.

España será una de las paradas clave de esta gira, con dos fechas ya confirmadas para el próximo mes de abril: el 12 de abril en el Palau Sant Jordi de Barcelona y el 13 de abril en el Movistar Arena de Madrid, donde Louis Tomlinson se reencontrará con su público español en uno de los momentos más sólidos de su carrera en solitario.

Tras su etapa como miembro de One Direction, Louis se presentó oficialmente como solista con Walls en 2020, un álbum calificado como “excelente” por Rolling Stone que superó los 1,2 millones de copias vendidas y acumuló cerca de mil millones de reproducciones. Dos años después, Faith In The Future confirmó su crecimiento artístico al alcanzar el número uno en países como Reino Unido, España, Argentina y Bélgica, además de posicionarse en el Top 5 del Billboard 200. Su impacto en directo quedó patente con la Faith in the Future World Tour, una gira global que agotó arenas y estadios en decenas de países y consolidó su estatus como uno de los intérpretes más demandados del momento.

“Imposter” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Louis Tomlinson, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Evaluna Montaner inicia el 2026 reafirmando su identidad artística con el lanzamiento de “Rollitos de Papel”, un nuevo single que apuesta por la introspección, la sencillez y la honestidad emocional. La actriz y cantante venezolana, nacida en 1997, continúa consolidando una carrera musical coherente y sensible, construida tanto a través de proyectos en solitario como de colaboraciones junto a su esposo, el artista colombiano Camilo, con quien ha compartido algunos de los momentos más significativos de su trayectoria reciente.

En “Rollitos de Papel”, Evaluna se aleja de la urgencia y del ruido para centrarse en un mensaje profundamente humano. La canción utiliza la metáfora de un ratoncito girando sin parar dentro de una rueda para describir la sensación de agotamiento que produce avanzar sin un rumbo claro, atrapado en una dinámica que no conduce a ningún lugar. Frente a esa imagen, la letra propone una revelación sencilla pero poderosa: es al detenerse, al dejar de correr, cuando aparece la paz y se hace visible el cuidado de la otra persona.

A lo largo del tema, Evaluna transmite la seguridad que encuentra al caminar acompañada, sin prisa y sin expectativas desmedidas. La canción habla de un amor que no exige grandes gestos, sino presencia, escucha y miradas sinceras, reforzando la idea de que para sentirse querida no hace falta mucho. Esta visión se traduce en una narrativa cercana, casi doméstica, donde los pequeños detalles y los instantes compartidos adquieren un valor central.

Musicalmente, “Rollitos de Papel” mantiene la esencia melódica y dulce que caracteriza a Evaluna, pero incorpora una madurez lírica evidente. La producción acompaña la intimidad del mensaje, dejando espacio a la voz y a la emoción sin sobrecargar el arreglo, lo que refuerza la sensación de calma y recogimiento que atraviesa toda la canción. Es un tema que invita a escuchar sin distracciones, a bajar el ritmo y a habitar el silencio junto a quien se ama.

Este lanzamiento se suma a una etapa vital y artística en la que Evaluna ha sabido equilibrar su faceta creativa con su vida familiar. En los últimos años, canciones como “Índigo” y “PLIS” reflejaron ese momento de transformación personal, y “Rollitos de Papel” continúa ese camino desde un lugar aún más reflexivo. Lejos de grandes declaraciones, la artista pone el foco en la importancia de detenerse y valorar lo cotidiano, reivindicando una vida simple, compartida y construida paso a paso.

La respuesta del público no se ha hecho esperar. Muchos seguidores han elogiado la honestidad de la canción y la forma en que retrata una relación basada en la calma, el respeto y el crecimiento conjunto, identificándose con un mensaje que contrasta con la velocidad habitual de la industria y de la vida moderna.

“Rollitos de Papel” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Evaluna Montaner, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Jordi Arkano lanza “La chica del cuadro”, un nuevo single en español que confirma su madurez artística y su capacidad para convertir las emociones más profundas en canciones elegantes y honestas. El tema se mueve entre el soul-pop y un aire claramente ochentero, con un halo de misterio que envuelve una historia marcada por el recuerdo persistente de alguien que, aunque ausente, permanece imborrable en la memoria.

Musicalmente, “La chica del cuadro” destaca por su ritmo vivo y envolvente, sostenido por una interpretación vocal clara y expresiva que guía al oyente a través de una letra emocional y evocadora. La canción habla de ese recuerdo que se resiste a desaparecer, de una imagen que sigue ahí, suspendida en el tiempo, cargada de nostalgia y preguntas sin respuesta. Arkano construye la narrativa con sensibilidad y contención, dejando que la emoción fluya sin excesos, apoyada en una producción que equilibra calidez y sofisticación.

Jordi Arkano es un músico versátil y con alma, cuya trayectoria ha transitado con naturalidad por estilos como el soul, el pop, el rock y el funk. Durante años ha dado vida a grandes clásicos junto a formaciones como Vamp's Soul, revisitando joyas de las décadas de los cincuenta a los ochenta, y The Iconics, rindiendo homenaje a figuras icónicas como Elvis Presley y Tom Jones. Esa experiencia ha forjado un artista con profundo respeto por la tradición, pero también con la inquietud constante de encontrar su propia voz.

Su proyecto actual nace de una necesidad vital de expresión personal. A través de un álbum conceptual, Jordi Arkano propone una crónica sonora del desamor, inspirada en una ruptura real y narrada con una honestidad desarmante. Cada canción representa una etapa emocional distinta: desde el misterio y la fascinación inicial, reflejados en temas como “La reina de Oriente”, hasta el desgarro más crudo de un blues rompevenas como “Abrazos de escalón”. En este recorrido, “La chica del cuadro” ocupa un lugar clave, funcionando como un punto de equilibrio entre la elegancia musical y la introspección lírica.

En sus composiciones no hay artificios ni poses. Arkano utiliza su voz, la guitarra y el saxo como herramientas para transformar el dolor en arte, fusionando la elegancia del soul con una narrativa directa que conecta de forma inmediata con cualquiera que haya amado y perdido. Su música suena clásica y atemporal, pero al mismo tiempo cercana y profundamente humana.

Con “La chica del cuadro”, Jordi Arkano invita a adentrarse en un universo donde las influencias clásicas se encuentran con historias que aún necesitan ser contadas, y donde cada canción es una confesión sincera. Un paso firme hacia una etapa creativa en la que el artista se muestra sin máscaras, dejando que la emoción sea el verdadero hilo conductor.

“La chica del cuadro” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Jordi Arkano, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Teotlson irrumpe en la escena musical con “Bajo las Estrellas”, su single debut, marcando el inicio de un proyecto que apuesta por una visión fresca, contemporánea y profundamente arraigada en las raíces latinoamericanas. La banda está formada por los músicos mexicanos residentes en Suiza Miguel Kaire, a cargo de la percusión y la voz, y Mario Valencia, conocido como el Vange, en guitarra y segunda voz, junto a la bajista suiza Angie Mei, completando una formación intercultural que define desde el origen el espíritu del proyecto.

El nacimiento de Teotlson fue tan natural como inesperado. Miguel y Mario se conocieron de manera casual durante una jam session en Boswil, donde descubrieron no solo una conexión musical inmediata, sino también un origen compartido que reforzó el entendimiento creativo entre ambos. A partir de ese encuentro espontáneo comenzó a gestarse una propuesta común que, con el tiempo, encontró su equilibrio definitivo con la incorporación de Angie Mei al bajo, aportando solidez, matices y una nueva dimensión sonora al grupo.

El sonido de Teotlson propone una reinterpretación actual de la cumbia latinoamericana, alejándose de fórmulas previsibles para explorar terrenos más atmosféricos y experimentales. Su música se construye a partir de cumbias a tiempo lento, guitarras psicodélicas y texturas modernas que beben tanto de la chicha peruana como de la cumbia mexicana, integrando estas influencias desde una perspectiva abierta y exploratoria. El resultado es un paisaje sonoro que honra las tradiciones del continente mientras se atreve a expandirlas hacia nuevos horizontes.

Desde su concepción, el proyecto nace marcado por la independencia y la búsqueda de una identidad auténtica, sin ataduras a esquemas comerciales. Teotlson es una banda pensada para el directo, donde la fuerza rítmica de la cumbia y la psicodelia se transforma en una experiencia hipnótica y envolvente. En vivo, la música se convierte en un espacio de conexión directa con el público, guiado por pulsos profundos y una energía que invita tanto al movimiento como a la introspección.

“Bajo las Estrellas” funciona como una carta de presentación clara y coherente con esta filosofía. La canción se apoya en un pulso de cumbia profundo y atmosférico, acompañado por melodías evocadoras y voces expresivas que transmiten cercanía y emoción. Lejos de la grandilocuencia, el tema apuesta por la sutileza y la construcción de una atmósfera nocturna que envuelve al oyente y lo invita a dejarse llevar.

Este primer lanzamiento es solo el comienzo de una etapa creativa más amplia. Teotlson tiene previsto publicar nuevos singles de forma regular, explorando distintas fusiones de ritmos latinoamericanos hasta dar forma a un álbum completo que consolide su propuesta sonora. Con este debut, la banda busca conectar con oyentes abiertos a nuevas corrientes dentro de la música latina, así como con medios, radios y plataformas que apuesten por proyectos independientes, interculturales y con una fuerte identidad artística.

“Bajo las Estrellas” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Teotlson, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Cameron Dallas ha vuelto a la escena musical con un giro tan inesperado como revelador. Tras varios años manteniendo un perfil más bajo después de su explosión mediática como estrella de Vine y YouTube, el artista estadounidense inicia 2026 presentando “CATCH!”, un nuevo proyecto que marca una clara ruptura con su pasado musical y con la imagen que muchos aún conservan de él.

Lanzado el 3 de enero de 2026, “CATCH!” funciona tanto como single principal como título de su nuevo EP. Se trata de un trabajo conciso y directo, de apenas 13 minutos de duración, compuesto por siete canciones cortas que apuestan por la inmediatez y la experimentación sonora. Lejos del pop juvenil que definió etapas anteriores de su carrera, como “She Bad”, este nuevo material se mueve en un terreno mucho más vanguardista, con una energía cruda, estructuras poco convencionales y espacios sonoros que coquetean con el caos y la libertad creativa.

El tracklist incluye títulos como “Another Word for Horny”, “Sike”, “Future”, “Gaslight Anthem”, la propia “CATCH!”, “Sweat, Sweaty Dreams” y “Sinking”. Cada tema funciona casi como una instantánea emocional, reforzando la sensación de urgencia y espontaneidad que atraviesa todo el EP. En especial, la canción que da nombre al proyecto parece simbolizar el momento vital y artístico que atraviesa Dallas: una etapa en la que crea sin pensar en fórmulas comerciales ni en la radio, priorizando una expresión que se siente completamente suya.

Para quienes lo descubrieron en 2014, el Cameron Dallas de 2026 es un artista profundamente distinto. Fue uno de los pioneros del fenómeno influencer y miembro destacado de MAGCON, colectivo que impulsó carreras como las de Shawn Mendes o Nash Grier. Desde entonces, ha construido una trayectoria multifacética que incluye el modelaje para firmas como Calvin Klein, la actuación en cine y teatro —con participaciones en proyectos como Expelled y Mean Girls en Broadway— y el emprendimiento tecnológico. En 2023 vendió su plataforma Fanfix por 65 millones de dólares, un movimiento que le otorgó la independencia financiera necesaria para explorar la música desde un lugar más honesto y sin presiones externas.

Esa evolución profesional ha ido de la mano de un crecimiento personal igualmente significativo. Dallas ha hablado abiertamente sobre sus luchas con la adicción y la salud mental, y esa transparencia se refleja en las letras de “CATCH!”, donde prima una narrativa más cruda, introspectiva y directa. El proyecto no busca agradar a todos, sino conectar desde la autenticidad con quienes estén dispuestos a acompañarlo en esta nueva etapa.

Aunque ya no ocupa el centro de la conversación mediática como hace una década, las cifras demuestran que Cameron Dallas conserva una base de seguidores fiel y atenta. En plataformas como Spotify, canciones como “Sike” y “Gaslight Anthem” han comenzado a acumular miles de reproducciones en poco tiempo, señalando que su transición hacia un pop experimental y menos complaciente está despertando curiosidad y conversación entre oyentes nuevos y antiguos.

“CATCH!” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Cameron Dallas, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Dos artistas malagueños con trayectorias muy distintas pero complementarias se encuentran por primera vez en una colaboración que ya empieza a llamar la atención del pop español. Belén Jurado y Chema Rivas presentan “Mil Motivos”, un single breve y directo que fusiona la elegancia vocal y musical de Belén con el pulso urbano y actual que define el sonido de Chema, dando como resultado una canción fresca, accesible y con una clara vocación comercial.

“Mil Motivos”, con una duración aproximada de dos minutos y cincuenta segundos, ha comenzado a posicionarse en las listas de novedades de pop español a comienzos de este año. El tema destaca por su equilibrio entre sensibilidad y ritmo, combinando una interpretación vocal cuidada con una producción moderna que conecta con el sonido que domina actualmente las plataformas digitales. La química entre ambos artistas se percibe desde la primera escucha, reforzando la sensación de una colaboración natural y bien medida.

Belén Jurado, natural de Benamocarra, Málaga, es una artista polifacética que ha sabido construir una carrera singular dentro de la escena musical. Cantante, DJ y pianista, cuenta con una sólida formación académica tras graduarse en el Conservatorio Superior de Piano de Málaga, culminando catorce años de estudios de música clásica. Sus primeros pasos profesionales estuvieron ligados a concursos locales y actuaciones en hoteles, pero con el tiempo fue especializándose en el house vocal y la música electrónica, convirtiéndose en una figura habitual de las pool parties de la Costa del Sol. En el entorno digital, Belén se ha consolidado como una de las grandes embajadoras de la música en Twitch España, donde realiza directos con loops, sesiones de DJ y versiones en vivo que reúnen a miles de seguidores.

Por su parte, Chema Rivas es uno de los nombres más reconocibles del pop urbano en España. Originario de Granada, pero muy vinculado a Málaga, comenzó su relación con la música a los 13 años tocando blues y rock con la guitarra. Con el tiempo, su sonido evolucionó hacia una propuesta más latina y comercial, sin perder la autenticidad que siempre ha defendido como parte esencial de su identidad artística. Su salto definitivo a la popularidad llegó con “Mil Tequilas”, tema con el que obtuvo un Premio Odeón a Mejor Canción Urbana, al que siguieron otros éxitos como “Entre tú y yo” y “Uhlala”. Su música combina reguetón pop, R&B y balada, siempre desde una perspectiva emocional que él mismo define como música que sale del corazón.

Una de las curiosidades de esta colaboración es que ambos artistas comparten raíces andaluzas y una base musical tradicional, Belén desde el piano y Chema desde la guitarra, que con los años han sabido transformar y adaptar a los sonidos modernos que dominan la radio y el streaming actual. “Mil Motivos” es un claro ejemplo de esa evolución, donde la formación y la experiencia se ponen al servicio de una canción pensada para conectar con un público amplio.

El videoclip del single acompaña esta unión de estilos con una estética muy cuidada, grabada en exteriores y pensada para resaltar la química entre ambos. La imagen urbana y desenfadada de Chema convive con la presencia sofisticada y elegante de Belén, reforzando visualmente el concepto de la canción y aportando una identidad clara al proyecto.

Con “Mil Motivos”, Belén Jurado y Chema Rivas no solo firman una colaboración puntual, sino que muestran cómo dos mundos musicales distintos pueden encontrarse y complementarse, dando lugar a una propuesta actual, sólida y con proyección dentro del panorama pop nacional.

“Mil Motivos” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Belén Jurado y Chema Rivas, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Eloise Viola presenta “Drive Straight”, una canción que captura con precisión ese estado emocional en el que convivimos en dos mundos al mismo tiempo. Por un lado, el presente luminoso de enamorarse, conducir con el techo bajado y dejarse llevar por el momento; por otro, la mente atrapada en un bucle que regresa al pasado, recorriendo el pueblo fantasma de las relaciones fallidas, los miedos y los eternos “¿y si…?”. Con una narrativa honesta y envolvente, la artista británica vuelve a demostrar su capacidad para transformar emociones complejas en canciones que conectan de forma directa y visceral.

Musicalmente, “Drive Straight” se mueve en ese territorio que Eloise Viola domina con naturalidad: ritmos bailables que invitan al movimiento mientras la letra expone una vulnerabilidad cruda y reconocible. La canción refleja esa contradicción tan humana entre querer avanzar y, al mismo tiempo, sentirse arrastrado por recuerdos e inseguridades. Es un tema que se disfruta tanto en soledad como en la pista de baile, fiel a ese concepto que define gran parte de su obra y que muchos describen como llorar en la pista de baile.

Originaria de Brighton y afincada en Londres, Eloise Viola es una cantante y compositora independiente que se está consolidando como una de las voces más interesantes del Pop Dance y el R&B contemporáneo. Su propuesta destaca no solo por su potencia vocal, que ha sido comparada con artistas como Adele o Jess Glynne, sino también por su enfoque lírico, donde combina una sensibilidad emocional profunda con una energía electrónica cercana a referentes como Robyn o Becky Hill.

A lo largo de su carrera, Eloise ha utilizado su música como una plataforma para hablar abiertamente sobre amor propio, salud mental y positividad corporal, temas que nacen directamente de sus propias vivencias durante sus veintitantos años. Canciones como “Electricity”, uno de sus mayores éxitos, reflexionan sobre la importancia de aprender a quererse antes de amar a otros, mientras que “Hunger” aborda con valentía la presión social sobre el cuerpo y los trastornos alimenticios. Por su parte, “Listen” se presenta como un himno a la intuición y a la confianza en la propia voz interior.

Aunque la metáfora de conducir, avanzar o mantenerse en el camino aparece de forma recurrente en su narrativa de superación personal, el proyecto más ambicioso de Eloise Viola hasta la fecha es su álbum debut “Glasshouse”, lanzado en mayo de 2024. Este trabajo utiliza la casa de cristal como símbolo de la fuerza que existe en la vulnerabilidad, mostrando a la artista transparente y expuesta, pero al mismo tiempo resistente. En ese contexto, “Drive Straight” encaja como una extensión natural de su universo creativo, donde avanzar no significa olvidar, sino aprender a convivir con lo vivido.

La independencia es otro de los pilares que definen a Eloise Viola. Al gestionar su carrera de manera autónoma, mantiene un mensaje auténtico y una relación directa con su audiencia, algo que se percibe tanto en sus lanzamientos como en sus presentaciones en vivo. Su crecimiento se ha visto impulsado por giras junto a artistas internacionales como Anastacia y por su participación en festivales Pride en distintos puntos de Europa, donde su mensaje de autoaceptación y libertad encuentra un eco especialmente fuerte.

“Drive Straight” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Eloise Viola, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, directos, colaboraciones o nuevos proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Sergio Hortelano presenta su nuevo single “Feliz sin ti”, una canción pop latino electrónico con la que el artista da un paso decidido hacia un sonido más actual, bailable y enérgico. Concebido para hacer bailar y transmitir buenas vibraciones, el tema ha sido compuesto íntegramente por el propio Sergio, tanto en letra como en música, y refleja con claridad el momento vital y creativo que atraviesa en esta nueva etapa de su carrera.

“Feliz sin ti” habla de la superación tras una ruptura, de dejar atrás el pasado y reencontrarse con la felicidad desde una actitud positiva y liberadora. Lejos del dramatismo, la canción apuesta por un mensaje de optimismo y disfrute, invitando a mirar hacia adelante con ligereza y ganas de vivir. Su base electrónica, combinada con elementos del pop latino, refuerza ese espíritu festivo y fresco que conecta de manera directa con el público.

La relación de Sergio Hortelano con la música comenzó desde muy joven. A los 17 años realizó su primera actuación en directo, dando inicio a una etapa de varios años sobre los escenarios de salas y discotecas, donde interpretaba versiones de otros artistas junto a dos temas propios. Aquella primera fase estuvo marcada por la ilusión, el aprendizaje y el contacto constante con el público, sentando las bases de su identidad artística.

Tras ese periodo inicial, Sergio decidió hacer un parón en su carrera, una pausa que le permitió tomar perspectiva y reencontrarse con su vocación. Su regreso a la música se produjo con fuerza en 2023, año en el que volvió a los escenarios y a la actividad creativa participando en concursos, sonando en numerosas emisoras de radio, apareciendo en televisión y publicando nuevos lanzamientos que marcaron el inicio de esta segunda etapa.

A lo largo de su trayectoria, Sergio Hortelano ha editado varios trabajos dentro del pop, mostrando una evolución constante tanto en sonido como en interpretación. Desde sus primeros temas “Se terminó el amor” y “Contigo”, ambos de 2002, hasta “Quisiera” en 2023 y “Soñando fuerte” en 2024, su discografía refleja un crecimiento progresivo y una búsqueda permanente de nuevas formas de expresión. Sus dos últimos trabajos han contado además con videoclip, reforzando su apuesta por un proyecto artístico completo y cuidado.

Con el lanzamiento de “Feliz sin ti”, previsto para el 16 de enero de 2026, Sergio Hortelano marca un claro cambio de estilo respecto a sus trabajos anteriores. Este nuevo single abre una etapa más luminosa, actual y conectada con el presente, en la que el artista explora nuevos sonidos y amplía sus registros musicales sin perder la esencia pop que ha definido su carrera.

Actualmente, Sergio Hortelano se encuentra en un momento de crecimiento y nuevos lanzamientos, centrado en seguir creando canciones pop con las que el público pueda disfrutar, bailar y sentirse identificado. Su objetivo es continuar luchando por llevar su música a más personas, sonar en más radios, aparecer en más televisiones y llenar su agenda de nuevas actuaciones, consolidando así esta renovada etapa artística.

“Feliz sin ti” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Sergio Hortelano, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

El inicio del año llega acompañado de un lanzamiento cargado de memoria, sensibilidad y respeto por la historia del rock alternativo mexicano. Madame Récamier presenta su versión de “Ojalá fuera tu voz”, tema originalmente incluido en Mar adentro en la sangre (2000), como parte del álbum Devotos: Tributo a Santa Sabina, un proyecto colectivo que rinde homenaje a una de las bandas más influyentes surgidas a finales de los años ochenta.

En esta reinterpretación, la cantautora capitalina traslada la canción a un terreno íntimo y delicado, envuelto en atmósferas trip-hop que potencian su carácter introspectivo. Fiel a una trayectoria marcada por la exploración sonora y la elegancia emocional, Madame Récamier logra imprimir un sello personal en el tema sin perder la esencia poética y profunda que caracteriza la obra original de Santa Sabina. Melancolía, ternura y una cuidada sensibilidad conviven en una versión que dialoga con el pasado desde una mirada contemporánea.

La artista ha compartido que esta versión nació de un proceso orgánico y profundamente personal. La semilla del proyecto surgió durante sus clases de canto, cuando junto a una alumna comenzó a grabar coros de manera natural, dando forma a un primer demo de la canción. Años más tarde, con la invitación a participar en el tributo, ese camino encontró su destino. La producción se retomó en estudios Nueva York, recuperando aquellas voces iniciales y construyendo una versión pensada desde el respeto, el amor y la admiración. Durante todo el proceso creativo, Madame Récamier tuvo presente la figura de Rita Guerrero, preguntándose si los sonidos y atmósferas creadas conectarían con su espíritu y su poesía, convirtiendo esta reinterpretación en un homenaje honesto y consciente.

Devotos: Tributo a Santa Sabina no solo celebra el legado musical de la banda, sino que también tiene un propósito solidario. Todas las ganancias recaudadas por el álbum serán donadas a una institución dedicada a la lucha contra el cáncer de mama, sumando una dimensión social y humana a este proyecto colectivo.

Al igual que los sencillos previamente lanzados, “Ojalá fuera tu voz” fue masterizada por el reconocido productor Gerry Rosado, responsable del último álbum de Santa Sabina, Espiral (2003), aportando continuidad sonora y un vínculo directo con la historia del grupo homenajeado. El arte de las portadas de los sencillos que se publicarán en plataformas digitales está a cargo del artista René Zubieta, reforzando la identidad visual del proyecto.

La nómina de participantes en Devotos: Tributo a Santa Sabina es tan diversa como las influencias que marcaron a la banda original. El álbum reúne propuestas que van desde La Era Vulgar, Sara Valenzuela, Olinka, Combo Movox y Jessy Bulbo, hasta el Coro Virreinal de la Universidad del Claustro de Sor Juana y la banda internacional de metal gótico Anabanta. El recorrido sonoro incluye reggae, cuartetos de cuerdas con voz soprano, jazz y distintas variantes del rock, dando forma a un homenaje plural, contundente y profundamente respetuoso.

Con este lanzamiento, Madame Récamier inicia el año sumándose a un proyecto colaborativo de gran valor simbólico, al tiempo que continúa la promoción de su quinto álbum de estudio, Caprichos, estrenado el año pasado. La artista se prepara además para llevar este material al escenario con presentaciones en vivo en el interior de la República, consolidando una etapa de madurez artística y constante movimiento creativo.

“Ojalá fuera tu voz” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Madame Récamier, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, presentaciones en vivo, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El cantante y tenor Edu Tejada presenta su nuevo sencillo “Llegué un poco antes de tiempo”, una canción profunda y honesta que pone palabras y melodía a una de las experiencias emocionales más universales: cuando el amor no llega al mismo ritmo para dos personas. Con letra y música de su autoría, el artista construye un relato íntimo que habla del dolor silencioso que queda cuando se ama intensamente y, aun así, no es suficiente para sostener una historia compartida.

A través de una interpretación cargada de emoción y verdad, Edu Tejada da voz a ese momento en el que el corazón se adelanta, se entrega sin reservas y descubre que el otro aún no estaba preparado para recibirlo. Lejos del dramatismo excesivo, la canción se mueve desde la madurez emocional y la aceptación, convirtiéndose en un testimonio sincero de desamor y aprendizaje personal. La sensibilidad con la que el artista aborda esta vivencia permite que el oyente se reconozca en cada frase, en cada silencio y en cada nota sostenida.

Musicalmente, “Llegué un poco antes de tiempo” se apoya en una base melódica elegante y contenida, diseñada para dar todo el protagonismo a la voz. La interpretación vocal de Edu Tejada transita entre la vulnerabilidad y la fortaleza, mostrando un equilibrio delicado que refuerza el mensaje de la canción. La letra, escrita desde la introspección y la experiencia, conecta de forma directa con quienes han amado sin medida y han tenido que aprender, no sin dolor, a soltar aquello que no podía florecer en ese momento.

Este lanzamiento reafirma la identidad artística de Edu Tejada como intérprete y creador capaz de transformar emociones complejas en música cercana y humana. Su propuesta aporta una mirada sensible a la música latina contemporánea, abriendo espacio a la expresión emocional masculina y rompiendo estereotipos que durante años han limitado este tipo de relatos dentro del género. Con cada nuevo trabajo, Edu demuestra que la honestidad emocional también puede ser una forma de valentía artística.

“Llegué un poco antes de tiempo” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Edu Tejada, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

En su más reciente lanzamiento, “Hips Like Water”, Thalia Sophia presenta una pieza que marca un nuevo capítulo en su universo artístico, combinando pop cinematográfico con una pulsión oscura y femenina que atraviesa tanto la narrativa sonora como visual de la canción. El tema captura el instante exacto en el que una mujer deja de verse a sí misma como presa y toma conciencia de su propio poder, convirtiéndose en quien marca las reglas del juego.

La canción se construye a partir de una breve historia inspirada en Melusina, la ninfa acuática de la mitología del Pfälzerwald. En la reinterpretación de Thalia Sophia, esta figura mítica deja de encogerse para encajar en el mundo que la rodea y decide proyectar su fuerza hacia afuera, abrazando su esencia sin concesiones. Esa transformación simbólica se refleja con claridad en el gancho hipnótico del tema y en una interpretación vocal firme y dominante, que transmite seguridad, sensualidad y determinación.

“Hips Like Water” se mueve entre atmósferas envolventes y un pulso rítmico que evoca fluidez y control, reforzando la idea del agua como elemento de poder, adaptación y profundidad. La estética dark-feminine que atraviesa el single no solo funciona como recurso estilístico, sino como declaración de intenciones: una reivindicación de las mujeres como dueñas de su propio relato, capaces de redefinir los roles que históricamente se les han impuesto.

Thalia Sophia es cantante, compositora y artista de grabación con un trasfondo cultural tan diverso como su música. Hija de madre inmigrante alemana y padre chicano, nació en Miami y ha hecho de esa mezcla de identidades una de las claves de su propuesta artística. Su objetivo es crear fusiones sonoras que reflejen esa diversidad, tanto en influencias como en sensibilidad, dando lugar a un sonido personal y reconocible.

Durante su crecimiento musical, Thalia absorbió estilos muy distintos entre sí, desde el reggaetón old school y la cumbia, hasta el pop europeo, el blues más relajado y el reggae. Todas estas referencias conviven de forma orgánica en su música, aportando capas y matices que enriquecen cada nueva producción. En “Hips Like Water”, estas influencias se integran de manera sutil para sostener una narrativa poderosa y contemporánea, alineada con una visión artística clara y coherente.

Con este single, Thalia Sophia reafirma su capacidad para contar historias que conectan lo mítico con lo actual, lo personal con lo colectivo, y lo estético con lo emocional. “Hips Like Water” no solo es una canción, sino una afirmación de identidad y una invitación a repensar el poder desde una mirada femenina, libre y consciente.

“Hips Like Water” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Thalia Sophia, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Tras un proceso de maduración artística de más de un año, la cantante y compositora Mei de la Cruz presenta su primer álbum de larga duración, “Cosa de Actitud”, un trabajo que supone un punto de inflexión dentro del pop de autor contemporáneo. Lejos de los estándares comerciales y las fórmulas previsibles, la artista nacida en Altea construye una propuesta sonora elegante y profundamente personal, donde la identidad y la sofisticación se sitúan en el centro del discurso creativo.

Grabado en los reconocidos Studios Farkosten, el álbum se despliega como un viaje sonoro difícil de encasillar. Aunque su punto de partida es el pop, “Cosa de Actitud” se nutre de la sólida formación de Mei en jazz y música moderna, dando lugar a una sonoridad orgánica que transita con naturalidad por el swing, el bolero, la bossa nova y el folclore latinoamericano. El resultado es un disco que respira calidez, detalle y coherencia, y que invita a una escucha pausada, donde cada arreglo y cada matiz cobran sentido propio.

El proyecto ha contado con un equipo artístico y técnico de primer nivel que ha sabido traducir la visión de Mei de la Cruz en un lenguaje musical refinado. Sam Ferrer ha liderado la producción, la ingeniería de sonido y la parte musical, aportando su experiencia junto a artistas como La Raíz, Auxili y La María. A su lado, Darío González se ha encargado de las guitarras y los arreglos, sumando una sensibilidad que refuerza el carácter del álbum. El apartado compositivo se completa con las letras y composiciones de Fernando Roncarolo, mientras que la base rítmica corre a cargo de Jorge Fuentes al bajo, actualmente con Rosa Vil, y Adrià Ribes en batería y percusión, miembro de Connecta Percussió.

La trayectoria de Mei de la Cruz está profundamente marcada por el Mediterráneo, tanto en lo musical como en lo vital. Nacida en 1992 en Altea, su pasión por la música la ha llevado a recorrer distintos puntos del territorio mediterráneo, enriqueciendo su lenguaje artístico a través del contacto con diversas escenas y culturas. Su carrera dio un salto internacional en 2022 tras conocer a Mattias Eklund, propietario de Studios Farkosten, con quien inició una etapa de colaboración que la llevó a trabajar junto al artista sueco Freyr y a compartir proyecto con la leyenda de la guitarra Steve Hunter, conocido por su trabajo con Lou Reed y Alice Cooper, en versiones de temas como “Corcovado” y “Saltwater”.

Fiel a su filosofía de cuidar cada detalle y permitir que la música encuentre su propio espacio, “Cosa de Actitud” se presentará de forma progresiva a lo largo de 2026. El lanzamiento del álbum se articulará mediante una estrategia de sencillos mensuales, pensada para que cada canción pueda respirar, mostrar su identidad y conectar con el oyente antes de completar la obra en su totalidad. Esta forma de publicación refuerza la idea de un proyecto conceptual, donde cada pieza es parte de un todo coherente y cuidadosamente construido.

En directo, Mei de la Cruz traslada esta versatilidad artística a una propuesta escénica flexible y de alta calidad, capaz de adaptarse a diferentes contextos culturales. Desde un formato acústico íntimo, centrado en la voz y la emoción para ciclos de cantautor, hasta una experiencia elegante y sofisticada en teatros y auditorios, pasando por la energía expansiva de la banda al completo en salas y festivales, donde la riqueza instrumental y el pulso festivo se convierten en protagonistas.

“Este proyecto es una apuesta por desmarcarse y buscar un sello de identidad propio, redefiniendo lo que significa ser una cantautora en el pop actual”, afirma Mei de la Cruz, sintetizando el espíritu de un álbum que no busca encajar, sino expresarse con honestidad y carácter.

“Cosa de Actitud” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Mei de la Cruz, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, conciertos, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Mar Lara continúa dando pasos firmes dentro de la escena del pop mexicano con Protección Civil, una de las canciones más representativas de su álbum debut Hasta Los Cuernos De La Luna, publicado a finales de 2025. La cantautora originaria de Guadalajara ha logrado conectar con una nueva generación de oyentes tras su destacada participación en La Academia 2024, donde alcanzó el quinto lugar y dejó claro que su proyecto iba mucho más allá del formato televisivo.

Protección Civil utiliza una metáfora original y poderosa para hablar del final de una relación marcada por el daño emocional y las mentiras. A lo largo de la canción, Mar Lara recurre a imágenes asociadas al rescate y la emergencia para representar el momento en el que decide salvarse a sí misma. Frases como “ya viene Protección Civil” o “un dos tres por mí, ya escapé de ti” funcionan como consignas de liberación, simbolizando el acto de alejarse de aquello que ya no suma y recuperar el control de la propia vida.

En el plano musical, el tema apuesta por una producción moderna que combina el pop con claras influencias de rock, un género que Mar Lara ha señalado como una de sus principales fuentes de inspiración. La energía y la actitud recuerdan al espíritu de las bandas de rock de los años 80 y 90, como Guns N’ Roses o Journey, adaptadas a un lenguaje sonoro actual que mantiene la intensidad emocional sin perder frescura. Esta mezcla refuerza el carácter desafiante y catártico de la canción.

Protección Civil fue escrita por la propia Mar Lara junto a Danny Rodd, reafirmando su faceta como compositora y su necesidad de contar historias personales desde la honestidad. Esa sensibilidad autoral ha sido una constante desde que comenzó a componer a los 11 años, y hoy se percibe como uno de los pilares de su propuesta artística.

Tras su salida de La Academia, Mar Lara inició una nueva etapa profesional trabajando junto al reconocido productor Stefano Vieni, dando forma a un proyecto sólido que rápidamente empezó a dar frutos. Su sencillo debut, Se Tenía Que Terminar, se posicionó en los primeros lugares de ventas en iTunes y acumuló millones de reproducciones en plataformas como Spotify y YouTube, confirmando el interés del público por su música.

En los últimos meses, la artista ha sumado importantes hitos a su carrera, incluyendo presentaciones en escenarios emblemáticos como el Lunario del Auditorio Nacional en México. Estas actuaciones han servido para consolidarla como una de las artistas emergentes con mayor proyección dentro del pop actual, destacando por su fuerza interpretativa, su conexión con el público y su capacidad para equilibrar vulnerabilidad y energía.

Con Protección Civil, Mar Lara transforma el dolor de una ruptura en un acto de valentía y autoafirmación, demostrando que su música no solo busca emocionar, sino también acompañar procesos personales de cambio y crecimiento. Una canción que refuerza su identidad artística y la posiciona como una voz auténtica dentro del panorama musical mexicano.

Protección Civil ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Mar Lara, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

David Adavi da un paso decisivo en su carrera con el lanzamiento de Sweet Sins, su nuevo álbum de estudio, ya disponible en todas las plataformas de streaming. Con apenas un año de trayectoria, el joven artista ha logrado definir una identidad sonora propia que se mueve con naturalidad entre el electro pop, el latin pop y las baladas más emotivas, construyendo un repertorio capaz de acompañar tanto una noche de baile como un momento de escucha íntima en soledad.

Sweet Sins representa una clara evolución artística para Adavi, consolidando un sonido personal que se siente más seguro, más pulido y, al mismo tiempo, más honesto. El álbum ha sido producido íntegramente por FMD, el equipo formado por Fuchs, Marquesa y Delgado, colaboradores habituales del cantante desde sus primeros lanzamientos. Juntos, han construido una producción que oscila entre lo bailable y lo introspectivo, combinando bases actuales con atmósferas envolventes que realzan la expresividad vocal del artista.

La voz de David Adavi se convierte en uno de los grandes pilares del disco. Cálida, cercana y con un marcado carácter mediterráneo, aporta una sensación constante de autenticidad y vulnerabilidad que atraviesa todo el álbum. Esa manera de cantar, directa y emocional, refuerza el relato de unas canciones que no temen mostrarse frágiles ni contradictorias, conectando de forma inmediata con quien las escucha.

A nivel conceptual, Sweet Sins se plantea como un viaje por las luces y sombras de la juventud. El álbum explora la atracción, los errores que se cometen al amar, las primeras decepciones y la intensidad de vivir cada emoción sin medida. A lo largo de sus diez canciones, David muestra distintas facetas de su personalidad artística, alternando momentos de energía contagiosa con pasajes de introspección profunda.

Temas como Boom Boom o Poison (Barcelona Fever) destacan por su fuerza rítmica y su vocación claramente bailable, reflejando el lado más vibrante y desinhibido del artista. En contraste, canciones como I Still Hold A Torch For You o Hard To Let You Go revelan un David más íntimo, vulnerable y reflexivo, capaz de transmitir la dificultad de soltar, recordar y aceptar lo que ya no está. Esta dualidad es una de las grandes virtudes del álbum y refuerza su carácter emocionalmente honesto.

Con Sweet Sins, David Adavi apuesta por un sonido internacional y contemporáneo, alineado con el pop actual pero sin perder personalidad. El disco conecta con una generación que vive el amor y el desamor sin filtros, que se permite sentir intensamente y aprender de sus propios errores. Un trabajo que invita tanto a moverse como a detenerse, a celebrar y a reflexionar, confirmando a David Adavi como una de las voces emergentes más prometedoras del pop actual.

Sweet Sins ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de David Adavi, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Serena Belle continúa expandiendo su impacto dentro de la escena del rock moderno y el metalcore con el lanzamiento de la versión Cinematic Orchestral de Sisyphean, una reinterpretación grabada en los Dolomitas, Italia, que subraya el lado más dramático, sinfónico y emocional de su música. Esta nueva versión, publicada en enero de 2026, aporta una dimensión cinematográfica a un tema que ya se había consolidado como una poderosa carta de presentación.

Sisyphean, estrenado originalmente el 12 de noviembre de 2025, marcó el debut oficial de la artista suiza y rápidamente captó la atención del público por su intensidad sonora y su profundidad conceptual. El título hace referencia directa al mito de Sísifo, condenado a empujar una piedra cuesta arriba eternamente, una metáfora que Serena utiliza para explorar el dolor, la resistencia y el ciclo interminable de enfrentarse a relaciones tóxicas o luchas internas. La frase “I’ll bury this part of you to raise the truth of who I am” funciona como núcleo emocional de la canción, reflejando un proceso de ruptura, reconstrucción y afirmación personal.

En su versión original, Sisyphean combina rock alternativo y metalcore con una producción épica que transita entre susurros melódicos y estribillos de gran potencia vocal. La nueva versión orquestal lleva esa narrativa a otro nivel, envolviendo la canción en arreglos sinfónicos que enfatizan el dramatismo y la sensación de grandeza. El entorno natural de los Dolomitas refuerza visual y simbólicamente el carácter monumental de la pieza, conectando la música con paisajes que evocan lucha, resistencia y trascendencia.

Serena Belle es una artista emergente de origen suizo que ha irrumpido con fuerza gracias a su potente voz y a una estética gótica y cinematográfica muy definida. Antes de lanzar música propia, construyó una sólida base de seguidores a través de TikTok y YouTube, donde acumuló millones de visualizaciones interpretando versiones de artistas como Evanescence y Enya, así como bandas sonoras épicas como Gladiator. Este recorrido le permitió reunir más de 400.000 seguidores incluso antes de su debut oficial.

Su historia personal añade una capa adicional de profundidad a su propuesta artística. Serena es superviviente de un tumor cerebral, una experiencia que ha marcado de forma decisiva la intensidad emocional de sus composiciones y su mensaje de resiliencia. Esa vivencia se traduce en canciones que no solo buscan impactar a nivel sonoro, sino también transmitir fortaleza y verdad emocional.

A nivel visual, su proyecto destaca por una estética de gótico moderno con elementos de fantasía oscura. Armaduras, espadas y escenarios naturales imponentes forman parte habitual de su imaginario, reforzando una narrativa épica que conecta con el contenido musical y amplifica su identidad artística.

Con la versión Cinematic Orchestral de Sisyphean, Serena Belle confirma su potencial como una de las nuevas voces más interesantes para los seguidores de bandas como Evanescence, Spiritbox o Within Temptation. Su propuesta logra unir la contundencia del metal con una sensibilidad pop y orquestal, creando un lenguaje propio que sigue creciendo y ganando alcance internacional.

Sisyphean (Cinematic Orchestral) ya se encuentra disponible para escuchar en plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Serena Belle, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Gonzalo Alhambra continúa afianzando su identidad artística con el lanzamiento de Yo no quiero nada, su nuevo single estrenado el 15 de enero de 2026, una canción que resume con honestidad emocional el momento creativo y personal que atraviesa el cantautor gaditano. Natural de Sanlúcar de Barrameda, Alhambra ha construido una trayectoria marcada por la fusión del pop melódico con raíces flamencas y ritmos latinos, una combinación que vuelve a cobrar protagonismo en este nuevo tema.

Yo no quiero nada se presenta como una declaración de amor y gratitud que pone en primer plano lo esencial frente a lo material. A través de una letra directa y sentida, Gonzalo expresa que no cambiaría el oro del mundo por la compañía, la mirada y la presencia de la persona amada. La canción transmite una sensación de plenitud íntima, donde la felicidad no depende de las posesiones ni de los logros externos, sino de compartir la vida con alguien que lo llena todo. Es una reflexión sencilla pero profunda, cargada de cercanía y verdad.

En lo musical, el single sigue la línea emocional que caracteriza al artista, apoyándose en una interpretación vocal honesta y cálida. La guitarra ocupa un lugar central, dialogando con una producción cuidada que incorpora matices actuales sin perder el sabor orgánico. El resultado es una canción que respira autenticidad y conecta desde la primera escucha, reforzando ese equilibrio entre tradición y modernidad que define el sonido de Gonzalo Alhambra.

Este lanzamiento se enmarca en una etapa de reconexión artística para el cantante. Tras darse a conocer al gran público en La Voz en 2020, donde logró que los cuatro coaches giraran sus sillas con su versión de Pienso en tu mirá de Rosalía, Gonzalo consolidó su presencia en televisión al convertirse en finalista de La Voz All Stars en 2023. Desde entonces, lejos de acomodarse, ha iniciado un proceso que él mismo define como un reset creativo, volviendo a sus raíces flamencas para construir un sonido que siente como el más fiel a su esencia.

Esa búsqueda ya se reflejó en trabajos recientes como su álbum Uno y en los singles publicados entre 2024 y 2025, donde el artista comenzó a dejar atrás un enfoque más puramente pop para abrazar con mayor claridad sus influencias andaluzas. Yo no quiero nada continúa ese camino, reafirmando una identidad musical madura y coherente, en la que la emoción y la verdad personal son el eje central.

La historia de Gonzalo Alhambra también destaca por su carácter autodidacta. Comenzó a tocar la guitarra y a componer mientras estudiaba Derecho, después de que unos amigos le regalaran su primera guitarra, un gesto que acabaría marcando el rumbo de su vida. Ese recorrido, construido desde la constancia y la autenticidad, fue reconocido con el premio Andalucía Excelente 2024 en la categoría de Artista Revelación, un hito que confirma su crecimiento dentro de la escena musical española.

Con Yo no quiero nada, Gonzalo Alhambra vuelve a demostrar que su fortaleza está en decir mucho con poco, en emocionar sin artificios y en poner el corazón por delante de cualquier tendencia. Una canción que habla de amor desde la calma y la certeza, y que refuerza su posición como una de las voces más sinceras de su generación.

Yo no quiero nada ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Gonzalo Alhambra, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Twinsello continúa consolidando su identidad musical con el lanzamiento de Veneno, un single que refleja con claridad la esencia del proyecto formado por los hermanos Bastien y Damien Rosello Alcala. Estrenada el 12 de diciembre de 2025, la canción se presenta como una propuesta cálida y honesta que combina autenticidad instrumental, sensibilidad pop y una marcada influencia española, sin perder de vista los códigos de la chanson y la variedad francesa contemporánea.

Compuesta con instrumentos reales como guitarras, cajón y piano, Veneno apuesta por un sonido orgánico que refuerza la carga emocional de la canción. La producción huye de artificios innecesarios y se apoya en una fusión actual que respira cercanía, permitiendo que el mensaje llegue de forma directa. La letra gira en torno a una relación amorosa intensa y complicada, utilizando la metáfora del veneno para describir un sentimiento que, aunque doloroso y casi maldito, se lleva en la sangre y resulta imposible de ignorar.

El tema cuenta además con la colaboración de Los Hermanos del Sur, cuya participación aporta un matiz rumbero y flamenco muy reconocible, enriqueciendo la canción con un aire festivo y pasional que contrasta con la crudeza emocional del relato. Esta mezcla de luces y sombras es una de las claves que ha permitido que Veneno conecte rápidamente con la comunidad del grupo, encontrando un fuerte eco gracias a su energía envolvente y a la sinceridad de su mensaje.

En los créditos del single, Bastien Rosello Alcala asume un rol fundamental al encargarse de los sintetizadores, el piano, la percusión y las voces, reafirmando su faceta como motor instrumental y técnico del proyecto. Damien Rosello Alcala lidera las voces principales, aportando carácter y emoción a la interpretación. A ellos se suman músicos como Vincent Gimenez en la guitarra, Michel Gimenez en la percusión y Yassine Bouzian al piano, completando un equipo que refuerza el carácter artesanal y cuidado de la producción.

Aunque Twinsello es un grupo que ha comenzado a ganar mayor visibilidad en los últimos tiempos, su trayectoria ya incluye temas como Les yeux de la Mama, Alegría junto a Luján y La Fama. Su propuesta se distingue por el empaste natural de sus armonías vocales, fruto del vínculo familiar, y por una fusión constante entre el pop moderno y raíces tradicionales, especialmente vinculadas a la rumba y a la música mediterránea. Con Veneno, el dúo reafirma su versatilidad y su capacidad para transformar vivencias emocionales complejas en canciones cercanas, bailables y profundamente humanas.

Veneno ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Twinsello, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Gerard Flores presenta Ruge, un tema concebido como un auténtico himno de pop latino con ADN EDM, diseñado para acompañar el movimiento del cuerpo tanto en la pista de baile como en plena rutina de entrenamiento. La canción irrumpe con drops explosivos, sintetizadores palpitantes y una base rítmica de inspiración latina que mantiene la energía en constante ascenso, al mismo tiempo que propone un mensaje que va mucho más allá del beat.

A nivel lírico, Ruge se construye como un relato de superación personal. La canción habla de enfrentarse a los demonios internos, de atravesar inseguridades y transformar la duda en fortaleza. Gerard utiliza la metáfora del rugido como un acto de afirmación, una manera de encontrar la propia voz, apropiarse del poder individual y responderle al mundo con más fuerza que nunca. El resultado es una pieza intensa y motivadora que conecta desde la emoción, ofreciendo un mensaje cercano que resuena incluso cuando la música se detiene.

Este lanzamiento encaja de forma natural con la misión artística de Gerard Flores, un cantante y actor bilingüe nacido en Buenos Aires que actualmente vive y desarrolla su carrera en Los Ángeles. Tras una etapa de gran éxito en Argentina dentro de la televisión, el teatro y la música, Gerard decidió dar el salto a Estados Unidos con la intención de llevar su propuesta artística a un nuevo nivel. Su visión se apoya en ofrecer un estándar de performance de primer nivel dentro del pop latino, tomando como referencia la presencia escénica de artistas como JLo, el magnetismo de Ricky Martin y la potencia coreográfica de Chayanne.

La identidad musical de Gerard se caracteriza por una fusión moderna de pop, flamenco y reggaetón, pensada para conectar culturas y romper barreras. Esa mezcla sonora se ve reforzada por un mensaje profundamente personal. Víctima de bullying durante su infancia, Gerard vivió de cerca el aislamiento que implica sentirse diferente. Fue la música la que transformó su manera de verse a sí mismo, convirtiendo aquello que percibía como una debilidad en una fuente de poder. Hoy, su proyecto artístico busca inspirar a otros a celebrar sus diferencias y a vivir desde la autenticidad, sin importar religión, raza, sexo, orientación sexual o imagen.

Ruge forma parte del primer EP de Gerard como solista, un trabajo que cuenta con un sólido respaldo creativo. Para este proyecto, ha colaborado con el productor Trevor Muzzy, nominado en múltiples ocasiones a los premios Grammy y conocido por su trabajo con artistas como JLo, Lady Gaga, Alejandro Sanz, Pablo Alborán y RedOne. En el apartado de composición, Gerard ha coescrito las canciones junto a la compositora sueca Aleena Gibson, quien ha trabajado con nombres como Jason Derulo, Nick Carter, Chenoa y David Bisbal.

Antes de iniciar esta nueva etapa internacional, Gerard desarrolló una extensa carrera en Argentina. Fue parte del elenco diario del programa de mayor audiencia del país, Susana Giménez, participando en más de 300 episodios a lo largo de varios años. También recorrió Latinoamérica con el musical Lucía la Maga, dirigido por Valeria Lynch, y posteriormente protagonizó seis producciones musicales que giraron por toda Sudamérica. Ya en Estados Unidos, ha participado en series y películas como From Dusk Till Dawn: The Series, Harbinger: The Movie y My Secret Lake, además de aparecer en múltiples campañas publicitarias internacionales. A esto se suma su faceta como creador, al haber escrito y producido la webserie Just Living: The Series, disponible en Amazon Video.

Con Ruge, Gerard Flores reafirma su compromiso de unir música, movimiento y mensaje, demostrando que el pop también puede ser una herramienta de transformación personal y colectiva. Ruge ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Gerard Flores, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Redsky irrumpe con fuerza en la escena urbana con Morceau 2 Kobe, un single que condensa la identidad más visceral del artista y lo posiciona dentro del panorama del trap y el drill contemporáneo. Lejos de los discursos edulcorados, la canción se presenta como una descarga directa de tensión, inconformismo y necesidad de avanzar, envuelta en un sonido crudo y una estética oscura que refuerzan su carácter confrontativo.

El título del tema funciona como un homenaje explícito a Kobe Bryant, una figura que dentro de la cultura hip-hop simboliza la disciplina extrema, la obsesión por la excelencia y la resiliencia frente a la adversidad. En Morceau 2 Kobe, Redsky se apropia de esa “Mamba Mentality” para convertirla en un manifiesto personal, donde la superación individual y el deseo de triunfo se enfrentan a un entorno que duda, juzga o directamente bloquea los sueños ajenos. La canción se mueve entre la introspección y la agresividad, utilizando el drill como vehículo para expresar una mentalidad de lucha constante.

Musicalmente, el single destaca por una base pesada y opresiva, con una producción técnica cuidada que sostiene un flow firme y marcado por el pulso del drill moderno. Redsky utiliza el ritmo como un arma, encajando cada frase con precisión sobre la instrumental, mientras la letra construye un relato de ambición, cansancio y determinación. El resultado es un tema que no busca agradar, sino impactar, generando una atmósfera tensa que refuerza el mensaje de fondo.

Redsky se mueve en una escena urbana completamente distinta, donde el misterio forma parte esencial de su propuesta artística. Su estética oscura y su bajo perfil público desplazan el foco hacia la música y la narrativa visual de sus videoclips, creando un universo propio en el que predominan las sombras, la crudeza y una sensación constante de urgencia. Este enfoque le permite conectar con una audiencia que busca autenticidad y una representación más realista del malestar y la ambición en el entorno urbano.

Morceau 2 Kobe se ha convertido en una de las piezas más significativas de su catálogo reciente, ayudándolo a ganar visibilidad y tracción en plataformas digitales. Durante finales de 2025, el single logró posicionarse en listas de reproducción centradas en el new drill y el descubrimiento urbano, consolidando a Redsky como una voz emergente dentro del género y confirmando que su propuesta no pasa desapercibida.

Con este lanzamiento, Redsky reafirma su lugar dentro de una nueva generación de artistas que utilizan el trap y el drill como herramientas de expresión cruda, directa y sin filtros, donde la música funciona tanto como desahogo personal como declaración de intenciones frente al mundo.

Lérica y Sarayma firman una de las colaboraciones más comentadas del inicio de 2026 con el lanzamiento de “Los borrachos no mienten”, un single estrenado el pasado 16 de enero bajo el sello de Warner Music Spain que conecta de forma natural el pop urbano más bailable con el flamenco contemporáneo. El resultado es una canción directa, emocional y pegadiza que apunta a convertirse en uno de los himnos de las fiestas de este año.

El dúo gaditano Lérica, formado por Tony Mateo y Juan Carlos Arauzo, continúa consolidando su posición como referentes del llamado flamenkito urbano. Tras comenzar su trayectoria como trío, el proyecto encontró su identidad definitiva como dúo y hoy suma millones de reproducciones, situándose entre los grupos más escuchados del panorama nacional. Su fórmula, basada en la fusión de pop, sonidos tropicales, bases urbanas y un inconfundible aire rumbero y flamenco, ha dado lugar a éxitos como “Flamenkito” junto a Belinda, “De Tranquilote” o su reciente paso por el Benidorm Fest 2024 con “Astronauta”, ampliando su público sin perder frescura.

A esta ecuación se suma la voz de Sarayma, nombre artístico de Saray Pérez Sánchez, una de las artistas más respetadas del flamenco-pop actual. Nacida en Algeciras y criada en una familia profundamente ligada al flamenco, comenzó a cantar a los siete años y desarrolló una voz rasgada y profunda que se ha convertido en su sello personal. Aunque su formación parte de las raíces más puras y del aprendizaje junto a grandes flamencólogos, Sarayma ha sabido evolucionar y adaptar su arte a sonidos latinos y urbanos sin renunciar a su identidad, como demostró con su ya clásico “Algo especial en ti”.

“Los borrachos no mienten” explora esa honestidad impulsiva que aparece en medio de una noche de fiesta, cuando el alcohol y el calor del momento empujan a decir lo que se siente sin filtros. La letra se mueve entre la nostalgia, el deseo y la valentía repentina para confesar un amor guardado, conectando con una situación cotidiana y emocionalmente reconocible. Frases como “aprovecho que entré en calor para decirte lo que sentí” resumen el espíritu de una canción que habla de atreverse, aunque sea tarde o de forma imperfecta.

En lo sonoro, el tema combina el ritmo festivo y bailable característico de Lérica con la fuerza interpretativa y el pellizco flamenco de Sarayma. La producción moderna equilibra ambos universos, logrando un sonido que funciona tanto en radio como en pistas de baile, sin perder ese aroma sureño que le da carácter. En la composición participan los propios integrantes de Lérica junto a autores como Luis de Perikín, figura clave del flamenco actual, lo que garantiza autenticidad y solidez artística.

Con un estribillo que se queda a la primera escucha y una historia que muchos pueden sentir como propia, “Los borrachos no mienten” se presenta como una colaboración natural y efectiva, donde dos mundos se encuentran sin forzar la mezcla. “Los borrachos no mienten” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Lérica y Sarayma, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.